El budismo jugó un papel importante en el desarrollo del arte japonés entre los siglos VI y XVI. El arte budista y el pensamiento religioso budista llegaron a Japón desde China a través de Corea y el arte budista fue animado por el príncipe heredero Shōtoku en el período Suiko en el siglo VI y por el emperador Shōmu en el período Nara en el siglo VIII. En el período temprano de Heian, el arte y la arquitectura budistas influyeron enormemente en las artes tradicionales del sintoísmo, y la pintura budista se puso de moda entre los ricos japoneses. El período de Kamakura vio un florecimiento de la escultura budista japonesa, cuyos orígenes están en las obras del escultor del período Heian Jōchō. La secta del budismo Amida proporcionó la base para muchas obras de arte populares. El arte budista se hizo popular entre las masas a través de pinturas en pergamino, pinturas usadas en el culto y pinturas de budas, vidas de santos, infiernos y otros temas religiosos. Bajo la secta zen del budismo, el retrato de sacerdotes como Bodhidharma se hizo popular, así como la caligrafía en espiral y la pintura con pincel sumi-e.
Períodos de Asuka y Nara
El arte budista se introdujo en Japón junto con la religión budista a mediados del siglo VI, cuando según la tradición, Seong de Baekje envió una estatua del Buda junto con algunos sutras al emperador Kinmei. El período Asuka (552-645) vio el crecimiento gradual de las influencias artísticas y religiosas de China y Corea en la cultura japonesa. La influencia china creció en el Período de Nara (645-784) cuando la corte japonesa comenzó a modelarse en una forma china, y el budismo continuó extendiéndose por todo Japón, al tiempo que integraba la religión japonesa del sintoísmo.
La escultura de este período muestra, como la mayoría de las esculturas posteriores, la influencia del arte continental. Tori Busshi, un descendiente de un inmigrante chino, siguió el estilo de la escultura del norte de Wei y estableció lo que se ha dado en llamar la escuela de escultura Tori. Ejemplos notables de las obras de Tori son la Tríada Sakyamuni (o tríada Shaka), que son los iconos principales del Salón Dorado del templo Hōryū-ji y el Boddhisatva kannon del Salón Yumedono del mismo templo, también conocido como Guze Kannon. Construido por primera vez a principios del siglo VII como el templo privado del Príncipe Heredero Shōtoku, Hōryū-ji consta de 41 edificios independientes. Los más importantes, la sala principal de adoración, o Kondō (Salón Dorado), y Gojū-no-tō (Pagoda de cinco pisos), se encuentran en el centro de un área abierta rodeada por un claustro cubierto. Dentro del Kondō, en una gran plataforma rectangular, se encuentran algunas de las esculturas más importantes del período, incluida la tríada Sakyamuni.
En la Tríada Sakyamuni, a Sakyamuni, el Buda central, asisten otras dos figuras, Bhaisajyaguru a su derecha y Amitābha a su izquierda. Las estatuas están fechadas en 623. El estilo de la estatua se caracteriza por la bidimensionalidad de la figura y las representaciones repetitivas en forma de patrón de la tela sobre la que se sienta la tríada.
El período temprano de Nara vio un movimiento hacia estilos más naturalistas que surgieron de China. La Tríada de Yakushi muestra al Buda sanador que preside la Tierra Pura del Este al que asisten dos Bodhisattvas Nikko y Gakko. La tríada, ubicada en el templo de Yakushiji (siglo VII en Nara), revela influencias chinas y del centro de Asia en su definición anatómica, naturalismo y drapeado realista.
