Museo Nacional Capodimonte, Nápoles, Italia

El Museo Nacional de Capodimonte es un museo en Nápoles, Italia, ubicado dentro del palacio homónimo en el área de Capodimonte, que alberga varias galerías de arte antiguas, una de arte contemporáneo y un apartamento histórico.

Fue inaugurado oficialmente como museo en 1957, aunque las salas del palacio han albergado obras de arte desde 1758. Principalmente conserva pinturas, distribuidas principalmente en las dos colecciones principales, el Farnese, que incluyen algunos de los más grandes nombres de la pintura italiana e internacional. . como Rafael, Tiziano, Parmigianino, Brueghel el Viejo, El Greco, Ludovico Carracci o Guido Reni; y la Galería Napolitana, que se compone de obras de iglesias en y alrededor de la ciudad, transportada a Capodimonte por razones de seguridad después de la supresión de las órdenes religiosas, y presenta obras de artistas como Simone Martini, Colantonio, Caravaggio, Ribera, Luca Giordano o Francesco Solimena. La colección de arte contemporáneo también es importante, en la que se destaca el Vesubio de Andy Warhol.

El Museo Capodimonte cuenta con 47,000 obras de arte que forman una de las colecciones más grandes y complejas de arte medieval, temprano moderno, moderno y contemporáneo del mundo. En 126 galerías repartidas en 151,000 pies cuadrados, se exhiben obras de los grandes artistas como: Miguel Ángel, Caravaggio, Rafael, Tiziano, Botticelli, Simone Martini, Giovanni Bellini, Colantonio, Artemisia Gentileschi, Jusepe de Ribera, Battistello, Luca Giordano, Mattia Preti, Francesco Solimena, Carracci, Guido Reni, Lanfranco, Bruegel el Viejo y Van Dyck, por nombrar algunos.

Todo comenzó con la Colección Farnese que Carlos I de Borbón, hijo del Rey de España, heredó de su madre Elisabetta y se llevó con él a Nápoles en 1735, con el deseo de exhibirlo en este palacio en la cima de la colina. La construcción del Palacio comenzó en 1738, para funcionar como galería de imágenes y pabellón de caza. Capodimonte es el único museo italiano que, además de representar a casi todas las escuelas de arte italiano moderno temprano, también puede presumir de obras de artistas contemporáneos como Burri, Paolini, Bourgeois, Warhol y Kiefer.

El Parque Real de Capodimonte, con sus 300 acres y más de 400 especies de plantas, es un espacio verde virgen que domina la ciudad y el Golfo de Nápoles. Aquí se plantaron especies exóticas, incluidos los primeros árboles de mandarina en Italia. Es el parque urbano más grande de Italia, con aproximadamente 1,500,000 visitantes al año. Dentro del Royal Park puedes admirar el último jardín barroco de diseño sino-inglés repleto de raras fragancias orientales.

Majestuosamente ubicado en su Parque Real con vista a la Bahía de Nápoles, Capodimonte ofrece una combinación verdaderamente singular de belleza artística y natural que es completamente única en todo el mundo.

Visión general
El Museo Nacional de Capodimonte se extiende sobre los tres niveles del palacio de Capodimonte y la disposición de las obras se remonta a las últimas obras de restauración que se llevaron a cabo desde principios de los años ochenta hasta 1999: en la planta baja, pero también aprovechando el áreas de sótano, hay servicios para visitantes y algunas salas de enseñanza, en el entrepiso se encuentra el Gabinete de Dibujos y Grabados, y las exposiciones de los carteles privados y de Apple del siglo XIX, en el primer piso se encuentra la Galería Farnese, la colección Borgia , el Apartamento Real, la colección de porcelana, la colección De Ciccio y la Armería Farnese y Bourbon, en el segundo piso se encuentra la Galería Napolitana, la colección Avalos, la sala de los tapices de Avalos y la sección de arte contemporáneo: esta última también continúa en el tercer piso donde también se encuentra la galería del siglo XIX y la galería de fotos.

Planta baja, sótano y entreplanta.
En la planta baja hay servicios para visitantes como taquilla, librería, cafetería y guardarropa: también hay un auditorio capaz de albergar conferencias, proyecciones, traducciones simultáneas y conciertos en vivo, embellecido en las paredes con dos tapices de la colección d ‘ Avolos En el atrio, ante la escalera de honor de Júpiter que electrocuta a los titanes, escultura en bizcocho de Filippo Tagliolini y una instalación de 1989 de Luciano Fabro titulada Juego norte, sur, oeste y este en Shanghai, en aluminio y hierro, mientras está en el jardín. , justo antes de la entrada, una obra de arte contemporáneo, Southern Cross Southern Sign, de Eliseo Mattiacci.

En el sótano hay dos salas de enseñanza: la primera, llamada sala Sol LeWitt, que lleva el nombre de su creador, se utiliza para reuniones, conferencias, exposiciones, seminarios y conciertos reservados para un público joven con una instalación del propio LeWitt llamada Bandas blancas en una sala negra, mientras que la segunda, la sala Causa, se extiende sobre 700 m² y se utiliza principalmente para exposiciones temporales.

En el entrepiso se encuentra la colección Mele: estos son carteles publicitarios de los grandes almacenes Mele, abiertos en Nápoles en 1889 por los hermanos Emiddio y Alfonso Mele y donados al museo Capodimonte en 1988. Estos representan un importante testimonio de la figuración napolitana. lenguaje en un período comprendido entre finales del siglo XIX y principios del siglo XX: los carteles fueron encargados del Taller Gráfico Ricordi y los dibujos realizados por artistas como Franz Laskoff, Leopoldo Metlicovitz, Leonetto Cappiello, Aleardo Villa, Gian Emilio Malerba , Achille Beltrame y Marcello Dudovich. También en el entresuelo, en el ala sur del edificio, se encuentra el Gabinete de Dibujos y Grabados, cuya exposición comenzó en 1994: se recogen alrededor de dos mil quinientas hojas y veinticinco mil impresiones, que van desde dibujos preparatorios hasta dibujos de autores como Annibale Carracci, Guido Reni y Giovanni Lanfranco, de los cuales se recogen unas cuatrocientas hojas preparatorias para frescos hechos en iglesias napolitanas, pero también Pontormo, Tintoretto, Andrea del Sarto, Jusepe de Ribera y Aniello Falcone. Las mismas salas también exhiben las colecciones del conde Carlo Firmian, compradas en 1782 y que recogen más de veinte mil impresiones de Albrecht Dürer, Stefano della Bella, Giovanni Benedetto Castiglione y Rembrandt, y la colección Borgia, comprada en 1817, que comprende ochenta y seis acuarelas y diseños indios. También hay otras colecciones, donadas después de la apertura del museo, como la de Mario y Angelo Astarita, ofrecidas en 1970, que consisten en cuatrocientos diecinueve dibujos, acuarelas y óleos de artistas de la escuela Posillipo, entre los que se encuentra Giacinto Gigante. fuera, o compras estatales como la colección de sesenta y cuatro estudios y relieves del arquitecto Federico Travaglini. El entrepiso se completa con la colección privada del siglo XIX: creada en 2012 en el ala sur del edificio, recoge pinturas de los siglos XIX y XX en siete salas; originalmente estas habitaciones, de 1816, albergaban el departamento privado de Ferdinando I, para ser utilizado por la princesa Carolina a mediados del siglo XIX y, por lo tanto, destinado a la rama cadete de la familia de los duques de Aosta en la primera mitad del siglo XX. siglo: con el establecimiento del museo en 1957, las salas acogieron con beneplácito las oficinas de la Superintendencia, mientras que, durante las obras de restauración en los años noventa, volvieron a su aspecto arquitectónico original, destinado al uso del museo con la adición de muebles napolitanos, Telas y cortinas.

