Un dibujante (también creador de historieta) es un artista visual que se especializa en dibujar dibujos animados. Este trabajo a menudo se crea para entretenimiento, comentario político o publicidad. Los dibujantes pueden trabajar en muchos formatos, como animación, folletos, historietas, cómics, dibujos animados editoriales, novelas gráficas, manuales, caricaturas de chistes, diseño gráfico, ilustraciones, guiones gráficos, carteles, camisetas, libros, anuncios, tarjetas de felicitación, revistas, periódicos y empaques de videojuegos.
Un humorista gráfico es una persona que tiene por destacada ocupación dibujar viñetas, dibujos humorísticos o tiras cómicas en publicaciones impresas tales como diarios o revistas. El humorista dibuja sus viñetas con intención de divertir y entretener a los lectores, y/o para ilustrar de forma humorística los sucesos de actualidad que aparecen en una determinada publicación. Sus creaciones son generalmente compatibles con una presentación corta, a veces reducida a un solo cuadro (a una sola viñeta), lo que se ajusta muy bien para su inserción en publicaciones periódicas.
Entre las ocupaciones del humorista gráfico figuran el estar al tanto de las noticias de actualidad de forma que le sirvan de inspiración para confeccionar sus dibujos. Periódicamente y dentro del plazo establecido, envía sus trabajos a la redacción para su aprobación. Discute con el editor la línea ideológica y estética que deben seguir sus creaciones, y modifica o corrige sus dibujos en función de la misma.
A humoristas son buenos caricaturistas y representan en las viñetas a las personas de la actualidad política, social o cultural del país, en situaciones extravagantes o curiosas, buscando provocar la sonrisa del lector. Generalmente, los dibujantes desarrollan personajes propios con una personalidad determinada que es fácilmente reconocida por los lectores.
El humorista gráfico puede especializarse en realizar bien una viñeta individual o bien tiras cómica que en unas cuantas viñetas representan una historieta corta. Algunos humoristas publican sus trabajos exclusivamente para una publicación, mientras que otros las distribuyen a través de agencias de modo que aparecen en diferentes medios, incluso pertenecientes a diferentes regiones o países.
El humorista gráfico en muchos casos va más allá del simple entretenimiento y de la humorada. En efecto, una noticia que por ejemplo destaque un comportamiento inadecuado de una personalidad pública, si es acompañado con un cuadro gráfico conveniente, refuerza al artículo en cuestión, y provoca en muchos casos que lo esencial del contenido transmitido permenezca por más tiempo en la memoria de los lectores.
El escritor satírico y editorialista inglés William Hogarth, que surgió en el siglo XVIII, ha sido acreditado con el arte secuencial occidental pionero. Su trabajo varió de retratos realistas a series de imágenes tipo cómic llamadas «temas morales modernos». Gran parte de su trabajo se burló de la política y las costumbres contemporáneas; las ilustraciones en tal estilo se refieren a menudo como «Hogarthian». Siguiendo el trabajo de Hogarth, las caricaturas políticas comenzaron a desarrollarse en Inglaterra en la última parte del siglo XVIII bajo la dirección de sus grandes exponentes, James Gillray y Thomas Rowlandson, ambos de Londres. Gillray exploró el uso del medio para satirizar y caricaturizar, llamando al rey (George III), primeros ministros y generales a dar cuenta, y ha sido referido como el padre de la caricatura política.
Aunque nunca es un dibujante profesional, a Benjamin Franklin se le atribuye haber publicado la primera caricatura en un periódico estadounidense. En el siglo XIX, los dibujantes profesionales como Thomas Nast introdujeron otros símbolos políticos familiares estadounidenses, como el elefante republicano.
Durante el siglo 20, numerosas revistas llevaron caricaturas mordaza de un solo panel por caricaturistas independientes como Charles Addams, Irwin Caplan, Chon Day, Clyde Lamb y John Norment. Estos casi siempre se publicaron en blanco y negro, aunque a menudo Collier llevaba caricaturas en color. El debut de Playboy introdujo caricaturas a todo color de Jack Cole, Eldon Dedini, Roy Raymonde y otros. Los caricaturistas de panel único sindicados para los periódicos incluyen a Dave Breger, Hank Ketcham, George Lichty, Fred Neher, Irving Phillips y J. R. Williams.