Esta escultura también demuestra las raíces del arte japonés en el arte greco-budista de Gandhara en los siglos I y III dC, caracterizado por patrones fluidos de vestimenta y representación realista, en la que se superpusieron los rasgos artísticos chinos y coreanos. Después de que el arte budista Wei del Norte de China se había infiltrado en una península de Corea, los íconos budistas fueron traídos a Japón por inmigrantes coreanos. Particularmente, la forma semi-asentada de Maitreya fue adaptada a un estilo de arte griego antiguo altamente desarrollado que fue transmitido a Japón como lo demuestran las estatuas Kōryū-ji Miroku Bosatsu y Chūgū-ji Siddhartha. Los Tres Reinos de Corea, y particularmente Baekje, fueron instrumentales como agentes activos en la introducción y formación de una tradición budista en Japón en 538 o 552. Ilustran el punto terminal de la transmisión del arte de la Ruta de la Seda durante los primeros siglos de nuestro era. Otros ejemplos se pueden encontrar en el desarrollo de la iconografía del dios del viento japonés Fūjin, los guardianes de Niō, y los patrones florales casi clásicos en las decoraciones del templo.
La construcción del templo en el siglo VIII se centró alrededor del Tōdai-ji en Nara. Construido como sede de una red de templos en cada una de las provincias, el Tōdaiji es el complejo religioso más ambicioso erigido en los primeros siglos del culto budista en Japón. Apropiadamente, el Buda de 16,2 m (532 pies) consagrado en la sala principal de Buda, o Daibutsuden, es un Buda Rushana, la figura que representa la esencia de la Budeidad, así como el Tōdaiji representaba el centro del budismo patrocinado por el Imperio y su difusión en todo Japón. Solo unos pocos fragmentos de la estatua original sobreviven, y la sala actual y el Buda central son reconstrucciones del período Edo.
Bajo el sistema de gobierno de Ritsuryō en el período de Nara, el budismo estaba fuertemente regulado por el estado a través del Sōgō (僧 綱, Oficina de Asuntos Sacerdotales). Durante este tiempo, Tōdai-ji sirvió como el templo administrativo central para los templos provinciales para las seis escuelas budistas en Japón en ese momento.
Ejemplo:
El Shakyamuni Daibutsu Bronze (4.8 metros) es la escultura más antigua conocida de Buda en Japón echada por Tori Busshi en 609.
Kannon (Avalokitesvara) o Guze Kannon, madera chapada en oro, corona: bronce dorado calado. Principios del siglo VII CE, Horyu-ji, Nara.
Bodhisattva, período de Asuka, siglo VII. Museo Nacional de Tokio.
Azulejo con Buda sentado
Tejado del templo del siglo VII Nara que muestra la influencia greco-budista.
Tríada de Yakushi en Yakushi-ji, Nara. Originalmente construido en Fujiwara-kyō en 680, transportado a Nara en 718.
Salón Dorado de Hōryū-ji
Pagoda de cinco pisos de Hōryū-ji
Salón Dorado de Tōshōdai-ji en Nara
Sala de conferencias de Tōshōdai-ji en Nara
Pagoda del este de Yakushi-ji, Nara.
Gran sala de Buda de Tōdai-ji en Nara
Gran Buda de Tōdai-ji en Nara
Período Heian (794-1185)
En 784, el emperador Kanmu, amenazado por el creciente poder secular de las instituciones budistas en Nara, trasladó la capital a Heian-Kyō (Kyōto), que permaneció como la capital imperial durante los siguientes 1.000 años. El término período de Heian se refiere a los años entre 794 y 1185, cuando el shogunato de Kamakura se estableció al final de la Guerra de Genpei. El período se divide en Heian temprano y Heian tardío, o Fujiwara era, la fecha de pivote es 894, el año en que las embajadas imperiales a China se suspendieron oficialmente.
