Barroco

El barroco es un estilo de arquitectura, música, danza, pintura, escultura y otras artes que floreció en Europa desde principios del siglo XVII hasta la década de 1740. En los territorios de los imperios español y portugués, incluida la Península Ibérica, continuó, junto con nuevos estilos, hasta la primera década del siglo XIX. Siguió el arte renacentista y el manierismo y precedió a los estilos rococó (en el pasado a menudo denominado «barroco tardío») y neoclásico. Fue alentada por la Iglesia Católica como un medio para contrarrestar la simplicidad y la austeridad de la arquitectura, el arte y la música protestantes, aunque el arte barroco luterano también se desarrolló en algunas partes de Europa.

El estilo barroco utilizó contraste, movimiento, detalles exuberantes, color profundo, grandeza y sorpresa para lograr una sensación de asombro. El estilo comenzó a principios del siglo XVII en Roma, luego se extendió rápidamente a Francia, el norte de Italia, España y Portugal, luego a Austria, el sur de Alemania y Rusia. En la década de 1730, se había convertido en un estilo aún más extravagante, llamado rocaille o rococó, que apareció en Francia y Europa Central hasta mediados y finales del siglo XVIII.

Visión general

Barroco: un concepto polisémico
El término «barroco» proviene de una palabra de origen portugués (barrôco), cuyo femenino llamó perlas que tenían formas irregulares (como en español la palabra «barruecas»). Originalmente era una palabra despectiva que designaba un tipo de arte caprichoso y bombástico, excesivamente sobrecargado. Así apareció por primera vez en el Dictionnaire de Trévoux (1771), que define «en la pintura, una pintura o una figura de gusto barroco, donde las reglas y las proporciones no se respetan y todo se representa a su antojo. artista».

Otra teoría deriva del sustantivo barroco, un silogismo de origen aristotélico de la filosofía escolástica medieval, que apunta a una ambigüedad que, basada en un contenido lógico débil, confunde lo verdadero con lo falso. Por lo tanto, esta cifra indica un tipo de razonamiento pedante y artificial, generalmente en un tono sarcástico y no sin controversia. En este sentido, Francesco Milizia lo aplicó en su Dizionario delle belle arti del disegno (1797), donde expresa que «el barroco es el superlativo de lo extraño, el exceso del ridículo».

El término «barroco» se utilizó desde el siglo XVIII en un sentido despectivo, para subrayar el exceso de énfasis y la abundancia de ornamentación, a diferencia de la racionalidad más clara y sobria de la Ilustración. En ese momento, barroco era sinónimo de otros adjetivos como «absurdo» o «grotesco». Los pensadores ilustrados vieron en los logros artísticos del siglo anterior una manipulación de los preceptos clasicistas, tan cercanos a su concepto racionalista de la realidad, que su crítica del arte del siglo XVI convirtió el término «barroco» en un concepto peyorativo: en su Dictionnaire d’Architecture (1792), Antoine Chrysostome Quatremère de Quincyhe define el barroco como «un matiz de lo extravagante. Es, si lo desea, su refinamiento o, si pudiera decir, su abuso. Lo grave es para la sabiduría del gusto, lo barroco es para lo extraño, es decir, es su superlativo. La idea del barroco implica la del ridículo conducido al exceso ».

Sin embargo, la historiografía del arte más tarde tendió a revalorizar el concepto del barroco y a valorarlo por sus cualidades intrínsecas, al mismo tiempo que comenzó a tratar el barroco como un período específico en la historia de la cultura occidental. El primero en rechazar el significado negativo del barroco fue Jacob Burckhardt (Cicerone, 1855), afirmando que «la arquitectura barroca habla el mismo lenguaje del Renacimiento, pero en un dialecto degenerado».

Si bien no es una declaración elogiosa, allanó el camino para estudios más objetivos, como los de Cornelius Gurlitt (Geschichte des Barockstils en Italia, 1887), August Schmarsow (Barock und Rokoko, 1897), Alois Riegl (Die Entstehung der Barockkunst en Rom , 1908) y Wilhelm Pinder (Deutscher Barock, 1912), que culminó con el trabajo de Heinrich Wölfflin (Renaissance und Barock, 1888; Kunstgeschichtliche Grundbegriffe, 1915), el primero Le dio al Barroco una autonomía estilística propia y diferenciada, señalando Sus propiedades y características estilísticas de una manera revalorizada. Más tarde, Benedetto Croce (Saggi sulla letteratura italiana del Seicento, 1911) realizó un estudio historicista del barroco, enmarcándolo en su contexto sociohistórico y cultural, y tratando de no hacer ningún tipo de juicio de valor. Sin embargo, en Storia dell’età barocca en Italia (1929) una vez más le dio un carácter negativo al Barroco, al que llamó «decadente», justo en el momento en que surgieron numerosos tratados que reclamaban el valor artístico de la época, como Der Barock als Kunst der Gegenreformation (1921), de Werner Weisbach, Österreichische Barockarchitektur (1930) de Hans Sedlmayr o Art religieux après le Concile de Trente (1932), de Émile Mâle.

Los estudios posteriores han establecido definitivamente el concepto actual del barroco, con pequeñas advertencias, como la distinción hecha por algunos historiadores entre «barroco» y «barroco», siendo la primera la fase clásica, pura y primitiva del arte del siglo XVII, y la segundo, una fase de modales, recargada y exagerada, que convergería con el Rococó, de la misma manera que el manierismo sería la fase de modales del Renacimiento. En este sentido, Wilhelm Pinder (Das Problem der Generation in der Kunstgeschichte, 1926) argumenta que estos estilos «generacionales» se suceden sobre la base de la formulación y posterior deformación de ciertos ideales culturales: así como el Manierismo jugó con las formas clásicas de Renacimiento de un estilo humanista y clasicista, el barroco representó la reformulación en la clave formalista del sustrato ideológico barroco, basado principalmente en el absolutismo y la contrarreforma.

Por otro lado, contra el barroco como un cierto período en la historia de la cultura, a principios del siglo XX surgió un segundo significado, el del «barroco» como una fase presente en la evolución de todos los estilos artísticos. Nietzsche ya afirmó que «el estilo barroco surge cada vez que muere un gran arte». El primero en darle al Barroco un sentido estético transhistórico fue Heinrich Wölfflin (Kunstgeschichtliche Grundbegriffe, 1915), quien estableció un principio general de alternancia entre clasicismo y barroco, que gobierna la evolución de los estilos artísticos.

El testigo fue recogido por Eugenio d’Ors (El Barroco, 1936), quien lo definió como un «eón», una forma de arte transhistórico («el barroco» versus «el barroco» como un período), una modalidad recurrente en todo momento. La historia del arte en oposición a la clásica. Si el clasicismo es un arte racional, masculino, apolíneo, el barroco es irracional, femenino, dionisíaco. Para d’Ors, “ambas aspiraciones [clasicismo y estilo barroco] se complementan entre sí. Se produce un estilo de economía y razón, y otro musical y abundante. Uno se siente atraído por formas estables y pesadas, el otro por formas redondeadas y ascendentes. De uno a otro no hay decadencia ni degeneración. Estas son dos formas eternas de sensibilidad ».

Contexto histórico y cultural.
El siglo XVII fue generalmente una época de depresión económica, una consecuencia de la expansión prolongada del siglo anterior causada principalmente por el descubrimiento de América. Las malas cosechas condujeron a un aumento en el precio del trigo y otros productos básicos, con hambrunas posteriores. El comercio se estancó, especialmente en el área mediterránea, y solo floreció en Inglaterra y los Países Bajos a través del comercio con Oriente y la creación de grandes empresas comerciales, que sentaron las bases del capitalismo y el surgimiento de la burguesía. La mala situación económica se vio agravada por las plagas de la peste que asolaron Europa a mediados del siglo XVII, lo que afectó especialmente al área mediterránea. Otro factor que generó miseria y pobreza fueron las guerras, causadas principalmente por la confrontación entre católicos y protestantes, como es el caso de la Guerra de los Treinta Años (1618-1648). Todos estos factores causaron un grave empobrecimiento de la población; En muchos países, el número de pobres y mendigos llegó a la cuarta parte de la población.

Por otro lado, el poder hegemónico en Europa pasó de la España imperial a la Francia absolutista, que después de la Paz de Westfalia (1648) y la Paz de los Pirineos (1659) se consolidó como el estado más poderoso del continente, prácticamente indiscutible hasta el surgimiento de Inglaterra en el siglo XVIII. Así, la Francia de Luises y la Roma papal fueron los principales núcleos de la cultura barroca, como centros de poder político y religioso, respectivamente, y centros de difusión del absolutismo y la contrarreforma. España, aunque en declive político y económico, tuvo un período cultural espléndido, la llamada Edad de Oro, que, aunque marcada por su aspecto religioso de incontrovertible proselitismo contrarreformista, tuvo un fuerte componente popular, y trajo tanto literatura como plástico. artes a altos niveles de calidad. En el resto de los países donde llegó la cultura barroca (Inglaterra, Alemania, Países Bajos), su implantación fue irregular y con diferentes sellos propios de sus características nacionales distintivas.

