Manifiesto de arte

Un manifiesto de arte es una declaración pública de las intenciones, motivos o puntos de vista de un artista o movimiento artístico. Los manifiestos son una característica estándar de los diversos movimientos en la vanguardia modernista y todavía se escriben hoy en día. Los manifiestos artísticos son a veces en su retórica destinados al valor de choque, para lograr un efecto revolucionario. A menudo abordan cuestiones más amplias, como el sistema político. Los temas típicos son la necesidad de la revolución, la libertad (de expresión) y la superioridad implícita o declarada abiertamente de los escritores sobre el status quo. El manifiesto proporciona un medio para expresar, publicitar y registrar ideas para el artista o grupo de arte, incluso si solo una o dos personas escriben las palabras, en su mayoría todavía se atribuye al nombre del grupo.
En 1855, Gustave Courbet escribió un manifiesto realista para la presentación del catálogo de su exposición personal e independiente. Y en 1886, el poeta y ensayista Jean Moréas publicó el Manifiesto simbolista en el periódico francés Le Figaro.

El primer manifiesto de arte del siglo 20 fue presentado con los futuristas en Italia en 1909, seguido de los cubistas, vorticistas, dadaístas y surrealistas: el período hasta la Segunda Guerra Mundial creó lo que todavía son los manifiestos más conocidos. Aunque nunca dejaron de emitirse, otros medios como el crecimiento de la radiodifusión tendieron a dejar de lado tales declaraciones. Debido a Internet, ha habido un resurgimiento de la forma, y ​​muchos manifiestos nuevos ahora están apareciendo a una audiencia mundial potencial. Los Stuckists han hecho un uso particular de esto para comenzar un movimiento mundial de grupos afiliados.

Los manifiestos suelen consistir en una serie de declaraciones, que están numeradas o en viñetas y que no necesariamente siguen lógicamente de una a la siguiente. La explicación de Tristan Tzara del manifiesto (Feeble Love & Bitter Love, II) captura el espíritu de muchos:

«Un manifiesto es una comunicación hecha al mundo entero, cuya única pretensión es el descubrimiento de una cura instantánea para la sífilis política, astronómica, artística, parlamentaria, agronómica y literaria. Puede ser agradable y afable, siempre es correcto, es fuerte, vigoroso y lógico. A propósito de la lógica, me considero muy agradable.

Concepto
Antes de principios del siglo XX, el manifiesto era casi exclusivamente una declaración con fines políticos. La intención de los artistas que adoptan la forma, por lo tanto, es indicar que están empleando el arte como una herramienta política.

El manifiesto de arte tiene dos objetivos principales. El primero es definir y criticar un paradigma en el arte o la cultura contemporáneos; el segundo es definir un conjunto de valores estéticos para contrarrestar este paradigma. A menudo, los manifiestos aspiran a ser obras de arte por derecho propio; por ejemplo, muchos escritores de manifiestos intentan que sus textos se realicen. Otros manifiestos no se pueden apreciar plenamente como declaraciones escritas porque dependen en gran medida del diseño gráfico para la comunicación, una característica común en los manifiestos Dada. Varios artistas han escrito manifiestos sobre medios artísticos que no son los suyos.

Históricamente, ha habido un fuerte paralelismo entre el manifiesto de arte y el manifiesto político. No era raro que los escritores de manifiestos de principios del siglo XX también fueran políticamente activos. En Italia, el fundador futurista Filippo Tomasso Marinetti se postuló para el cargo, y tanto los futuristas rusos como los italianos emitieron manifiestos políticos. En Inglaterra, el vorticista Wyndham Lewis apoyó a las sufragistas, mientras que en Francia, el surrealista André Breton apoyó al partido comunista. A menudo, sin embargo, estas organizaciones políticas rechazaron la atención de los artistas; en otros casos, los artistas fueron censurados y perseguidos por gobiernos autoritarios europeos, como la Italia fascista y la Rusia comunista, que rechazaron institucionalmente a las vanguardias.

Antes de 1900

Manifiesto realista 1855
Gustave Courbet escribió un manifiesto realista para la introducción al catálogo de su exposición personal e independiente, 1855, haciéndose eco del tono de los manifiestos políticos de la época. En él, afirma su objetivo como artista «traducir las costumbres, las ideas, la apariencia de mi época de acuerdo con mi propia estimación».

Manifiesto simbolista 1886
En 1886, el poeta y ensayista Jean Moréas publicó el Manifiesto Simbolista en el periódico francés Le Figaro. Definió y caracterizó el Simbolismo como un estilo cuyo «objetivo no era el ideal, pero cuyo único propósito era expresarse con el fin de ser expresado». Nombra a Charles Baudelaire, Stéphane Mallarmé y Paul Verlaine como los tres poetas principales del movimiento.

