Art Nouveau

Art Nouveau es un estilo internacional de arte, arquitectura y arte aplicado, especialmente las artes decorativas, que fue muy popular entre 1890 y 1910. Una reacción al arte académico del siglo 19, se inspiró en las formas y estructuras naturales, en particular el líneas curvas de plantas y flores.

Estilo decorativo de finales del siglo XIX y comienzos del XX que floreció principalmente en Europa y EE. UU. Aunque influyó en la pintura y la escultura, sus principales manifestaciones fueron la arquitectura y las artes decorativas y gráficas, los aspectos sobre los que se centra esta encuesta. líneas sinuosas y asimétricas basadas en formas orgánicas; en un sentido más amplio abarca los patrones geométricos y más abstractos y los ritmos que se desarrollaron como parte de la reacción general al historicismo del siglo XIX. Hay grandes variaciones en el estilo según dónde apareció y los materiales que se emplearon

Art Nouveau es considerado un estilo de arte “total”, que abarca la arquitectura, el arte gráfico, el diseño de interiores y la mayoría de las artes decorativas, como joyas, muebles, textiles, menaje de plata y otros utensilios e iluminación, así como las bellas artes. la filosofía del estilo, el arte debería ser una forma de vida Para muchos europeos pudientes, era posible vivir en una casa inspirada en el Art Nouveau con muebles art nouveau, platería, telas, cerámicas, incluyendo vajillas, joyas, pitilleras, Los artistas desearon combinar las bellas artes y las artes aplicadas, incluso para objetos utilitarios.

Forma y personaje
Aunque el Art Nouveau adquirió tendencias claramente localizadas a medida que aumentaba su distribución geográfica, algunas características generales son indicativas de la forma. Una descripción publicada en la revista Pan del colgador de pared de Cicerón (1894) de Hermann Obrist lo describió como “curvas repentinas y violentas generadas por el chasquido de un látigo”, que se hizo muy conocida durante la temprana difusión del Art Nouveau. Posteriormente, el trabajo no solo se hizo más conocido como The Whiplash, sino que el término “latigazo cervical” se aplica con frecuencia a las curvas características empleadas por los artistas de Art Nouveau. Tales motivos decorativos “latigazo”, formados por líneas dinámicas, onduladas y fluidas en un ritmo sincopado y forma asimétrica, se encuentran en toda la arquitectura, pintura, escultura y otras formas de diseño Art Nouveau.

Los orígenes del Art Nouveau se encuentran en la resistencia del artista William Morris a las composiciones desordenadas y las tendencias de reavivamiento del siglo XIX y sus teorías que ayudaron a iniciar el movimiento de Artes y oficios. Sin embargo, la portada de Arthur Mackmurdo para Wren’s City Churches (1883), con sus patrones florales rítmicos, a menudo se considera la primera realización del Art Nouveau. Aproximadamente al mismo tiempo, la perspectiva plana y los fuertes colores de los estampados de bloques de madera japoneses, especialmente los de Katsushika Hokusai, tuvieron un fuerte efecto en la formulación del Art Nouveau. El japonismo que fue popular en Europa durante los años 1880 y 1890 fue particularmente influyente en muchos artistas con sus formas orgánicas y referencias al mundo natural. Además de ser adoptado por artistas como Emile Gallé y James Abbott McNeill Whistler, el arte y el diseño de inspiración japonesa fue defendido por los empresarios Siegfried Bing y Arthur Lasenby Liberty en sus tiendas en París y Londres, respectivamente.

En arquitectura, las hipérbolas y parábolas en ventanas, arcos y puertas son comunes, y las molduras decorativas “crecen” en formas derivadas de plantas. Al igual que la mayoría de los estilos de diseño, el Art Nouveau buscaba armonizar sus formas. El texto sobre la entrada del Metro de París utiliza las cualidades del resto del trabajo de hierro en la estructura.