El barroco se forjó en Italia, principalmente en la sede pontificia de Roma, donde se utilizó el arte como medio de propaganda para la difusión de la doctrina contrarreformista. La Reforma Protestante sumió a la Iglesia Católica en una profunda crisis durante la primera mitad del siglo XVI, lo que evidenció tanto la corrupción en numerosos estratos eclesiásticos como la necesidad de una renovación del mensaje y el trabajo católicos, así como un mayor acercamiento a los fieles. . El Concilio de Trento (1545-1563) se celebró para contrarrestar el avance del protestantismo y para consolidar el culto católico en los países donde aún prevalecía, sentando las bases para el dogma católico (sacerdocio sacramental, celibato, adoración de la Virgen y los santos, uso litúrgico del latín) y la creación de nuevos instrumentos de comunicación y expansión de la fe católica, haciendo especial hincapié en la educación, la predicación y la difusión del mensaje católico, que adquirió un fuerte sello de propaganda, para lo cual se creó la Congregación para la Propagación de la Fe . Esta idea se materializó en la recién fundada Compañía de Jesús, que a través de la predicación y la enseñanza tuvo una difusión notable y rápida en todo el mundo, frenando el avance del protestantismo y recuperando numerosos territorios para la fe católica (Austria, Baviera, Suiza, Flandes, Polonia).

Otro efecto de la Contrarreforma fue la consolidación de la figura del Papa, cuyo poder se reforzó, y que resultó en un ambicioso programa de expansión urbana y renovación de Roma, especialmente de sus iglesias, con especial énfasis en la Basílica de San Pedro. .y sus alrededores. La Iglesia fue el mayor comisionado artístico de la época, y utilizó el arte como un caballo de batalla de la propaganda religiosa, siendo un medio popular fácilmente accesible e inteligible. El arte se usó como vehículo de expresión ad maiorem Dei et Ecclesiae gloriam, y papas como Sixto V, Clemente VIII, Pablo V, Gregorio XV, Urbano VIII, Inocencio X y Alejandro VII se convirtieron en grandes mecenas y llevaron a grandes mejoras y construcciones. . en la ciudad eterna, ya clasificada como Roma triunfante, caput mundi («Roma triunfante, cabeza del mundo»).

Culturalmente, el Barroco fue una época de grandes avances científicos: William Harvey verificó la circulación de la sangre; Galileo Galilei perfeccionó el telescopio y consolidó la teoría heliocéntrica establecida por Copérnico y Kepler en el siglo anterior; Isaac Newton formuló la teoría de la gravitación universal; Evangelista Torricelli inventó el barómetro. Francis Bacon estableció el método experimental con su Novum Organumas como base de la investigación científica, sentando las bases del empirismo. Por su parte, René Descartes dirigió la filosofía hacia el racionalismo, con su famoso «Pienso, luego existo».

Debido a las nuevas teorías heliocéntricas y la consiguiente pérdida del sentimiento antropocéntrico típico del hombre del Renacimiento, el hombre barroco perdió la fe en orden y razón, en armonía y proporción; La naturaleza, no regulada y ordenada, pero libre y voluble, misteriosa e incomprensible, se convirtió en una fuente directa de inspiración conveniente mentalidad barroca. Al perder la fe en la verdad, todo se vuelve aparente e ilusorio (Calderón: La vida es un sueño); Ya no se revela nada, por lo que todo debe ser investigado y experimentado. Descartes puso en duda el punto de partida de su sistema filosófico: «considerando que todos los pensamientos que nos llegan mientras está despierto también pueden ocurrirnos durante el sueño, sin que ninguno sea cierto, decidí fingir que todas las cosas que hasta ahora habían entrado en mi espíritu, no eran más verdaderas que las ilusiones de mis sueños «(Discurso sobre el método, 1637). Así, mientras la ciencia se limitaba a la búsqueda de la verdad, el arte se dirigía a la expresión de lo imaginario, del anhelo por el infinito ese barroco el hombre anhelaba. De ahí el gusto por los efectos ópticos y los juegos ilusorios, por las construcciones efímeras y el valor de lo transitorio, o el gusto por lo sugerente y seductor en la poesía, por lo maravilloso, sensual y evocador, por los efectos lingüísticos y sintácticos, por La fuerza de la imagen y el poder de la retórica, revitalizados por el reclamo de autores como Aristóteles o Cicerón.

La cultura barroca era, en la definición de José Antonio Maravall, «Dirigida», centrada en la comunicación, «masiva», de carácter popular, y «conservadora», para mantener el orden establecido. Cualquier medio de expresión artística debe ser principalmente didáctico y seductor, debe llegar fácilmente al público y debe entusiasmarlo, hacer que esté de acuerdo con el mensaje que transmitió, un mensaje puesto al servicio de las instancias de poder, políticas o religiosas, que fue quien lo pagó. Los costos de producción de las obras artísticas, ya que la Iglesia y la aristocracia, también incipientemente la burguesía, fueron los principales clientes de artistas y escritores. Si la Iglesia quería transmitir su mensaje contrarreformista, las monarquías absolutas veían en el arte una forma de magnificar su imagen y mostrar su poder,

Por esta razón y a pesar de la crisis económica, el arte floreció gracias sobre todo al patrocinio eclesiástico y aristocrático. Las cortes de los estados monárquicos, especialmente los absolutistas, favorecieron el arte como una forma de capturar la magnificencia de sus reinos, un instrumento propagandístico que atestigua la grandeza del monarca (un ejemplo paradigmático es la construcción de Versalles por Luis XIV). El surgimiento del coleccionismo, que condujo a la circulación de artistas y obras de arte en todo el continente europeo, llevó al surgimiento del mercado del arte. Algunos de los principales coleccionistas de arte de la época eran monarcas, como el emperador Rodolfo II, Carlos I de Inglaterra, Felipe IV de España o la reina Cristina de Suecia. El mercado artístico floreció notablemente, centrándose principalmente en el holandés (Amberes y Amsterdam) y el alemán (Nuremberg y Augsburg). Las academias de arte también proliferaron, siguiendo a las que surgieron en Italia en el siglo XVI, como instituciones encargadas de preservar el arte como fenómeno cultural, regular su estudio y conservación, y promoverlo a través de exposiciones y concursos; Las principales academias que surgieron en el siglo XVII fueron la Académie Royale d’Art, fundada en París en 1648, y la Akademie der Künste en Berlín (1696).

El estilo barroco
El barroco era un estilo heredado de escepticismo manierista, que se reflejaba en un sentimiento de fatalidad y drama entre los autores de la época. El arte se hizo más artificial, más adornado, decorativo, adornado. Destacó el uso ilusionista de los efectos ópticos; La belleza buscó nuevas formas de expresión y los sorprendentes y sorprendentes efectos se hicieron relevantes. Surgieron nuevos conceptos estéticos como «ingenio», «perspicacia» o «agudeza». En la conducta personal, se enfatizó especialmente el aspecto externo, de modo que reflejó una actitud arrogante, elegante, refinada y exagerada que tomó el nombre de préciosité.

Según Wölfflin, el barroco se define principalmente por la oposición al Renacimiento: en comparación con la visión lineal del Renacimiento, la visión barroca es pictórica; en comparación con la composición en planos, la que se basa en la profundidad; delante de la forma cerrada, la abierta; frente a la unidad compositiva basada en la armonía, subordinación a un motivo principal; en comparación con la claridad absoluta del objeto, la claridad relativa del efecto. Así, el Barroco «es el estilo del punto de vista pictórico con perspectiva y profundidad, que somete la multiplicidad de sus elementos a una idea central, con una visión ilimitada y una relativa oscuridad que evita detalles y perfiles nítidos, al mismo tiempo. siendo un estilo que, en lugar de revelar su arte, lo oculta ».

El arte barroco se expresó estilísticamente de dos maneras: por un lado, hay un énfasis en la realidad, el aspecto mundano de la vida, la vida cotidiana y la naturaleza efímera de la vida, que se materializó en una cierta «vulgarización» del fenómeno religioso en la Iglesia Católica. países, así como un mayor gusto por las cualidades sensibles del mundo circundante en protestantes; Por otro lado, una visión grandiosa y exaltada de los conceptos nacionales y religiosos se manifiesta como una expresión de poder, que se traduce en un gusto por lo monumental, lo lujoso y lo ornamentado, el magnífico carácter dado a la realeza y la Iglesia, a menudo con Un fuerte sello de propaganda.

El barroco era una cultura de la imagen, donde todas las artes se unieron para crear una obra de arte total, con una estética teatral, escenográfica, una puesta en escena que revela el esplendor del poder dominante (Iglesia o Estado), con cierta Toques naturalistas pero en un conjunto que expresa dinamismo y vitalidad. La interacción de todas las artes expresa el uso del lenguaje visual como un medio de comunicación de masas, encarnado en una concepción dinámica de la naturaleza y el espacio circundante.