Seminal 1909-45

Manifiesto futurista 1909, 1914
El Manifiesto Futurista, escrito por el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti, fue publicado en el periódico italiano Gazzetta dell’Emilia en Bolonia el 5 de febrero de 1909, luego en francés como Manifeste du futurisme en el periódico Le Figaro el 20 de febrero de 1909. inició una filosofía artística, el futurismo, que fue un rechazo del pasado y una celebración de la velocidad, la maquinaria, la violencia, la juventud y la industria; también era una promoción de la modernización y el rejuvenecimiento cultural de Italia.

Como el manifiesto fundador no contenía un programa artístico positivo, los futuristas intentaron crear uno en su Manifiesto técnico de la pintura futurista (1914). Esto los comprometió con un «dinamismo universal», que se representaría directamente en pintura y escultura. Los objetos en realidad no estaban separados el uno del otro ni de su entorno: «Las dieciséis personas que te rodean en un autobús rodante son a su vez y al mismo tiempo una, diez y cuatro, están inmóviles y cambian de lugar … el autobús de motor se precipita en las casas por las que pasa y, a su vez, las casas se arrojan sobre el autobús y se mezclan con él «.

Manifiesto Cubista 1912
Du «Cubisme», escrito en 1912 por Albert Gleizes y Jean Metzinger, fue el primer texto teórico sobre el cubismo. El libro fue ilustrado con obras de Gleizes, Metzinger, Paul Cézanne, Fernand Léger, Juan Gris, Francis Picabia, Marcel Duchamp, Pablo Picasso, Georges Braque, André Derain y Marie Laurencin. En este tratado de gran influencia, Gleizes y Metzinger relacionaron explícitamente el concepto de «perspectiva múltiple» con el sentido bergsoniano del tiempo. El tratamiento facetado de los objetos físicos y el espacio borró las distinciones entre sujeto y abstracción, entre representación y no objetividad. Los efectos de la geometría no euclidiana se usaron para transmitir un sentido psicofísico de fluidez de la conciencia. Du «Cubisme» introdujo el concepto de «simultaneidad» en el marco teórico del cubismo. Fue en parte un concepto nacido de una convicción basada en la comprensión de los autores de Henri Poincaré y Bergson de que la separación o distinción entre el espacio y el tiempo debería ser ampliamente cuestionada. Estaba basado tanto en ideas filosóficas y científicas, en la geometría riemanniana y la relatividad del conocimiento, contradiciendo nociones de verdad absoluta. Estas ideas fueron diseminadas y debatidas en la publicación ampliamente disponible, y leídas por escritores y artistas asociados con el advenimiento del modernismo.

El arte del ruido 1913
El arte de los ruidos (en italiano: L’arte dei Rumori) es un manifiesto futurista escrito por Luigi Russolo en una carta de 1913 al amigo y compositor futurista Francesco Balilla Pratella. En él, Russolo argumenta que el oído humano se ha acostumbrado a la velocidad, la energía y el ruido del paisaje sonoro urbano industrial; Además, esta nueva paleta sonora requiere un nuevo enfoque de la instrumentación y composición musical. Propone una serie de conclusiones sobre cómo la electrónica y otras tecnologías permitirán a los músicos futuristas «sustituir la limitada variedad de timbres que posee la orquesta hoy la infinita variedad de timbres en los ruidos, reproducidos con mecanismos apropiados».

Manifieste de l’école amorphiste 1913
Publicado en Les Homme du jour en 1913, nunca ha estado claro si este era un manifiesto sincero de la nueva escuela del amorfismo, o una parodia.

Manifiesto Vorticista 1914
Los extractos del manifiesto BLAST de Vorticists se publicaron en su revista Blast, número 1, el 20 de junio de 1914, y luego en Blast, número 2, en julio de 1915.

Manifiesto Suprematista 1915
En 1915, Kazimir Malevich sentó las bases del Suprematismo cuando publicó su manifiesto, Del Cubismo al Suprematismo.

Manifiesto Dada 1916
Hugo Ball recitó el primer manifiesto Dada en Cabaret Voltaire el 14 de julio de 1916.

El segundo manifiesto de Dada fue recitado por Tristan Tzara en la Salle Meise el 23 de marzo de 1918, y publicado en Dada, n. ° 3 (Zurich, diciembre de 1918).

De Stijl 1918
Firmado por Theo van Doesburg, Robt. van ‘t Hoff, Vilmos Huszar, Antony Kok, Piet Mondrian, Georges Vantongerloo, Jan Wils

Manifiesto I de «The Style» (De Stijl), de De Stijl, vol. II, no. 1 (noviembre de 1918), p. 4.