El budismo comenzó a extenderse por todo Japón durante el período Heian, principalmente a través de dos grandes sectas esotéricas, Tendai y Shingon. Tendai se originó en China y se basa en el Sutra del loto, uno de los sutras más importantes del budismo mahayana; Saichō fue clave para su transmisión a Japón. Shingon (escuela de la palabra verdadera) es una secta indígena con afiliaciones cercanas al pensamiento budista influido por China fundado por Kūkai (mejor conocido por su título póstumo Kōbō Daishi, 774-835) que viajó a China y estudió budismo indio y chino, así como chino caligrafía y poesía. El propio emperador Kanmu fue un notable mecenas de la secta Tendai, que alcanzó un gran poder durante los siglos siguientes. Kūkai impresionó grandemente a los emperadores que sucedieron al emperador Kanmu, y también a generaciones de japoneses, no solo con su santidad sino también con su poesía, caligrafía, pintura y escultura. La práctica budista de Shingon se basa en varios rituales, incluido el canto de mantras, puja, gestos con las manos (mudras) y meditación a través de la visualización de mandalas. El papel central del ritual en el budismo esotérico japonés condujo a un florecimiento de las artes religiosas en el período Heian. Estas pinturas religiosas, mandalas y estatuas proporcionaron a los practicantes una forma de contemplar deidades y conceptos budistas. Un ejemplo famoso de Shingon Mandala es el mandala Taizokai (Mundo del útero). Parte del Mandala de los Dos Reinos, el mundo del útero está compuesto por 12 zonas que representan diferentes dimensiones de la naturaleza de Buda. En el centro se encuentra el Buda Vairocana dentro del loto de la compasión rodeado de Budas y Bodhisattvas asistentes. La secta Shingon creía que todos los seres tienen una naturaleza innata de Buda.
Los templos erigidos para la secta Shingon como la del monte. Kōya se construyó en las montañas Kii, lejos de la corte y los laicos en la capital. La topografía irregular de estos sitios obligó a los arquitectos japoneses a reconsiderar los problemas de la construcción del templo y, al hacerlo, a elegir más elementos indígenas de diseño. Los techos de corteza de ciprés reemplazaron a los de cerámica, se usaron tablones de madera en lugar de pisos de tierra y se añadió un área de adoración separada para los laicos frente al santuario principal. El templo que mejor refleja el espíritu de los primeros templos de Heian Shingon es el Murō-ji (principios del siglo IX), ubicado en lo profundo de un grupo de cipreses en una montaña al sureste de Nara.
En el período Fujiwara, el budismo de tierra pura, que ofrecía una salvación fácil a través de la creencia en Amida (el Buda del Paraíso Occidental), se hizo popular. Este período lleva el nombre del clan Fujiwara, entonces el más poderoso del país, que gobernó como regente del Emperador, convirtiéndose, en efecto, en dictadores civiles. Al mismo tiempo, la nobleza de Kioto desarrolló una sociedad dedicada a actividades estéticas elegantes. El Hō-ō-dō (Phoenix Hall, completado 1053) del Byōdō-in, un templo en Uji al sureste de Kyoto, es el ejemplo de los pasillos de Fujiwara Amida. Consiste en una estructura rectangular principal flanqueada por dos corredores de ala en forma de L y un corredor de cola, ubicado en el borde de un gran estanque artificial. En el interior, una única imagen dorada de Amida (c.1053) está instalada en una plataforma alta. La escultura de Amida fue ejecutada por Jōchō, quien popularizó la técnica china de crear una obra de varias piezas más pequeñas de madera esculpida (yosegi). Aunque limitó la cantidad de detalles de la superficie que el artista podía tallar en cada pieza, el método obligó al escultor a transmitir su mensaje intencionado dentro de estos límites. Esto dio como resultado piezas más refinadas y de aspecto efímero. Más importante aún, permitió que varios asistentes trabajaran en la escultura de una vez, acelerando enormemente el proceso. Jōchō, como el maestro, hizo el trabajo final. La técnica también condujo a proporciones sistematizadas de partes del cuerpo y detalles superficiales simples, ya que aceleraron la creación de las partes constituyentes y la formación de la pieza terminada.
Los historiadores de arte a menudo citan este nuevo canon de proporciones como evidencia del genio de Jōchō. Él basó las medidas en una unidad igual a la distancia entre el mentón y la línea del cabello de la figura esculpida. La distancia entre cada rodilla es igual a la distancia desde la parte inferior de las piernas hasta el cabello. Las rodillas ampliamente espaciadas y niveladas forman así la base de un diseño triangular, que transmite una sensación de estabilidad y paz. El efecto se acentúa aún más por el contraste de otros elementos en el diseño, particularmente los halos de las figuras. Estos son intrincadamente detallados, presentando bailarín, nubes y llamas. Las expresiones de las esculturas de Jōchō transmiten compasión y elegancia, y la talla detallada y precisa de las características faciales proyecta una cierta bondad.
