La Ashcan School, también llamada Ash Can School, fue un movimiento artístico en los Estados Unidos durante principios del siglo XX que es más conocido por obras que retratan escenas de la vida cotidiana en Nueva York, a menudo en los barrios más pobres de la ciudad. Los artistas más famosos que trabajan en este estilo incluyen a Robert Henri (1865-1929), George Luks (1867-1933), William Glackens (1870-1938), John Sloan (1871-1951) y Everett Shinn (1876-1953), algunos de los cuales se habían conocido estudiando juntos bajo el renombrado realista Thomas Anshutz en la Academia de Bellas Artes de Pennsylvania, y otros se reunieron en las oficinas de los periódicos de Filadelfia, donde trabajaron como ilustradores. El movimiento ha sido visto como emblemático del espíritu de rebelión política del período.

Término utilizado por primera vez por Holger Cahill y Alfred Barr en Art in America (Nueva York, 1934) y aplicado libremente a pintores urbanistas estadounidenses. En particular, se refirió a los miembros de The Eight que poco después de 1900 comenzaron a retratar aspectos ordinarios de la vida de la ciudad en sus pinturas, por ejemplo, la pintura de George Luk Closing the Café (1904; Utica, NY, Munson-Williams-Proctor Inst.). Rober Heri, John Sloan, William J. Glackens, Everett Shinn y Luks fueron el núcleo de una asociación informal de pintores que, en reacción contra los restrictivos procedimientos académicos de exhibición, montaron una controversial exposición independiente en Macbeth Galleries, Nueva York (1908) .

Origen y desarrollo
La escuela Ashcan no era un movimiento organizado. Los artistas que trabajaron en este estilo no emitieron manifiestos o incluso se ven a sí mismos como un grupo unificado con intenciones idénticas o metas profesionales. Algunos tenían una mentalidad política y otros eran apolíticos. Su unidad consistía en un deseo de contar ciertas verdades sobre la ciudad y la vida moderna que sentían habían sido ignoradas por la influencia sofocante de la Genteel Tradition en las artes visuales. Robert Henri, en cierto sentido el padre espiritual de esta escuela, «quería que el arte fuera similar al periodismo … quería que la pintura fuera tan real como el barro, como los terrones de mierda de caballo y nieve, que se congeló en Broadway en el invierno.» Instó a sus amigos y estudiantes más jóvenes a pintar con el espíritu robusto, desenfrenado e intrascendente de su poeta favorito, Walt Whitman, y a no tener miedo de ofender el gusto contemporáneo. Creía que los entornos urbanos de la clase trabajadora y la clase media proporcionarían mejor material para los pintores modernos que salones de dibujo y salones.

Muchas de las obras más famosas de Ashcan fueron pintadas en la primera década del siglo, al mismo tiempo que la ficción realista de Stephen Crane, Theodore Dreiser y Frank Norris estaba encontrando su audiencia y los periodistas de muckraking llamaban la atención sobre las condiciones de los tugurios. El primer uso conocido del término «arte de lata de ceniza» se le atribuye al artista Art Young en 1916. El término en ese momento se aplicó a un gran número de pintores más allá de los «Cinco de Filadelfia», incluidos George Bellows, Glenn O. Coleman , Jerome Myers, Gifford Beal, Eugene Higgins, Carl Springchorn y Edward Hopper. (A pesar de su inclusión en el grupo por algunos críticos, Hopper rechazó su enfoque y nunca abrazó la etiqueta, sus representaciones de las calles de la ciudad fueron pintadas con un espíritu diferente, «sin un solo ashcan a la vista»). Fotógrafos como Jacob Riis y Lewis Hine también se discutió como artistas de Ashcan. Al igual que muchos términos históricos del arte, el «arte de Ashcan» a veces se ha aplicado a tantos artistas diferentes que su significado se ha diluido.