Manifiesto realista 1920
The Realistic Manifesto (publicado el 5 de agosto de 1920) fue escrito por el escultor ruso Naum Gabo y firmado por su hermano Antoine Pevsner, y el texto clave del constructivismo.

Manifiesto Purista 1920-1925
Los fundadores del purismo, Amedee Ozenfant y Charles-Edouard Jeanneret (mejor conocido como Le Corbusier), tituló su manifiesto Apres le cubism (Después del cubismo).

Manifiesto surrealista 1924
El primer manifiesto surrealista fue escrito por el escritor francés André Breton en 1924 y lanzado al público en 1925. El documento define el surrealismo como:

Automatismo psíquico en estado puro, mediante el cual se propone expresar, verbalmente, por medio de la palabra escrita o de cualquier otra manera, el funcionamiento real del pensamiento. Dictado por el pensamiento, en ausencia de cualquier control ejercido por la razón, exento de cualquier preocupación estética o moral.

Arte Concreto 1930
Base de la pintura concreta, fue escrito por Otto G. Carlsund, Theo van Doesburg, Jean Hélion, Marcel Wantz y Léon Arthur Tutundjian, publicado en Revue Art Concret, no. 1 (abril de 1930).

Manifiesto de la pintura mural de 1933
El Manifiesto de la Pintura Mural fue escrito por Mario Sironi en 1933.

Manifiesto: hacia un arte revolucionario libre 1938
Towards a Free Revolutionary Art fue escrito por el surrealista André Breton y el marxista Leon Trotsky como una reacción contra el arte obligatorio de la Unión Soviética.

Posguerra 1946-59
Manifiesto blanco 1946
White Manifesto es un texto de 1946 escrito por Lucio Fontana.

Manifiesto de COBRA 1948
Manifiesto de CoBrA, titulado La causa était entendue, escrito por Christian Dotremont, y suspirados por Karel Appel, Constant, Corneille, Asger Jorn y Joseph Noiret en 1948.

Refus global 1948
El rechazo global (o rechazo total) fue un manifiesto antiestablishment y antirreligioso lanzado el 9 de agosto de 1948 en Montreal por un grupo de dieciséis jóvenes artistas e intelectuales quebequistas conocidos como les Automatistes, dirigido por Paul-Émile Borduas.

Refus global estuvo muy influenciado por el poeta francés André Breton, y ensalzó la fuerza creadora del subconsciente.

Manifiesto de Eaismo 1948
Manifiesto de Eaismo es de Voltolino Fontani.

Primer manifiesto de los escultores 1949
El primer manifiesto de los escultores es de René Iché.

Manifiesto místico 1951
Manifiesto místico fue escrito por Salvador Dalí en 1951.

The Mystical Manifesto inauguró el período de mística nuclear de Dalí.

Manifesto pittura nucleare 1951
Escrito fue por Enrico Baj.

Manifiesto de Les Spatialistes 1952
Les Spatialistes, un grupo italiano con sede en Milán elaboró ​​un manifiesto para la televisión.

Un Art Autre 1952
Este trabajo de Michel Tapié definió el movimiento del arte informal.

Manifiesto Gutai 1956
Este manifiesto de Jirô Yoshihara definió los objetivos artísticos del grupo Gutai de Japón.

Manifiesto de arte autodestructivo 1959
Escrito por Gustav Metzger en 1964, fue entregado como una conferencia a la Asociación de Arquitectura, y asumido por los estudiantes como un «happening» artístico. Uno de los estudiantes del Colegio Ealing de Metzger fue Pete Townshend, quien más tarde citó los conceptos de Metzger como una influencia para su famoso éxito de guitarra durante las presentaciones de The Who.

Manifiesto Neo-Concreto 1959
El Manifiesto Neo-Concreto, por Ferreira Gullar, comienza:

Usamos el término «neo-concreto» para diferenciarnos de aquellos comprometidos con el arte «geométrico» no figurativo (neoplasticismo, constructivismo, suprematismo, la escuela de Ulm) y particularmente el tipo de arte concreto que está influenciado por un peligroso racionalismo agudo. A la luz de su experiencia artística, los pintores, escultores, grabadores y escritores que participaron en esta primera Exposición Neo-concreta llegaron a la conclusión de que era necesario evaluar los principios teóricos sobre los que se fundó el arte concreto, ninguno de los cuales ofrece una fundamento para el potencial expresivo que sienten que su arte contiene «.
Manifiesto de la pintura industrial 1959
«Manifiesto de la pintura industrial: para un arte aplicado unitario», escrito por Giuseppe Pinot-Gallizio, en agosto de 1959, fue publicado originalmente en italiano en Notizie Arti Figurative No. 9 (1959). Poco después se publicó en Internationale Situationniste n. ° 3 en una traducción al francés. Fue traducido al inglés en 1997 por Molly Klein. Tiene solo 70 puntos y está escrito con una gran retórica utópica, con declaraciones como: «Una nueva y voraz fuerza de dominación empujará a los hombres hacia una poesía épica inimaginable». Uno de sus temas es la reconciliación de la industria y la naturaleza:

El regreso a la naturaleza con la instrumentación moderna permitirá al hombre, después de miles de siglos, regresar a los lugares donde los cazadores del Paleolítico vencieron el gran temor; el hombre moderno buscará abandonar el suyo, acumulado en la idiotez del progreso, en contacto con cosas humildes, que la naturaleza en su sabiduría ha conservado como un freno a la inmensa arrogancia de la mente humana.
Contracultura 1960-75
Los manifiestos en la década de 1960 reflejaban las cambiantes actitudes sociales y políticas de los tiempos: el fermento general de la revolución «contracultural» para derrocar el orden existente y el ascenso particular del feminismo y el Poder Negro, así como el pionero de nuevas formas de arte como el cuerpo arte y performance art.

Manifiesto Situacionista 1960
La Internacional Situacionista fue fundada en Cosio d’Arroscia el 27 de abril de 1957 por ocho miembros, que querían un arte revolucionario con un estado de constante transformación y, por lo tanto, novedad, así como la abolición de la brecha entre el arte y la vida. El manifiesto que propugna esto se emitió el 17 de mayo de 1960 y se reimprimió en Internationale Situationniste número 4 en junio de 1960. Abogaba por la «nueva fuerza humana» contra la tecnología y la «insatisfacción de sus posibles usos en nuestra vida social insensata», afirmando «Lo haremos Inauguramos lo que históricamente será la última de las artesanías. El rol de profesionalista aficionado -de anti-especialista- es nuevamente una especialización hasta el punto de la abundancia económica y mental, cuando todos se convierten en «artistas». Su última frase es: «Tales son nuestros objetivos, y estos serán los objetivos futuros de la humanidad».

The Chelsea Hotel Manifesto 1961
Este manifiesto, escrito por Yves Klein, ha sido registrado desde 1989 por la Galería Gagosian. Comienza con las indicaciones para las declaraciones posteriores en el manifiesto, la primera línea es «Debido al hecho de que he pintado monocromos durante quince años». Es una meditación del artista sobre su trabajo y su vida:

Un artista siempre se siente incómodo cuando se le pide que hable de su propio trabajo. Debe hablar por sí mismo, particularmente cuando es válido.
¿Que puedo hacer? ¿Parar ahora?
No, lo que llamo «la sensibilidad pictórica indefinible» escapa por completo a esta solución tan personal.
Asi que…
Él se apropia del cielo:

Una vez, en 1946, cuando todavía era un adolescente, debía firmar mi nombre del otro lado del cielo durante un fantástico viaje «realista-imaginario». Ese día, mientras yacía tendido sobre la playa de Niza, comencé a sentir odio por los pájaros que volaban de un lado a otro sobre mi cielo azul sin nubes, porque intentaban hacer agujeros en mi obra más grande y hermosa.
Las aves deben ser eliminadas.
Él termina con una afirmación de que él está «listo para sumergirse en el vacío».

Soy por un arte … Manifiesto, 1961
Claes Oldenburg, un artista pop, reaccionando contra el expresionismo abstracto, junto con otros artistas jóvenes. El Manifiesto ‘Estoy a favor de un arte’ se hizo originalmente para incluirse en el catálogo de la exposición ‘Ambientes, situaciones y espacios’. Cada una de las declaraciones comienza con ‘Estoy a favor de un arte …’.

La siguiente cita es de las dos primeras declaraciones en su manifiesto poético:

«Estoy a favor de un arte que es político-erótico-místico, que hace algo más que sentarse en el culo en un museo.
Estoy a favor de un arte que crece sin saber que es arte en absoluto, un arte con la posibilidad de tener un punto de partida cero «.

Manifiesto de Fluxus 1963
Escrito por George Maciunas, este breve documento impreso a mano consta de tres párrafos intercalados con elementos de collage de definiciones de diccionario relacionadas con «flujo». Está escrito en minúsculas, con mayúsculas para ciertas frases clave, algunas subrayadas. Su primer párrafo es:

Purgue el mundo de la enfermedad burguesa, la cultura «intelectual», profesional y comercial, purgue el mundo del arte muerto, la imitación, el arte artificial, el arte abstracto, el arte ilusionista, el arte matemático, – ¡purgue el mundo del «europanismo»!
Aboga por la revolución, el «arte vivo, el antiarte» y la «realidad no artística para ser captada por todos los pueblos, no solo críticos, diletantes y profesionales».

