Las vanguardias son personas u obras que son experimentales, radicales o heterodoxas con respecto al arte, la cultura o la sociedad. Puede caracterizarse por innovación estética no tradicional e inadmisibilidad inicial, y puede ofrecer una crítica de la relación entre el productor y el consumidor.

La vanguardia empuja los límites de lo que se acepta como la norma o el status quo, principalmente en el ámbito cultural. La vanguardia es considerada por algunos como un sello distintivo del modernismo, a diferencia del posmodernismo. Muchos artistas se han alineado con el movimiento de vanguardia y continúan haciéndolo, trazando una historia de Dada a través de los Situacionistas a artistas posmodernos como los poetas de Lengua alrededor de 1981.

La vanguardia también promueve reformas sociales radicales. Este significado fue evocado por el Saint Simonian Olinde Rodrigues en su ensayo «L’artiste, le savant et l’industriel» («El artista, el científico y el industrial», 1825), que contiene el primer uso registrado de «vanguardia» en su sentido habitual: allí, Rodrigues llama a los artistas a «servir como vanguardia [del pueblo]», insistiendo en que «el poder de las artes es, de hecho, la forma más inmediata y rápida» de socializar, reforma política y económica.

Teorías
Varios escritores han intentado mapear los parámetros de la actividad de vanguardia. El ensayista italiano Renato Poggioli ofrece uno de los primeros análisis del vanguardismo como fenómeno cultural en su libro de 1962 Teoria dell’arte d’avanguardia (La teoría de la vanguardia). Examinando los aspectos históricos, sociales, psicológicos y filosóficos del vanguardismo, Poggioli va más allá de los ejemplos individuales de arte, poesía y música para mostrar que los vanguardistas pueden compartir ciertos ideales o valores que se manifiestan en los estilos de vida inconformistas que adoptan: él ve la vanguardia la cultura como una variedad o subcategoría de la bohemia. Otros autores han intentado aclarar y extender el estudio de Poggioli. La Teoría de la Avant-Garde (1974) del crítico literario alemán Peter Bürger analiza la adopción por parte del Establishment de las obras de arte socialmente críticas y sugiere que en complicidad con el capitalismo, «el arte como institución neutraliza el contenido político del trabajo individual».

El ensayo de Bürger también influyó mucho en el trabajo de los historiadores del arte estadounidenses contemporáneos, como el alemán Benjamin HD Buchloh (nacido en 1941). Buchloh, en la colección de ensayos Neo-avantgarde y Culture Industry (2000), aboga críticamente por un enfoque dialéctico de estas posiciones. Las críticas posteriores teorizaron las limitaciones de estos enfoques, señalando sus áreas de análisis circunscritas, incluidas las definiciones eurocéntricas, chovinistas y específicas del género.

Relación con la sociedad en general
El concepto de vanguardia se refiere principalmente a artistas, escritores, compositores y pensadores cuyo trabajo se opone a los valores culturales dominantes y, a menudo tiene un borde social o político mordaz. Muchos escritores, críticos y teóricos hicieron afirmaciones sobre la cultura de vanguardia durante los años formativos del modernismo, aunque la declaración definitiva inicial sobre la vanguardia fue el ensayo Avant-Garde y Kitsch, del crítico de arte neoyorquino Clement Greenberg, publicado en Partisan Review en 1939 . Greenberg argumentó que la cultura de vanguardia se ha opuesto históricamente a la cultura «alta» o «dominante», y que también ha rechazado la cultura de masas artificialmente sintetizada que ha sido producida por la industrialización. Cada uno de estos medios es un producto directo del capitalismo -todos ahora son industrias sustanciales- y, como tales, son impulsados ​​por los mismos motivos fijados en los beneficios de otros sectores de fabricación, no los ideales del verdadero arte. Para Greenberg, estas formas eran por lo tanto kitsch: cultura falsa, falsa o mecánica, que a menudo pretendían ser más de lo que eran mediante el uso de dispositivos formales robados de la cultura de vanguardia. Por ejemplo, durante la década de 1930, la industria de la publicidad se apresuró a tomar los manierismos visuales del surrealismo, pero esto no significa que las fotografías publicitarias de 1930 sean realmente surrealistas.