Una de las principales características del arte barroco es su naturaleza ilusoria y artificial: «el ingenio y el diseño son el arte mágico a través del cual se puede engañar a los ojos con asombro» (Gian Lorenzo Bernini). Lo visual y lo efímero fueron especialmente valorados, por lo que el teatro y los diversos géneros de artes escénicas y espectáculos ganaron popularidad: danza, pantomima, drama musical (oratoria y melodrama), espectáculos de títeres, acróbatas, circos, etc. Hubo una sensación de que el mundo es un teatro (theatrum mundi) y la vida es una función teatral: «todos son un escenario, y todos los hombres y mujeres son meros actores» (como a usted le gusta, William Shakespeare, 1599).

Del mismo modo, hubo una tendencia a teatralizar las otras artes, especialmente la arquitectura. Es un arte que se basa en la inversión de la realidad: en la «simulación», en convertir lo falso en verdadero, y en el «disfraz», pasar lo verdadero por falso. Las cosas no se muestran como son, sino como les gustaría que fueran, especialmente en el mundo católico, donde la Contrarreforma tuvo poco éxito, ya que la mitad de Europa recurrió al protestantismo. En la literatura, se manifestó dando rienda suelta al artificio retórico, como un medio de expresión de propaganda en el que la suntuosidad del lenguaje buscaba reflejar la realidad de una manera endulzada, recurriendo a figuras retóricas como metáfora, paradoja, hipérbole, antítesis, hipérbaton. , puntos suspensivos, etc. Esta transposición de la realidad, que está distorsionada y magnificada, alterada en sus proporciones y sujeta al criterio subjetivo de la ficción, también pasó al campo de la pintura, donde se abusa del escorzo y la perspectiva ilusionista en aras de lo mayor, Efectos llamativos. y sorprendente

El arte barroco buscó crear una realidad alternativa a través de la ficción y la ilusión. Esta tendencia tuvo su máxima expresión en la fiesta y la celebración lúdica; edificios como iglesias o palacios, o un barrio o una ciudad entera, se convirtieron en teatros de la vida, escenarios donde la realidad y la ilusión se mezclaban, donde los sentidos estaban sujetos al engaño y al artificio. En este aspecto, la Iglesia contrarreformista tenía un papel especial, que buscaba a través de la pompa y el boato mostrar su superioridad sobre las iglesias protestantes, con actos como misas solemnes, canonizaciones, jubileos, procesiones o dotaciones papales. Pero igual de lujosas fueron las celebraciones de la monarquía y la aristocracia, con eventos como coronaciones, bodas y nacimientos reales, funerales, visitas de embajadores o cualquier evento que permitiera al monarca mostrar su poder para admirar a la gente. Los festivales barrocos fueron una conjugación de todas las artes, desde arquitectura y artes plásticas hasta poesía, música, danza, teatro, fuegos artificiales, arreglos florales, juegos acuáticos, etc. Arquitectos como Bernini o Pietro da Cortona, o Alonso Cano y Sebastián Herrera. Barnuevo en España, contribuyó con su talento a tales eventos, diseñando estructuras, coreografías, iluminaciones y otros elementos, que a menudo sirvieron como campo de pruebas para futuros logros más serios: así, el dosel para la canonización de Santa Isabel de Portugal sirvió a Bernini para su El diseño futuro del dosel de San Pedro y el cuarenteno (Teatro Sagrado de los Jesuitas) de Carlo Rainaldi fue un modelo de la iglesia de Santa María en Campitelli.

Durante el Barroco, el carácter adornado, artificial y adornado del arte de esta época reveló un sentido vital transitorio, relacionado con el memento mori, el valor efímero de las riquezas frente a la inevitabilidad de la muerte, paralela al género pictórico del vanitas Este sentimiento condujo a una apreciación vitalista de la fugacidad del momento, a disfrutar de los pequeños momentos de recreación que la vida otorga, o a celebraciones y actos solemnes. Por lo tanto, los nacimientos, bodas, muertes, actos religiosos o las coronaciones reales y otros actos lúdicos o ceremoniales, se cubrieron con una pompa y un artificio de naturaleza escenográfica, donde se produjeron grandes ensamblajes que unieron arquitectura y decoraciones para proporcionar una magnificencia elocuente. Para cualquier celebración, que se convirtió en un espectáculo casi catártico, donde el elemento ilusorio, la atenuación de la frontera entre la realidad y la fantasía, adquirió especial relevancia.

Cabe señalar que el Barroco es un concepto heterogéneo que no presentó una unidad estilística ni geográfica ni cronológicamente, sino que dentro de él hay varias tendencias estilísticas, principalmente en el campo de la pintura. Los principales serían: naturalismo, un estilo basado en la observación de la naturaleza pero sujeto a ciertas pautas establecidas por el artista, basadas en criterios morales y estéticos o, simplemente, derivadas de la libre interpretación del artista al concebir su obra; realismo, una tendencia que surge de la imitación estricta de la naturaleza, ni interpretada ni endulzada, sino representada en detalles minuciosos hasta el más mínimo detalle; clasicismo, corriente centrada en la idealización y perfección de la naturaleza, evocando altos sentimientos y profundos reflejos, con la aspiración de reflejar la belleza en toda su plenitud.

Finalmente, cabe señalar que en el barroco surgieron o se desarrollaron nuevos géneros pictóricos. Si hasta entonces la representación de temas históricos, mitológicos o religiosos había predominado en el arte, los profundos cambios sociales experimentados en el siglo XVII fomentaron el interés en nuevos temas, especialmente en los países protestantes, cuya moralidad severa impidió la representación de imágenes religiosas al considerarlas idolatría. .

Por otro lado, el surgimiento de la burguesía, que para enfatizar su estatus invertido decisivamente en el arte, trajo consigo la representación de nuevos temas lejos de las escenas grandilocuentes preferidas por la aristocracia. Entre los géneros profusamente desarrollados en el Barroco se destacan los siguientes: la pintura de género, que toma sus modelos de la realidad circundante, de la vida cotidiana, de los temas rurales o urbanos, de los pobres y mendigos, comerciantes y artesanos, o de festivales y folklóricos. ajustes; el paisaje, que eleva la representación de la naturaleza a una categoría independiente, que hasta ese momento solo servía de telón de fondo para escenas con personajes históricos o religiosos; el retrato, que centra su representación en la figura humana, generalmente con un componente realista, aunque a veces no está exento de idealización; la naturaleza muerta o naturaleza muerta, que consiste en la representación de objetos inanimados, ya sean piezas de ajuar doméstico, flores, frutas u otros alimentos, muebles, instrumentos musicales, etc .; y las vanitas, un tipo de naturaleza muerta que alude a la naturaleza efímera de la existencia humana, generalmente simbolizada por la presencia de cráneos o esqueletos, velas o relojes de arena.

Arquitectura: orígenes y características.
El estilo barroco de la arquitectura fue el resultado de las doctrinas adoptadas por la Iglesia Católica en el Concilio de Trento en 1545-1563, en respuesta a la Reforma Protestante. La primera fase de la Contrarreforma había impuesto un estilo académico severo en la arquitectura religiosa, que había atraído a los intelectuales pero no a la masa de los feligreses. El Concilio de Trento decidió en cambio apelar a un público más popular, y declaró que las artes deberían comunicar temas religiosos con participación directa y emocional. El arte barroco luterano se desarrolló como un marcador confesional de identidad, en respuesta a la gran iconoclasia de los calvinistas.

Las iglesias barrocas fueron diseñadas con un gran espacio central, donde los fieles podían estar cerca del altar, con una cúpula o cúpula en lo alto, permitiendo que la luz iluminara la iglesia de abajo. La cúpula era una de las características simbólicas centrales de la arquitectura barroca que ilustraba la unión entre los cielos y la tierra. El interior de la cúpula estaba lujosamente decorado con pinturas de ángeles y santos, y con estatuas de ángeles de estuco, dando la impresión a los que están debajo. de mirar al cielo. Otra característica de las iglesias barrocas son la quadratura; Pinturas de trompe-l’œil en el techo en marcos de estuco, reales o pintados, llenas de pinturas de santos y ángeles y conectadas por detalles arquitectónicos con las barandillas y las consolas. Cuadros de cuadros de Atlantes debajo de las cornisas parecen estar soportando el techo de la iglesia. A diferencia de los techos pintados de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina, que combinaban diferentes escenas, cada una con su propia perspectiva, para ser vistas de una en una, las pinturas barrocas del techo fueron creadas cuidadosamente para que el espectador en el piso de la iglesia pudiera ver el techo completo en perspectiva correcta, como si las cifras fueran reales.

Los interiores de las iglesias barrocas se volvieron cada vez más ornamentados en el Alto Barroco, y se centraron alrededor del altar, generalmente colocado debajo de la cúpula. Las obras decorativas barrocas más famosas del Alto Barroco son la Cátedra de San Pedro (1647–53) y el Baldachino de San Pedro (1623–34), ambas de Gian Lorenzo Bernini, en la Basílica de San Pedro en Roma. El Baldequín de San Pedro es un ejemplo del equilibrio de los opuestos en el arte barroco; las proporciones gigantescas de la pieza, con la aparente ligereza del dosel; y el contraste entre las columnas retorcidas sólidas, bronce, oro y mármol de la pieza con las cortinas que fluyen de los ángeles en el dosel. La Frauenkirche de Dresde sirve como un ejemplo destacado del arte barroco luterano, que se completó en 1743 después de ser comisionado por el ayuntamiento luterano de Dresde y fue «comparado por observadores del siglo XVIII con San Pedro en Roma».