La sala 1 está dedicada a la corriente neoclásica con obras de Vincenzo Camuccini, las salas 2 y 3 recogen paisajes napolitanos de autores de la escuela Posillipo como Anton Sminck van Pitloo, Gigante y los hermanos Palizzi, en la sala 4 pinturas de realismo de la segunda mitad. del siglo XIX con artistas como Vincenzo Gemito, Domenico Morelli, Michele Cammarano y Giuseppe De Nittis, en la sala 5 obras inspiradas en el arte oriental y en las salas 6 y 7 diferentes donaciones de particulares o artistas como Gioacchino Toma, Achille D ‘ Orsi, Giovanni Boldini eGiacomo Balla.

Primer piso
El primer piso se divide en las áreas de la Galería Farnese y el Apartamento Real: en particular, la Galería Farnese incluye las habitaciones que van desde la habitación 2 a la habitación 30 donde se encuentra la colección Farnese, excluyendo la habitación 7, dedicada a la colección Borgia , y el 23, mientras que las habitaciones de la habitación 31 a la habitación 60, a las que se agrega la habitación 23, albergan la sección del Apartamento Real, que se caracteriza por las habitaciones 35 y 36 dedicadas a la Galleria delle Porcellane, de las habitaciones 38 a 41 dedicadas a la colección De Ciccio y las salas que van del 46 al 50 reservadas para la Armería Farnesiana y Borbónica.

Galería Farnese
La colección Farnese da su nombre a la galería del mismo nombre y todas las obras están ordenadas por área de origen en secuencia temporal: la colección fue iniciada a mediados del siglo XVI por el Papa Pablo III, quien la recogió en su palacio en Campo de ‘Fiori tanto obras antiguas, especialmente estatuas de hallazgos arqueológicos en el área de Roma como de los baños de Caracalla, y obras modernas, en su mayoría pictóricas de artistas como Rafael, Sebastiano del Piombo, El Greco y Tiziano. Con Ottavio Farnese y su hijo Alessandro, durante el siglo XVII la colección se enriqueció con numerosas piezas, gracias también a la donación, en 1600, de Fulvio Orsini al cardenal Odoardo y a la confiscación, en 1612, de las pertenencias de algunos miembros de la aristocracia de Parma y Piacenza, responsables de una conspiración tramada el año anterior contra Ranuccio I Farnese. Por lo tanto, obras de artistas como Correggio y Parmigianino se convierten en parte de la colección, junto con las compras de los palacios romanos. Además, cuando Alejandro se convirtió en soberano de los Países Bajos, junto a la escuela pictórica italiana también se agregó la flamenca: sin embargo, según algunas fuentes de la época, el monarca no habría sido un coleccionista cuidadoso a diferencia de su padre y madre Margherita de Austria . En 1693 se agregó la colección de Margherita Farnese, hermana de Ranuccio. Más tarde, la colección pasó a manos de Isabel, y luego a su hijo Carlos de Borbón, quien cuando se convirtió en rey de Nápoles transfirió todas las obras a la capital de su reino: se expandió aún más con nuevas adquisiciones también con objetos de ámbar, bronce, roca. cristal, mayólica y plata, la colección se encontraba en el palacio especialmente diseñado de Capodimonte. Sin embargo, a lo largo de los años, la colección se trasladó a varios edificios de la ciudad hasta el final de la Segunda Guerra Mundial, cuando se decidió una reorganización de los museos napolitanos: la estatua permaneció en el Museo Arqueológico Nacional, mientras que las pinturas se trasladaron nuevamente a El palacio de Capodimonte en el museo del recién nacido, restaurando la antigua galería Farnesian.

La sala 2 marca la entrada a la Galería Farnese y permite una vista, con sus pinturas, de las personalidades prominentes de la familia Farnese: muchas de las obras presentes, como el Retrato de Pablo III y el Retrato de Pablo III con los sobrinos Alessandro y Ottavio Farnese, son obra de Tiziano, cuya colección de Capodimonte representa para el artista las más importantes y numerosas tanto en Italia como en el mundo; también hay pinturas de Rafael, como el Retrato del cardenal Alessandro Farnese, Giorgio Vasari y Andrea del Sarto, así como esculturas de Guglielmo Della Porta y un tapiz que representa el sacrificio de Alejandro.

La pequeña sala 3 está completamente dedicada a la Crucifixión de Masaccio; Esto no es parte de la colección Farnese, pero fue comprado en 1901 por un particular como obra de un florentino desconocido del siglo XV y solo más tarde se creía que era el compartimento central del Políptico de Pisa que Masaccio había hecho para el Carmín. iglesia en la capital pisana, luego dividida en varias piezas conservadas en otros museos europeos y americanos.

En la sala 4 se recogen cuatro dibujos al carbón: dos de Miguel Ángel, uno de Rafael y uno de Giovan Francesco Penni, perteneciente a Fulvio Orsini, y heredado, según la voluntad del miembro de la familia Farnese, de Ranuccio; las obras llegaron al palacio de Capodimonte en 1759, bajo Giuseppe Bonaparte, luego fueron transferidas al Palacio Real de Estudios, constituyendo el núcleo principal del Gabinete de Dibujos y Grabados y finalmente traídas de vuelta al palacio de Capodimonte. En la misma sala hay una pintura atribuida a Hendrick van den Broeck, Venus y Cupido, una copia del carbón homónimo de Miguel Ángel, exhibida a su lado y el tema de numerosas réplicas también de otros artistas.

Desde la sala 5 las obras están ordenadas cronológicamente y divididas por áreas culturales: entre las principales destacan dos paneles de Masolino da Panicale, la Fundación de Santa Maria Maggiore y la Asunción de la Virgen, elementos centrales de un tríptico originalmente colocado en el altar de la basílica de Santa Maria Maggiore en Roma.

La sala 6 contiene pinturas de las colecciones farnesa y borbónica de Umbrian – artistas del Renacimiento toscano, que muestran las novedades pictóricas de la época, como el uso de la perspectiva: artistas como Filippino Lippi, Lorenzo di Credi, Sandro Botticelli son parte de ella. , Raffaellino del Garbo y Raffaello, con su eterna juventud trabajando entre querubines y la cabeza de Madonna, el trabajo principal en la sala; El lienzo de Francesco Zaganelli, con el Cristo cargando la cruz, parte del tema predominante, más cerca de la pintura de Durero.

A partir de la sala 8 comienza esa serie de habitaciones, orientadas a lo largo del lado occidental del edificio, que ya en el siglo XVIII albergaba las primeras pinturas de la colección Farnese: el techo de la sala, junto con el de las salas 9 y 10, todavía tiene frescos decorativos del siglo XIX, luego restaurados durante los años cincuenta del siglo XX; En la sala hay obras pictóricas de arte veneciano datadas entre el XV y principios del siglo XVI con artistas como Bartolomeo Vivarini, Andrea Mantegna y Lorenzo Lotto, todos pertenecientes a la colección Farnese, mientras que obras de otros autores como Giovanni Bellini y Jacopo de ‘Barbarithey están vinculados a las compras borbónicas. Los lienzos muestran todas las innovaciones del período histórico en el que fueron pintados, como el refinamiento cromático, el uso de la perspectiva aérea y el papel clave de la luz.