Varios miembros de la Escuela de Frankfurt argumentaron puntos de vista similares: así Theodor Adorno y Max Horkheimer en su ensayo La industria de la cultura: Ilustración como el engaño masivo (1944), y también Walter Benjamin en su influyente «La obra de arte en la era de la mecánica» Reproducción «(1935, rev. 1939). Donde Greenberg usó la palabra alemana kitsch para describir la antítesis de la cultura de vanguardia, los miembros de la Escuela de Frankfurt acuñaron el término «cultura de masas» para indicar que esta falsa cultura está siendo fabricada constantemente por una industria cultural recientemente emergente (compuesta por editoriales comerciales). , la industria del cine, la industria discográfica y los medios electrónicos). También señalaron que el auge de esta industria significó que la excelencia artística fue desplazada por las cifras de ventas como una medida de valor: una novela, por ejemplo, se juzgó meritoria únicamente sobre si se convirtió en un best-seller, la música sucumbió a las listas de calificaciones y a la lógica comercial contundente del disco de oro. De esta manera, el mérito artístico autónomo tan querido por el vanguardista fue abandonado y las ventas se convirtieron cada vez más en la medida y la justificación de todo. La cultura del consumidor ahora es gobernada.

La cooptación de la vanguardia por el mercado capitalista global, por las economías neoliberales, y por lo que Guy Debord llamó La Sociedad del Espectáculo, ha hecho que los críticos contemporáneos especulen sobre la posibilidad de una vanguardia significativa en la actualidad. Teoría de Paul Mann: la muerte de la vanguardia demuestra cuán completamente está incorporada la vanguardia dentro de las estructuras institucionales de la actualidad, un pensamiento también perseguido por Richard Schechner en sus análisis de la performance de vanguardia.

A pesar de los argumentos centrales de Greenberg, Adorno y otros, varios sectores de la industria cultural dominante han cooptado y han aplicado erróneamente el término «vanguardia» desde la década de 1960, principalmente como una herramienta de marketing para publicitar la música popular y el cine comercial. Se ha vuelto común describir a los músicos de rock exitosos y a los célebres cineastas como «vanguardistas», ya que la palabra misma ha sido despojada de su significado. Observando este importante cambio conceptual, grandes teóricos contemporáneos como Matei Calinescu en Cinco caras de la modernidad: modernismo, vanguardia, decadencia, kitsch, posmodernismo (1987), [página necesaria] y Hans Bertens en La idea de lo posmoderno: una historia (1995), [página necesitada] han sugerido que este es un signo de que nuestra cultura ha entrado en una nueva era posmoderna, cuando las formas de pensar y comportarse de la modernidad anterior se han vuelto redundantes.

Sin embargo, una crítica incisiva del vanguardismo frente a los puntos de vista de la sociedad dominante fue ofrecida por el crítico de Nueva York Harold Rosenberg a fines de la década de 1960. Tratando de encontrar un equilibrio entre las ideas de Renato Poggioli y las afirmaciones de Clement Greenberg, Rosenberg sugirió que a partir de mediados de la década de 1960 la cultura progresista dejó de cumplir su antiguo papel de adversario. Desde entonces ha estado flanqueado por lo que llamó «fantasmas de vanguardia por un lado, y una cultura de masas cambiante por el otro», con los cuales interactúa en diversos grados. Esto ha visto a la cultura convertirse, según sus palabras, «en una profesión, uno de cuyos aspectos es la pretensión de derrocarlo».

