Estilo de Arte

En las artes visuales, el estilo es una «… manera distintiva que permite la agrupación de obras en categorías relacionadas» o «… cualquier forma distintiva, y por lo tanto reconocible, en la que se realiza un acto o un artefacto hecho o debería ser ser realizado y hecho «. Se refiere a la apariencia visual de una obra de arte que la relaciona con otras obras del mismo artista o del mismo período, entrenamiento, ubicación, «escuela», movimiento de arte o cultura arqueológica: «La noción de estilo ha sido durante mucho tiempo el principal modo del historiador del arte de clasificar las obras de arte. Por estilo, selecciona y da forma a la historia del arte «.

El estilo a menudo se divide en el estilo general de un período, país o grupo cultural, grupo de artistas o movimiento de arte, y el estilo individual del artista dentro de ese estilo grupal. Las divisiones dentro de ambos tipos de estilos a menudo se hacen, como entre «temprano», «medio» o «tarde». En algunos artistas, como Picasso, por ejemplo, estas divisiones pueden ser marcadas y fáciles de ver, en otras son más sutiles. El estilo se ve como generalmente dinámico, en la mayoría de los períodos siempre cambia por un proceso gradual, aunque la velocidad de esto varía mucho, entre el desarrollo muy lento en el estilo típico del arte prehistórico o arte egipcio antiguo a los rápidos cambios en los estilos de arte moderno. El estilo a menudo se desarrolla en una serie de saltos, con cambios relativamente repentinos seguidos por períodos de desarrollo más lento.

Después de dominar la discusión académica en la historia del arte en el siglo XIX y principios del XX, la llamada «historia del arte del estilo» ha sufrido un creciente ataque en las últimas décadas, y muchos historiadores del arte ahora prefieren evitar las clasificaciones estilísticas donde pueden.

Etimología
La palabra estilo proviene del latín stilus, un pinchazo que los romanos solían escribir. Pero en griego, stilo significa columna, y dado que la columna era el elemento arquitectónico más singular y personalizado, podemos decir que la palabra estilo fue originalmente la manera en que se hizo la literatura o la arquitectura.

Visión de conjunto
Cualquier obra de arte es, en teoría, capaz de analizarse en términos de estilo; ni los periodos ni los artistas pueden evitar tener un estilo, excepto por incompetencia total, y por el contrario, los objetos naturales o las miradas no pueden decirse que tienen un estilo, ya que el estilo solo resulta de las elecciones hechas por un creador. Si el artista hace una elección consciente de estilo o puede identificar su propio estilo, no importa. Los artistas en las sociedades desarrolladas recientes tienden a ser muy conscientes de su propio estilo, posiblemente excesivamente consciente, mientras que para los artistas más antiguos las elecciones estilísticas fueron probablemente «en gran parte inconscientes».

Los historiadores del arte identifican y definen la mayoría de los períodos estilísticos, pero los artistas pueden optar por definir y nombrar su propio estilo. Los nombres de los estilos más antiguos son la invención de los historiadores del arte y no habrían sido entendidos por los practicantes de esos estilos. Algunos se originaron como términos de burla, incluidos el gótico, el barroco y el rococó. El cubismo, por otro lado, era una identificación consciente hecha por algunos artistas; la palabra misma parece haberse originado con críticos en lugar de pintores, pero fue rápidamente aceptada por los artistas.

El arte occidental, como el de algunas otras culturas, especialmente el arte chino, tiene una marcada tendencia a revivir a intervalos los estilos «clásicos» del pasado. En el análisis crítico de las artes visuales, el estilo de una obra de arte se trata típicamente como distinto de su iconografía, que cubre el tema y el contenido de la obra, aunque para Jas Elsner esta distinción «no es, por supuesto, verdadera en cualquier ejemplo real, pero ha demostrado ser retóricamente extremadamente útil «.