La columna retorcida en el interior de las iglesias es una de las características distintivas del barroco. Da una sensación de movimiento y también una nueva forma dramática de reflejar la luz. El cartucho era otro rasgo característico de la decoración barroca. Estas eran grandes placas talladas en mármol o piedra, generalmente ovaladas y con una superficie redondeada, que llevaban imágenes o texto en letras doradas, y se colocaban como decoración interior o encima de las puertas de los edificios, entregando mensajes a los que estaban debajo. Mostraron una gran variedad de inventos, y se encontraron en todo tipo de edificios, desde catedrales y palacios hasta pequeñas capillas.

Los arquitectos barrocos a veces usaban la perspectiva forzada para crear ilusiones. Para el Palazzo Spada en Roma, Borromini utilizó columnas de tamaño decreciente, un piso estrecho y una estatua en miniatura en el jardín más allá para crear la ilusión de que un pasillo tenía treinta metros de largo, cuando en realidad solo tenía siete metros de largo. Una estatua al final del pasaje parece ser de tamaño natural, aunque solo tiene sesenta centímetros de altura. Borromini diseñó la ilusión con la ayuda de un matemático.

Arquitectura barroca italiana
El primer edificio en Roma en tener una fachada barroca fue la Iglesia del Gesù en 1584; Era evidente para los estándares barrocos posteriores, pero marcó una ruptura con las fachadas renacentistas tradicionales que lo precedieron. El interior de esta iglesia permaneció muy austero hasta el alto barroco, cuando estaba lujosamente ornamentado.

En Roma, en 1605, Pablo V se convirtió en el primero de una serie de papas que encargaron basílicas y edificios de iglesias diseñados para inspirar emoción y asombro a través de la proliferación de formas y una riqueza de colores y efectos dramáticos. Entre los monumentos más influyentes del barroco temprano estaban la fachada de la basílica de San Pedro (1606–1619) y la nueva nave y logia que conectaban la fachada con la cúpula de Miguel Ángel en la iglesia anterior. El nuevo diseño creó un contraste dramático entre la cúpula elevada y la fachada desproporcionadamente ancha, y el contraste en la fachada misma entre las columnas dóricas y la gran masa del pórtico.

A mediados y finales del siglo XVII, el estilo alcanzó su apogeo, más tarde denominado Alto Barroco. Muchas obras monumentales fueron encargadas por los Papas Urbano VIII y Alejandro VII. El escultor y arquitecto Gian Lorenzo Bernini diseñó una nueva columnata cuádruple alrededor de la Plaza de San Pedro (1656 a 1667). Las tres galerías de columnas en una elipse gigante equilibran la cúpula de gran tamaño y le dan a la Iglesia y al cuadrado la unidad y la sensación de un teatro gigante.

Otro gran innovador del Alto Barroco italiano fue Francesco Borromini, cuya obra principal fue la Iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane o San Carlos de las Cuatro Fuentes (1634-1646). El sentido del movimiento no está dado por la decoración, sino por las paredes mismas, que ondulan y por elementos cóncavos y convexos, incluida una torre ovalada y un balcón insertado en una travesía cóncava. El interior era igualmente revolucionario; El espacio principal de la iglesia era ovalado, debajo de una cúpula ovalada.

Los techos pintados, llenos de ángeles y santos y los efectos arquitectónicos trompe-l’œil, fueron una característica importante del alto barroco italiano. Las obras principales incluyeron La entrada de San Ignacio al paraíso por Andrea Pozzo (1685–1695) en la Iglesia de San Ignacio en Roma, y ​​El triunfo del nombre de Jesús por Giovanni Battista Gaulli en la Iglesia del Gesù en Roma (1669– 1683), que presentaba figuras que se derramaban del marco de la imagen y una espectacular iluminación oblicua y contrastes de luz y oscuridad. El estilo se extendió rápidamente desde Roma a otras regiones de Italia: apareció en Venecia en la iglesia de Santa Maria della Salute (1631-1687) por Baldassare Longhena, una forma octogonal muy original coronada con una enorme cúpula. Apareció también en Turín, especialmente en la Capilla de la Sábana Santa (1668-1694) de Guarino Guarini. El estilo también comenzó a usarse en palacios; Guarini diseñó el Palazzo Carignano en Turín, mientras que Longhena diseñó el Ca ‘Rezzonico en el Gran Canal (1657), terminado por Giorgio Massari con decorados con pinturas de Giovanni Battista Tiepolo. Una serie de terremotos masivos en Sicilia requirió la reconstrucción de la mayoría de ellos y varios fueron construidos en el exuberante estilo barroco tardío o rococó.

Arquitectura barroca española
La Iglesia Católica en España, y particularmente los jesuitas, fueron la fuerza impulsora de la arquitectura barroca española. La primera obra importante en el estilo fue la Capilla de San Isidro en Madrid, iniciada en 1643 por Pedro de la Torre. Contrastaba una riqueza extrema de adornos en el exterior con la simplicidad en el interior, dividida en múltiples espacios y utilizando efectos de luz para crear una sensación de misterio. La Catedral de Santiago de Compostela se modernizó con una serie de adiciones barrocas que comenzaron a fines del siglo XVII, comenzando con un campanario muy ornamentado (1680), luego flanqueado por dos torres aún más altas y ornamentadas, llamadas Obradorio, añadieron Entre 1738 y 1750 por Fernando de Casas Novoa. Otro hito del barroco español es la torre de la capilla del Palacio de San Telmo en Sevilla, de Leonardo de Figueroa.

Granada solo había sido liberada de los moros en el siglo XV y tenía su propia variedad distintiva de barroco. El pintor, escultor y arquitecto Alonso Cano diseñó el interior barroco de la catedral de Granada entre 1652 y su muerte en 1657. Presenta contrastes dramáticos de las enormes columnas blancas y la decoración dorada.

La arquitectura más ornamental y lujosamente decorada del barroco español se llama estilo churrigueresco, llamado así por los hermanos Churriguera, que trabajaron principalmente en Salamanca y Madrid. Sus obras incluyen los edificios de la plaza principal de la ciudad, la Plaza Mayor de Salamanca (1729). Este estilo barroco altamente ornamental fue muy influyente en muchas iglesias y catedrales construidas por los españoles en las Américas.

Otros arquitectos barrocos españoles notables del barroco tardío incluyen a Pedro de Ribera, un alumno de Churriguera, quien diseñó el Real Hospicio de San Fernando en Madrid, y Narciso Tomé, quien diseñó el famoso retablo de El Transparente en la Catedral de Toledo (1729–32) que da la ilusión, en cierta luz, de flotar hacia arriba.

Los arquitectos del barroco español tuvieron un efecto mucho más allá de España; Su trabajo fue muy influyente en las iglesias construidas en las colonias españolas en América Latina y Filipinas. La Iglesia construida por los jesuitas para un colegio en Tepotzotlán, con su ornamentada fachada y torre barrocas, es un buen ejemplo.

Europa Central y Rococó (1740s-1770s)
De 1680 a 1750, se construyeron muchas catedrales, abadías e iglesias de peregrinación muy ornamentadas en Europa Central, Baviera, Austria, Bohemia y el suroeste de Polonia. Algunos estaban en estilo rococó, un estilo distinto, más extravagante y asimétrico que surgió del barroco, y luego lo reemplazó en Europa Central en la primera mitad del siglo XVIII, hasta que fue reemplazado a su vez por el clasicismo.

Los príncipes de la multitud de estados de esa región también eligieron el barroco o el rococó para sus palacios y residencias, y a menudo utilizaron arquitectos formados en Italia para construirlos. Arquitectos notables incluyeron a Johann Fischer von Erlach, Lukas von Hildebrandt y Dominikus Zimmermann en Baviera, Balthasar Neumann en Bruhl y Matthäus Daniel Pöppelmann en Dresden. En Prusia, Federico II de Prusia se inspiró en el Gran Trianón del Palacio de Versalles, y lo utilizó como modelo para su residencia de verano, Sanssouci, en Potsdam, diseñado para él por Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff (1745-1747). Otra obra de la arquitectura del palacio barroco es el Zwinger en Dresde, la antigua orangerie del palacio de los duques de Sajonia en el siglo XVIII.

Uno de los mejores ejemplos de una iglesia rococó es la Basilika Vierzehnheiligen, o Basílica de los Catorce Ayudantes Sagrados, una iglesia de peregrinación ubicada cerca de la ciudad de Bad Staffelstein, cerca de Bamberg, en Baviera, en el sur de Alemania. La basílica fue diseñada por Balthasar Neumann y fue construida entre 1743 y 1772, su plan es una serie de círculos entrelazados alrededor de un óvalo central con el altar colocado en el centro exacto de la iglesia. El interior de esta iglesia ilustra la cumbre de la decoración rococó.