El Art Nouveau en arquitectura e interiorismo evitó los estilos eclécticos de renacimiento del siglo XIX. Aunque el Art Nouveau, los diseñadores seleccionaron y “modernizaron” algunos de los elementos más abstractos del estilo rococó, como las texturas de llamas y conchas, también defendieron el uso de formas orgánicas muy estilizadas como fuente de inspiración, expandiendo el repertorio “natural” a usa algas, hierbas e insectos. Las formas suaves de fusión del estilo auricular del siglo XVII, mejor ejemplificadas en los platería holandeses, fueron otra influencia.

Relación con estilos y movimientos contemporáneos
Como estilo de arte, Art Nouveau tiene afinidades con los Prerrafaelistas y los estilos Simbolistas, y artistas como Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Edward Burne-Jones, Gustav Klimt y Jan Toorop podrían clasificarse en más de uno de estos estilos. A diferencia de la pintura simbolista, sin embargo, el Art Nouveau tiene una apariencia distintiva; y, a diferencia del Movimiento de Artes y Oficios orientado a los artesanos, los artistas de Art Nouveau utilizaron fácilmente nuevos materiales, superficies maquinadas y abstracción al servicio del diseño puro.

Art Nouveau no evitó el uso de máquinas, como lo hizo el Movimiento de Artes y Oficios. Para la escultura, los principales materiales empleados fueron vidrio y hierro forjado, lo que resulta en cualidades esculturales, incluso en la arquitectura. La cerámica también se empleó en la creación de ediciones de esculturas por artistas como Auguste Rodin.

La arquitectura Art Nouveau hizo uso de muchas innovaciones tecnológicas de finales del siglo XIX, especialmente el uso de hierro expuesto y grandes piezas de vidrio de forma irregular para la arquitectura. Sin embargo, al comienzo de la Primera Guerra Mundial, la naturaleza estilizada del diseño Art Nouveau comenzó a desestimarse en favor de un modernismo modernizado y rectilíneo, pensado para ser más fiel a la estética industrial más simple que se convirtió en Art Deco.

Las tendencias del Art Nouveau también fueron absorbidas por los estilos locales. En Dinamarca, por ejemplo, era un aspecto de Skønvirke (“trabajo estético”), que a su vez se relaciona más estrechamente con el estilo de Artes y Oficios. Del mismo modo, los artistas adoptaron muchos de los motivos florales y orgánicos del Art Nouveau en el estilo Młoda Polska (“joven Polonia”) en Polonia. Młoda Polska, sin embargo, también incluyó otros estilos artísticos y abarcó un enfoque más amplio del arte, la literatura y el estilo de vida.

Las artes gráficas florecieron en el período Art Nouveau, gracias a las nuevas tecnologías de impresión, particularmente la litografía en color que permitió la producción masiva de carteles en color. El arte ya no se limitaba a galerías, museos y salones; se podía encontrar en las paredes de París y en las revistas de arte ilustradas, que circulaban por toda Europa y los Estados Unidos. El tema más popular de los carteles de Art Nouveau era la mujer; mujeres que simbolizan el glamour, la modernidad y la belleza, a menudo rodeadas de flores.

En Gran Bretaña, el artista gráfico líder en el estilo Art Nouveau fue Aubrey Beardsley (1872-1898). Comenzó con ilustraciones de libros grabados para Le Morte d’Arthur, luego ilustraciones en blanco y negro para Salome de Oscar Wilde (1893), que le dieron fama. En el mismo año, comenzó a grabar ilustraciones y carteles para la revista de arte The Studio, que ayudó a publicitar artistas europeos como Fernand Khnopff en Gran Bretaña. Las líneas curvas y los intrincados motivos florales atrajeron tanta atención como el texto.