Historia del concepto
La crítica de arte clásica y las relativamente pocas escrituras medievales sobre estética no desarrollaron mucho un concepto de estilo en el arte, o análisis de él, y aunque los escritores de arte del Renacimiento y del Barroco están muy interesados ​​en lo que llamaríamos estilo, no desarrollaron un teoría coherente de ella, al menos fuera de la arquitectura. Giorgio Vasari presentó un relato muy influyente pero muy cuestionado sobre el desarrollo del estilo en la pintura italiana (principalmente) desde Giotto hasta su propio período manierista. Hizo hincapié en el desarrollo de un estilo florentino basado en disegno o dibujo basado en líneas, en lugar de color veneciano. Con otros teóricos del Renacimiento como Leon Battista Alberti continuó los debates clásicos sobre el mejor equilibrio en el arte entre la representación realista de la naturaleza y la idealización de la misma; este debate continuará hasta el siglo XIX y el advenimiento del Modernismo.

El teórico del neoclasicismo, Johann Joachim Winckelmann, analizó los cambios estilísticos en el arte clásico griego en 1764, comparándolos estrechamente con los cambios en el arte del Renacimiento, y «Georg Hegel codificó la noción de que cada período histórico tendrá un estilo típico», lanzando un muy larga sombra sobre el estudio del estilo. Hegel a menudo se le atribuye la invención de la palabra alemana Zeitgeist, pero nunca usó la palabra, aunque en Lectures on the Philosophy of History usa la frase der Geist seiner Zeit (el espíritu de su tiempo), escribiendo «nadie». puede superar su propio tiempo, porque el espíritu de su tiempo también es su propio espíritu «.

Construir esquemas de los estilos de época del arte histórico y la arquitectura fue una gran preocupación de los estudiosos del siglo XIX en el nuevo campo de la historia del arte, inicialmente alemán en su mayoría, con importantes escritores sobre la amplia teoría del estilo, incluyendo Carl Friedrich von Rumohr, Gottfried Sempre, y Alois Riegl en su Stilfragen de 1893, con Heinrich Wölfflin y Paul Frankl continuando el debate en el siglo XX. Paul Jacobsthal y Josef Strzygowski se encuentran entre los historiadores del arte que siguieron a Riegl al proponer grandes esquemas que trazan la transmisión de elementos de estilos a través de grandes gamas en el tiempo y el espacio. Este tipo de historia del arte también se conoce como formalismo, o el estudio de formas o formas en el arte.

Semper, Wölfflin y Frankl, y más tarde Ackerman, tenían antecedentes en la historia de la arquitectura, y como muchos otros términos para estilos de época, «románico» y «gótico» se acuñaron inicialmente para describir estilos arquitectónicos, donde se pueden realizar cambios importantes entre estilos. Más claro y más fácil de definir, sobre todo porque el estilo en la arquitectura es más fácil de replicar siguiendo un conjunto de reglas que el estilo en el arte figurativo, como la pintura. Los términos originados para describir periodos arquitectónicos a menudo se aplicaron posteriormente a otras áreas de las artes visuales, y luego más ampliamente a la música, la literatura y la cultura general.

En la arquitectura, el cambio de estilo a menudo sigue, y es posible gracias al descubrimiento de nuevas técnicas o materiales, desde la bóveda de crucería gótica hasta la construcción moderna de metal y hormigón armado. Un área importante de debate tanto en la historia del arte como en la arqueología ha sido hasta qué punto el cambio estilístico en otros campos como la pintura o la cerámica también responde a nuevas posibilidades técnicas o tiene su propio ímpetu para desarrollarse (el kunstwollen de Riegl) o cambios en respuesta a factores sociales y económicos que afectan el mecenazgo y las condiciones del artista, como tiende a enfatizar el pensamiento actual, utilizando versiones menos rígidas de la historia del arte marxista.