Otro ejemplo notable del estilo es la Iglesia de peregrinación de Wies (en alemán: Wieskirche). Fue diseñado por los hermanos J. B. y Dominikus Zimmermann. Se encuentra en las estribaciones de los Alpes, en el municipio de Steingaden, en el distrito de Weilheim-Schongau, Baviera, Alemania. La construcción tuvo lugar entre 1745 y 1754, y el interior estaba decorado con frescos y estucos en la tradición de la Escuela Wessobrunner. Ahora es un sitio del patrimonio mundial de la UNESCO.

Otro ejemplo notable es la Iglesia de San Nicolás (Malá Strana) en Praga (1704–55), construida por Christoph Dientzenhofer y su hijo Kilian Ignaz Dientzenhofer. La decoración cubre todas las paredes del interior de la iglesia. El altar se coloca en la nave debajo de la cúpula central, y rodeado de capillas, la luz desciende desde la cúpula superior y desde las capillas circundantes. El altar está completamente rodeado de arcos, columnas, balaustradas curvas y pilastras de piedra de colores, ricamente decoradas con estatuas, creando una confusión deliberada entre la arquitectura real y la decoración. La arquitectura se transforma en un teatro de luz, color y movimiento.

En Polonia, el barroco polaco de inspiración italiana duró desde principios del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII y enfatizó la riqueza de detalles y colores. El primer edificio barroco en la actual Polonia y probablemente uno de los más reconocibles es la Iglesia de San Pedro y San Pablo en Cracovia, diseñada por Giovanni Battista Trevano. La columna de Segismundo en Varsovia, erigida en 1644, fue el primer monumento barroco secular del mundo construido en forma de columna. El palacio de Wilanów, construido entre 1677 y 1696, ejemplificó el estilo de residencia palaciega. El arquitecto barroco más famoso en Polonia fue el holandés Tylman van Gameren y sus obras notables incluyen la Iglesia de San Kazimierz de Varsovia y el Palacio de Krasiński, Santa Ana en Cracovia y Palacio Branicki en Bialystok. Sin embargo, la obra más famosa del barroco polaco es la Iglesia Fara en Poznań, con detalles de Pompeo Ferrari.

Barroco francés o clasicismo
Francia resistió en gran medida el estilo barroco adornado de Italia, España, Viena y el resto de Europa. El estilo barroco francés (a menudo denominado Gran clasicismo o simplemente clasicismo en Francia) está estrechamente asociado con las obras construidas para Luis XIV y Luis XV; Presenta un orden y una medida más geométricos que el barroco, y una decoración menos elaborada en las fachadas y en los interiores. Louis XIV invitó al maestro del barroco, Bernini, a presentar un diseño para la nueva ala del Louvre, pero lo rechazó a favor de un diseño más clásico de Claude Perrault y Louis Le Vau.

Los arquitectos principales del estilo incluyeron a François Mansart (Chateau de Balleroy, 1626–1636), Pierre Le Muet (Iglesia de Val-de-Grace, 1645–1665), Louis Le Vau (Vaux-le-Vicomte, 1657–1661) y especialmente Jules Hardouin Mansart y Robert de Cotte, cuyo trabajo incluyó la Galerie des Glaces y el Grand Trianon en Versalles (1687-1688). Mansart también fue responsable del clasicismo barroco de la Place Vendôme (1686-1699).

El principal proyecto real de la época fue la expansión del Palacio de Versalles, iniciado en 1661 por Le Vau con decoración del pintor Charles Le Brun. Los jardines fueron diseñados por André Le Nôtre específicamente para complementar y amplificar la arquitectura. La Galerie des Glaces (Salón de los Espejos), la pieza central del castillo, con pinturas de Le Brun, fue construida entre 1678 y 1686. Mansart completó el Grand Trianon en 1687. La capilla, diseñada por De Cotte, se terminó en 1710. Después de la muerte de Luis XIV, Luis XV agregó el más íntimo Petit Trianon y el teatro muy ornamentado. Las fuentes en los jardines fueron diseñadas para ser vistas desde el interior y para aumentar el efecto dramático. El palacio fue admirado y copiado por otros monarcas de Europa, particularmente Pedro el Grande de Rusia, que visitó Versalles a principios del reinado de Luis XV, y construyó su propia versión en el Palacio Peterhof cerca de San Petersburgo, entre 1705 y 1725.

Barroco portugués
La arquitectura barroca en Portugal duró aproximadamente dos siglos (finales del siglo XVII y siglo XVIII). Los reinados de Juan V y José I habían aumentado las importaciones de oro y diamantes, en un período llamado Absolutismo Real, que permitió que floreciera el barroco portugués.

La arquitectura barroca en Portugal goza de una situación especial y una línea de tiempo diferente del resto de Europa.

Está condicionado por varios factores políticos, artísticos y económicos, que originan varias fases, y diferentes tipos de influencias externas, lo que resulta en una mezcla única, a menudo incomprendida por aquellos que buscan arte italiano, en cambio encuentran formas y caracteres específicos que le otorgan un carácter único. Variedad portuguesa. Otro factor clave es la existencia de la arquitectura jesuítica, también llamada «estilo sencillo» (Estilo Chão o Estilo Plano) que, como su nombre lo evoca, es más simple y parece algo austero.

Los edificios son basílicas de una sola habitación, capilla principal profunda, capillas laterales (con pequeñas puertas de comunicación), sin decoración interior y exterior, portal y ventanas muy simples. Es un edificio muy práctico, lo que permite que se construya en todo el imperio con pequeños ajustes, y se prepare para ser decorado más tarde o cuando haya recursos económicos disponibles.

De hecho, el primer barroco portugués no carece de construcción porque el «estilo sencillo» es fácil de transformar, por medio de la decoración (pintura, mosaico, etc.), convirtiendo las áreas vacías en escenarios barrocos pomposos y elaborados. Lo mismo podría aplicarse al exterior. Posteriormente, es fácil adaptar el edificio al gusto del tiempo y el lugar y agregar nuevas características y detalles. Práctico y económico.

Con más habitantes y mejores recursos económicos, el norte, particularmente las áreas de Oporto y Braga, fue testigo de una renovación arquitectónica, visible en la gran lista de iglesias, conventos y palacios construidos por la aristocracia.

Oporto es la ciudad del barroco en Portugal. Su centro histórico es parte de la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO.

Muchas de las obras barrocas en el área histórica de la ciudad y más allá, pertenecen a Nicolau Nasoni, un arquitecto italiano que vive en Portugal, dibujando edificios originales con emplazamientos escenográficos como la iglesia y la torre de Clérigos, la logia de la Catedral de Oporto, la iglesia de Misericórdia, el Palacio de São João Novo, el Palacio de Freixo, el Palacio Episcopal (en portugués: Paço Episcopal do Porto) junto con muchos otros.

Barroco ruso
El debut del barroco ruso, o barroco petrino, siguió a una larga visita de Pedro el Grande a Europa occidental en 1697–98, donde visitó los castillos de Fontainebleu y Versalles, así como otros monumentos arquitectónicos. Decidió, a su regreso a Rusia, construir monumentos similares en San Petersburgo, que se convirtió en la nueva capital de Rusia en 1712. Los primeros monumentos importantes en el barroco petrino incluyen la Catedral de Pedro y Pablo y el Palacio Menshikov.

Durante el reinado de la emperatriz Anna y Elizaveta Petrovna, la arquitectura rusa estuvo dominada por el lujoso estilo barroco de Bartolomeo Rastrelli, nacido en Italia, que se convirtió en barroco isabelino. Los edificios característicos de Rastrelli incluyen el Palacio de Invierno, el Palacio de Catalina y la Catedral de Smolny. Otros monumentos distintivos del barroco isabelino son el campanario del Troitse-Sergiyeva Lavra y la Puerta Roja.

En Moscú, el barroco Naryshkin se generalizó, especialmente en la arquitectura de las iglesias ortodoxas orientales a fines del siglo XVII. Era una combinación del barroco de Europa occidental con los estilos folclóricos tradicionales rusos.

Barroco en las Américas coloniales españolas y portuguesas
Debido a la colonización de las Américas por parte de los países europeos, el Barroco se mudó naturalmente al Nuevo Mundo, encontrando un terreno especialmente favorable en las regiones dominadas por España y Portugal, siendo ambos países monarquías centralizadas e irreductiblemente católicas, por extensión sujetas a Roma y adherentes de El Barroco Contrarreformista más típico. Los artistas europeos emigraron a América e hicieron escuela, y junto con la penetración generalizada de misioneros católicos, muchos de los cuales eran artistas hábiles, crearon un barroco multiforme a menudo influenciado por el gusto popular. Los artesanos criollos e indidinos hicieron mucho para darle a este barroco características únicas. Los principales centros de cultivo del barroco americano, que aún están en pie, son (en este orden) México, Brasil, Perú, Ecuador, Cuba, Colombia, Bolivia, Guatemala y Puerto Rico.