El artista suizo-francés Eugène Grasset (1845-1917) fue uno de los primeros creadores de carteles franceses de Art Nouveau. Ayudó a decorar el famoso cabaret Le Chat noir en 1885 e hizo sus primeros carteles para las Fêtes de Paris. Hizo famosos carteles de Sarah Bernhardt en 1890, y una amplia variedad de ilustraciones de libros. Los artistas-diseñadores Jules Chéret, Georges de Feure y el pintor Henri de Toulouse-Lautrec hicieron carteles para teatros de París, cafés, cabarets de salones de baile. El artista checo Alphonse Mucha (1860-1939) llegó a París en 1888, y en 1895 hizo un póster para la actriz Sarah Bernhardt en la obra Gismonda de Victorien Sardou. El éxito de este cartel dio lugar a un contrato para producir carteles para seis obras más por Bernhardt. Durante los siguientes cuatro años, también diseñó decorados, disfraces e incluso joyas para la actriz. Basado en el éxito de sus carteles de teatro, Mucha hizo carteles para una variedad de productos, que van desde cigarrillos y jabón hasta galletas de cerveza, todos con una figura femenina idealizada con una figura de reloj de arena. Pasó a diseñar productos, desde joyas hasta cajas de galletas, en su estilo distintivo.

En Viena, el diseñador más prolífico de gráficos y carteles fue Koloman Moser (1868-1918), que participó activamente en el movimiento de la Secesión con Gustav Klimt y Josef Hoffmann, e hizo ilustraciones y portadas para la revista del movimiento, Ver Sacrum, como así como pinturas, muebles y decoración.

Pintura
La pintura era otro dominio importante del Art Nouveau, aunque la mayoría de los pintores art nouveau también se asociaron con otros movimientos artísticos, especialmente los Nabis en Francia y los simbolistas en Francia y Austria. En 1892, Siegfried Bing organizó una exposición en París con siete pintores, entre ellos Pierre Bonnard, Édouard Vuillard, Félix Vallotton y Maurice Denis; y su Maison de l’Art Nouveau exhibió pinturas de Georges Seurat, Paul Signac y Henri de Toulouse-Lautrec. Eugène Grasset, Koloman Moser y Gustav Klimt se movieron cómodamente en la vanguardia y el Art Nouveau. En Bélgica, Fernand Khnopff trabajó tanto en pintura como en diseño gráfico. Las pinturas de Gustav Klimt formaban parte integrante del esquema decorativo de Josef Hoffmann para el Palais Stoclet. Un tema común tanto de los pintores simbolistas como del Art Nouveau de la época fue la representación estilizada de las mujeres. Un tema popular fue la bailarina estadounidense Loie Fuller, retratada por pintores franceses y austríacos y artistas de carteles.

Arte en vidrio
El arte en vidrio fue un medio en el que el Art Nouveau encontró nuevas y variadas formas de expresión. Se llevó a cabo una intensa cantidad de experimentación, especialmente en Francia, para encontrar nuevos efectos de transparencia y opacidad: en el grabado ganó cameo, capas dobles y grabado ácido, una técnica que permitió la producción en serie. La ciudad de Nancy se convirtió en un centro importante para la industria del vidrio francesa, y los talleres de Emile Gallé y el estudio Daum, dirigido por Auguste y Antonin Daum, se ubicaron allí. Trabajaron con muchos diseñadores notables, incluidos Ernest Bussière, Henri Bergé y Amalric Walter. Desarrollaron un nuevo método de incrustación de vidrio presionando fragmentos de vidrio de diferentes colores en la pieza sin terminar. A menudo colaboraron con el diseñador de muebles Louis Majorelle, cuyo hogar y talleres estaban en Nancy. Otra característica de Art Nouveau fue el uso de vidrieras con ese estilo de temas florales en los salones residenciales, particularmente en las casas Art Nouveau en Nancy. Muchos fueron obra de Jacques Gruber, que hizo ventanas para la Villa Majorelle y otras casas.