Manifiesto SCUM 1967
SCUM, de Valerie Solanas, es un acrónimo de la «Sociedad para cortar hombres» y el manifiesto no era específicamente sobre arte. Sin embargo, se ha convertido en parte de la historia del arte, ya que se publicó en 1968, el mismo año en que Solanas, que había pasado un tiempo en la «Fábrica» ​​de Andy Warhol, disparó y casi lo mata. También tiene secciones que abordan ideas artísticas. Solanas pasó sus últimos años como una prostituta callejera y murió en 1988.

Es un documento de poco más de 11,000 palabras. Su tono y tema básico son evidentes a partir del título, pero no es tan claro como parece y se admite que algunas mujeres son tan malas como los hombres (mujeres artistas, por ejemplo). SCUM quiere «destruir todos los objetos inútiles y dañinos: autos, escaparates,» Great Art «, etc.» En una sección sobre «‘Gran Arte’ y ‘Cultura'» declara:

El «artista» masculino intenta resolver su dilema de no poder vivir, de no ser mujer, construyendo un mundo altamente artificial en el que el hombre es heroizado, es decir, muestra rasgos femeninos, y la mujer se ve reducida a muy limitada , papeles subordinados insípidos, es decir, ser hombre.
El objetivo «artístico» masculino es no comunicarse (no tener nada dentro de él, no tiene nada que decir), pero para disfrazar su animalismo recurre al simbolismo y la oscuridad (cosas «profundas»). La gran mayoría de las personas, particularmente las «educadas», que carecen de fe en su propio juicio, humildes, respetuosas de la autoridad («papá sabe mejor»), se engañan fácilmente para creer que la oscuridad, la evasión, la incomprensibilidad, la indirecta, la ambigüedad y el aburrimiento son marcas de profundidad y brillantez …
Absorber la «cultura» es un intento desesperado y frenético de surfear en un mundo sin límites, para escapar del horror de una existencia estéril y sin sentido. La «cultura» proporciona un soplo a los egos de los incompetentes, un medio de racionalizar el espectador pasivo; pueden enorgullecerse de su capacidad de apreciar las cosas ‘más finas’, de ver una joya en la que solo se trata de un tugurio (quieren ser admirados por admirar).
Mantenimiento Art Manifesto 1969
El título completo del manifiesto es «Mantenimiento Arte-Propuesta para una exposición»; se considera un documento seminal del arte feminista. Mierle Laderman Ukeles estaba embarazada en ese momento, y decidió reinterpretar las tareas del hogar convirtiéndose en un «artista de mantenimiento», donde las «ejecutaba». A través de esto, tal «mantenimiento» se reveló como una condición importante para la libertad y el funcionamiento social y extendió la idea más allá del feminismo a proyectos como el Touch Saneamiento de 11 meses, que involucró a 8,500 trabajadores de Nueva York. Más recientemente, se dirigió a un vertedero en Staten Island.

El manifiesto fue seguido por un cuestionario (1973-76) y se ocupaba de hacer arte de lo que normalmente se vería como tareas rutinarias y mundanas. Ella escribió: «Después de la revolución, ¿quién va a recoger la basura el lunes por la mañana?». Ella siguió con un «Manifiesto de Sanidad». (1984) El Manifiesto de Mantenimiento declaró:

El mantenimiento es un arrastre; toma todo el maldito tiempo (lit.) La mente se confunde y se burla del aburrimiento. La cultura confiere un pésimo estado en los trabajos de mantenimiento: salarios mínimos, amas de casa, sin pago. Limpie su escritorio, lave los platos, limpie el piso, lave su ropa, lávese los dedos del pie, cambie el pañal del bebé, termine el informe, corrija los errores tipográficos, repare la cerca, mantenga feliz al cliente, arroje la basura apestosa, tenga cuidado no te pongas cosas en la nariz, qué ropa me pongo, no tengo sopes, pago tus cuentas, no tirar basura, guardar la cuerda, lavar tu cabello, cambiar las sábanas, ir a la tienda, me he quedado sin perfume Repítelo, no lo comprende, vuelve a sellarlo, se escapa, ve a trabajar, este arte está polvoriento, despeja la mesa, llámalo de nuevo, descarga el inodoro, mantente joven.
Manifiesto AfriCobra 1970
Afri-Cobra fue un colectivo de artistas negros fundado en la década de 1960 por Jeff Donaldson y con sede en Chicago. Ayudó a organizar espectáculos internacionales de artistas negros y escribió manifiestos influyentes. AfriCobra es un acrónimo de «Comunidad africana de malos artistas relevantes». Esto se derivó de combinar el término para África con «Cobra», la «Coalición de Artistas Revolucionarios Negros». El manifiesto establecía que los objetivos del grupo eran el desarrollo de un nuevo arte afroamericano, involucrando responsabilidad social, participación artística comunitaria y promoción del orgullo por la identidad negra. Había paralelismos con las innovaciones musicales afroamericanas, y la promoción de una estética complementaria que implica imágenes sublimes y colores de alta gama.