Los artistas de la Escuela Ashcan se rebelaron contra el impresionismo estadounidense y el realismo académico, los dos estilos más respetados y comercialmente exitosos en los Estados Unidos a fines del siglo XIX y principios del siglo XX. En contraste con el trabajo muy pulido de artistas como John Singer Sargent, William Merritt Chase, Kenyon Cox, Thomas Wilmer Dewing y Abbott Thayer, las obras de Ashcan eran generalmente de tono más oscuro y más toscamente pintadas. Muchos capturaron los momentos más duros de la vida moderna, retratando a niños de la calle (por ejemplo, Willie Gee de Henri y Paddy Flannagan de Bellows), prostitutas (por ejemplo, The Haymarket y Three AM) de Sloan, alcohólicos (por ejemplo, The Old Duquesa de Luks), animales indecorosos (por ejemplo, Luks ‘Alimentar a los cerdos y la mujer con ganso), el metro (por ejemplo, la Sexta avenida Shinn después de la medianoche), conventillos abarrotados (por ejemplo, Cliff Dwellers de Bellows), lavar la ropa a secar (The Laundress de Shinn), teatros bulliciosos (por ejemplo, Hammerstein’s Roof Garden de Glackens y Shinn’s London Hippodrome), boxeadores ensangrentados (por ejemplo, los dos miembros del club de Bellows) y luchadores en el tapete (por ejemplo, The Wrestlers de Luks). Fue su enfoque frecuente, aunque no exclusivo, sobre la pobreza y las duras realidades de la vida urbana lo que llevó a algunos críticos y curadores a considerarlos demasiado inquietantes para las audiencias y colecciones principales.

El advenimiento del modernismo en los Estados Unidos deletreó el final de la reputación provocativa de la escuela de Ashcan. Con la Armory Show de 1913 y la apertura de más galerías en la década de 1910 promoviendo el trabajo de cubistas, fauves y expresionistas, Henri y su círculo comenzaron a parecer dóciles para una generación más joven. Su rebelión terminó poco después de que comenzara. Muchos amantes del arte consideraron el destino de los realistas de Ashcan como demasiado radicales en 1910 y, para muchos más, como anticuado en 1920.

Conexión a «Los Ocho»
La escuela Ashcan a veces está vinculada al grupo conocido como «Los Ocho», aunque de hecho solo cinco miembros de ese grupo (Henri, Sloan, Glackens, Luks y Shinn) eran artistas de Ashcan. Los otros tres, Arthur B. Davies, Ernest Lawson y Maurice Prendergast, pintaron con un estilo muy diferente, y la exhibición que trajo «Los Ocho» a la atención nacional tuvo lugar en 1908, varios años después del comienzo del estilo Ashcan. Sin embargo, la atención concedida a la bien publicitada exposición del grupo en Macbeth Galleries en Nueva York en 1908 fue tal que el arte de Ashcan obtuvo una mayor exposición y mayores ventas y atención crítica de lo que había conocido antes.

La exposición de Macbeth Galleries se realizó para protestar contra las restrictivas políticas de exhibición de la poderosa y conservadora Academia Nacional de Diseño y para transmitir la necesidad de mayores oportunidades para exhibir un nuevo arte de una calidad más diversa y aventurera de la que la Academia generalmente permite. Cuando la exposición se cerró en Nueva York, donde atrajo considerable atención, recorrió Chicago, Toledo, Cincinnati, Indianápolis, Pittsburgh, Bridgeport y Newark en un espectáculo itinerante organizado por John Sloan. Las revisiones fueron mixtas, pero el interés fue alto. («Gran sensación en el Museo de Arte, los visitantes se unen al Museo Throng y se unen a la discusión caliente», señaló un periódico de Ohio). Como la historiadora del arte Judith Zilczer resumió la empresa, «Al llevar su arte directamente al público estadounidense, The Eight demostró que el provincialismo en los Estados Unidos era menos penetrante que el contemporáneo y los informes posteriores del período habían inferido «. Las oportunidades de ventas y exhibición para estos pintores aumentaron significativamente en los años siguientes.

Devenir
En el período de 1896 a 1904, Henry inició a los artistas en Nueva York. En el norte de la ciudad en el barrio español en 1904, Henry fundó un nuevo estudio. Allí se unieron Glenn Coleman, Jerome Myers y George Bellows. Los principales objetos de los bocetos de los estudiantes fueron las calles de Bowery con sus representantes típicos de aquellos días: niños de la calle, prostitutas, atletas callejeros, boxeadores e inmigrantes.