En Bélgica, la empresa líder fue la fábrica de vidrio de Val Saint Lambert, que creó jarrones de formas orgánicas y florales, muchos de ellos diseñados por Philippe Wolfers. Wolfers se destacó especialmente por crear obras de vidrio simbolista, a menudo con una decoración metálica adjunta. En Bohemia, una región del Imperio Austrohúngaro reconocida por la fabricación de cristal, las compañías Lobmeyr y Loetz-Witwe también experimentaron con nuevas técnicas de coloración, produciendo colores más vívidos y ricos. En Alemania, la experimentación fue dirigida por Karl Köpping, que utilizó vidrio soplado para crear vasos extremadamente delicados en forma de flores; tan delicado que pocos sobreviven hoy.

En Viena, los diseños de vidrio del movimiento de la Secesión fueron mucho más geométricos que los de Francia o Bélgica; Otto Prutscher fue el diseñador de vidrio más riguroso del movimiento.

En Gran Bretaña, Margaret Macdonald Mackintosh creó una serie de diseños de vitrales florales para la exposición arquitectónica llamada “La casa de un amante del arte”.

En los Estados Unidos, Louis Comfort Tiffany y sus diseñadores se hicieron particularmente famosos por sus lámparas, cuyos tonos de vidrio usaban temas florales comunes intrincadamente ensamblados. Las lámparas Tiffany ganaron popularidad después de la Exposición Colombina Mundial en Chicago en 1893, donde Tiffany exhibió sus lámparas en una capilla bizantina. Tiffany experimentó extensamente con los procesos de coloración de vidrio, patentando en 1894 el proceso de vidrio Favrile, que utilizaba óxidos metálicos para colorear el interior del vidrio fundido, dándole un efecto iridiscente. Sus talleres produjeron varias series diferentes de la lámpara Tiffany en diferentes diseños florales, junto con vitrales, pantallas, jarrones y una variedad de objetos decorativos. Sus obras primero fueron importadas a Alemania, luego a Francia por Siegfried Bing, y luego se convirtieron en una de las sensaciones decorativas de la Exposición de 1900. Un rival estadounidense de Tiffany, Steuben Glass, fue fundado en 1903 en Corning, Nueva York, por Frederick Carder, quien, como Tiffany, usó el proceso de Fevrile para crear superficies con colores iridiscentes. Otro notable artista estadounidense del vidrio fue John La Farge, quien creó intrincadas y coloridas vidrieras en temas religiosos y puramente decorativos.

Arte de metal
El teórico de la arquitectura del siglo XIX Viollet-le-Duc había abogado por mostrar, en lugar de ocultar los armazones de hierro de los edificios modernos, pero los arquitectos Art Nouveau Victor Horta y Héctor Guimard dieron un paso más: añadieron decoración de hierro en curvas inspiradas en floral y vegetal se forma tanto en el interior como en el exterior de sus edificios. Tomaron la forma de barandillas de escaleras en el interior, lámparas y otros detalles en el interior, y balcones y otros adornos en el exterior. Estas se convirtieron en algunas de las características más distintivas de la arquitectura Art Nouveau. El uso de decoración de metal en formas vegetales pronto también apareció en cubiertos, lámparas y otros artículos decorativos.

En los Estados Unidos, el diseñador George Grant Elmslie hizo diseños de hierro extremadamente complejos para las balaustradas y otras decoraciones interiores de los edificios del arquitecto Louis Sullivan de Chicago.

Mientras los diseñadores franceses y estadounidenses usaban formas florales y vegetales, Joseph Maria Olbrich y los otros artistas de Secession diseñaron teteras y otros objetos de metal en un estilo más geométrico y sobrio.

Joyería
Art Nouveau se caracteriza por líneas y formas suaves y curvas, y por lo general presenta diseños naturales como flores, pájaros y otros animales. El cuerpo femenino es un tema popular y aparece en una variedad de piezas de joyería, especialmente camafeos. Con frecuencia incluía largos collares hechos de perlas o cadenas de plata esterlina puntuadas por cuentas de vidrio o terminadas en un colgante de plata o oro, a menudo diseñado como un adorno para contener una sola joya facetada de amatista, peridoto o citrina.