Ejemplos

Vanguardia en política
El concepto de vanguardia encontró su camino en el lenguaje político, especialmente de los partidos y movimientos revolucionarios. Así, Lenin, y con él el marxismo-leninismo posterior, entendió al Partido Comunista como la «vanguardia de la clase obrera». Marx ya escribió en el manifiesto del Partido Comunista que los comunistas son «la parte más decidida y en continua expansión de los partidos obreros en todos los países: teóricamente, tienen ante el resto de la masa del proletariado la comprensión de las condiciones, el Por supuesto, y los resultados generales del movimiento proletario «. (MEW 4, p.474). Al mismo tiempo, sin embargo, Marx enfatizó que los comunistas eran, sobre todo, también parte del proletariado. El proletariado mismo es:» El el movimiento proletario es el movimiento independiente de la inmensa mayoría en interés de la inmensa mayoría «(p.472).

Lenin, por su parte, organizó un partido de masas con los bolcheviques, pero al mismo tiempo formuló un reclamo principal de la vanguardia para el resto del proletariado. Esta vanguardia, que trajo las ideas revolucionarias del exterior a los trabajadores, era necesaria, según Lenin, porque los proletarios por su propio poder solo son capaces de una conciencia sindical, es decir, sindical: «La historia de todos los países muestran que la clase trabajadora solo puede producir una conciencia sindicalista por su propio poder «(Lenin, What to do ?, en: Werke, Vol. 5, p. 386). Esta doctrina fue instrumental para justificar la dictadura del Partido sobre los trabajadores.

La vanguardia política del movimiento revolucionario también se consideró marineros comunistas, que habían desempeñado un papel de conducción en la Revolución rusa de octubre de 1917, pero también en la Revolución alemana de noviembre de 1918.

Avant-garde en bellas artes
En la historia de las bellas artes, el término avant-garde significa los movimientos artísticos del (principio) del siglo XX y está vinculado al concepto de modernismo o arte moderno. Curiosamente, muchos de los movimientos artísticos de vanguardia de la modernidad aspiran a la «abolición del arte en la práctica de la vida».

Un papel importante en la historia de la vanguardia artística jugó la vanguardia rusa, así como el futurismo italiano, que en sus manifiestos del «arte de la guerra» dio su propia estética, percibida como revolucionaria. También el cubismo, el cubofuturismo, el vorticismo, el constructivismo, el suprematismo, el dadaismo, el surrealismo, el expresionismo, el tachismo, la pintura de acción, el arte minimalista, el arte de Op. Sys., El arte pop, el lettrismo, el situacionismo, Fluxus, Happening, el accionismo vienés y el llamado arte conceptual considerados como movimientos de arte de la vanguardia.

Para el arte en la Rusia soviética, el término tenía un doble significado, porque en la teoría marxista-leninista bajo la vanguardia y sobre todo se entendía una vanguardia política, por lo que la posterior transformación de la vanguardia rusa a la so- llamado, artísticamente poco vanguardista, se creó el «realismo socialista».

En el Reich alemán, el arte vanguardista fue combatido desde 1933 por los nacionalsocialistas como «arte degenerado». Los artistas que no se adaptaron al «arte alemán» alineado y permanecieron conectados con la vanguardia fueron perseguidos (si no huyeron en 1933 o se exiliaron en los años siguientes). Las obras de arte modernas fueron confiscadas como «judías», parcialmente destruidas o en muchos casos subastadas en Suiza. Los artistas judíos que no pudieron salir de Alemania a tiempo fueron asesinados en el Holocausto.

Después de que el nacionalsocialismo fuera derrotado en 1945, el paisaje artístico alemán se recuperó lentamente de esta catástrofe política e intelectual a principios o mediados de los cincuenta. En la República Federal había actividades de algunos artistas que habían encontrado con su pintura informal la conexión con los movimientos vanguardistas del tachismo francés y el expresionismo abstracto de Estados Unidos o la pintura de acción. En la década de 1960 y en el curso del movimiento de 1968, el desarrollo del arte alemán se hizo cada vez más importante para Europa y los Estados Unidos.

Al mismo tiempo, la nueva vanguardia de la posguerra ya marcó el final progresivo del concepto de vanguardia. Si en la edad moderna cada una de las vanguardias, a menudo en estrecha sucesión en el tiempo, pretendía representar el estado artístico más reciente y «válido», se observó una existencia paralela de las diversas vanguardias en el arte de la posmodernidad , a menudo ecléctico entre sí mezclado. Los desarrollos parecen posibles en muchas direcciones, no hay consenso sobre a dónde ir. La palabra «vanguardia» pierde así su significado original y apenas parece apropiada para describir el arte contemporáneo.