De particular interés es el llamado «barroco misionero», desarrollado en el marco de las reducciones españolas en áreas que se extienden desde México y el suroeste de los Estados Unidos actuales hasta el sur de Argentina y Chile, asentamientos indígenas organizados por católicos españoles. misioneros para convertirlos a la fe cristiana y aculturarlos en la vida occidental, formando un barroco híbrido influenciado por la cultura nativa, donde florecieron los criollos y muchos artesanos y músicos indios, incluso alfabetizados, algunos de gran habilidad y talento propio. Los relatos de los misioneros a menudo repiten que el arte occidental, especialmente la música, tuvo un impacto hipnótico en los silvicultores, y las imágenes de los santos fueron vistos como de gran poder. Muchos indios se convirtieron, y se creó una nueva forma de devoción, de intensidad pasional, cargada de misticismo, superstición y teatralidad, que se deleitaba en misas festivas, conciertos sagrados y misterios.

La arquitectura barroca colonial en la América española se caracteriza por una profusa decoración (portal de la Iglesia La Profesa, Ciudad de México; fachadas cubiertas con azulejos al estilo de Puebla, como en la Iglesia de San Francisco Acatepec en San Andrés Cholula y la Iglesia Convento de San Francisco de Puebla), que se exacerbará en el llamado estilo churrigueresco (Fachada del Tabernáculo de la Catedral de la Ciudad de México, de Lorenzo Rodríguez; Iglesia de San Francisco Javier, Tepotzotlán; Iglesia de Santa Prisca de Taxco). En Perú, las construcciones desarrolladas principalmente en las ciudades de Lima, Cusco, Arequipa y Trujillo desde 1650 muestran características originales que se adelantan incluso al barroco europeo, como en el uso de paredes acolchadas y columnas salomónicas (Iglesia de la Compañía de Jesús, Cusco; Basílica y Convento de San Francisco, Lima). Otros países incluyen: la Catedral Metropolitana de Sucre en Bolivia; Catedral Basílica de Esquipulas en Guatemala; Catedral de Tegucigalpa en Honduras; Catedral de León en Nicaragua; la Iglesia de la Compañía de Jesús en Quito, Ecuador; la Iglesia de San Ignacio en Bogotá, Colombia; la catedral de Caracas en Venezuela; el Cabildo de Buenos Aires en Argentina; la Iglesia de Santo Domingo en Santiago, Chile; y la catedral de La Habana en Cuba. También vale la pena recordar la calidad de las iglesias de las misiones jesuitas españolas en Bolivia, las misiones jesuitas españolas en Paraguay, las misiones españolas en México y las misiones franciscanas españolas en California.

En Brasil, como en la metrópoli, Portugal, la arquitectura tiene una cierta influencia italiana, generalmente de tipo borrominesco, como se puede ver en la Concatedral de Recife (1784) y la Iglesia de Nossa Senhora da Glória do Outeiro en Río de Janeiro (1739). En la región de Minas Gerais, destacó el trabajo de Aleijadinho, autor de un grupo de iglesias que destacan por su planimetría curva, fachadas con efectos dinámicos cóncavos y convexos y un tratamiento plástico de todos los elementos arquitectónicos (Iglesia de San Francisco de Assis en Ouro Preto, 1765-1788).

Barroco en el Asia colonial española y portuguesa
En las colonias portuguesas de la India (Goa, Daman y Diu) floreció un estilo arquitectónico de formas barrocas mezcladas con elementos hindúes, como la Catedral de Goa y la Basílica de Bom Jesus de Goa, que alberga la tumba de San Francisco Javier. El conjunto de iglesias y conventos de Goa fue declarado Patrimonio de la Humanidad en 1986.

En Filipinas, que fue parte del Imperio español durante mucho tiempo, se conservan una gran cantidad de construcciones barrocas, incluidas las Iglesias barrocas de Filipinas, de las cuales cuatro de ellas, y la ciudad barroca y neoclásica de Vigan, son ambas Mundo de la UNESCO. Sitios del Patrimonio. También fue muy notable la Ciudad Amurallada de Manila (Intramuros). Otra ciudad con notable barroco conservado de la era española es Tayabas.

Pintura
Los pintores barrocos trabajaron deliberadamente para diferenciarse de los pintores del Renacimiento y el período del manierismo posterior. En su paleta, usaron colores intensos y cálidos, y particularmente hicieron uso de los colores primarios rojo, azul y amarillo, con frecuencia poniendo a los tres muy cerca. Evitaron la iluminación uniforme de la pintura renacentista y utilizaron fuertes contrastes de luz y oscuridad en ciertas partes de la imagen para dirigir la atención a las acciones o figuras centrales.

En su composición, evitaron las escenas tranquilas de las pinturas renacentistas y eligieron los momentos de mayor movimiento y drama. A diferencia de los rostros tranquilos de las pinturas renacentistas, los rostros de las pinturas barrocas expresaron claramente sus emociones. A menudo usaban asimetría, con acciones que se producían fuera del centro de la imagen, y creaban ejes que no eran ni verticales ni horizontales, sino que se inclinaban hacia la izquierda o hacia la derecha, dando una sensación de inestabilidad y movimiento. Mejoraron esta impresión de movimiento al hacer que los trajes de los personajes fueran arrastrados por el viento o movidos por sus propios gestos. Las impresiones generales fueron movimiento, emoción y drama. Otro elemento esencial de la pintura barroca fue la alegoría; cada pintura contaba una historia y tenía un mensaje, a menudo encriptado en símbolos y personajes alegóricos, que se esperaba que un espectador educado supiera y leyera.

Las primeras pruebas de las ideas barrocas italianas en la pintura ocurrieron en Bolonia, donde Annibale Carracci, Agostino Carracci y Ludovico Carracci buscaron devolver las artes visuales al clasicismo ordenado del Renacimiento. Su arte, sin embargo, también incorporó ideas centrales de la Contrarreforma; Estos incluían emociones intensas e imágenes religiosas que atraían más al corazón que al intelecto.

Otro pintor influyente de la época barroca fue Michelangelo Merisi da Caravaggio. Su enfoque realista de la figura humana, pintado directamente de la vida y dramáticamente iluminado sobre un fondo oscuro, conmocionó a sus contemporáneos y abrió un nuevo capítulo en la historia de la pintura. Otros pintores importantes asociados estrechamente con el estilo barroco incluyen Artemisia Gentileschi, Guido Reni, Domenichino, Andrea Pozzo y Paolo de Matteis en Italia; Francisco de Zurbarán y Diego Velázquez en España; Adam Elsheimer en Alemania; y Nicolas Poussin y Georges de La Tour en Francia (aunque Poussin pasó la mayor parte de su vida laboral en Italia). Poussin y La Tour adoptaron un estilo barroco «clásico» con menos enfoque en la emoción y mayor atención a la línea de las figuras en la pintura que al color.

Peter Paul Rubens fue el pintor más importante del estilo barroco flamenco. Las composiciones altamente cargadas de Rubens hacen referencia a aspectos eruditos de la historia clásica y cristiana. Su estilo barroco único e inmensamente popular enfatizaba el movimiento, el color y la sensualidad, que seguía el estilo artístico inmediato y dramático promovido en la Contrarreforma. Rubens se especializó en la fabricación de retablos, retratos, paisajes y pinturas de historia de temas mitológicos y alegóricos.

Un dominio importante de la pintura barroca fue Quadratura, o pinturas en trompe-l’oeil, que literalmente «engañaron al ojo». Por lo general, se pintaban en el estuco de los techos o en las paredes superiores y balaustradas, y daban la impresión a los que estaban en el suelo mirando hacia arriba de que estaban viendo los cielos poblados de multitudes de ángeles, santos y otras figuras celestiales, en contraste con los cielos pintados y arquitectura imaginaria

En Italia, los artistas a menudo colaboraron con arquitectos en decoración de interiores; Pietro da Cortona fue uno de los pintores del siglo XVII que empleó esta forma de pintura ilusionista. Entre sus encargos más importantes estaban los frescos que pintó para el Palacio de la familia Barberini (1633-1639), para glorificar el reinado del papa Urbano VIII. Las composiciones de Pietro da Cortona fueron los frescos decorativos más grandes ejecutados en Roma desde la obra de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina.

François Boucher fue una figura importante en el estilo rococó francés más delicado, que apareció durante el período barroco tardío. Diseñó tapices, alfombras y decoración de teatro, así como pintura. Su trabajo fue extremadamente popular con Madame Pompadour, la amante del rey Luis XV. Sus pinturas presentaban temas mitológicos románticos y ligeramente eróticos.

Américas coloniales
En las Américas españolas, las primeras influencias fueron del tenebrismo sevillano, principalmente de Zurbarán, algunas de cuyas obras aún se conservan en México y Perú, como se puede ver en el trabajo de los mexicanos José Juárez y Sebastián López de Arteaga, y el boliviano Melchor Pérez de Holguín. La escuela de pintura de Cusco surgió después de la llegada del pintor italiano Bernardo Bitti en 1583, quien introdujo el manierismo en las Américas. Destacó la obra de Luis de Riaño, discípulo del italiano Angelino Medoro, autor de los murales de la Iglesia de San Pedro de Andahuaylillas. También destacó a los pintores indios (quechuas) Diego Quispe Tito y Basilio Santa Cruz Pumacallao, así como a Marcos Zapata, autor de los cincuenta grandes lienzos que cubren los altos arcos de la Catedral del Cusco. En Ecuador, se formó la Escuela de Quito, representada principalmente por el mestizo Miguel de Santiago y el criollo Nicolás Javier de Goríbar.