Las tiras cómicas recibieron una distribución generalizada de los principales periódicos por parte de sindicatos como Universal Press Syndicate, United Media o King Features. Las tiras de los domingos van a una empresa de coloración como American Color antes de que se publiquen.
Algunos creadores de historietas publican en la prensa alternativa o en Internet. Los artistas de cómic a veces también trabajan en forma de libro, creando novelas gráficas. Tanto las tiras vintage como las actuales reciben reimpresiones en colecciones de libros.
Los principales editores de cómics (como Marvel o DC) utilizan equipos de dibujantes para producir el arte (por lo general, separando el trabajo con lápiz, entintando y poniendo letras mientras el color se agrega digitalmente por coloristas). Cuando se desea un estilo artístico consistente entre los diferentes dibujantes (como Archie Comics), las hojas de modelo de los personajes se pueden usar como referencia.
Calum MacKenzie, en su prefacio al catálogo de la exposición, The Scottish Cartoonists (Glasgow Print Studio Gallery, 1979) definió los criterios de selección:
La diferencia entre un dibujante y un ilustrador era la misma que entre un comediante y un actor de comedia: los dos entregan sus propias líneas y asumen la plena responsabilidad de ellos; estos últimos siempre pueden esconderse detrás del hecho de que no era su totalidad. creación.
La caricatura animada se crea para cortometrajes, publicidad, largometrajes y televisión. También se usa a veces en películas de acción real para secuencias de sueños o títulos de apertura. Un artista de animación se conoce comúnmente como un animador en lugar de un dibujante. Crean imágenes en movimiento también. Los estudios de animación como DreamWorks Animation, Pixar, Walt Disney Animation Studios y Blue Sky Studios crean CGI o películas animadas por computadora que son más tridimensionales.
Hay muchos libros de dibujos animados tanto en tapa blanda como en tapa dura, como las colecciones de dibujos animados de The New Yorker. Antes de los años 60, los dibujos animados eran ignorados en su mayoría por los museos y las galerías de arte. En 1968, el dibujante y comediante Roger Price abrió la primera galería de la ciudad de Nueva York dedicada exclusivamente a las caricaturas, principalmente obras de los principales dibujantes de caricaturas de la revista. Hoy en día, hay varios museos dedicados a las caricaturas, especialmente la Biblioteca y Museo de Dibujos Animados Billy Ireland, dirigida por la curadora Jenny E. Robb en la Universidad Estatal de Ohio.
Los artistas de historietas generalmente dibujan un dibujo a lápiz antes de repasar el dibujo en tinta china, usando un lápiz de inmersión o un pincel. Los artistas también pueden usar una caja de luz para crear la imagen final en tinta. Algunos artistas, Brian Bolland, por ejemplo, usan gráficos de computadora, con el trabajo publicado como la primera apariencia física de la obra de arte. Según muchas definiciones (incluida la de McCloud, arriba), la definición de cómics se extiende a los medios digitales, como los webcomics y el cómic móvil.
La naturaleza del trabajo de cómic que se está creando determina el número de personas que trabajan en su creación, produciendo historietas y comics exitosos a través de un sistema de estudio, en el que un artista reúne un equipo de asistentes para ayudar a crear el trabajo. Sin embargo, trabajos de compañías independientes, autoeditores o de naturaleza más personal pueden ser producidos por un solo creador.
Dentro de la industria del cómic de América del Norte, el sistema de estudio se ha convertido en el principal método de creación. A través de su uso por parte de la industria, los roles se han codificado en gran medida, y la gestión del estudio se ha convertido en responsabilidad de la empresa, con un editor que desempeña las funciones de gestión. El editor reúne una cantidad de creadores y supervisa el trabajo para su publicación.
Cualquier número de personas puede ayudar en la creación de un cómic de esta manera, desde un trazador, un desglose, un dibujante, un inker, un scripter, un letrero y un colorista, con algunos roles que realiza la misma persona. .