Manifiesto de la guerra a principios de la década de 1970
WAR es un acrónimo de «Mujeres artistas en revolución» del cual Nancy Spero era miembro. Antes de esto, en 1966-70, había creado una serie de «manifiestos» contra la Guerra de Vietnam que eran imágenes creadas con pinturas al agua y tintas sobre papel. Luego asistió a las reuniones de la AWC (Art Workers Coalition), que contaban con miembros hombres y mujeres, y se convirtió en parte de WAR, que era una ramificación. Ella dijo: «Me encantó. Estaba tan enojado en ese momento por tantas cosas, especialmente por no poder sacar mi arte, hacer que la gente mirara. Pensé: ‘GUERRA’ – eso es todo. organizamos algunas acciones y protestas y escribimos manifiestos. Por ejemplo, algunos de nosotros entramos al Museo de Arte Moderno y exigimos igualdad para las mujeres artistas. Luego, me uní a otro, el Comité Ad Hoc de Mujeres Artistas. Todo fue muy rápido en esos días.»

Arte de las mujeres: un manifiesto de 1972
Valie Export es una artista de performance vienesa que trabajó con los Actionistas y catalogó sus eventos. Ella hizo su propio arte corporal de confrontación, con una filosofía de «Accionismo Feminista», invitando a la gente a tocarla en la calle. Publicó «manifiestos escritos que predicen con venganza el futuro del arte de las mujeres» y «hizo importantes contribuciones teóricas para comunicar un feminismo personal en el desempeño. Consideró que era importante crear arte políticamente.» Sabía que si lo hacía desnudo, realmente cambiaría la forma en que la audiencia (mayoritariamente masculina) me miraría «.

Collectif d’Art Sociologique manifiesto 1974
El Sociological Art Collective francés fue fundado por Fred Forest, Jean-Paul Thénot y Hervé Fischer y su manifiesto fue publicado en el periódico Le Monde. Su objetivo principal era utilizar la sociología para sustentar acciones artísticas, o utilizar acciones artísticas para dilucidar fenómenos sociológicos. Una de esas acciones fue la subasta de un «metro cuadrado artístico» en 1976 para burlar la inflación de los precios en los mercados de la vivienda y el arte. El colectivo hizo un uso intensivo de los medios de comunicación y la actuación en vivo usando video, teléfonos, etc. El grupo se disolvió en 1981, aunque Fred Forest y Mario Costa presentaron algunos de sus postulados con el movimiento de estética de comunicación de 1983.

Body Art Manifesto 1975
En 1975, François Pluchart promovió la primera exposición de Body Art en la Galerie Stadler en París, con trabajos de 21 artistas, entre ellos Marcel Duchamp, Chris Burden y Katharina Sieverding. El primer manifiesto de Arte Corporal fue publicado.

Un manifiesto sobre conceptualismo lírico 1975
por Paul Hartal

Este es un documento de cuatro páginas ilustrado con nueve imágenes en blanco y negro de las pinturas, collages y multimedia del artista, publicado en Montreal en 1975. «Mi arte es una metáfora pintada, la máquina pasada de un perpetuo segundo, la emoción fósil de un infinito anhelo, el deseo mágico que evoluciona en el eje roto del espacio comprimido, reflejado en la forma de paisajes personales internos «, escribe Hartal en el manifiesto. «El arte debe ser total», sugiere. «Lo biótico separado de lo geométrico es arbitrario e ignora la naturaleza humana». La idea de «Conceptualismo lírico se basa en la totalidad de la coordinación psicológica», dice. «Se deriva de la identificación, el ego y el superego»; un «arte en el que el carácter principalmente doble de la visión del artista evoluciona en una tríada lírica, intuitiva y conceptual». En The Brush and the Compass: The Interface Dynamics of Art and Science (Lanham: University Press of America, 1988, 341 pp), Hartal analiza con más detalle la teoría del Conceptualismo Lírico o el arte Lyco,

Punk y cyber 1976-1998
El auge del movimiento punk con su actitud DIY básica y agresiva tuvo una participación significativa en los manifiestos artísticos, y esto se refleja incluso en los títulos. Algunos de los artistas se identificaron abiertamente con el punk a través de la música, la publicación o la actuación poética. También existe una interpretación «impactante» equivalente del feminismo que contradice la no objetivización defendida en los años sesenta. Luego, la creciente presencia de la era de la informática comenzó a afirmarse tanto en las proclamas artísticas como en la sociedad.