Aunque el estilo estaba bien establecido como un componente central del análisis histórico del arte, verlo como el factor predominante en la historia del arte había pasado de moda por la Segunda Guerra Mundial, a medida que se desarrollaban otras formas de ver el arte, así como una reacción contra el énfasis en el estilo; para Svetlana Alpers, «la invocación normal del estilo en la historia del arte es ciertamente deprimente». Según James Elkins, «a fines del siglo XX, las críticas al estilo tenían como objetivo reducir aún más los elementos hegelianos del concepto a la vez que lo mantenían en una forma que podía controlarse más fácilmente». Meyer Schapiro, James Ackerman, Ernst Gombrich y George Kubler (La forma del tiempo: observaciones sobre la historia de las cosas, 1962) han hecho contribuciones notables al debate, que también se ha basado en desarrollos más amplios en la teoría crítica. En 2010 Jas Elsner lo expresó de manera más contundente: «Durante casi todo el siglo XX, la historia del arte del estilo ha sido el rey indiscutible de la disciplina, pero desde las revoluciones de los años setenta y ochenta el rey ha muerto», aunque su artículo explora formas en que la «historia del arte de estilo» permanece viva, y su comentario difícilmente sería aplicable a la arqueología.

El uso de términos como Counter-Maniera parece estar en declive, ya que la impaciencia con tales «etiquetas de estilo» crece entre los historiadores del arte. En 2000, Marcia B. Hall, una historiadora de arte líder de la pintura italiana del 16to siglo y aprendiz de Sydney Joseph Freedberg (1914-1997), quien inventó el término, fue criticada por un crítico de ella. Después de Rafael: Pintura en Italia central en el Siglo XVI por su «falla fundamental» al continuar usando este y otros términos, a pesar de una «Nota sobre las etiquetas de estilo» que se disculpaba al comienzo del libro y la promesa de mantener su uso al mínimo.

Un raro intento reciente de crear una teoría para explicar el proceso que impulsa los cambios en el estilo artístico, en lugar de las teorías sobre cómo describirlos y categorizarlos, es obra del psicólogo del comportamiento Colin Martindale, quien ha propuesto una teoría evolutiva basada en principios darwinianos. Sin embargo, no se puede decir que haya ganado mucho apoyo entre los historiadores del arte.

En Bellas Artes
El estilo es el término general que tradicionalmente designa las características comunes de una época o las obras de un artista. Es una herramienta de abstracción e idealización, derivada de las obras de arte individuales, para clasificar y sistematizar la diversidad del arte y describir las características distintivas que son consistentes entre las obras de arte. A través de esta asignación a un cierto estilo o – como una diferenciación adicional dentro de un estilo – una dirección de estilo, los trabajos correspondientes se diferencian de los demás y, por lo tanto, puede establecerse una distinción de criterios científicos apropiados.

Dentro de una época (estilo época) existen diferencias según países y regiones. Incluso el trabajo de un solo artista muestra, a pesar de todas las similitudes con el estilo de su tiempo y las peculiaridades de su nación que conforman su estilo personal (estilo individual). Después de la etapa de desarrollo, se diferencia históricamente tanto en la época como en las fases temprana, alta y tardía del estilo individual, lo que desarrolla aún más ciertas tendencias. Por ejemplo, la sobrecarga es típica de la última fase de una época.

Dentro del tema académico de la historia del arte, los estilos de arte son explorados por la llamada estilística. En la historia del arte contemporáneo, el pluralismo de los estilos dentro de una época o en el trabajo de un artista se examina cada vez más y se sitúa en relación con contextos históricos, sociales y comunicativos. Los estilos se analizan no solo como criterios formales y abstractos de orden de un grupo de obras de arte, sino también como portadores de significado conscientemente elegidos: por ejemplo, edificios representativos del gótico también se crearon en las formas de una época pasada como el románico. subrayar (o incluso pretender) la importancia histórica del constructor. El concepto tradicional del estilo de época unificado se está cuestionando cada vez más.

Estilo individual
La historia del arte tradicional también ha puesto gran énfasis en el estilo individual de un artista: «la noción de estilo personal; esa individualidad puede expresarse de manera única no solo en la forma en que dibuja un artista, sino también en las peculiaridades estilísticas de la escritura de un autor ( ejemplo) – es quizás un axioma de las nociones occidentales de identidad «. La identificación de estilos individuales es especialmente importante en la atribución de obras a artistas, que es un factor dominante en su valoración para el mercado del arte, sobre todo para obras de la tradición occidental desde el Renacimiento. La identificación del estilo individual en las obras está «esencialmente asignada a un grupo de especialistas en el campo conocido como conocedores», un grupo que se centra en el comercio de arte y los museos, a menudo con tensiones entre ellos y la comunidad de historiadores académicos del arte.