La sala 9 muestra obras de Sebastiano del Piombo, Giulio Romano y Daniele da Volterra, en testimonio de la ferviente temporada artística romana del siglo XVI; En la sala también hay tres pinturas, Madonna del Velo y Retrato de Clemente VII con la barba de Sebastiano del Piombo y Retrato de un joven de Daniele da Volterra, realizadas en pizarra, una técnica experimental utilizada como alternativa al lienzo y Los paneles. La copia de Miguel Ángel del Juicio Final pintada por Marcello Venusti también es interesante, testimonio de cómo se veía el trabajo de la capilla Sixtina antes de las intervenciones de Daniele da Volterra para cubrir aquellas partes consideradas indecentes.

La sala 10 contiene las pinturas de artistas toscanos realizados en el primer cuarto del siglo XVI: Pontormo, Rosso, Fra Bartolomeo, Franciabigio, Andrea del Sarto, Domenico Puligo y Pieter de Witte, artistas que abrirán las puertas al manierismo.

La sala 11 recoge obras venecianas: en particular, las actividades de un Tiziano ya maduro como Danae, Retrato de una joven y Magdalena, de un joven Dominikos Theotokópoulos, más conocido como El Greco, un alumno de Tiziano y pintor de la corte del Farnese. y por Jacopo Palma el Viejo. De los primeros, cabe destacar que Boy sopla sobre una brasa ardiente, trabaja en un fuerte clave de claroscuro, con evidentes acentos caravaggescos.

La sala 12 contiene una de las colecciones de pintura emiliana del siglo XVI más importantes del mundo, resultado de la colección y confiscaciones de Farnese contra algunas familias de Piacenza y Parma que habían tramado una conspiración contra Ranuccio Farnese; entre los artistas: Correggio, con sus temas sagrados y mitológicos y figuras humanas con formas suaves y colores suaves, Parmigianino, uno de los protagonistas del manierismo italiano y de una pintura hecha de experimentos, Girolamo Mazzola Bedoli, Benvenuto Tisi de Garofalo, Dosso Dossi , Lelio Orsi e Ippolito Scarsella, los dos últimos con un característico cuento de hadas y una racha narrativa. Algunos bustos de mármol de la época romana completan el entorno.

La sala 13 recoge las obras de artistas que trabajaron en la corte de Farnese en Parma, un lugar en pleno fervor intelectual durante ese período: en particular, es Jacopo Zanguidi, más conocido como Bertoja, con una Virgen y un Niño, y Girolamo Mirola, que es También se unieron artistas extranjeros como Jan Soens.

La sala 14 es la Galería de cosas raras, comúnmente llamada Wunderkammer, o más bien una especie de sala de maravillas que tenía la tarea de cautivar y sorprender a los visitantes: además de las pinturas normales, recoge esas preciadas y raras obras de lo que queda de Artes decorativas de la colección Farnese, una vez alojado en la Galería Ducal de Parma. Entre las obras en la sala: la caja Farnese, hecha por Manno Sbarri con cristales grabados por Giovanni Bernardi, bronces de varias escuelas italianas y europeas como las de Giambolognaother con un estilo renacentista típico, como el David de Francesco di Giorgio Martini y el Cupido de Guglielmo Della Porta, y manierismos, monedas, objetos de marfil como una bandeja y una jarra de Johann Michael Maucher, medallas renacentistas de Pisanello, Matteo de ‘Pasti y Francesco da Sangallo, esmaltes, incluido uno que representa a Diana, la cazadora Diana de Jacob Miller el Viejo, mayólica de Urbino, que incluye un conjunto de mayólica azul perteneciente a Alessandro Farnese, cristales de roca, micrograbados de madera y artefactos exóticos y hallazgos como una piedra dura Ranocchia de México y la estatuilla de Huitzilopochtli, dios de la guerra azteca .

La sala 15 contiene solo las pinturas del pintor flamenco Jacob de Backer; Estas son siete obras que representan los siete pecados capitales, una tendencia muy popular en la cultura flamenca del siglo XVI: el vicio se representa en el centro de la pintura y detrás de las escenas del Nuevo y Antiguo Testamento. Las obras fueron compradas por Cosimo Masi en Flandes y confiscadas en 1611 por Ranuccio Farnese: cuando llegaron a Nápoles no tuvieron mucha suerte, tanto que las guardaron en los depósitos del Palazzo degli Studi antes de venderlas a la Cámara. de diputados en Roma, para embellecer los muros; Regresaron a Nápoles en 1952, beneficiándose de una nueva revaluación.

La sala 16 está dedicada a la pintura lombarda de los siglos XV y XVI, con una colección poco significativa, que vio su apogeo en centros como Cremona, Brescia, Bérgamo y, sobre todo, Milán: entre los artistas exhibidos Bernardino Luini y Cesare da Sesto, inspirado en Leonardo da Vinci y Giulio Cesare Procaccini, quien con su Virgen y el Niño y el Ángel muestra los signos de la rígida moralidad de la Contrarreforma en la pintura sagrada, donde, sin embargo, se encuentran los primeros signos del barroco; Algunos bustos de emperadores romanos completan la sala, originalmente exhibida en el Palazzo Farnese en Roma.

La sala 17 contiene pinturas de las áreas flamenca y alemana; en particular, se exhiben las dos obras maestras de Pieter Bruegel el Viejo, la parábola de los ciegos y el misántropo, que representan dos momentos de la fase madura del artista: comprado por Cosimo Masi, secretario del príncipe Alejandro, y confiscado por una familia farnesa a su heredero, Giovanni Battista Masi, en 1611. También hay trípticos, como la Crucifixión y la Adoración de los Magos de Joos van Cleve, con puertas móviles y ricos en elementos decorativos, tanto que parecen volver a aparecer. proponen elementos típicos del arte italiano y un grupo de pequeñas pinturas de Civetta que representan paisajes, ya mencionados en los inventarios del marqués Girolamo Sanvitale: otros artistas en exhibición son Jacob Cornelisz van Oostsanen y Bernard van Orley, este último con el Retrato de Charles V; La mayoría de estas pinturas son parte de la colección Farnese gracias a las adquisiciones del cardenal Odoardo a partir de 1641.

La sala 18 está dedicada casi por completo a Joachim Beuckelaer: no se sabe cuándo o quién compró las obras, pero ciertamente pertenecían a la colección Farnese de Parma ya en 1587, como se menciona en algunos inventarios familiares, junto con unas cuarenta pinturas que pertenecían al duque Ottavio y Ranuccio, en ese período en el que bodegones y escenas populares como las de los mercados y el campo, que proponen los lienzos, lograron un gran éxito en Italia. El único trabajo que no pertenece a Beuckelaer es Jesús entre los niños, de Maarten de Vos.

En la sala 19 se exhiben las obras de los exponentes de la familia Carracci, a saber, los hermanos Agostino y Annibale, los principales ejecutores de la familia Farnese, y el primo Ludovico: sus lienzos están condicionados por las privaciones impuestas por el Concilio de Trento, incluso si logran encontrar una nueva solución artística según la cual el artista debe tener una visión de la realidad para sacar la pintura italiana de ese estado de crisis.