El método del taller de dividir el trabajo entre varios artesanos atrapado, como lo hizo el estilo de Jōchō. Su escuela fue imitada por escultores en todo Japón durante los siguientes 150 años, cuando la escultura japonesa se convirtió en una ortodoxia conformista antes de ser reinventada en el período Kamakura.
Con la creciente importancia de las sectas de la Tierra Pura del budismo japonés en el siglo X, se desarrollaron nuevos tipos de imágenes para satisfacer las necesidades devocionales de estas sectas. Estos incluyen Raigozu (来 迎 図), que representan a Amida Buddha junto con los Bodhisattvas asistentes Kannon y Seishi que llegan para recibir las almas de los fieles que partieron hacia el Paraíso Occidental de Amida. Un ejemplo temprano notable que data de 1053 está pintado en el interior del Phoenix Hall del Byōdō-in, un templo en Uji, Kyoto. Esto también se considera un ejemplo temprano del llamado Yamato-e (大 和,), o «pintura de estilo japonés», en la medida en que incluye elementos del paisaje tales como suaves colinas que parecen reflejar algo de la apariencia real del paisaje del oeste de Japón. Estilísticamente, sin embargo, este tipo de pintura sigue siendo informada por las tradiciones chinas de pintura de paisaje «azul y verde» de la dinastía Tang. «Yamato-e» es un término impreciso que continúa siendo debatido entre los historiadores del arte japonés.
Ejemplo:
Oagida de Daigo-ji en Kyoto. Fue construido en 951.
Mandala de Kongokai (vajra) – escuela budista tántrica Shingon
Fugen enmei, el Bodhisattva de la virtud universal que prolonga la vida, siglo XII. Tinta, color, oro y plata en seda.
Mandarado de Taima-dera en Katsuragi. Fue construido en 1161.
Pagoda de Ichijō-ji. Fue construido en 1171.
El Nirvana de Buda Rollo colgante, 267.6 cmx 271.2 cm. Color en seda. Localizado en Kongōbu-ji, Mt. Kōya.
Pagoda de cinco pisos en Murō-ji. Fue construido en 800.
Shaka saliendo del Ataúd Dorado. Heian tardío, rollo colgante.
Pintura mural en la puerta este de Byōdō-in, Detalle
Pintura mural en la puerta sur de Byōdō-in
Achala Vidyaraja (Rey de la Sabiduría), 1100-1185.
Bodhisattva Samantabhadra.
Amitabha Buddha. Heian tardío, Color sobre seda Yushihachimanko Juhachika-in Temple. Central de tres rollos colgantes.
Período de Kamakura (1185-1333)
Japón sufrió una serie de guerras civiles a finales del siglo XII entre varias familias rivales, lo que eventualmente llevó al surgimiento del shogunato feudal Kamakura, llamado así porque la familia victoriosa, el clan Minamoto, estableció su base política en Kamakura. El Emperador permaneció en Kioto como un testaferro, pero el poder político real descansaba en el shōgun. El período de Kamakura vio el restablecimiento de los lazos culturales con China, así como el crecimiento del Budismo Zen y el Budismo de Tierra Pura como las dos ramas principales del Budismo japonés.
Estos nuevos clientes de Kamakura también favorecieron un arte más realista y naturalista que se ejemplifica con la escultura de la escuela Kei. La escuela Kei se desarrolló a partir de la dirigida por el busshi (escultor budista) Jōchō, su sucesor Kakujō, y el hijo de Kakujō, Raijō, los escultores líderes de las generaciones precedentes. Se dice a veces que estos artistas han fundado la escuela Kei; sin embargo, la escuela no se vería por sí sola y se asociaría con el nombre «Kei» hasta que Raiko fue sucedido por Kōkei y Unkei alrededor del año 1200.