El ejercicio de conocimiento es en gran medida una cuestión de impresiones subjetivas que son difíciles de analizar, sino también una cuestión de conocer los detalles de la técnica y la «mano» de diferentes artistas. Giovanni Morelli (1816 – 1891) fue pionero en el estudio sistemático del escrutinio de pequeños detalles diagnósticos que revelaron la taquigrafía y las convenciones escasamente conscientes de los artistas para retratar, por ejemplo, orejas o manos, en pinturas maestras antiguas occidentales. Sus técnicas fueron adoptadas por Bernard Berenson y otros, y se han aplicado a la escultura y muchos otros tipos de arte, por ejemplo, por Sir John Beazley a la pintura de florero Attic. Las técnicas personales pueden ser importantes para analizar el estilo individual. Aunque el entrenamiento de artistas fue antes del Modernismo esencialmente imitativo, dependiendo de los métodos técnicos enseñados, ya sea que aprendiera como aprendiz en un taller o más tarde como estudiante en una academia, siempre había espacio para la variación personal. La idea de los «secretos» técnicos estrechamente protegidos por el maestro que los desarrolló, es un tópico de larga data en la historia del arte, desde el probablemente mítico relato de Vasari de Jan van Eyck hasta los hábitos secretos de Georges Seurat.

Sin embargo, la idea de estilo personal ciertamente no se limita a la tradición occidental. En el arte chino es tan importante, pero tradicionalmente considerado como un factor en la apreciación de algunos tipos de arte, sobre todo la pintura de caligrafía y literati, pero no otros, como la porcelana china; una distinción que también se ve a menudo en las llamadas artes decorativas en Occidente. La pintura china también permitió la expresión de puntos de vista políticos y sociales por parte del artista mucho antes de lo que normalmente se detecta en Occidente. La caligrafía, considerada también como una obra de arte en el mundo islámico y el este de Asia, ofrece una nueva área dentro del ámbito del estilo personal; el ideal de la caligrafía occidental tiende a suprimir el estilo individual, mientras que la grafología, que se basa en él, se considera a sí misma como una ciencia.

Manera
«Manera» es un término relacionado, a menudo utilizado para lo que en realidad es una subdivisión de un estilo, tal vez se centró en puntos particulares de estilo o técnica. Si bien muchos elementos del estilo del período pueden reducirse a formas o formas características, que pueden representarse adecuadamente en diagramas simples dibujados en línea, la «manera» se usa más a menudo para referirse al estilo y atmósfera general de un trabajo, especialmente obras complejas tales como pinturas, que no pueden estar sujetas fácilmente a un análisis preciso. Es un término un tanto obsoleto en la historia del arte académico, evitado porque es impreciso. Cuando se usa, suele ser en el contexto de imitaciones del estilo individual de un artista, y es una de las jerarquías de términos discretos o diplomáticos utilizados en el comercio de arte para la relación entre una obra en venta y la de un conocido. artista, con «Manner of Rembrandt» sugiere una relación distanciada entre el estilo de la obra y el propio estilo de Rembrandt. La «Explicación de la práctica de catalogación» de los subastadores Christie’s explica que «Manera de …» en sus catálogos de subasta significa «En nuestra opinión, una obra ejecutada en el estilo del artista pero de una fecha posterior». El manierismo, derivado de la maniera («manera») italiana, es una fase específica del estilo general renacentista, pero la «manera» puede usarse ampliamente.

Estilo en arqueología
En arqueología, a pesar de las técnicas modernas como datación por radiocarbono, el período o el estilo cultural sigue siendo una herramienta crucial en la identificación y datación no solo de obras de arte, sino de todas las clases de artefactos arqueológicos, incluidos los puramente funcionales (ignorando la cuestión de si existen artefactos puramente funcionales). ) La identificación de estilos individuales de artistas o artesanos también se ha propuesto en algunos casos, incluso para períodos remotos, como el arte de la Edad de Hielo del Paleolítico Superior Europeo.