Por el contrario, una tira cómica tiende a ser el trabajo de un creador único, generalmente llamado caricaturista. Sin embargo, no es inusual que un caricaturista emplee el método de estudio, especialmente cuando una tira tiene éxito. Mort Walker empleó un estudio, mientras que Bill Watterson y Charles Schulz no lo hicieron. Los caricaturistas Gag, políticos y editoriales tienden a trabajar solos también, aunque un dibujante puede usar asistentes.
Estilos de arte:
Mientras que casi todo el arte del cómic se abrevia en cierto sentido, y también, mientras que cada artista que ha producido cómics aporta su propio enfoque individual, se han identificado algunos estilos de arte más amplios. Los artistas de cómics Cliff Sterrett, Frank King y Gus Arriola a menudo usaban fondos inusuales y coloridos, a veces virando hacia el arte abstracto.
Los estilos básicos han sido identificados como realistas y caricaturescos, con un gran término medio por el cual R. Fiore ha acuñado la frase liberal. Fiore también expresó disgusto con los términos realista y caricaturesco, prefiriendo los términos literal y estilo libre, respectivamente.
Scott McCloud ha creado «The Big Triangle» como una herramienta para pensar sobre el arte del cómic. Coloca la representación realista en la esquina inferior izquierda, con la representación icónica, o el arte de dibujos animados, en la parte inferior derecha, y un tercer identificador, la abstracción de la imagen, en el vértice del triángulo. Esto permite la colocación y agrupación de artistas por triangulación.
El estilo de dibujos animados utiliza efectos de cómic y una variación de los anchos de línea para la expresión. Los personajes tienden a tener una anatomía redondeada y simplificada. Los exponentes de este estilo son Carl Barks y Jeff Smith.
El estilo realista, también conocido como el estilo de aventura, es el desarrollado para su uso dentro de las franjas de aventura de la década de 1930. Exigieron una apariencia menos caricaturesca, centrándose más en la anatomía y las formas realistas, y utilizaron las ilustraciones que se encuentran en las revistas de pulpa como base. Este estilo se convirtió en la base del estilo del cómic de superhéroes desde que Joe Shuster y Jerry Siegel originalmente trabajaron en Superman para su publicación como una tira de aventuras.
McCloud también señala que, en varias tradiciones, existe una tendencia a que los personajes principales se dibujen de manera bastante simplista y caricaturesca, mientras que los fondos y el entorno se representan de manera realista. Por lo tanto, argumenta, el lector se identifica fácilmente con los personajes (ya que son similares a la idea de uno mismo), mientras está inmerso en un mundo, eso es tridimensional y texturizado. Buenos ejemplos de este fenómeno incluyen Hergé Las aventuras de Tintín (en su «marca personal» estilo Ligne claire), el Espíritu de Will Eisner y el Buda de Osamu Tezuka, entre muchos otros.
Herramientas:
Los artistas usan una variedad de lápices, pinceles o papel, típicamente cartón Bristol, y una tinta impermeable. Al entintar, muchos artistas prefirieron usar un cepillo Winsor & Newton Series 7, # 3 como la herramienta principal, que podría usarse junto con otros cepillos, bolígrafos, una pluma estilográfica y / o una variedad de bolígrafos o marcadores técnicos. . Los tintes mecánicos se pueden emplear para agregar un tono gris a una imagen. Un artista puede pintar con acrílicos, gouache, pinturas para carteles o acuarelas. El color también se puede lograr a través de crayones, pasteles o lápices de colores.
Eraser, rulers, templates, set squares y T-square ayudan a crear líneas y formas. Una mesa de dibujo proporciona una superficie de trabajo en ángulo con lámparas a veces unidas a la mesa. Una caja de luz permite a un artista rastrear el trabajo de su lápiz al entintar, lo que permite un acabado más suelto. Cuchillos y bisturíes satisfacen una variedad de necesidades, incluyendo tablas de cortar o errores de raspado. Una estera de corte ayuda a recortar el papel. El blanco de proceso es un material blanco opaco grueso para cubrir errores. Los adhesivos y las cintas ayudan a componer una imagen de diferentes fuentes.