La Sala 20 continúa coleccionando obras de la escuela Emilian con Annibale Carracci, esta vez presente con una pintura madura inspirada en mitos griegos como Rinaldo y Amida y el río Allegory, Giovanni Lanfranco y Sisto Badalocchio.

La habitación 21 está completamente dedicada a las pinturas de Bartolomeo Schedoni, un artista que vinculó su existencia profesional con la familia Farnese, trabajando para la familia entre Módena y Parma y asegurándoles la mayoría de sus obras, incluso aquellas que, después de su muerte, fueron depositados en la tienda: un erudito de Correggio, Federico Barocci y los Carracci, dejó a la luz la novedad predominante de sus pinturas, que combina figuras excéntricas.

La sala 22 todavía está dedicada a la pintura emiliana: la obra principal es la de Atalanta e Ippomene de Guido Reni, con quien se acercan Giovanni Lanfranco y Michele Desubleo; Todas las pinturas presentan esos temas y el estilo de la naciente corriente barroca.

La sala 24 contiene pinturas flamencas del siglo XVII con artistas como Antoon van Dyck y su Cristo crucificado, comprado por Diego Sartorio por 1.500 ducados, Pieter Paul Rubens y Daniel Seghers: son obras pertenecientes a la colección Farnese o compras posteriores y que ofrecen una comparación entre las pinturas italianas y holandesas de la época.

También en la sala 25 continúa la exposición de pintores flamencos, en particular de obras que abordan puntos de vista, un género que, desde finales del siglo XVI, tuvo un enorme éxito gracias también a la solicitud de burgueses adinerados que adoran adornar las paredes de sus edificios con lienzos que representan escenas de la vida cotidiana: entre los artistas expuestos en el entorno Sebastián Vrancx, Gillis Mostaert y Pieter Brueghel el Joven con Paisaje de Invierno.

Todavía se encuentran artistas flamencos en la sala 26: esta vez, sin embargo, el tema cambia a bodegones, que se extenderán enormemente a lo largo del siglo XVII; Estas son representaciones íntimas de escenas familiares con retratos de frutas, juegos, flores, platos y cristales, como lo demuestra el lienzo de David de Coninck Game and Animals o David Teniers the Younger con Kitchen Interior.

La sala 27 continúa con los artistas emilianos, en particular aquellos influenciados por la experiencia de la Accademia degli Incamminati: se exhiben obras de Ludovico Carracci, como la Caída de Simon Mago, que abre la visión a una nueva concepción del espacio y con signos de un barroco temprano, Domenichino con el Ángel Guardián, que en cambio permanece anclado al clasicismo, y Alessandro Tiarini, que continúa siguiendo el estilo de la escuela Caravaggesque.

El estilo manierista tardío de finales del siglo XVI se expresa en las obras conservadas en la sala 28 con artistas toscanos y ligures; importante en estas pinturas es el uso del color, casi dando un tono sobrenatural pero aún dando un brillo suave y difuminado: la Piedad de Cigoli, Venus y Adonis de Luca Cambiaso y San Sebastiano llevaron a la tumba de Domenico Cresti atestiguar esto.

La sala 29 alberga obras de diferentes orígenes y pertenecientes a diferentes clases culturales, lo que demuestra que la familia Farnese, debido a desacuerdos internos, ya no podía comisionar a los artistas para pinturas para su colección; Los más representativos de la sala son los artistas de Génova, una ciudad que vivió entre los siglos XVI y XVII una buena temporada artística: aceites característicos sobre cobre de Carlo Saraceni sobre temas mitológicos y obras de Orazio de Ferrari y Giovanni Battista Gaulli, mientras que Paisaje con la ninfa Egeria de Claude Lorrain proviene de la colección Bourbon.

La sala 30 concluye la colección Farnese: alberga las obras de Sebastiano Ricci, un veneciano del siglo XVII, uno de los pintores de la casa Farnese en Parma que disfrutó de la protección de Ranuccio; en la sala también la Sagrada Familia y los Santos de Giuseppe Maria Crespi.

Colección Borgia
La sala 7 alberga la colección Borgia: es una colección comprada en 1817 por Ferdinando I, propiedad del cardenal Borgia, quien, durante el siglo XVIII, recolectó, gracias a las diversas misiones católicas de todo el mundo, numerosos testimonios artísticos de la mayoría pueblos dispares, como los orientales y los exóticos. Las obras fueron preservadas por el cardenal tanto en un palacio romano como en su hogar en Velletri, donde dio origen a un museo real, abierto a eruditos y dividido en diez secciones: antigüedades egipcias, etruscas y volscas, grecorromana, romana, Arte del Lejano Oriente, antigüedades árabes, artefactos etnoantropológicos del norte de Europa, América Central y el Museo Sagrado, compuesto por obras relacionadas con la iconografía y la liturgia sagrada. Cuando murió el cardenal, las obras fueron heredadas por su sobrino Camillo Borgia y luego compradas por el gobernante borbónico: la colección se exhibió primero en el Museo Real de Borbón y luego, en 1957, se transfirió al palacio real de Capodimonte donde, después de mucho tiempo Inventario de obras, se exhiben tres secciones, a saber, el Museo Sagrado, la Toba Árabe y el Índice.

La colección incluye pinturas como Sant’Eufemia de Andrea Mantegna, Madonna and Child with Saints Peter, Paul and Antonio Abate de Taddeo Gaddi, Madonna and Child de Bartolomeo Caporali, Madonna de Jacopo del Casentino, San Sebastiano di Taddeo di Bartolo, las virtudes y escenas de la vida de Jason de Giovanni Bernardi; y todavía hay objetos de fabricación siria, española, birmana y francesa compuestos de varios materiales como el Políptico de la Pasión, en alabastro, de la escuela inglesa, vidrio, orfebres, esmaltes como Pace di Nicolò Lionello y marfiles, como La crucifixión bizantina del siglo X.

Apartamento Real
Desde la habitación 31 hasta la habitación 60, a la que se agrega la habitación 23 pero se excluyen las habitaciones 35 y 36, las del 38 a la 41 y las de la 46 a la 50 albergan el Apartamento Real.

Modificado en parte en su aspecto original tanto en arquitectura como en mobiliario, constituyen el apartamento que acogió a Borbón, a los reyes franceses y a la familia de los duques de Aosta: la sala principal es la habitación 23 que albergaba el comedor. Cama de Francesco I y María Isabel de Borbón-España, realizada entre 1829 y 1830 basada en un diseño de Antonio Niccolini con decoraciones de paredes particulares que recuerdan los frescos encontrados en las excavaciones de Pompeya y Herculano y la tapicería de la fabricación de San Leucio. La habitación 31 se llama Salone della Culla porque albergaba una cuna donada por los súbditos napolitanos a la realeza para el nacimiento de Vittorio Emanuele III de Saboya: la particularidad del entorno es el piso de mármol de una villa romana en Capri, Villa Jovis. La habitación 42 es el Salone delle Feste, originalmente diseñado para albergar las obras de la colección Farnese y luego transformado para cumplir con las funciones representativas de la familia real: es una de las pocas habitaciones que conserva su aspecto original, con decoraciones de Salvatore Giusti, en estilo neoclásico, pisos de mármol y candelabros de cristal. La sala 52 alberga la sala de estar de porcelana: es una sala de estar compuesta por más de tres mil piezas de porcelana construida para la reina María Amalia entre 1757 y 1759 por Giovanni Battisti Natali, originalmente ubicada en el palacio de Portici y solo en 1866 transferida a Capodimonte. en una habitación adecuadamente adaptada. La sala 56, creada a instancias de Annibale Sacco y con un claro gusto neoclásico, toma el nombre de Salone Camuccini y se llama así por la presencia de obras pictóricas creadas precisamente por Vincenzo Camuccini, que está flanqueado por otros artistas como Pietro Benvenuti y Francesco Hayez: también alberga una buena cantidad de estatuas. Todas las habitaciones conservan una gran cantidad de pinturas de los autores más dispares como Alexandre-Hyacinthe Dunouy, Claude Joseph Vernet, Antonio Joli, Francisco Goya, Angelika Kauffmann y Giacinto Gigante, así como numerosos objetos de decoración como porcelana, jarrones, cunas, instrumentos musicales, sofás, candelabros y chimeneas, este último solo previsto en las salas representativas.