Crude Art Manifesto 1978
El artista Charles Thomson promovió el Crude Art Manifesto 1978.

Esto fue publicado en Maidstone Art College por Charles Thomson, entonces un estudiante en la universidad. 21 años después, coescribió los manifiestos de Stuckist con Billy Childish. Thomson también fue miembro de The Medway Poets, basada en el punk. El manifiesto rechaza el arte de «grandes almacenes» y el arte de galería «elitista», así como la sofisticación y la habilidad que son «fáciles de obtener … y se usan tanto industrial como artísticamente para ocultar una pobreza de contenido». Se dice que la prioridad es «la exploración y expresión del espíritu humano».

Smile Manifestos 1982
por Stewart Home

En este momento Stewart Home operó como un movimiento unipersonal «Generation Positive», fundando una banda punk llamada White Colours y publicando un fanzine de arte Smile, que en su mayoría contenía manifiestos de arte para la «Generación positiva». La retórica de estos se asemejaba a los manifiestos dadaístas berlineses de los años veinte. Su idea era que otras bandas alrededor del mundo también deberían llamarse White Colours y otras revistas se titularan Smile. La primera parte del libro Neoist Manifestos / The Art Strike Papers presentaba versiones abusadas de sus escritos al estilo manifiesto de Smile.

Manifiesto de la Asociación Internacional de Artistas Astronómicos 1982
El principio básico de la IAAA es la representación del espacio (como en el cosmos) a través de la pintura realista. Se desvinculan de los artistas de ciencia ficción y fantasía: «una base firme de conocimiento e investigación es la base de cada pintura. Esforzarse por representar con precisión escenas que están actualmente fuera del alcance de los ojos humanos». El grupo ahora tiene más de 120 miembros que representan a 20 países.

Cheap Art Manifesto 1984
por el Bread and Puppet Theatre

El título completo es «el manifiesto Por qué Arte Barato». Es una hoja única, emitida por el Bread and Puppet Theatre «en respuesta directa al negocio del arte y su creciente apropiación por parte del sector corporativo». Hay diecisiete declaraciones, la mayoría de ellas comienzan con «Art is» y terminan con un signo de exclamación, en mayúsculas, a veces mezcladas con minúsculas, en diferentes tipos de letras que se vuelven más atrevidas a través del folleto hasta la declaración final de un gran HURRA. Comienza:

La gente ha estado pensando demasiado que el arte es un privilegio de los museos y los ricos.
¡El arte no es un negocio!
Hace hincapié en la naturaleza positiva del arte que es beneficioso para todos y debe estar disponible para todos, usando imágenes poéticas como «El arte es como árboles verdes», e instando, «¡El arte lucha contra la guerra y la estupidez! … ¡El arte es barato!

Un manifiesto de Cyborg 1985
por Donna J. Haraway

Tiene el título completo de «Un manifiesto de Cyborg: ciencia, tecnología y feminismo socialista a fines del siglo XX». Donna Haraway es una historiadora cultural. Ella aboga por el desarrollo de cyborgs («organismos cibernéticos») como el camino a seguir para una sociedad post-género. Esto tuvo un efecto significativo inicialmente entre los académicos. VNS Matrix, un grupo de mujeres artistas australianas e historiadora cultural británica, Sadie Plant, estableció un movimiento ciberfeminista en 1994. Desde 1997, Old Boys Network (OBN) ha organizado «Cyberfeminist Internationals».

Lo que nuestro arte significa 1986
por Gilbert y George

El manifiesto consta de cinco párrafos, cada uno con un subtítulo, el primero de los cuales es «Arte para todos», que resume la intención popularista de su manifiesto:

Queremos que Nuestro Arte hable directamente a través de las barreras del conocimiento a las personas sobre su vida y no sobre su conocimiento del arte. El siglo XX ha sido maldecido con un arte que no puede ser entendido. Los artistas decadentes representan a ellos mismos y a sus pocos elegidos, riéndose y despidiendo al extraño normal. Decimos que el arte desconcertante, oscuro y obsesionado con la forma es decadente y una cruel negación de la Vida de las Personas.
También existe la intención de cambiar a las personas, pero «El material de arte debe estar subordinado al significado y el propósito de la imagen». Afirma:

Queremos aprender a respetar y honrar a «todo». El contenido de la humanidad es nuestro tema y nuestra inspiración. Respaldamos cada día las buenas tradiciones y los cambios necesarios. Queremos encontrar y aceptar todo lo bueno y lo malo en nosotros mismos.
La conclusión es una afirmación de «nuestra búsqueda de vida por nuevos significados y propósito para dar a la vida».