En el siglo XVIII, los retablos escultóricos comenzaron a ser reemplazados por pinturas, desarrollando notablemente la pintura barroca en las Américas. Del mismo modo, la demanda de obras civiles, principalmente retratos de las clases aristocráticas y la jerarquía eclesiástica, creció. La influencia principal fue la murillesca y, en algunos casos, como en el criollo Cristóbal de Villalpando, la de Valdés Leal. La pintura de esta época tiene un tono más sentimental, con formas dulces y más suaves. Destacan Gregorio Vásquez de Arce en Colombia, y Juan Rodríguez Juárez y Miguel Cabrera en México.

Escultura
La figura dominante en la escultura barroca fue Gian Lorenzo Bernini. Bajo el patrocinio del Papa Urbano VIII, realizó una notable serie de estatuas monumentales de santos y figuras cuyos rostros y gestos expresaban vívidamente sus emociones, así como retratos de realismo excepcional y obras altamente decorativas para el Vaticano, incluida la imponente Silla. de San Pedro debajo de la cúpula en la Basílica de San Pedro. Además, diseñó fuentes con grupos monumentales de escultura para decorar las principales plazas de Roma.

La escultura barroca se inspiró en la antigua estatuaria romana, particularmente en la famosa estatua de Laocoön del siglo I d. C., que se exhibió en la galería del Vaticano. Cuando visitó París en 1665, Bernini se dirigió a los estudiantes de la Academia de pintura y escultura. Aconsejó a los estudiantes trabajar desde modelos clásicos, en lugar de desde la naturaleza. Les dijo a los estudiantes: «Cuando tuve problemas con mi primera estatua, consulté a Antinoo como un oráculo».

Escultores barrocos franceses tardíos notables incluyeron a Étienne Maurice Falconet y Jean Baptiste Pigalle. Federico el Grande encargó a Pigalle que hiciera estatuas para la propia versión de Versalles de Federico en Sanssouci en Potsdam, Alemania. Falconet también recibió una importante comisión extranjera, creando la famosa estatua de Pedro el Grande a caballo que se encuentra en San Petersburgo.

En España, el escultor Francisco Salzillo trabajó exclusivamente sobre temas religiosos, utilizando madera policromada. Algunas de las mejores artesanías escultóricas barrocas se encontraron en los altares de estuco dorado de las iglesias de las colonias españolas del Nuevo Mundo, hechas por artesanos locales; Los ejemplos incluyen la Capilla del Rosario de la Iglesia de Santo Domingo en Oaxaca, México (1724–31).

Musica y ballet
El término barroco también se usa para designar el estilo de música compuesta durante un período que se superpone con el del arte barroco. Los primeros usos del término «barroco» para la música fueron críticas. En una revisión anónima y satírica del estreno en octubre de 1733 de Hippolyte et Aricie de Rameau, impreso en el Mercure de France en mayo de 1734, el crítico insinuó que la novedad en esta ópera era «du barocque», quejándose de que la música carecía de una melodía coherente , estaba lleno de incesantes disonancias, cambiaba constantemente la llave y el medidor, y corría rápidamente a través de cada dispositivo de composición. Jean-Jacques Rousseau, que era músico y destacado compositor y filósofo, hizo una observación muy similar en 1768 en el famoso Encylopedié de Denis Diderot: «La música barroca es aquella en la que la armonía está confundida y cargada de modulaciones y disonancias . El canto es duro y antinatural, la entonación difícil y el movimiento limitado. Parece que el término proviene de la palabra ‘baroco’ utilizada por los lógicos «.

El uso común del término para la música de la época comenzó solo en 1919, por Curt Sachs, y no fue hasta 1940 que se utilizó por primera vez en inglés en un artículo publicado por Manfred Bukofzer.

El barroco fue un período de experimentación musical e innovación. Se inventaron nuevas formas, incluido el concierto y la sinfonía. La ópera nació en Italia a fines del siglo XVI (con Dafne, la mayoría perdida de Jacopo Peri, producida en Florencia en 1598) y pronto se extendió por el resto de Europa: Luis XIV creó la primera Real Academia de Música, en 1669, el poeta Pierre Perrin abrió una academia de ópera en París, el primer teatro de ópera en Francia abierto al público, y estrenó Pomone, la primera gran ópera en francés, con música de Robert Cambert, con cinco actos, maquinaria escénica elaborada y un ballet. Heinrich Schütz en Alemania, Jean-Baptiste Lully en Francia y Henry Purcell en Inglaterra ayudaron a establecer sus tradiciones nacionales en el siglo XVII.

El ballet clásico también se originó en la época barroca. El estilo de baile de la corte fue traído a Francia por Marie de Medici, y al principio los miembros de la corte eran los bailarines. El propio Louis XIV actuó en público en varios ballets. En marzo de 1662, la Académie Royale de Danse, fue fundada por el rey. Fue la primera escuela y compañía profesional de danza, y estableció los estándares y el vocabulario para el ballet en toda Europa durante el período.

Varios instrumentos nuevos, incluido el piano, se introdujeron durante este período. La invención del piano se atribuye a Bartolomeo Cristofori (1655–1731) de Padua, Italia, quien fue empleado por Ferdinando de ‘Medici, Gran Príncipe de Toscana, como el Guardián de los Instrumentos. Cristofori nombró el instrumento un cimbalo di cipresso di piano e forte («un teclado de ciprés con suave y fuerte»), abreviado con el tiempo como pianoforte, fortepiano, y más tarde, simplemente, piano.

Teatro
El período barroco fue una época dorada para el teatro en Francia y España; los dramaturgos incluyeron a Corneille, Racine y Moliere en Francia; y Lope de Vega y Pedro Calderón de la Barca España.

Durante el período barroco, el arte y el estilo del teatro evolucionaron rápidamente, junto con el desarrollo de la ópera y el ballet. El diseño de teatros más nuevos y más grandes, la invención, el uso de maquinaria más elaborada, el uso más amplio del arco de proscenio, que enmarcaba el escenario y ocultaba la maquinaria del público, fomentaba más efectos escénicos y espectáculos.

El barroco tenía un carácter católico y conservador en España, siguiendo un modelo literario italiano durante el Renacimiento. El teatro barroco hispano buscaba un contenido público con una realidad ideal que manifestara tres sentimientos fundamentales: la religión católica, el orgullo y el honor monárquicos y nacionales que se originan en el mundo caballeresco y caballeresco.

Se conocen dos períodos en el teatro barroco español, con la división en 1630. El primer período está representado principalmente por Lope de Vega, pero también por Tirso de Molina, Gaspar Aguilar, Guillén de Castro, Antonio Mira de Amescua, Luis Vélez de Guevara, Juan Ruiz de Alarcón, Diego Jiménez de Enciso, Luis Belmonte Bermúdez, Felipe Godínez, Luis Quiñones de Benavente o Juan Pérez de Montalbán. El segundo período está representado por Pedro Calderón de la Barca y sus colegas dramaturgos Antonio Hurtado de Mendoza, Álvaro Cubillo de Aragón, Jerónimo de Cáncer, Francisco de Rojas Zorrilla, Juan de Matos Fragoso, Antonio Coello y Ochoa, Agustín Moreto y Francisco Bances Candamo. . Estas clasificaciones son flojas porque cada autor tenía su propio camino y ocasionalmente podía adherirse a la fórmula establecida por Lope. Incluso puede ser que la «manera» de Lope fuera más liberal y estructurada que la de Calderón.

Lope de Vega introdujo a través de su Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609) la nueva comedia. Estableció una nueva fórmula dramática que rompió las tres unidades de Aristóteles de la escuela de poesía italiana (acción, tiempo y lugar) y una cuarta unidad de Aristóteles que trata sobre el estilo, la mezcla de elementos trágicos y cómicos que muestran diferentes tipos de versos y estrofas. lo que se representa Aunque Lope tiene un gran conocimiento de las artes plásticas, no lo usó durante la mayor parte de su carrera ni en teatro o escenografía. La comedia de Lope otorgó un segundo papel a los aspectos visuales de la representación teatral.

Tirso de Molina, Lope de Vega y Calderón fueron los escritores de teatro más importantes de la Era Dorada de España. Sus obras, conocidas por su sutil inteligencia y profunda comprensión de la humanidad de una persona, podrían considerarse un puente entre la comedia primitiva de Lope y la comedia más elaborada de Calderón. Tirso de Molina es mejor conocido por dos obras, Las sospechas convictas y El embaucador de Sevilla, una de las primeras versiones del mito de Don Juan.

A su llegada a Madrid, Cosimo Lotti trajo a la corte española las técnicas teatrales más avanzadas de Europa. Sus técnicas y conocimientos mecánicos se aplicaron en exposiciones palaciegas llamadas «Fiestas» y en lujosas exhibiciones de ríos o fuentes artificiales llamadas «Naumaquias». Estuvo a cargo del diseño de los Jardines del Buen Retiro, de la Zarzuela y de Aranjuez y de la construcción del edificio teatral del Coliseo del Buen Retiro.