El período Art Nouveau trajo una notable revolución estilística a la industria de la joyería, liderada en gran parte por las principales firmas en París. Durante los dos siglos anteriores, el énfasis en las joyas finas había creado escenarios dramáticos para los diamantes. Durante el reinado del Art Nouveau, los diamantes generalmente jugaban un papel secundario. Los joyeros experimentaron con una amplia variedad de otras piedras, incluyendo ágata, ópalo granate, piedra lunar, aguamarina y otras piedras semipreciosas, y con una amplia variedad de nuevas técnicas, entre otras, esmaltado y nuevos materiales, incluidos cuerno, vidrio moldeado y Marfil.

Los primeros joyeros notables de París en el estilo Art Nouveau incluyen a Louis Aucoc, cuya firma de joyería familiar data de 1821. René Lalique, el diseñador más famoso del período Art Nouveau, realizó su aprendizaje en el estudio Aucoc desde 1874 hasta 1876. Lalique se convirtió en un figura de joyas y vidrio Art Nouveau, usando la naturaleza, desde libélulas a hierbas, como su modelo. Artistas de fuera del mundo tradicional de la joyería, como Paul Follot, mejor conocido como diseñador de muebles, experimentaron con diseños de joyería. Otros diseñadores notables de la joyería francesa del Art Nouveau incluyen a Jules Brateau y Georges Henry. En los Estados Unidos, el diseñador más famoso fue Louis Comfort Tiffany, cuyo trabajo se mostró en la tienda de Siegfried Bing y también en la Exposición de París de 1900.

En Gran Bretaña, la figura más destacada fue el diseñador de Liberty & Co., Archibald Knox, que hizo una variedad de piezas de Art Nouveau, incluidas hebillas de cinturón de plata. CR Ashbee diseñó colgantes en forma de pavos reales. El versátil diseñador de Glasgow Charles Rennie Mackintosh también hizo joyas, utilizando símbolos celtas tradicionales. En Alemania, el centro de joyería Jugendstil fue la ciudad de Pforzheim, donde se encontraban la mayoría de las empresas alemanas, incluida Theodor Fahrner. Rápidamente produjeron trabajos para satisfacer la demanda del nuevo estilo.

Arquitectura
La arquitectura Art Nouveau fue una reacción contra los estilos eclécticos que dominaron la arquitectura europea en la segunda mitad del siglo XIX. Fue expresado a través de la decoración. Los edificios estaban cubiertos con adornos en formas curvas, basados ​​en flores, plantas o animales: mariposas, pavos reales, cisnes, iris, ciclámenes, orquídeas y nenúfares. Las fachadas eran asimétricas, y a menudo decoradas con baldosas de cerámica policromadas. La decoración generalmente sugiere movimiento; no había distinción entre la estructura y el ornamento.

El estilo apareció por primera vez en Bruselas ‘Hôtel Tassel (1894) y Hôtel Solvay (1900) de Victor Horta. El Hotel Tassel fue visitado por Héctor Guimard, que utilizó el mismo estilo en su primera gran obra, el Castel Béranger (1897-98). En todas estas casas, los arquitectos también diseñaron los muebles y la decoración interior, hasta los pomos de las puertas y las alfombras. En 1899, basándose en la fama del Castel Béranger, Guimard recibió una comisión para diseñar las entradas de las estaciones del nuevo Métro de París, que se inauguró en 1900. Aunque pocos de los originales sobrevivieron, estos se convirtieron en el símbolo del movimiento Art Nouveau en París.