Post Porn Modernist Manifesto c.1989
por Veronica Vera

El manifiesto fue firmado por Veronica Vera y Candida Royalle (ambas ex estrellas del porno que luego dirigieron sus propias películas pornográficas), Annie Sprinkle (que muestra una mujer sexual explícita) y el artista de performance Frank Moore, entre otros artistas significativos que usan el sexo en su trabajo. En 7 puntos cortos, funde un movimiento de arte, que «celebra el sexo como la fuerza nutritiva y vivificante. Abrazamos nuestros genitales como parte, no separada, de nuestros espíritus». Defiende la «actitud de positivismo sexual» y desea «comunicar nuestras ideas y emociones … para divertirse, sanar el mundo y soportarlo».

Un manifiesto ciberfeminista para el siglo XXI, 1991
por VNS Matrix

VNS Matrix fue un colectivo de arte ciberfeminista fundado en Adelaide, Australia, en 1991. Su manifiesto, escrito en 1991, se tradujo a través de los años en muchos idiomas, incluidos italiano, francés, español, ruso, japonés y finlandés. Comienza:

somos el coño moderno
positivo contra la razón
ilimitado desatado implacable
vemos el arte con nuestro coño hacemos arte con nuestro coño
En 1996 escribieron el Manifiesto de la Mutante de la Perra.

El Manifiesto ____________, 1996
por Michael Betancourt

El Manifiesto ____________ propuso una visión interactiva y completa de prohibiciones y reclamos sobre los movimientos artísticos y artísticos. Fue una pieza interactiva de net art que apareció en webzines y en grupos de noticias, invitando a la participación. Comienza:

Hoy, ____________ está obsoleto.
El manifiesto termina con un botón Restablecer. El texto se extrae de los manifiestos Dada de Tristian Tzara, pero las claves del texto original se han omitido y se han reemplazado por espacios en blanco para rellenar.

Es uno de los primeros productos que se publican en Internet como en forma impresa.

Group Hangman 1997
por Billy Childish

Group Childman fue iniciado por Billy Childish, Tracey Emin y otros dos en Medway, Kent en 1983 por un corto tiempo. Catorce años más tarde se reformó con más miembros, pero sin Emin. En este punto Childish escribió 6 manifiestos cortos, cada uno con 7 a 12 declaraciones. Él dice: «fueron anárquicos y contradictorios, ¡mi favorito!» Algunas de las ideas resurgieron en los manifiestos Stuckist escritos dos años después. El punto 9 de la Comunicación 0001 declara:

el arte occidental ha estado embruteciendo a su público para que ocupe la posición de un felpudo admirador. Nosotros, en Grupo Ahorcado, sin embargo, tenemos la intención de limpiar nuestras botas incrustadas de barro en la cara de balderdash conceptual.
El estilo debe ser aplastado y lo inaceptable debe ser aceptado. La última comunicación, de solo dos oraciones cortas, se escribió en 2000 y recomienda: «Es hora de que el arte crezca».

Extropic Art Manifesto 1997
por Natasha Vita-More (anteriormente Nancie Clark)

(Un género del movimiento del arte transhumanista cuyo manifiesto fue escrito en 1982)

Esto fue escrito el 1 de enero de 1997, y aparentemente estaba «a bordo de la nave espacial Cassini Huygens en su misión a Saturno». Después de la declaración «Somos transhumanos», está la explicación: «El arte transhumanista refleja una apreciación exóptica de la estética en un mundo tecnológicamente mejorado». Después del manifiesto hay un «FAQ», que dice: «Las Artes Transhumanistas incluyen trabajos creativos, ingenieros, técnicos, filósofos, atletas, educadores, matemáticos, etc., que pueden ser artistas en el sentido tradicional, pero en visión y la creatividad es parte integral de la transhumanidad «. El manuscrito está basado en una declaración de Arte Transhumanista escrita en 1982. Se citan como influencias específicas «Arte Abstracto, Arte de Interpretación,Arte Cinético, Cubismo, Arte Techno, ciencia ficción y arte de comunicaciones. «Algunos colaboradores de Vita-More se nombran como Timothy Leary, Bill Viola y Francis Ford Coppola.