Entre los escultores de la escuela Kei, Unkei es el escultor más famoso y considerado el más logrado de la época. Entre sus obras, un par de grandes Nio (o Kongō Rikishi) en Tōdai-ji representan guardianes musculosos en una dramática postura de contrapposto. Las esculturas de Unkei de los sacerdotes indios Mujaku y Seshin en Kōfuku-ji demuestran un nuevo realismo parecido al de un retrato. Ambas estatuas tienen vestimentas sacerdotales que enmarcan sus cuerpos de forma realista. Están en tamaño real y solos, y están completamente esculpidos en redondo como si estuvieran destinados a ser vistos desde cualquier ángulo. Mujaku es representado como un hombre delgado manipulando algún tipo de objeto sagrado envuelto en tela. Él parece reservado y reflexivo. Seshin, por el contrario, se representa a media conversación, gesticulando y hablando, un contrapeso extrovertido al solemne Mujaku. Los hombres se muestran como personas específicas, no simplemente como miembros de un tipo de acciones.
Unkei tuvo seis hijos escultor y su trabajo también está imbuido del nuevo humanismo. Tankei, el hijo mayor y un brillante escultor se convirtió en el director del estudio. Kōshō, el cuarto hijo produjo una notable escultura del maestro budista japonés del siglo 10 Kuya (903-972). Kaikei fue colaborador de Unkei y trabajó con él en las estatuas de Nio en 1203. Trabajó con el sacerdote Chogen (1121-1206): el director del proyecto de reconstrucción Tōdai-ji. Muchas de sus figuras son más idealizadas que Unkei y sus hijos, y se caracterizan por una superficie bellamente acabada, ricamente decorada con pigmentos y oro. Sus obras han sobrevivido a más de 40, muchas de las cuales están firmadas por él mismo.
Gran parte de las ciudades de Nara y Kioto fueron destruidas en la Guerra de Genpei de 1180-1185. La escuela Kei recibió la oportunidad de restaurar los templos más grandes de Nara, el Tōdai-ji y Kōfuku-ji, reemplazando sus esculturas budistas. La figura principal en este esfuerzo fue Shunjobo Chogen (1121-1206), quien se sabe que realizó tres viajes a China para estudiar escultura. El proyecto de restauración de Tōdai-ji duró varias generaciones, desde aproximadamente 1180 a 1212, y se basó ampliamente en los estilos chino Tang y Song, introduciendo nuevos elementos estilísticos sin dejar de ser fiel a la tradición.
Algunas de las pinturas más populares del período de Kamakura representan un Buda Amida ascendente. El principio principal del Budismo de Tierra Pura es que cantar el nombre de Amida podría conducir a una reencarnación en la tierra pura. Por lo tanto, los rollos de Amida se colgarían en la habitación de los moribundos que se salvarían cantando el mantra Amida.
En el período de Kamakura, surgieron nuevas sectas budistas, como Kegon y Nichiren, y crecieron en popularidad. Estas sectas produjeron varios géneros distintos de pintura, incluidas las pinturas Suijako, que intentaron reconciliar las dos principales religiones japonesas al representar a las deidades sintoístas como primeras manifestaciones de Buda. Funciona como el Kegon Engi Emaki, un libro ilustrado para ayudar a las personas a comprender el complicado carácter chino, que se hizo más popular entre la gente común. Emakimono, o pergaminos largos ilustrados, también sirvió para ilustrar la vida del Buda y la historia de los principales líderes budistas.
Ejemplo:
Jōdo-dō de Jōdo-ji en Ono. Fue construido en 1194.
Danjogaran Fudodo en el monte. Kōya. Fue construido en 1197.
Guardián de Nio en Tōdai-ji, por Unkei
Mujaku (Asanga) en Kōfuku-ji, por Unkei
Retrato del monje Kūya (CE 930-972), total de aproximadamente cm de altura, madera, de color, siglo XIII de Kosho
Estatua con policromía, oro y cristal. Esta estatua representa Zocho-ten, Guardian (shitenno) del sur.
Estatua de Raijin en Sanjūsangen-dō, Kyoto, Japón. Aproximadamente 1 m de altura, data del siglo XIII
Amida llegando a la montaña desde el Museo Nacional de Kyoto fechado en el siglo XIII. Rollo colgante, 120.6 cm x 80.3 cm. Color en seda.
Kamakura Daibutsu (Amida Buddha) en Kōtoku-in.