Las fórmulas de Lope comienzan con un verso que no corresponde a los cimientos del teatro del palacio y el nacimiento de nuevos conceptos que comenzaron las carreras de algunos escritores como Calderón de la Barca. Al marcar las principales innovaciones de la Nueva Comedia Lopesiana, el estilo de Calderón marcó muchas diferencias, con una gran cantidad de cuidado constructivo y atención a su estructura interna. La obra de Calderón tiene una perfección formal y un lenguaje muy lírico y simbólico. La libertad, la vitalidad y la apertura de Lope dieron un paso a la reflexión intelectual y la precisión formal de Calderón. En su comedia reflejaba sus intenciones ideológicas y doctrinales, por encima de la pasión y la acción, el trabajo de Autos sacramentales alcanzó altos rangos. El género de Comedia es político, multiartístico y, en cierto sentido, híbrido. El texto poético entretejido con medios y recursos provenientes de la arquitectura, la música y la pintura, liberando el engaño que se encuentra en la comedia lopesiana, se compone de la falta de escenografía y de entablar un diálogo de acción.

El dramaturgo alemán más conocido fue Andreas Gryphius, quien utilizó el modelo jesuita de los holandeses Joost van den Vondel y Pierre Corneille. También estuvo Johannes Velten que combinó las tradiciones de los comediantes ingleses y la comedia del arte con el teatro clásico de Corneille y Molière. Su compañía de turismo fue quizás la más significativa e importante del siglo XVII.

Américas coloniales españolas
Siguiendo la evolución marcada desde España, a finales del siglo XVI, las compañías de comediantes, esencialmente trashumantes, comenzaron a profesionalizarse. Con la profesionalización vino la regulación y la censura: como en Europa, el teatro oscilaba entre la tolerancia e incluso la protección y el rechazo del gobierno (con excepciones) o la persecución por parte de la Iglesia. El teatro fue útil para las autoridades como instrumento para difundir el comportamiento y los modelos deseados, el respeto por el orden social y la monarquía, escuela de dogma religioso.

Los corrales se administraron en beneficio de los hospitales que compartían los beneficios de las representaciones. Las compañías itinerantes (o «de la liga»), que llevaban el teatro en escenarios improvisados ​​al aire libre por las regiones que no tenían locales fijos, requerían una licencia virreinal para trabajar, cuyo precio o pinción estaba destinado a limosnas y obras piadosas. . Para las empresas que trabajaban de manera estable en las capitales y las principales ciudades, una de sus principales fuentes de ingresos era la participación en las festividades del Corpus Christi, que les proporcionaba no solo beneficios económicos, sino también reconocimiento y prestigio social. Las representaciones en el palacio virreinal y las mansiones de la aristocracia, donde representaban tanto las comedias de su repertorio como las producciones especiales con grandes efectos de iluminación, escenografía y escenario, también fueron una fuente importante de trabajo bien remunerado y prestigioso.

Nacido en el Virreinato de Nueva España, pero más tarde establecido en España, Juan Ruiz de Alarcón es la figura más prominente en el teatro barroco de Nueva España. A pesar de su acomodo a la nueva comedia de Lope de Vega, su «secularismo marcado», su discreción y moderación, y una gran capacidad de «penetración psicológica» como rasgos distintivos de Alarcón contra sus contemporáneos españoles han sido notados. Entre sus obras destaca La verdad sospechosa, una comedia de personajes que refleja su constante propósito moralizante. La producción dramática de Sor Juana Inés de la Cruz la coloca como la segunda figura del teatro barroco hispanoamericano. Vale la pena mencionar entre sus obras el auto sacramental El divino Narciso y la comedia Los empeños de una casa.

Jardines
El jardín barroco, también conocido como el jardin à la française o jardín formal francés, apareció por primera vez en Roma en el siglo XVI, y luego más famoso en Francia en el siglo XVII en los jardines de Vaux le Vicomte y el Palacio de Versalles. Los jardines barrocos fueron construidos por reyes y príncipes en Alemania, los Países Bajos, Austria, España, Polonia, Italia y Rusia hasta mediados del siglo XVIII, cuando comenzaron a ser reconstruidos por el jardín paisajista inglés más natural.

El propósito del jardín barroco era ilustrar el poder del hombre sobre la naturaleza, y la gloria de su constructor, los jardines barrocos se distribuyeron en patrones geométricos, como las habitaciones de una casa. Por lo general, se veían mejor desde el exterior y mirando hacia abajo, ya sea desde un castillo o una terraza. Los elementos de un jardín barroco incluían parterres de macizos de flores o setos bajos adornados con diseños barrocos adornados, y sendas rectas y callejones de grava que dividían y entrecruzaban el jardín. Se colocaron terrazas, rampas, escaleras y cascadas donde había diferencias de elevación, y se proporcionaron puntos de vista. Los estanques circulares o rectangulares o las cuencas de agua fueron los escenarios de fuentes y estatuas. Los bosques o arboledas cuidadosamente cortadas o líneas de árboles idénticos, daban la apariencia de paredes de vegetación y eran telones de fondo para las estatuas. En los bordes, los jardines generalmente tenían pabellones, naranjas y otras estructuras donde los visitantes podían refugiarse del sol o la lluvia.

Los jardines barrocos requerían enormes cantidades de jardineros, poda continua y abundante agua. En la última parte del período barroco, los elementos formales comenzaron a ser reemplazados por características más naturales, incluyendo caminos sinuosos, arboledas de árboles variados que se dejaron crecer sin recortar; arquitectura rústica y estructuras pintorescas, como templos romanos o pagodas chinas, así como «jardines secretos» en los bordes del jardín principal, lleno de vegetación, donde los visitantes pueden leer o tener conversaciones tranquilas. A mediados del siglo XVIII, la mayoría de los jardines barrocos se transformaron parcial o totalmente en variaciones del jardín paisajista inglés.

Además de Versalles y Vaux-le-Vicomte, los jardines barrocos celebrados que aún conservan gran parte de su aspecto original incluyen el Palacio Real de Caserta, cerca de Nápoles; Palacio de Nymphenburg y palacios de Augustusburg y Falkenlust, Brühl en Alemania; Palacio Het Loo en los Países Bajos; el Palacio Belvedere en Viena; el Palacio Real de la Granja de San Ildefonso en España; y el Palacio Peterhof en San Petersburgo, Rusia.

Diferencias entre rococó y barroco
Las siguientes son características que tiene Rococó y Barroco no: [se necesita aclaración]

El abandono parcial de la simetría, todo compuesto de elegantes líneas y curvas, similares a las del Art Nouveau.
La gran cantidad de curvas asimétricas y volutas en forma de C
El uso muy amplio de las flores en la ornamentación, un ejemplo son los festones hechos de flores.
Motivos chinos y japoneses
Colores pastel cálidos (amarillo blanquecino, color crema, grises perlados, azules muy claros)

Fin del estilo, condena y redescubrimiento académico.
Madame de Pompadour, la amante de Luis XV, contribuyó a la decadencia del estilo barroco y rococó. En 1750 envió a su sobrino, Abel-François Poisson de Vandières, a una misión de dos años para estudiar desarrollos artísticos y arqueológicos en Italia. Lo acompañaron varios artistas, entre ellos el grabador Nicolas Cochin y el arquitecto Soufflot. Regresaron a París con pasión por el arte clásico. Vandiéres se convirtió en el Marqués de Marigny, y fue nombrado Director Real de edificios en 1754. Giró la arquitectura oficial francesa hacia el neoclásico. Cochin se convirtió en un importante crítico de arte; Denunció el estilo petit de Boucher y pidió un gran estilo con un nuevo énfasis en la antigüedad y la nobleza en las academias de pintura de arquitectura.

El pionero historiador y arqueólogo alemán Johann Joachim Winckelmann también condenó el estilo barroco y alabó los valores superiores del arte y la arquitectura clásicos. Para el siglo XIX, el barroco era blanco de burlas y críticas. El crítico neoclásico Francesco Milizia escribió: «Borrominini en arquitectura, Bernini en escultura, Pietro da Cortona en pintura … son una plaga de buen gusto, que infectó a un gran número de artistas». En el siglo XIX, la crítica fue aún más lejos; El crítico británico John Ruskin declaró que la escultura barroca no solo era mala, sino también moralmente corrupta.

El historiador de arte de origen suizo Heinrich Wölfflin (1864–1945) comenzó la rehabilitación de la palabra barroco en su Renaissance und Barock (1888); Wölfflin identificó el barroco como «movimiento importado en masa», un arte antitético al arte renacentista. No hizo las distinciones entre manierismo y barroco que hacen los escritores modernos, e ignoró la fase posterior, el barroco académico que duró hasta el siglo XVIII. El arte y la arquitectura barrocos se pusieron de moda entre las dos guerras mundiales, y se han mantenido en gran medida a favor. El término «barroco» todavía puede usarse, generalmente de manera peyorativa, para describir obras de arte, artesanía o diseño que se cree que tienen ornamentación excesiva o complejidad de línea.