En lugar de «vanguardia» y «arte moderno» se habla del arte contemporáneo del arte contemporáneo. Al hacerlo, puede igualmente buscar estrategias de vanguardia, reinventar la búsqueda a veces limitada de innovación o revivir tradiciones antiguas.

Avant-garde en la literatura
El comienzo de las vanguardias literarias y, por lo tanto, de la literatura moderna en general puede determinarse a fines del siglo XIX con el simbolismo francés, con poetas como Stéphane Mallarmé, Charles Baudelaire y Arthur Rimbaud, en Alemania con Stefan George y los poetas. del expresionismo, con la Primera Guerra Mundial, los movimientos de vanguardia se radicalizaron y concibieron cada vez más su trabajo como arte de protesta socialmente crítico y provocadora. Característica de la vanguardia es que se distingue de las tendencias literarias predominantes en términos de contenido, estilo, técnica y / o forma (por ejemplo, mediante el desarrollo de nuevas formas como poemas fonéticos, collages, poemas al azar). Sin embargo, los movimientos vanguardistas como el círculo de artistas de Stefan George a menudo se entendían a sí mismos como de élite, porque el concepto de vanguardia incluye fuertes figuras de artistas. Además, las élites vanguardistas a menudo se estructuraron jerárquicamente (así como el círculo alrededor de George).

Para las vanguardias literarias se cuentan el surrealismo, el dadaísmo, el expresionismo, así como Scapigliatura y Futurismus.

Vanguardia en las artes escénicas
En el teatro, el término avant-garde se asocia con una ruptura con las ilusiones, una limpieza del escenario y un estallido de convenciones representacionales. El naturalismo es -quizás radicalmente, con la excepción de las variantes de la crítica social- no contado en la vanguardia, pero él los preparó. El compromiso político radical y el alejamiento radical de la realidad se encuentran igualmente entre las características de la vanguardia teatral.

Un alejamiento de la psicología y la interioridad es común a la mayoría de las corrientes. Movimientos literarios como el dadaísmo y el surrealismo proporcionaron un nuevo tipo de texto teatral que se alejó de la convención de «roles distribuidos». El director Edward Gordon Craig diseñó el «sobre-títere» como el ideal del nuevo actor, Wsewolod Meyerhold pasó del taylorismo a crear una base física y multicultural para la obra. Erwin Piscator promovió el uso de tecnología de última generación en el escenario con grabaciones de películas y sonido. Incluso Bertolt Brecht fue influenciado por la vanguardia antinaturalista.

Las corrientes vanguardistas en las artes visuales y el cubismo influyeron en el diseño de los diseños escénicos y los trajes. Adolphe Appia contrastó los «espacios rítmicos» vacíos con la iluminación diferenciada de la etapa de ilusión naturalista con su multitud de accesorios. La imagen, el movimiento y la música se combinaron de una nueva manera como en el Triadic Ballet de Oskar Schlemmer. La técnica del movimiento fue revolucionada por la danza expresiva (como Isadora Duncan), de la que surgió el teatro de danza moderna.

Los importantes conocedores de vanguardia después de 1945 incluyen a Jerzy Grotowski, Eugenio Barba, Tadeusz Kantor y Robert Wilson.