En París, el estilo arquitectónico también fue una reacción a las estrictas regulaciones impuestas sobre la construcción de fachadas por Georges-Eugène Haussmann, el prefecto de París bajo Napoleón III. Las ventanas de arco finalmente se permitieron en 1903, y los arquitectos de Art Nouveau fueron al extremo opuesto, sobre todo en las casas de Jules Lavirotte, que eran esencialmente grandes obras de escultura, completamente cubiertas con decoración. Un importante barrio de casas de estilo Art Nouveau apareció en la ciudad francesa de Nancy, alrededor de la Villa Majorelle (1901-02), la residencia del diseñador de muebles Louis Majorelle. Fue diseñado por Henri Sauvage como escaparate para los diseños de muebles de Majorelle.

El estilo arquitectónico se extendió desde Bélgica y Francia a Alemania, Suiza, Italia, España y el resto de Europa, adquiriendo diferentes nombres y personajes en cada país. Alcanzó su punto máximo en 1910, y para el comienzo de la Primera Guerra Mundial ya estaba prácticamente terminado. Un nuevo estilo, Art Deco, tomó su lugar.

Mueble
El diseño de muebles en el período Art Nouveau estuvo estrechamente relacionado con la arquitectura de los edificios que los arquitectos a menudo diseñaron los muebles, alfombras, lámparas, perillas de puertas y otros detalles decorativos. El mobiliario también era a menudo complejo y caro; un acabado fino, habitualmente pulido o barnizado, se consideraba esencial, y los diseños continentales solían ser muy complejos, con formas curvas que eran caras de fabricar. También tenía el inconveniente de que el propietario de la casa no podía cambiar los muebles ni agregar piezas con un estilo diferente sin alterar por completo el efecto de la habitación. Por esta razón, cuando la arquitectura Art Nouveau pasó de moda, el estilo de los muebles también desapareció.

En Francia, el centro de diseño y fabricación de muebles estaba en Nancy, donde dos grandes diseñadores, Émile Gallé y Louis Majorelle tenían sus estudios y talleres, y donde se había fundado la Alianza de las industrias de arte (más tarde llamada Escuela de Nancy). en 2001. Ambos diseñadores se basaron en su estructura y ornamentación en formas tomadas de la naturaleza, incluyendo flores e insectos, como la libélula, un motivo popular en el diseño Art Nouveau. Gallé fue especialmente conocido por su uso de la marquetería en relieve, en forma de paisajes o temas poéticos. Majorelle era conocido por su uso de maderas exóticas y caras, y por colocar bronce esculpido en temas vegetales en sus muebles. Ambos diseñadores usaron máquinas para las primeras fases de fabricación, pero todas las piezas se terminaron a mano. Otros diseñadores de muebles notables de la Escuela de Nancy incluyeron a Eugène Vallin y Émile André; ambos eran arquitectos de formación, y ambos diseñaron muebles que se parecían a los muebles de diseñadores belgas como Horta y Van de Velde, que tenían menos decoración y seguían más de cerca las plantas y flores en curva. Otros diseñadores franceses notables incluyen a Henri Bellery-Desfontaines, que se inspiró en los estilos neogóticos de Viollet-le-Duc; y Georges de Feure, Eugène Gaillard y Édouard Colonna, que trabajaron junto con el marchante de arte Siegfried Bing para revitalizar la industria francesa del mueble con nuevos temas. Su trabajo era conocido por el “naturalismo abstracto”, su unidad de líneas rectas y curvas, y su influencia rococó. Los muebles de de Feure en el pabellón de Bing ganaron una medalla de oro en la Exposición de París de 1900. El diseñador francés más inusual y pintoresco fue François-Rupert Carabin, un escultor de formación, cuyos muebles presentaban formas femeninas esculpidas desnudas y animales simbólicos, en particular gatos, que combinaban elementos del Art Nouveau con el Simbolismo. Otros diseñadores influyentes de muebles de París fueron Charles Plumet y Alexandre Charpentier. En muchos sentidos, el antiguo vocabulario y las técnicas del mobiliario rococó francés clásico del siglo XVIII fueron reinterpretados con un nuevo estilo.