El apogeo
Dos años después, Henry fue elegido miembro de la Academia Nacional de Diseño. Sin embargo, después de que en 1907 la academia se negó a exhibir las obras de artistas de su entorno, decidió organizar su propia exposición. Como lugar se eligió la galería William Macbeth en la Quinta Avenida. La exposición también decidió participar artistas Arthur Davis, Ernest Lawson y Maurice Prendergast, cuyo trabajo fue un tanto diferente en estilo de las pinturas de los Cuatro de Filadelfia. El grupo resultante se llamó «Ocho». La exposición se presentó al público en febrero de 1908 y estuvo disponible durante dos semanas. Fue un gran éxito: toda la exposición contó con la asistencia de unas 7000 personas que compraron pinturas por $ 4,000 ( alrededor de $ 100.000 a razón de principios de 2010). Además de Nueva York, las pinturas se exhibieron en otras nueve grandes ciudades. La exposición tuvo sus críticos, que señalaron que los artistas fueron pisoteados por las tradiciones del arte pictórico, su trabajo es vulgar y secundario. Entonces, la New York Press escribió:

Sin lugar a dudas, no hay nada revolucionario en seguir las huellas de aquellos que estaban «a caballo» en el arte de París hace veinte años. Además de no ser un nuevo punto de partida en la pintura artística estadounidense al estilo de Manet, Degas y Monet.

Por el contrario, se elogió la retroalimentación positiva sobre la falta de radicalismo y también se prestó atención al hecho de que las obras expuestas son verdaderamente estadounidenses. Según la crítica Mary Fenton Roberts (nacida Mary Fanton Roberts):

Estamos llenos de entusiasmo e impermanencia, y apenas estamos empezando a darnos cuenta de nuestro poder, nuestra belleza, nuestros errores y el hecho de que tenemos casi el mismo derecho a tratarnos a nosotros mismos como una fuente de inspiración.

Puesta de sol
La escuela de botes de basura se mantuvo en el cenit de la fama por muy poco. En 1913, se llevó a cabo la Exhibición del Arsenal (uno de los organizadores fue Henry). Ella revolucionó las artes visuales de los Estados Unidos, llevando el modernismo a la vanguardia. El término «escuela de botes de basura» apareció solo tres años después. El 8 de abril de 1916, el artista de la revista The Masses Art Yang en correspondencia con Sloan señaló:

Quieren representar cubos de basura y chicas centelleando en la calle Khoreyshio.

El término perdió rápidamente su connotación negativa y en la década de 1930 fue ampliamente utilizado para referirse a esta dirección artística.

Ejemplo
Thomas Pollock Anshutz, The Farmer and His Son at Harvesting, 1879. Cinco miembros de la escuela Ashcan estudiaron con él, pero luego crearon estilos bastante diferentes.

Robert Henri, Snow en Nueva York, 1902, Galería Nacional de Arte, Washington, DC
George Luks, Escena de la calle, 1905, Museo de Brooklyn
Everett Shinn, Cross Streets de Nueva York, 1899, Corcoran Gallery of Art, Washington, DC.
William Glackens, Celebración italoamericana, Washington Square, 1912, Museo de Bellas Artes de Boston
John French Sloan, McSorley’s Bar, 1912, Instituto de Artes de Detroit
George Luks, Houston Street, 1917, óleo sobre lienzo, Saint Louis Art Museum
George Bellows, Cliff Dwellers, 1913, óleo sobre lienzo. Museo de Arte del Condado de Los Angeles
George Bellows, ambos miembros de este club, 1909, Galería Nacional de Arte. Bellows era un asociado cercano de la escuela de Ashcan.
Jacob Riis, Bandit’s Roost, 1888, (foto), considerada la parte más peligrosa y plagada de crímenes de la ciudad de Nueva York.
Arthur B. Davies, Elysian Fields, óleo sobre lienzo, The Phillips Collection Washington, DC.
Maurice Prendergast, Central Park, Nueva York, 1901, Whitney Museum of American Art
George Bellows, hombres de los muelles, 1912, National Gallery
Pennsylvania Station Excavation por George Bellows, c. 1907-08, Museo de Brooklyn
Edward Hopper, Interior de Nueva York, c. 1921, Museo Whitney de Arte Americano