Galería de porcelana
En las salas 35 y 36 constituyen la llamada Galería de Porcelana: compuesta por más de tres mil piezas, de las cuales, por razones de espacio, solo se exhibe una pequeña parte más representativa de los servicios de porcelana manufacturada italiana y europea, en particular porcelana de Capodimonte, el Meissein de Sevres, con algunas piezas decoradas con Nápoles, a Viena y Berlín. Todas las obras, excepto la Inmaculada Concepción, compradas en 1972, provienen de la colección Bourbon; hasta 1860, estas piezas se utilizaron normalmente, mientras que más tarde, a partir de 1873, a instancias de Vittorio Emanuele III, se inició un trabajo de construcción de museos sobre las porcelanas, editado por Annibale Sacco.

La sala 35 muestra las creaciones de la Real Fabbrica di Napoli, mientras que la sala 36 muestra las manufacturas europeas más importantes: entre las obras principales está el Servicio del Ganso en cuyos platos se pintan vistas de Nápoles y sus alrededores, mientras que esas sin decoraciones son en almacenamiento, un conjunto de altar compuesto por seis candelabros y un crucifijo, una obra de Giuseppe Gricci para la capilla real de Portici, un servicio de escritorio, un servicio de chocolate con una guirnalda de flores y luego numerosos jarrones, estatuas, elevadores y platos.

Colección De Ciccio
La colección De Ciccio se encuentra en las salas 38, 39, 40 y 41: es una colección, ordenada según el diseño original, de aproximadamente mil trescientas piezas, en su mayoría artes aplicadas, que incluyen pinturas y esculturas, pero también bronces, marfiles, hallazgos de mayólica, porcelana y, a veces, arqueológicos, donados al Museo Nacional de Capodimonte en 1958 por el coleccionista Mario De Ciccio, quien los había recogido en el transcurso de unos cincuenta años de adquisiciones entre Nápoles, Palermo y varios mercados internacionales.

Entre las diversas obras, las cerámicas son de estilo hispano-morisco, mayólica renacentista, que incluye un azulejo estrella de la fabricación persa en Rey, las porcelanas de Meissen, Viena y Ginori; entre las estatuas las de una Virgen y el Niño de la escuela de Lorenzo Ghiberti, San Matteo, en bronce, atribuidas a Alessandro Vittoria, mientras que entre las pinturas un panel de Marco del Buono y Apollonio de Giovanni, ya decorado con un cofre. Y todavía jarrones, platos, tazas, entre los cuales algunos chinos de los períodos K’ang Hsi y Chien Lung, bronces renacentistas de Andrea Briosco, Alessandro Vittoria y Tiziano Aspetti, vidrio de Murano y hallazgos arqueológicos como jarrones áticos de los siglos VI y V a. C. , rhyta del siglo IV aC y esculturas itálicas y etruscas.

Armería fernesiana y borbónica
En las salas 46, 47, 48, 49 y 50 se exhiben las colecciones de la Armería Farnesiana y Borbónica: se trata de unas cuatro mil piezas cuya primera configuración data de 1958 y de las cuales aún conservan su aspecto original. La colección farnesiana incluye principalmente armas milanesas y brescianas, pero también ejemplos españoles y alemanes de armas de fuego, corte y defensa, torneos y armaduras de guerra, pistolas, espadas, dagas y arcabuces, entre los cuales la Armadura de Alessandro Farnese conocida como del Giglio, de Pompeo della Cesa, y un rifle italiano que pertenecía a Ranuccio Farnese. La serie Bourbon incluye armas de fuego, algunas de Madrid con Carlos de Borbón, otras de fabricación napolitana provenientes de la Real Fábrica de Armas de Torre Annunziata para satisfacer las necesidades del ejército borbónico, y armas de caza hechas con fines recreativos puros, como un rifle de chispa. a Maria Amalia. A estas se agregan armas donadas a Carlo y Ferdinando como carabinas y rifles de fabricación sajona, vienesa y española, armas blancas producidas tanto por la Real Fábrica como por la Fábrica de Acero, esta última ubicada en el parque Capodimonte desde 1782: Carlo la Bruna, Biagio Ignesti, Michele Battista, Natale del Moro y Emanuel Estevan fueron los creadores de las obras. También hay armas y modelos de guerra de fabricación oriental utilizados para la escuela de artillería, armaduras de carrusel italianas y guerras del siglo XVII, espadas de los siglos XVI y XVIII, una de las cuales probablemente perteneció a Ettore Fieramosca, armas de fuego italianas y los siglos XVIII y XIX europeos. . Particular un modelo de yeso que representa a Carlo V de Vincenzo Gemito.

Segunda planta
El segundo piso está dividido en las áreas de la Galería Napolitana y la colección de arte contemporáneo: en particular, desde las salas 61 a 97, excluyendo 62, la galería de arte en Nápoles desde el siglo XIII hasta el XVIII está ubicada, la sala 62 está dedicada a los tapices de ‘Avalos y las salas del 98 al 101 de la colección d’Avalos, mientras que el área de arte contemporáneo ocupa dos salas más otras que se encuentran en el tercer piso.

Galería Napolitana
La Galería Napolitana se compone de cuarenta y cuatro salas y alberga pinturas, pero también esculturas y tapices, realizados por artistas o personalidades napolitanas que no son locales pero que trabajaron o enviaron obras a la ciudad e influyeron en la escuela local en un período entre siglos XIII y XVIII. La colección comenzó a principios del siglo XIX, siguiendo las supresiones de los monasterios durante el período de dominación napoleónica y por los emisarios borbones en busca de obras para incluir en la colección real, para continuar nuevamente en 2008 gracias a numerosos estados adquisiciones, donaciones o, como sucedió entre 1970 y 1999, con fines de precaución, especialmente para aquellas obras mantenidas en iglesias cerradas o, en cualquier caso, poco supervisadas. Los temas cubiertos son, por lo tanto, temas religiosos, que embellecieron las iglesias, pero también batallas, escenas mitológicas y bodegones, temas más seculares, a menudo encargados por particulares para sus casas burguesas. El diseño de las salas del museo tiende a reproducir en consecuencia la estrecha relación entre la historia y la historia del arte en el área napolitana y el sur de Italia en general, con obras encargadas tanto por la casa gobernante como por los aristócratas que hicieron de la capital napolitana una cultura cultural internacional. centrar.