Monju cruzando el mar. Rollo colgante, 143.0 cm × 106.4 cm. Color en seda. Localizado en Daigo-ji, Kyoto.
La biografía ilustrada del sacerdote Hōnen. Parte del handscroll (Emakimono), biografías ilustradas de sacerdotes famosos.
Biografía ilustrada del sacerdote Ippen, Volumen 7, detalle del rollo de mano. Color en seda. Tamaño del desplazamiento completo: 37.8 cm x 802.0 cm.
Período de Muromachi (1333-1573)
Durante el período Muromachi, también llamado el período Ashikaga, se produjo un cambio profundo en la cultura japonesa. El clan Ashikaga tomó el control del shogunato y trasladó su sede a Kyoto, al distrito Muromachi de la ciudad. Con el retorno del gobierno a la capital, las tendencias popularizadoras del período Kamakura llegaron a su fin, y la expresión cultural adquirió un carácter más aristocrático y elitista. Durante el Período Muromachi, el Budismo Zen adquirió prominencia especialmente entre la élite de la clase Samurai, que abrazó los valores Zen de disciplina personal, concentración y autodesarrollo.
El desarrollo de los grandes monasterios Zen en Kamakura y Kioto tuvo un gran impacto en las artes visuales. Debido a las aventuras seculares y las misiones comerciales a China organizadas por los templos zen, muchas pinturas chinas y objetos de arte fueron importados a Japón e influyeron profundamente en los artistas japoneses que trabajaban para los templos zen y el shogunato. Estas importaciones no solo cambiaron el tema de la pintura, sino que también modificaron el uso del color; los colores brillantes del Yamato-e cedieron a los monocromos de pintura a la manera china de Sui-boku-ga (水墨画) o sumi-e (墨,), este estilo usaba principalmente tinta negra, la misma que se usaba en la caligrafía del este de Asia. .
El pintor más destacado del nuevo estilo Sumi-e fue Sesshū Tōyō (1420-1506), un sacerdote Rinzai que viajó a China en 1468-69 y estudió pintura Ming contemporánea. Algunas de sus obras más dramáticas están en el estilo chino de tinta salpicada (Haboku). Al regresar a Japón, Sesshū construyó un estudio y estableció un gran número de seguidores, pintores que ahora se conocen como la escuela Unkoku-rin o «Escuela de Sesshū». Para hacer una de las pinturas de Haboku caligráficas y altamente estilizadas, el pintor visualizaba la imagen y luego hacía movimientos rápidos y amplios en el papel, lo que daba como resultado una composición salpicada y abstracta, todo hecho con concentración meditativa. Se suponía que este estilo impresionista de la pintura captara la verdadera naturaleza del tema. El estilo Sumi-e estuvo muy influenciado por la caligrafía, utilizando las mismas herramientas y estilo, así como su filosofía zen. Para pintar con este estilo, el practicante tuvo que aclarar su mente y aplicar las pinceladas sin demasiado pensamiento, llamado mushin (無心 «no estado mental») del filósofo japonés Nishida Kitaro. El concepto de mushin es fundamental para muchas artes japonesas, incluido el arte de la espada, el tiro con arco y la ceremonia del té.
A finales del siglo XIV, las pinturas de paisaje monocromáticas (sansuiga) habían encontrado el patrocinio de la familia gobernante Ashikaga y era el género preferido entre los pintores Zen, evolucionando gradualmente de sus raíces chinas a un estilo más japonés. Otro pintor importante en este período es Tenshō Shūbun, un monje en el templo de Shōkoku-ji en Kyoto, que viajó a Corea y estudió con pintores chinos. Regresó a Japón en 1404 y se estableció en Kioto, entonces la ciudad capital. Se convirtió en director de la oficina de pintura de la corte, establecida por Ashikaga shoguns, que eran influyentes patrocinadores del arte. La pintura de paisaje más conocida de Shūbun, designada Tesoro Nacional en Japón, es Reading in a Bamboo Grove, ahora guardada en el Museo Nacional de Tokio.