Avant-garde en la música
Como los estilos de la vanguardia musical se encuentran en la música clásica desde finales del siglo XIX y XX, aquí a menudo se encontraban bajo el título de música nueva juntos. Importantes pioneros de finales del siglo XIX fueron Wagner, Liszt, Scriabin y, en particular, Debussy; Schoenberg, Berg, Webern, Hindemith o Stravinsky, mientras que en la segunda mitad Stockhausen, Xenakis o Ligeti fueron considerados impulsos importantes. Común a todos es la ruptura con los hábitos de escucha tradicionales, como el uso sorprendente de las disonancias, los ritmos irregulares y, sobre todo, la atonalidad y la politonalidad. Ejemplos de vanguardias musicales son la música del expresionismo, el impresionismo, la música de doce tonos, la música serial posterior, la música aleatoric, la composición sonora, la música mínima y la música compuesta compuesta de sonidos grabados. Desde el período de la posguerra, las formas de vanguardia han surgido fuera del ámbito de la música electrónica, aquí hay géneros como el free jazz, la música libre improvisada y el industrial y el ruido. Incluso algunas partituras pueden mostrar importantes influencias de vanguardia. como la banda sonora de Don Davis para el largometraje de 1999 «Matrix».

Película de vanguardia
La película de vanguardia apareció ya en los primeros días de la cinematografía y luego, como más tarde, estuvo estrechamente relacionada con las artes visuales. Por ejemplo, en Francia, Italia y Alemania, hubo películas que surgieron del futurismo, el dadaísmo, el constructivismo y el surrealismo. Con el desarrollo de esta rentable película de 16 mm, la película de vanguardia recibió un nuevo ímpetu después de la Segunda Guerra Mundial en América, Europa, Australia y Japón. Esta vez, los términos generales se llamaron estructuralismo, arte pop, happening, fluxus, arte conceptual.

Las posibilidades formales de la película, que no tiene otra forma de arte, hacen que el apego tradicional a las artes visuales sea siempre más débil. Por ejemplo, en la película abstracta de la década de 1920 («Cinéma pur») o en la película underground de la década de 1960. Además, la película de vanguardia comenzó a referirse a su propio medio (película de material, cine expandido, metraje encontrado).

La película es la única forma de arte moderno que no puede prescindir del término avant-garde para distinguirse de sus otras manifestaciones comerciales y artísticas. Confuso es el uso casi sinónimo del término película experimental. El cortometraje experimental se entendió como un precursor del largometraje, especialmente en la década de 1950. Esto está relacionado con el hecho de que en Alemania (con un impacto en Austria) en el discurso intelectual el experimento fue devaluado, especialmente por Hans Magnus Enzensberger 1962 en su «Aporienthe avant-garde», porque las uñas también deberían ser intercambiadas en el arte durante el período de la reconstrucción

Sin embargo, muchos cineastas no rehuyeron entender sus películas como experimentos, pero no todos son de su concepto o su producción. Por lo tanto, la película de vanguardia se puede entender como el término más amplio. Otra ambigüedad surge del hecho de que los directores de películas artísticas como Sergei Mikhailovich Eisenstein, Alain Resnais, Jean-Luc Godard o David Lynch a menudo se hablan como vanguardistas. Aunque están influenciados por la vanguardia y ocupan un lugar especial en la película, siguen siendo convencionales en su imagen general, según lo medido por la película de vanguardia.

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Característica de la vanguardia artística
A pesar de todas las diferencias, la diversidad de movimientos y estilos artísticos, literarios y musicales revela algunas tendencias comunes que permiten delimitar el concepto de la vanguardia artística de otras épocas y estilos. El arte de vanguardia a menudo aparece como deliberadamente provocativo, enfatiza el arte innovador y altamente autorreflexivo.

Provocación
Es una unidad esencial en la vanguardia, lo inusual, para buscar algo nuevo. En particular, a finales del siglo XIX y la primera mitad del siglo XX, el objetivo se tomó con frecuencia cerca de él, la clase media educada a la conmoción. Colección de poesía de Baudelaire The Flowers of Evil es uno de los primeros testimonios de esto. La novedad de estos poemas era permitir que la fea vida metropolitana fuera material para la poesía. Llega a un cierto clímax en el dadaísmo, que desaira al público con literatura sin sentido, y más tarde en el accionismo vienés, que elige el «buen gusto» como el verdadero punto de ataque y provoca por actuaciones extremas.