Como en la historia del arte, el análisis formal de la morfología (forma) de los artefactos individuales es el punto de partida. Esto se usa para construir tipologías para diferentes tipos de artefactos, y mediante la técnica de seriación se logra una datación relativa basada en el estilo para un sitio o grupo de sitios donde no se pueden usar técnicas científicas de datación absoluta, en particular donde solo se usan piedras, cerámica o artefactos de metal o restos están disponibles, que a menudo es el caso. Los tiestos de alfarería a menudo son muy numerosos en sitios de muchas culturas y épocas, e incluso piezas pequeñas pueden ser fechadas con seguridad por su estilo. En contraste con las tendencias recientes en la historia del arte académico, la sucesión de escuelas de teoría arqueológica en el siglo pasado, desde la arqueología histórico-cultural hasta la arqueología procesal y finalmente el auge de la arqueología posprocesual en décadas recientes, no ha reducido significativamente la importancia del estudio del estilo en arqueología, como base para clasificar objetos antes de una interpretación posterior.

Estilización
Estilización y estilización (o «estilización» y «estilizado» en inglés británico (no Oxford), respectivamente) tienen un significado más específico, que se refiere a representaciones visuales que utilizan formas simplificadas de representar objetos o escenas que no intentan un completo, preciso y una representación precisa de su apariencia visual (mimesis o «realista»), prefiriendo una representación global atractiva o expresiva. Más técnicamente, se ha definido como «la generalización decorativa de figuras y objetos por medio de varias técnicas convencionales, incluida la simplificación de líneas, formas y relaciones de espacio y color», y observó que «el arte tylizado reduce la percepción visual a los constructos de patrón en línea, elaboración de superficie y espacio aplanado «.

El arte antiguo, tradicional y moderno, así como las formas populares como los dibujos animados o la animación muy a menudo usan representaciones estilizadas, por lo que, por ejemplo, los Simpson usan representaciones muy estilizadas, como lo hace el arte africano tradicional. Las dos pinturas de Picasso ilustradas en la parte superior de esta página muestran un movimiento hacia una representación más estilizada de la figura humana dentro del estilo del pintor, y el Caballo Blanco de Uffington es un ejemplo de una representación prehistórica de un caballo muy estilizada. Los motivos en las artes decorativas, como la palmeta o el arabesco, son a menudo versiones muy estilizadas de las partes de las plantas.

Incluso en el arte que en general intenta mimesis o «realismo», con mucha frecuencia se encuentra un grado de estilización en los detalles, y especialmente en las figuras u otras características a pequeña escala, como personas o árboles, etc. en el fondo distante incluso de un gran trabajo. Pero esto no es una estilización destinada a ser notada por el espectador, excepto en un examen minucioso. Los dibujos, modelli y otros bocetos que no están destinados a ser puestos a la venta también se estilizarán muy a menudo.

«Estilizado» puede significar la adopción de cualquier estilo en cualquier contexto, y en inglés americano se usa a menudo para el estilo tipográfico de los nombres, como en «AT & T también se estiliza como ATT y at & t»: este es un uso específico que parece tener diccionarios escapados, aunque es una pequeña extensión de otros sentidos existentes de la palabra.

Época de estilo en la literatura
El filólogo Walter Berschin hizo fructífero el concepto del estilo de la época para la erudición literaria y exploró cómo las biografías medievales están formadas por lo que esperan las respectivas épocas de la biografía del género literario (literatura).

Identificación de la computadora
En un experimento de 2012 en la Universidad Tecnológica Lawrence en Michigan, una computadora analizó aproximadamente 1,000 pinturas de 34 artistas conocidos usando un algoritmo especialmente desarrollado y las colocó en categorías de estilo similares a los historiadores de arte humanos. El análisis implicó el muestreo de más de 4000 características visuales por obra de arte.