En la sala 61 comienza la Galería Napolitana: por lo tanto, se presentan obras de diferentes tipos, lo que demuestra la variedad y complejidad de las creaciones artísticas de Nápoles, pero también aquellas obras que han sido restauradas; La exposición incluye el Políptico con historias de la Pasión, en madera de alabastro y Nottingham, un tapiz que representa la Deposición de la Cruz y estatuas de madera de Giovanni da Nola.

La sala 63 y las siguientes dos obras anfitrionas de la cultura Campania que van desde finales del siglo XII hasta principios del XV: son dignos de mención un San Domenico, un políptico de una iglesia napolitana, un objeto de mármol perteneciente a un candelabro, y un temple sobre panel con el tema Santa María de Flumine, proveniente de una iglesia cerca de Amalfi, que muestra las influencias bizantinas y árabes presentes en la península de Sorrento.

La sala 64 muestra las influencias que la llegada de la dinastía angevina y la de su mundo cortés tiene en el arte napolitano; de hecho, los nuevos soberanos traen importantes obras de reconstrucción a la ciudad, con la construcción de palacios e iglesias que, por lo tanto, deben decorarse posteriormente. Y los artistas llamados a esta obra están inspirados en Giotto, personalmente presente en la ciudad, y en su taller: este es el caso de los expuestos en esta sala como Roberto d’Oderisio, con su Crucifixión y la Virgen de la Humildad y la Andrea de Siena. Vanni con San Giacomo Apostolo.

La sala 65 muestra las influencias de la rama húngara de la dinastía Anjou, en particular de Carlos III de Nápoles y Ladislao I de Nápoles, este último encargando obras de un pintor anónimo conocido como el Maestro de Historias de San Ladislao: i dos soberanos, constantemente comprometidos en campañas militares, favorecen la presencia en Nápoles de numerosos artistas, en su mayoría de la Toscana, como Niccolò di Tommaso.

La sala 66 está dedicada exclusivamente a la obra maestra de Simone Martini, San Ludovico di Tolosa, que corona a su hermano Roberto d’Angiò: la mesa, que aún cae en el período angevino de Nápoles, fue encargada por Roberto d’Angiò, para recordar y celebrar su hermano Ludovico que renunció al trono del reino después de unirse a la corriente franciscana.

La sala 67 alberga obras que marcan el final del reinado angevino en Nápoles y el comienzo del aragonés, con sus innovaciones pictóricas: los artistas, pintores y escultores flamencos muy queridos por Alfonso V de Aragón están expuestos en el medio ambiente, pero también italianos. como Colantonio con la entrega de la regla franciscana, San Girolamo en el estudio y el Políptico de San Vincenzo Ferrer, primeros ejemplos de pintura renacentista napolitana, a medio camino entre el estilo italiano e internacional, con influencias flamenco-catalanas.

La sala 68 muestra a los artistas que trabajaron en Nápoles durante el reinado de Fernando I de Nápoles y Alfonso II de Nápoles, favorecidos por este último para la construcción del arco triunfal del Maschio Angioino: estos son lombardos como Cristoforo Scacco di Verona y Protasio Crivelli , Venecianos, sicilianos, dálmatas y españoles como Juan de Borgoña, pero también Francesco Pagano y Pietro Befulco.

La sala 69, con sus obras, muestra la estrecha relación que se estableció a finales del siglo XV entre Alfonso II y Toscana, pero también cómo los artistas de Umbría son muy apreciados en la ciudad: se exhiben obras de Pinturicchio y Matteo di Giovanni, fundamentales artistas también para la formación de pintores locales como Francesco Cicino, creador asiduo de polípticos entre los que destaca Madonna y Child Enthroned and Saints.

La sala 70 marca el comienzo del dominio español en Nápoles a principios del siglo XVI: las obras presentadas demuestran una importante maduración del arte local, representado aquí con artistas como Giovanni Filippo Criscuolo y Andrea Sabatini, que aún se remontan a Umbrian-Tuscan La pintura mezclada con el clasicismo típico de Rafael, o en cualquier caso, artistas que se formaron en otras áreas de Italia, como Cesare da Sesto, presente en la sala con la Adoración de los Magos, actuarán como intermediarios para las innovaciones en la pintura napolitana. ; La influencia española también se ve afectada por la pintura de Pedro Fernández.

La sala 71 contiene una importante colección de esculturas de mármol del siglo XVI, una producción artística en la que Nápoles destaca particularmente con artistas como Girolamo Santacroce y Giovanni da Nola: estos son elementos decorativos de obras que anteriormente se encontraban en la iglesia de Santa Maria Assunta dei Pignatelli y cuatro relieves de las iglesias de Sant’Agnello Maggiore y Santa Maria delle Grazie Maggiore en Caponapoli.

La sala 72 muestra las pinturas de Polidoro da Caravaggio, alumno y ayudante de Rafael, que se formó en Roma en la primera mitad del siglo XVI y que luego trabajará brevemente en Nápoles: entre las exhibiciones, el Andata al Calvario, el Deposición, San Pietro y Sant’Andrea, que destacan el carácter original e inquietante del artista.

Artistas como Marco Cardisco y Pedro Machuca se encuentran en la sala 73: el primero está influenciado por la influencia manierista de Polidoro y clasificado por Andrea da Salerno, claramente visible en la Disputa de San Agustín, mientras que el segundo, autor de la Muerte y Asunción de la Virgen, se caracteriza por una pintura con figuras suaves sobre composiciones algo articuladas que recuerdan en cierto modo a las de Rosso Fiorentino.

La relación entre Pedro Álvarez de Toledo y Toscana crea un intenso intercambio cultural entre Nápoles y Florencia o Siena, claramente visible en la sala 74 donde están expuestos artistas como Marco Pino, un estudiante de Beccafumi, activo durante mucho tiempo en la ciudad, Sodoma, y principalmente Giorgio Vasari, con la Cena en la casa del fariseo y la Presentación en el Templo.

La obra principal en la sala 75 es la Anunciación de Tiziano, un raro ejemplo de pintura veneciana en Nápoles y originalmente ubicada en la capilla Pinelli en la iglesia de San Domenico Maggiore. También es característica la pequeña habitación llamada 75 bis con dos pinturas devocionales, a saber, Andata al Calvario de Giovanni Bernardo Lama y Pietà y santos de Silvestro Buono, este último claramente inspirado por los pintores flamencos en boga en Nápoles a fines del siglo XVI.

En la sala 76 se presentan grandes mesas destinadas a ser retablos altos en un Nápoles que vivió con Felipe II de España un período ferviente tanto de construcciones religiosas como de decoraciones de iglesias existentes pero que debían seguir los dictados de la contrarreforma; Entre los artistas que trabajan en la realización de estas obras se encuentran Aert Mytens y Dirk Hendricksz, autores flamencos, Francesco Curia con Annunciazione, considerada una de las obras maestras de la pintura sureña del siglo XVI y Girolamo Imparato.

La sala 77, con sus obras, marca el pináculo del arte napolitano del siglo XVI, con artistas que ofrecen representaciones sagradas que hablan claramente a los fieles; se exhiben: Scipione Pulzone, con su pintura fría y purista, Ippolito Borghese y su pincelada matizada en la Pietà, Fabrizio Santafede, más cercano a la cultura popular, y Luigi Rodriguez; son características las pinturas de Cavalier d’Arpino, uno de los últimos miniaturistas activos en Nápoles, especialmente en la Cartuja de San Martino.