Innovación
El problema estructural general de la vanguardia ya está marcado. La vanguardia forma un tipo de excelencia autodinámica: lo que ayer era inusual se estableció gradualmente y a menudo se asimila en la corriente principal y pronto parece familiar. Tales situaciones se encuentran con los enfoques de vanguardia, en y entre las vanguardias, por lo tanto, ha surgido un patrón de desarrollo que entiende cada vez más la innovación formal como esencial.

Autorreflexión
Otra característica de muchas vanguardias es su base teórica y, a menudo, surge un comentario teórico extraestético. Las formas vanguardistas de arte provocan así una reflexión permanente sobre ellos mismos, lo que a menudo también plantea dudas sobre por qué, por alguna razón, el arte puede percibirse y qué es el arte.

Crítica del término avant-garde
A finales del siglo XX, el concepto de vanguardia y las ideas asociadas con él fueron cada vez más criticadas. La suposición de que las personas o grupos «progresan» en el proceso de progreso y el resto, la «corriente principal», cuyo ejemplo sigue o debe seguir, fue cada vez más cuestionada. El trasfondo de este desarrollo se debe buscar, por un lado, en el agotamiento al menos temporal de los movimientos artísticos de vanguardia y en el fracaso de muchos movimientos políticos y revolucionarios. Por otro lado, las ideas de la posmodernidad van acompañadas de un alejamiento deliberado del concepto de la vanguardia, que es criticado como autoritario por su reclamo de liderazgo. En cambio, esa yuxtaposición simplista de desarrollos y movimientos valorados más alto.

El escritor y director francés Romain Gary († 1980) criticó en el bon mot «Los avant-gardists son personas que no saben exactamente a dónde quieren ir, pero están primero allí».

La vanguardia y sus expresiones
Dentro de las corrientes de vanguardia, los ismos surgieron como una propuesta contraria a las supuestas tendencias de envejecimiento y propuestas innovaciones radicales de contenido, lenguaje y actitud vital. Entre ellos se encuentran los siguientes:

Impresionismo
El impresionismo no era realmente un vanguardismo, sino un antecedente contra el que reaccionaron los avant-gardistas. Su principal contribución a la vanguardia fue la liberación del poder expresivo del color dirigido por Claude Monet. Los impresionistas aprendieron a manejar la pintura más libre, sin tratar de ocultar sus pinceladas fragmentadas, y la luz se estaba convirtiendo en el gran factor unificador de la figura y el paisaje. Pero los pintores impresionistas eran artistas que ya no pretendían ejercer con su arte un cambio radical en las costumbres de su tiempo ni estaban comprometidos con la voluntad de un gran cambio social. Son la consecuencia del fracaso de las pretensiones de la revolución de 1830, la de 1848 y la Comunidad de París. Las discusiones de los impresionistas fueron básicamente técnicas y su pintura puede considerarse una exacerbación del naturalismo a tal punto que terminaría por oponerse a los orígenes. El realismo de Courbet afirmó que en realidad encontró la esperanza de un cambio, el poder de los hombres reales, el movimiento de las fuerzas revolucionarias. Los impresionistas reemplazan las discusiones de contenido con las de técnica, luz y el objetivo de la transcripción pictórica.

A fines de 1870, los principales pintores impresionistas ya se conocían bien. En ese momento el café Guerbois, en la calle de Batignolles, cerca del taller de Édouard Manet (que parece que por el momento era la personalidad dominante) se convirtió en la sede de este círculo artístico. La actitud de solidaridad de los impresionistas a principios de la década de 1870 se expresó de manera muy reveladora en algunos retratos grupales, como Fantin-Latour (Taller en el barrio de Batignolles, 1870) o Bazille (El taller del artista en rue de la Condamine, 1870).

Por primera vez, durante la guerra franco-prusiana, los impresionistas tuvieron que separarse: Pierre-Auguste Renoir y Manet permanecieron en París, Bazille murió en el frente y Monet y Camille Pissarro se encontraron en Londres, donde conocieron a Paul Durand-Ruel, ya que luego el distribuidor del grupo. De hecho, en 1873 Durand-Ruel ya tenía la confianza suficiente para preparar un catálogo completo con el inventario de su galería que nunca se publicó.