Otro estilo que se desarrolló en el período de Muromachi es Shigajiku (詩 画軸). Esta suele ser una pintura acompañada de poesía y tiene sus raíces en China, donde la pintura y la poesía se consideran intrínsecamente conectadas. Este estilo surgió de los círculos literarios, a un artista generalmente se le daba un tema para pintar y los poetas escribían versos acompañantes para que se escribieran sobre la obra. Un ejemplo famoso es el desplazamiento «Capturando un bagre con una calabaza» (Hyōnen-zu 瓢 鮎 図) ubicado en Taizō-in, Myōshin-ji, Kyoto. Creado por el sacerdote-pintor Josetsu (c.1386 – c.1428), incluye 31 versos de muchos sacerdotes Zen inscritos encima de la pintura. En el primer plano de la pintura se representa a un hombre en la orilla de un arroyo sosteniendo una pequeña calabaza y mirando un gran bagre resbaladizo. La niebla llena el terreno intermedio, y el fondo, las montañas parecen estar lejos en la distancia. La pintura fue encargada por el 4º Shogun del período Muromachi, Ashikaga Yoshimochi (1386-1428) y se basó en el enigmático acertijo «¿Cómo atrapar un bagre con una calabaza?». Un ejemplo de uno de los Koans ilustra el estilo de la poesía inscrita encima de la pintura.
¡Listo! Con la calabaza
Él trata de fijar ese pez resbaladizo.
Un poco de aceite en la calabaza
Agregaría entusiasmo a la persecución.
(Shusu [1423] Trans. Matsushita, 1974)
La pintura y los poemas que la acompañan captan la alegría y la naturaleza desconcertante de los kōans budistas zen, que supuestamente ayudaban al practicante zen en su meditación y era una práctica central de la escuela Rinzai.
A finales del período Muromachi, la pintura con tinta había emigrado de los monasterios Zen al mundo del arte en general, ya que los artistas de la escuela Kano y la escuela Ami adoptaron el estilo y los temas, pero introdujeron un efecto plástico y decorativo que continuaría tiempos modernos.
Ejemplo:
Pagoda de Myōō-in en Fukuyama. Fue construido en 1348.
Sala principal de Kakurin-ji en Kakogawa. Fue construido en 1397.
El pabellón de plata de Ginkaku-ji en Kyoto. Fue construido en 1489 (Arte de Wabi-sabi, Higashiyama Bunka).
Jardín de Kinkaku-ji en Kyoto (Arte de Miyabi, Kitayama Bunka).
Jardín seco Ryōan-ji en Kyoto.
Jardín de Saihō-ji en Kyoto.
Jardín de Tenryū-ji en Kyoto.
Pagoda de Negoro-ji en Iwade, Wakayama. Fue construido en 1547.
Paisajes de otoño e invierno por Sesshū.
Huike ofreciendo su brazo a Bodhidharma (1496) por Sesshū
Paisaje de Shubun, rollo colgante, 108 cm x 32,7 cm. Tinta y color claro sobre papel, 1445. Ubicado en el Museo Nacional de Nara.
Getting Hold of the Ox, una de las diez imágenes de Oxchording de Shubun, copia del siglo XV del original perdido del siglo XII.
Kano Motonobu, Kannon de túnica blanca, c. primera mitad del siglo XVI. Pergamino colgante. Tinta, color y oro en seda. 157,2 x 76,4 cm.
Período Azuchi-Momoyama (1573-1603)
Este período vio el surgimiento de la escuela Kanō (派 野 ō Kanō-ha?) Que es una de las escuelas más famosas de la pintura japonesa. La escuela de pintura Kanō fue el estilo dominante de la pintura hasta el período Meiji. Fue fundado por Kanō Masanobu (1434-1530), un contemporáneo de Sesshū y estudiante de Shūbun que se convirtió en pintor oficial en la corte del Shogun. Los artistas que lo siguieron, incluido su hijo, mejoraron su estilo y sus métodos. Su hijo, Kanō Motonobu (1476-1559) estableció el estilo Kano como la principal escuela de pintura japonesa durante el período Muromachi.