La Sala 78 es una reserva exclusiva de la Flagelación de Cristo de Caravaggio, una obra que inaugura la gran temporada del siglo XVII napolitano: el artista estuvo activo en Nápoles entre 1606 y 1607 y entre 1609 y 1610 contribuyendo a transformar radicalmente la pintura sagrada del capital que hasta ese momento estaba compuesta por santos, ángeles, coronas, en una más simple, más esencial y sombría, que también se refleja en los callejones de la ciudad, una realidad hasta ahora ignorada, arrojándose, especialmente a partir de la segunda década. del siglo XVII, los cimientos del naturalismo napolitano.

La sala 79 alberga las obras de los llamados caravaggistas, es decir, aquellos artistas que en sus obras se refieren a Caravaggio, como Filippo Vitale, Carlo Sellitto, quien nació como un pintor elegante y estilizado para luego adoptar plenamente el nuevo estilo, y Battistello Caracciolo, el mejor caravaggista napolitano, que aún logra encontrar su propia identidad con una pintura abstracta y viva en los fondos, bien demostrada en las pinturas en exhibición como el Ecce homo, el Cristo en la columna, el Lamento en el cuerpo de Abel y Venus y Adonis.

Las salas 81, 83 y 84 están destinadas a la exhibición cíclica de grabados y dibujos conservados en el museo Capodimonte: la elección de las obras que se exhibirán se llevará a cabo sobre la base de criterios conservadores y para arrojar luz sobre la actividad de dibujo de los artistas que orbitaba Nápoles; También se presentan grabados realizados entre los siglos XVII y XIX. El ambiente se caracteriza por un gabinete de fabricación inglesa y dos aceites sobre cobre de Francesco Guarini.

La Sala 87 muestra obras de artistas que trabajaron en Nápoles a principios del siglo XVII, un período en el que las iglesias de la ciudad se vieron afectadas por importantes obras de adorno que atraen a artistas no solo del área sino también del extranjero, dando vida a su oro. edad en la pintura napolitana: la obra principal de la sala es Giuditta y Oloferne de Artemisia Gentileschi.

Las salas 88, 89 y 90 tienen una disposición de las pinturas que las hacen parecer las capillas de una iglesia adornada por grandes hombres: los artistas presentes son los del primer naturalismo napolitano, que sigue el camino abierto por Caravaggio y su juego de claro sobre el fondo oscuro, aunque no faltan las influencias de la pintura emiliana y veneciana que se hizo famosa en Nápoles a partir de la década de 1840; entre los artistas se mantuvo Artemisia Gentileschi, Battistello Caracciolo, Simon Vouet, Massimo Stanzione con el sacrificio de Moisés y el martirio de Santa Águeda, Pietro Novelli, Cesare Fracanzano y Jusepe de Ribera con la Magdalena en meditación, Padre Eterno, Trinitas terrestris y San Girolamo y el ángel del juicio.

La sala 91 muestra una de las obras maestras de Ribera, a saber, el borracho Silenus; sin embargo, no faltan las pinturas de Pietro Novelli y Francesco Fracanzano que abren el arte napolitano a la cultura europea: las obras del llamado Maestro de la Anunciación también son características. los pastores que se ocupan de temas sagrados representados en un mundo pastoral típico, también apreciados en el resto de Europa gracias a la exportación de comerciantes de arte como Gaspar Roomer y Jan y Ferdinand van den Eynden.

En la sala 92, además del interior de la cocina de Francesco Fracanzano, son característicos los trabajos de Matthias Stomer, un pintor holandés activo en Roma, Nápoles y Sicilia, que a pesar de seguir la escuela de Caravaggio se abre a los experimentos: en sus obras, de hecho, como la Adoración de los pastores, la Cena en Emaus y la muerte de Séneca, la luz, natural o artificial como la de una vela, que ilumina los ambientes oscuros en los que se centra la escena, juega un papel fundamental.

La sala 93 alberga a la segunda generación de artistas napolitanos formados en la primera década del siglo XVII, protagonistas de una pintura resultante de los experimentos caravaggescos, con las influencias de los emilianos y europeos: Giovan Battista Spinelli, cercano al arte francés con su David. con la cabeza de Goliat, Francesco Guarini, con el uso de sombras naturales claramente visibles en Sant’Agata y Santa Cecilia sobre clavecín y ángeles, y Andrea Vaccaro, uno de los máximos exponentes de este período, con sus pinturas que mezclan lo sagrado y lo sagrado. lo profano, claramente evidenciado en el triunfo de David y en la adoración del becerro de oro.

En la sala 94 hay numerosas obras de Bernardo Cavallino, un artista que logró captar completamente el gusto de la época dirigiéndose a los coleccionistas que preferían una pintura elegante y narrativa, hecha de pequeños lienzos creados para adornar los palacios napolitanos, con temas que hacen referencia a las composiciones poéticas de Torquato Tasso y Giovan Battista Marino, y que describen la vida simple y cotidiana; Johann Heinrich Schönfeld, un cuidadoso erudito de Cavallino, también se exhibe en la misma sala.

La sala 95 se centra en aquellos artistas que operan principalmente entre los años treinta y cuarenta del siglo XVII, a saber, los diversos Micco Spadaro, Salvator Rosa, Aniello Falcone y Andrea De Lione, que se abren a un nuevo tipo de pintura hecha de batallas históricas y mitológicas. , por lo tanto, también adecuado para representar mártires de santos, en un pequeño entorno sagrado.

En la sala pequeña se exhiben 96 bodegones no napolitanos: representaciones de Bartolomeo Bimbi, Carlo Maratta y Christian Berentz, con tonos ligeramente aburridos pero que han gozado de una fama particular entre los siglos XVII y XVIII.

En la sala 97 continuamos con bodegones, esta vez sin embargo por artistas napolitanos: es un género muy popular en Nápoles en ese momento gracias a las influencias cada vez más extendidas del barroco que comenzaron a mediados del siglo XVII; Por lo tanto, se representan peces, flores en jarrones de cristal y plata, frutas y cítricos y los principales artistas responsables de la naturaleza muerta exhibidos en la sala son Luca Forte, Giovan Battista Ruoppolo, Giuseppe Recco, inspirados en la pintura naturalista, con colores mediterráneos, Andrea Belvedere y Paolo Porpora, influenciados por la naciente veta artística rococó, hecha de una pintura más delicada.

La habitación 102 está completamente dedicada a Mattia Preti, una artista que junto con Luca Giordano representa durante aproximadamente una década una de las actividades con más títulos en Nápoles: en la sala hay dos bocetos preparatorios para los frescos que se realizarán en las puertas de la ciudad como un ex voto para el final de la plaga de 1656, y todavía lienzos como El retorno del hijo pródigo, Convito di Assalonne y San Sebastiano, que muestran el punto de vista particularmente bajo del autor.

La habitación 103 es prerrogativa de Luca Giordano, en cuyas obras muestra todas las novedades de la naciente corriente barroca y que se destaca como un anticipo de la cultura rococó: y, por lo tanto, grandes espacios, las figuras con una línea suave con piel rosa y cabello rubio son claramente visible en los lienzos como el Éxtasis de San Nicolás de Tolentino, las limosnas de Santo Tomás de Villanova, la Virgen del Baldacchino, la Virgen del Rosario y la Sagrada Familia tiene la visión de los símbolos de la Pasión.

La sala 104 muestra obras del siglo XVIII napolitano con pintores como Francesco Solimena, heredero de Luca Giordano, con sus personajes característicos retratados casi en una pose teatral como se puede ver en Eneas y Dido, y también Paolo De Matteis, también de la escuela de Giordano, Domenico Antonio Vaccaro y Francesco De Mura, autor de una pintura más elegante que su maestro Solimena.