En Bélgica, los arquitectos pioneros del movimiento Art Nouveau, Victor Horta y Henry van de Velde, diseñaron muebles para sus casas, utilizando líneas curvas vigorosas y un mínimo de decoración. El diseñador belga Gustave Serrurier-Bovy añadió más decoración, aplicando bandas de latón en formas curvas. En los Países Bajos, donde el estilo se llamaba Nieuwe Kunst o New Art, HP Berlag, Lion Cachet y Theodor Nieuwenhuis siguieron un curso diferente, el del movimiento de Artes y oficios ingleses, con formas geométricas más racionales.

En Gran Bretaña, los muebles de Charles Rennie Mackintosh eran puramente artísticos y artesanales, austeros y geométricos, con largas líneas rectas y ángulos rectos y un mínimo de decoración. Los diseños continentales eran mucho más elaborados, a menudo utilizando formas curvas tanto en las formas básicas de la pieza como en motivos decorativos aplicados. En Alemania, el mobiliario de Peter Behrens y el Jugendstil era en gran parte racionalista, con líneas geométricas rectas y alguna decoración adherida a la superficie. Su objetivo era exactamente el opuesto del Art Nouveau francés; simplicidad de estructura y simplicidad de los materiales, para muebles que pueden ser baratos y fácilmente fabricados en masa. Lo mismo sucedió con los muebles de los diseñadores de Wiener Werkstätte en Viena, dirigidos por Otto Wagner, Josef Hoffmann, Josef Maria Olbrich y Koloman Moser. El mobiliario era geométrico y tenía un mínimo de decoración, aunque en el estilo a menudo seguía un precedente histórico nacional, particularmente el estilo Biedemeier.

Los muebles italianos y españoles se desviaron en su propia dirección. Carlo Bugatti en Italia diseñó la extraordinaria Silla Snail, madera cubierta con pergamino pintado y cobre, para la Exposición Internacional de Turín de 1902. En España, siguiendo el liderazgo de Antoni Gaudí y el movimiento Modernismo, el diseñador de muebles Gaspar Homar diseñó obras inspiradas por formas naturales con toques de estilos históricos catalanes.

En los Estados Unidos, el diseño de muebles se inspiró más a menudo en el movimiento Arts and Crafts, o en modelos históricos estadounidenses, que en el Art Nouveau. Un diseñador que introdujo temas de Art Nouveau fue Charles Rohlfs en Buffalo, Nueva York, cuyos diseños de muebles de roble blanco de América fueron influenciados por motivos de arte celta y arte gótico, con toques de Art Nouveau en el acabado metálico aplicado a las piezas.

Cerámica
La última parte del siglo XIX vio muchas innovaciones tecnológicas en la fabricación de cerámica, particularmente el desarrollo de porcelana de alta temperatura (grand feu) con esmaltes cristalinos y mate. Al mismo tiempo, se redescubrieron varias técnicas perdidas, como el glaseado de sangre de buey. La cerámica de Art Nouveau también se vio influenciada por la cerámica tradicional y moderna japonesa y china, cuyos motivos vegetales y florales se adaptaron bien al estilo Art Nouveau. En Francia, los artistas también redescubrieron los métodos grés tradicionales y los reinventaron con nuevos motivos. La cerámica también encontró un nuevo uso importante en la arquitectura: los arquitectos Art Nouveau, Jules Lavirotte y Héctor Guimard, entre ellos, comenzaron a decorar las fachadas de los edificios con azulejos de cerámica, muchos de ellos realizados por la firma de Alexandre Bigot, dándoles un Art Nouveau distintivo mirada escultural. En el Art Nouveau, la cerámica se trasladó rápidamente al dominio de la escultura y la arquitectura.

Uno de los primeros ceramistas franceses del Art Nouveau fue Ernest Chaplet, cuya carrera en cerámica abarcó treinta años. Comenzó a producir gres influenciado por prototipos japoneses y chinos. Comenzando en 1886, trabajó con el pintor Paul Gauguin en diseños de gres con figuras aplicadas, manijas múltiples, pintado y parcialmente acristalado, y colaboró ​​con los escultores Félix Bracquemond, Jules Dalou y Auguste Rodin. Sus obras fueron aclamadas en la Exposición de 1900.