Expresionismo
El expresionismo fue una corriente pictórica que nació como un movimiento a principios del siglo XX, entre 1905 y 1925, en Alemania y otros países centrales de Europa germánica y austrohúngara, vinculado al fauvismo francés como arte expresivo y emocional que diametralmente se oponía a impresionismo. Se unió en la década de 1910 en torno a dos grupos: Die Brücke (The Bridge) y Der Blaue Reiter (The Blue Rider). Al mismo tiempo, el grupo Secession desarrolló su actividad en Viena, que incluía a Gustav Klimt, Oskar Kokoschka y Egon Schiele, entre otros. En Alemania, el mayor exponente del expresionismo fue Edvard Munch con su obra The Scream (1893).

En la década de 1920, el expresionismo influyó en otras artes. El gabinete del Doctor Caligari (Robert Wiene, 1919) y Nosferatu, el vampiro (Friedrich Wilhelm Murnau, 1921) iniciaron el expresionismo cinematográfico, y los poetas Georg Trakl y Rainer Maria Rilke llevaron el movimiento al campo del lirismo. Con frecuencia también se ha incluido en este movimiento, aparte de la enigmática obra literaria de Franz Kafka.

Entre los principios de esta corriente artística están indicados: la reconstrucción de la realidad, la relación de la expresión literaria con las artes plásticas y la música y la expresión de la angustia del mundo y de la vida a través de novelas y dramas donde se habla de las limitaciones sociales impuestas a la libertad del hombre. Su objetivo es expresar philias y fobias del ser humano. Por lo tanto, no requiere una buena técnica o un resultado estéticamente bello.

Enfrentaría básicamente como la teoría estética a las ideas realistas, a las viejas ideas impresionistas que habían aparecido en Europa en los últimos veinte años del siglo XIX, y plantearía que lo real no es fundamentalmente lo que vemos en el exterior, pero lo que surge en nuestra interioridad cuando vemos, percibimos, intuimos o producimos algo nuevo.

Fauvismo
El fauvismo fue un movimiento de origen francés que se desarrolló entre 1904 y 1908, aproximadamente.

El importante Salón de Otoño de 1905 fue la primera exposición para el grupo cuyo objetivo lingüístico era la síntesis de forma y color. No se buscó la representación de objetos inmersos en la luz del sol, sino más bien las imágenes más libres que resultaron de la superposición de colores equivalentes a esa luz. En efecto, los fauves consideraban que los sentimientos podían expresarse a través del color. Henri Matisse fue uno de los mejores representantes de esta vanguardia.

Cubismo
El cubismo nació en Francia en 1906. Sus características principales son la asociación de elementos imposibles para concretar, el despliegue del autor, la disposición gráfica de las palabras, la sustitución de lo sentimental por el humor y la alegría y el retrato de la realidad a través de figuras geométricas . Los inspiradores del movimiento fueron Pablo Picasso y Georges Braque. Algunos de los principales maestros fueron Juan Gris, María Blanchard, Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes, pero anteriormente Paul Cézanne habría marcado el camino.

Entre las técnicas utilizadas se encuentra el collage, y principalmente la descomposición de las imágenes en figuras geométricas para representar el objeto en su totalidad, incluidos todos sus planos, en la obra.

Tenía dos etapas: un cubismo analítico, que buscaba la descomposición total del objeto, y un cubismo sintético, en el cual la perspectiva se descarta para representar todos los planos del objeto en la misma obra. En poesía, su estilo más popular fue la caligrafía, cuyo principal exponente fue Guillaume Apollinaire.

Futurismo
El futurismo es un movimiento inicial de corrientes artísticas de vanguardia, surgido en Milán (Italia) impulsado por el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti, quien compiló y publicó los principios del futurismo en el manifiesto del 20 de febrero de 1909, en el periódico Le Figaro de París. Al año siguiente, los artistas italianos Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Mario Jordano firmaron el llamado Manifiesto del Futurismo.