La sala 105 está dedicada a los bocetos de los principales fabricantes de frescos del siglo XVIII: estos son testimonios de obras que a veces no se completan, como el boceto de San Domenico revive al sobrino del cardenal Orsini, que Domenico Antonio Vaccaro crea para la iglesia de San Domenico Maggiore, o perdido en el tiempo, como Massacro dei Giustiniani a Scio, de Francesco Solimena; Giacomo del Pò y Francesco De Mura también se exhiben en la sala.

La sala 106 concluye el viaje de la pintura napolitana desde el siglo XIII hasta el siglo XVIII, recogiendo obras de la última mitad del siglo XVIII que marca el advenimiento de los borbones en el trono del reino de Nápoles; los nuevos soberanos, como es posible notar en los artistas expuestos en el medio ambiente, abandonando a los napolitanos, a excepción de Giuseppe Bonito, y se abren a artistas con un aliento más europeo: este es el caso de Gaspare Traversi, autor de una pintura irónica, Corrado Giaquinto y Pietro Bardellino, con pinturas rococó y temas mitológicos.

Salón de tapices
La sala 62, también conocida como Sala degli Arazzi, alberga los Tapices de la batalla de Pavía, realizados entre 1528 y 1531, inspirados en los dibujos animados y telas de Bernard van Orley en Bruselas, como lo demuestran las iniciales del fabricante de tapices William Dermoyen: en 1531 fueron donados por los Estados Generales de Bruselas al emperador Carlos V de Habsburgo y en 1571 pasaron a formar parte de la colección de Francesco Ferdinando d’Avalos, hasta 1862, cuando Alfonso d’Avalos los regaló al Estado italiano. y de allí trasladado al museo Capodimonte. Las siete obras llevan el título de:

Avance del ejército imperial y ataque de la Gendarmería francesa dirigida por Francisco I;
Derrota de la caballería francesa; la infantería imperial se hace cargo de la artillería enemiga;
Captura del rey francés Francisco I;
Invasión del campamento francés y escape de las damas y civiles que siguen a Francisco I;
Invasión del campo francés: los suizos se niegan a avanzar a pesar de las intervenciones de sus líderes;
Escape del ejército francés y retirada del duque de Alençon más allá de Ticino;
Asedio de los asediados y la ruta de los suizos que se ahogan en Ticino en grandes cantidades.

Colección D’Avalos
Las habitaciones 98, 99, 100 y 101 albergan la colección d’Avalos, una colección privada iniciada en el siglo XVII por el Príncipe de Montesarchio Andrea d’Avalos, quien recopiló y encargó uno de los números más importantes de obras de artistas napolitanos del siglo XVII. siglo, y donó primero al estado italiano y luego al museo Capodimonte en 1862: por lo tanto, parte de la colección se distribuye en las cuatro salas del museo, según el diseño original. La mayoría de las obras tratan de bodegones, pero también temas históricos, mitológicos y literarios: artistas como Pacecco De Rosa, Luca Giordano, con un gran grupo de lienzos, Andrea Vaccaro, Giuseppe Recco y Jusepe de Ribera con una de sus obras maestras, símbolo de madurez artística, a saber, Apolo y Marsyas, en los que el propio Giordano basa su formación.

Arte contemporáneo
La colección de arte contemporáneo se inauguró en 1996, sin embargo, las exposiciones de este género se habían alojado anteriormente en el museo: en 1978 se presentó la exposición de Alberto Burri, mientras que en 1985 fue el turno de Andy Warhol, creado en lo que en La época se llamaba Salone Camuccini, más tarde para convertirse en la sala 2, y elegido para organizar eventos de arte contemporáneo, un papel que desempeñó de 1986 a 1991 con las exposiciones de Gino De Dominicis en 1986, Mario Merz en 1987, Carlo Alfano y Sol LeWitt en 1988, Michelangelo Pistoletto, Luciano Fabro y Jannis Kounellis en 1989, Eliseo Mattiacci en 1991, año en que el ciclo de exposiciones terminó con el de Sigmar Polke, para permitir la restauración del museo; En su reapertura se decidió para una exposición permanente de obras contemporáneas.

La galería comienza con tres obras realizadas in situ, alojadas en tres salas: la primera, llamada Sin título, de Jannis Kounellis, está creada con tarros, planchas, bolsas y carbón, la segunda lleva el título de Pistas de Daniel Buren, es decir, instalaciones. de papel adhesivo de colores sobre pisos de yeso y mármol, y el tercero se titula Grande Cretto Nero, un panel de Alberto Burri en mayólica y esmalte. Otras obras contemporáneas se exhiben en la sala 82 y están hechas con los materiales más dispares, como óleo sobre lienzo, bronce, hierro, vidrio, madera pintada y temple, de artistas como Guido Tatafiore, Renato Barisani, Domenico Spinosa, Augusto Pérez, Gianni Pisani, Raffaele Lippi, Lucio Del Pezzo, Carmine Di Ruggiero y Mario Persico.

Tercer piso
El tercer piso alberga la continuación de la colección de arte contemporáneo, la galería del siglo XIX y la sección fotográfica.

La sección de arte contemporáneo continúa desde el segundo piso: la instalación creada por Mario Merz, Shock Wave, hecha con hierro, neón, periódicos, piedras y vidrio, la de Joseph Kosuth, se encuentra en la habitación en el ático del palacio de Capodimonte., Una observación gramatical, un escrito en la pared iluminado con neón y espejos y el de Carlo Alfano, Cámara, con brújulas en aluminio, grafito y neón. Entre las otras obras, la más prestigiosa es Vesuvius de Andy Warhol, a la que se suman las obras de Enzo Cucchi, Mimmo Paladino, Hermann Nitsch, Sigmar Polke, Gino De Dominicis, Joseph Kosuth, Michelangelo Pistoletto, Luigi Mainolfi y Ettore Spalletti.

La galería del siglo XIX exhibe obras de artistas comprados o donados al museo en el período inmediatamente posterior a la unificación de Italia: ambos son autores napolitanos y otros de diferentes áreas de Italia, a fin de formar un solo idioma figurativo nacional que sea capaz de comprender los aspectos históricos, sociales, naturalistas y culturales del período. La colección se abre con las dos personalidades más destacadas del momento, a saber, Domenico Morelli y Filippo Palizzi, más dedicados a las representaciones naturalistas. Cabe destacar la tendencia de artistas pertenecientes a la Scuola di Resìna, como Marco De Gregorio, Federico Rossano, Michele Cammarano y Giuseppe De Nittis. También característico Gioacchino Toma se concentró en la comprensión de los estados de ánimo, representados con calma y tranquilidad, Vincenzo Migliaro, Francesco Paolo Michetti, recurrieron a escenas de la vida popular, Antonio Mancini, cuyas obras tienen como protagonistas a los hijos del pueblo, y también Giovanni Boldini, Francesco Saverio Altamura, Giacomo Balla y Giuseppe Pellizza da Volpedo.

La sección fotográfica se inauguró en 1996 y está compuesta por cincuenta y dos fotografías de Mimmo Jodice que retratan a los protagonistas de la fase de la cultura napolitana de 1968 a 1988, con temas como Emilio Notte, Nino Longobardi, Andy Warhol y Joseph Beuys.