Las principales firmas nacionales de cerámica tuvieron un lugar importante en la Exposición de París de 1900: la Manufactura nacional de Sèvres, en las afueras de París; Nymphenburg, Meissen, Villeroy & Boch en Alemania y Doulton en Gran Bretaña. Otros importantes ceramistas franceses incluyen Taxile Doat, Pierre-Adrien Dalpayrat (fr), Edmond Lachenal, Albert Dammouse (fr) y Auguste Delaherche.

En Francia, la cerámica del Art Nouveau a veces cruzó la línea hacia la escultura. La figura de porcelana Dancer with a Scarf de Agathon Léonard, hecha para la Manufacture nationale de Sèvres, ganó el reconocimiento en ambas categorías en la Exposición de París de 1900.

La fábrica Zsolnay en Pécs, Hungría, fue dirigida por Miklós Zsolnay (1800-1880) y su hijo, Vilmos Zsolnay (1828-1900), con Tádé Sikorski (1852-1940) diseñador jefe, para producir gres y otras cerámicas en 1853. En 1893, Zsolnay introdujo piezas de porcelana hechas de eosina. Dirigió la fábrica a un reconocimiento mundial al demostrar sus productos innovadores en ferias mundiales y exposiciones internacionales, incluida la Feria Mundial de 1873 en Viena, luego en la Feria Mundial de 1878 en París, donde Zsolnay recibió un Gran Premio. Las decoraciones del edificio Zsolnay resistentes a las heladas fueron utilizadas en numerosos edificios, específicamente durante el movimiento Art Nouveau.

Textiles y papel tapiz
Los textiles y los papeles pintados fueron un importante vehículo del Art Nouveau desde el comienzo del estilo, y un elemento esencial del diseño de interiores del Art Nouveau. En Gran Bretaña, los diseños textiles de William Morris habían ayudado a lanzar el Movimiento de Artes y Oficios y luego el Art Nouveau. Se crearon muchos diseños para la tienda por departamentos Liberty en Londres, que popularizó el estilo en toda Europa. Uno de esos diseñadores fue el Silver Studio, que proporcionó coloridos estampados florales estilizados. Otros diseños distintivos vinieron de Glasgow School, y Margaret Macdonald Mackintosh. La escuela de Glasgow presentó varios motivos distintivos, incluidos huevos estilizados, formas geométricas y la “Rosa de Glasgow”.

En Francia, una importante contribución fue hecha por el diseñador Eugène Grasset quien en 1896 publicó La Plante et ses applications ornamentales, sugiriendo diseños Art Nouveau basados ​​en diferentes flores y plantas. Muchos patrones fueron diseñados y producidos por los principales fabricantes textiles franceses en Mulhouse, Lille y Lyon, por talleres alemanes y belgas. El diseñador alemán Hermann Obrist se especializó en motivos florales, particularmente el ciclamen y el estilo “latigazo” basado en tallos de flores, que se convirtió en un motivo principal del estilo. El belga Henry van de Velde presentó una obra textil, La Veillée d’Anges, en el Salón La Libre Esthéthique de Bruselas, inspirada en el simbolismo de Paul Gauguin y de los Nabis. En los Países Bajos, los textiles a menudo se inspiraban en patrones de batik de las colonias holandesas en las Indias Orientales. El arte popular también inspiró la creación de tapices, alfombras, bordados y textiles en Europa Central y Escandinavia, en el trabajo de Gerhard Munthe y Frida Hansen en Noruega. El diseño Five Swan de Otto Eckmann apareció en más de cien versiones diferentes. El diseñador húngaro Janos Vaszary combinó elementos de Art Nouveau con temas folclóricos.