En marcado contraste con el período Muromachi anterior, el período Azuchi Momoyama se caracterizó por un grandioso estilo policromático, con un uso extensivo de láminas de oro y plata, y por obras a gran escala. Los pintores de la escuela Kanō fueron condescendientes por Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, Tokugawa Ieyasu y sus seguidores. Kanō Eitoku desarrolló una fórmula para la creación de paisajes monumentales en las puertas correderas que encierran una habitación. Estas enormes pantallas y pinturas murales fueron encargados de decorar los castillos y palacios de la nobleza militar. Este estado continuó en el siguiente período Edo, ya que el Tokugawa Bakufu continuó promoviendo los trabajos de la escuela Kanō como el arte sancionado oficialmente para el shōgun, los daimyōs y la corte imperial. El ascenso de la escuela Kanō vio un comienzo de alejamiento de los temas budistas, ya que los patrocinadores de la escuela Kano encargaban pinturas de naturaleza más secular para decorar sus palacios.
Sin embargo, algunos pintores en este período continuaron mirando hacia atrás a los budistas sacerdotes pintores que inicialmente habían influido en la escuela Kano. Uno de estos pintores fue Hasegawa Tōhaku, quien se vio influenciado por las pinturas en tinta monocromática del pintor muromachi Sesshū y desarrolló su propio estilo de Sumi-e que se remonta al minimalismo de sus predecesores. De hecho, Tōhaku estaba tan enamorado de las técnicas de Sesshū Tōyō que intentó reclamar derechos como su quinto sucesor, aunque perdió en una batalla en la corte contra Unkoku Togan. Aún así, la influencia de Sesshū es evidente en muchas de las obras de mediados o finales de Tōhaku, como su famosa pantalla Shōrin-zu byōbu (松林 図 屏風), que fueron declaradas tesoros nacionales de Japón y son las primeras pinturas de su escala para representar solo los pinos como materia.
La escuela fundada por Hasegawa Tōhaku se conoce hoy como la escuela Hasegawa. Esta escuela era pequeña, consistiendo principalmente en Tōhaku y sus hijos. Por pequeño que sea, sus miembros conservaron la estética tranquila y reservada de Tōhaku, que muchos atribuyen a la influencia de Sesshū, así como a su contemporáneo y amigo, Sen no Rikyū. Se sospecha que estas estéticas simples protestan el uso de la intimidación y la riqueza desenfrenada en la escuela Kanō.
Ejemplo:
Pagoda de Shoman-in en Osaka. Fue reconstruido en 1597.
Golden Hall of Daigo-ji en Kyoto. Fue reconstruido en 1600.
Kaizando y Nyoirindo de Daigo-ji en Kyoto. Fueron reconstruidos en 1606.
Pagoda de Kirihata-ji en Awa. Fue construido en 1607.
Arte Zen
Bajo la secta zen del budismo, que se hizo muy popular en Japón en los siglos XIV y XV, a menudo se producían retratos de sacerdotes zen. El Zen era una secta del budismo que promovía la simplicidad y estaba menos involucrado en el culto, por lo que las pinturas religiosas no eran necesarias por esta razón. En cambio, los sacerdotes Zen a menudo pintaban imágenes de maestros y maestros Zen. A diferencia del período Heian anterior, donde se había considerado «grosero en tiempos de Heian copiar la semejanza de una persona» [se necesita atribución] (Stanley-Baker 2000, 115), los retratos Zen eran retratos de primer plano que mostraban rasgos faciales y detalles. Un retrato del maestro Zen Muso Kokushi pintado por su alumno Muto Shui, muestra un retrato detallado de la cara, con toda la imagen siendo solo un retrato de cabeza y hombros. Esto es diferente a la pintura japonesa anterior que representaría personas como figuras más pequeñas. Los sacerdotes Zen también pintaron paisajes, como el suiboku-ga, o pintura en agua y tinta negra, que se inspiró en la doctrina Zen.
Arquitectura
El budismo ejerció una tremenda influencia en el arte japonés en una variedad de formas y durante muchos períodos de la historia japonesa. Los templos budistas con sus salas y torres de cinco pisos se construyeron en todo Japón, y enormes esculturas de Buda fueron hechas para estos templos.