Aunque tuvo una corta existencia, aproximadamente hasta 1944 y termina con la muerte de Marinetti, su influencia se puede ver en las obras de Marcel Duchamp, Fernand Léger y Robert Delaunay en París, así como en el constructivismo y el futurismo ruso. Los textos futuristas trajeron un nuevo mito: la máquina.

Este movimiento rompió con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Consideraba el coraje, la audacia y la revolución como los elementos principales de la poesía, ya que proclamaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada.

Según su manifiesto, sus postulados eran la exaltación de lo sensual, lo nacional y lo guerrero, la adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, el objetivo de lo literario y la disposición especial de lo escrito, para dar es una expresión plástica. Rechazó la estética tradicional e intentó exaltar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento.

Dadaísmo
Surgió en Zurich, Suiza, entre 1916 y 1922. Hugo Ball y Tristan Tzara se destacaron como fundadores y principales exponentes. El movimiento creció y se extendió rápidamente a Berlín y París. Una de las razones que llevaron a la aparición de DADA fue la violencia extrema y la pérdida de significado traída por la Primera Guerra Mundial. Revelando el statu quo, las convenciones literarias y artísticas y rechazando las convenciones de la sociedad aburguesada, que consideraban egoísta y apática, los dadaístas convirtieron su arte en un modus vivendi.

El poema dadaísta solía ser una sucesión de palabras y sonidos, lo que dificulta la búsqueda de la lógica. Se distinguió por una inclinación hacia lo incierto y lo absurdo. Por otro lado, el procedimiento dadaísta buscaba renovar la expresión a través del uso de materiales inusuales, o mediante el manejo de planes de pensamientos previamente inmejorables, con un tono general de rebelión o destrucción.

Ultraísmo
El ultraísmo apareció en España entre 1918 y 1922, promovido por Rafael Cansinos Assens, como una reacción al modernismo.

Fue uno de los movimientos que más se proyectó en el mundo de habla hispana, contribuyendo al uso del verso libre, la prohibición de la anécdota y el desarrollo de la metáfora, que se convertiría en el principal centro expresivo.

Surrealismo
Escisión del dadaísmo, cuyo principal representante fue André Breton. El movimiento surrealista se organizó en Francia en la década de 1920 en torno a André Bretón, quien, inspirado por Sigmund Freud, estaba interesado en descubrir los mecanismos del inconsciente y superar lo real a través de lo imaginario y lo irracional. De él y las veces en que lo conoció, habló en «Los vasos comunicantes», un título emblemático que se convertiría en una metáfora de una parte de su estética creativa, así como en el automatismo o la escritura automática, a través de la cual experimentarían con el sueño y espiritualismo, buscando el arte puro, no contaminado por la conciencia.

Estridentismo
El estridentismo nació de la mezcla de varios movimientos. Tuvo lugar entre 1922 y 1927 en México y se caracterizó por la modernidad, el cosmopolitismo y lo urbano, así como por la inconformidad, el humor negro, el esnobismo, la irreverencia y el rechazo de todo lo viejo. Su antecedente inmediato fue el futurismo ruso. Entre sus representantes más importantes se encuentran Germán List Arzubide y Manuel Maple.

Arieldentismo
El arieldentismo es un movimiento filosófico que postuló que los seres humanos, en forma individual, que crean el significado y la esencia de sus vidas. Surgió como un movimiento en la literatura y la filosofía del siglo XX, el argumento de los argumentos de Sören Kierkegaard, Friederich Nietzsche y Miguel de Unamuno.

Este movimiento generalmente describe la ausencia de una fuerza trascendental; Esto significa que el individuo es libre y, por lo tanto, totalmente responsable de sus acciones, sin la presencia de una fuerza superior que pueda determinar sus acciones. Esto le atribuye a los humanos la creación de una ética de responsabilidad individual, además de a sistema de creencias externo a ella. Esta articulación personal del ser es la única forma existente de superar, generalmente, las religiones, que se ocupa del sufrimiento, la muerte y el fin del individuo.

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