Arte y Tesoro de Notre-Dame de París, Francia

Desde su construcción, Notre-Dame ha recibido a menudo suntuosas donaciones. Soberanos y nobles demostraron así su apego a la Iglesia y su patrocinio. La mayoría de las veces es en forma de donaciones que los objetos ingresaron al Tesoro. Bajo el Antiguo Régimen, todos los reyes y muchos de sus familiares hacían algunos regalos a Notre-Dame. Hasta el siglo XIX, los soberanos hacían pedidos a renombrados artesanos con motivo de un feliz acontecimiento de su reinado.

A lo largo de su historia, donantes, familias acomodadas, cofradías han ofrecido objetos de culto a Notre-Dame: reliquias de santos, custodias, atriles, tapices… Artistas y artesanos, entre los más célebres de su tiempo, contribuyen al enriquecimiento de esta colección . El saber hacer, los materiales utilizados (oro, piedras preciosas, seda) hacen de estos objetos verdaderas obras de arte.

Hasta la Revolución, el Tesoro era considerado como una posible reserva de dinero para tiempos de crisis: epidemias, hambrunas, guerras exteriores y guerras civiles. A petición del rey, o por iniciativa propia, el cabildo de Notre-Dame envía objetos preciosos para que se fundan para hacer dinero, y así desaparecer.

Con el tiempo, la catedral se ha ido despojando gradualmente de muchas de sus decoraciones y obras de arte originales. Sin embargo, la catedral todavía contiene varios ejemplos notables de esculturas góticas, barrocas y del siglo XIX, varios retablos del siglo XVII y principios del XVIII, y algunas de las reliquias más importantes de la cristiandad, incluida la Corona de espinas, una astilla de la verdadera cruz y un clavo de la verdadera cruz.

El tesoro de Notre-Dame, como los demás tesoros de los edificios religiosos, conserva objetos destinados a la liturgia de la Iglesia católica. Los vasos sagrados, los ornamentos y los libros litúrgicos se utilizan para la celebración de la Misa, otros oficios y la administración de los sacramentos.

El Capítulo, colegio de canónigos responsables del ejercicio del culto, es tradicionalmente responsable del Tesoro de Notre-Dame. Los primeros inventarios datan de 1343 y 1416. Se suceden épocas favorables y épocas de crisis, ciertas piezas son fundidas o vendidas. Sin embargo, este tesoro fue uno de los más ricos de Francia hasta la Revolución de 1789, cuando fue brutalmente destruido. No quedan objetos del antiguo tesoro.

En 1804, la entrega a Notre-Dame de varias Santas Reliquias de la Pasión, anteriormente guardadas en la Sainte-Chapelle, marcó el comienzo de la reconstitución del tesoro. Las órdenes del Capítulo y las donaciones, a menudo de ilustres personalidades o eclesiásticos, la enriquecen. Devastado durante los disturbios de 1830 y el saqueo de la archidiócesis en 1831, el tesoro experimentó un nuevo auge con la restauración de la catedral y la reconstrucción de la sacristía en 1849 por el arquitecto Eugène Emmanuel Viollet-le-Duc. Se esforzó por darle una apariencia coherente adoptando el estilo neogótico para la arquitectura, los accesorios y la orfebrería.

Con motivo del 850 aniversario de la catedral en 2013, el Tesoro se beneficia de una nueva museografía, respetando la ambientación y el mobiliario deseado en el siglo XIX por sus directores. Todo contribuye a hacer inteligible para el público el significado, la función y el valor artístico de las piezas presentadas.

El valor de todos estos objetos se debe principalmente a la rareza de los materiales utilizados: oro, vermeil, piedras preciosas. También se debe al talento de los artistas y artesanos que las ejecutaron. Su valor también puede deberse a las circunstancias históricas de su creación.

Tesoro de Notre-Dame de París
Los inventarios de 1343 y 1416 no mencionan las primitivas salas que albergan el primer tesoro de Notre-Dame de Paris, utilizado como reserva monetaria en caso de necesidad. Los reyes de Francia venden piezas o las envían a fundir en tiempos de crisis o de guerra. Saqueado en 1793, el tesoro se reconstituyó a partir de 1804, en particular con la entrega a la Archidiócesis de París de las reliquias de la Sainte-Chapelle, luego se enriqueció con donaciones y órdenes del Capítulo.

El tesoro actual de Notre-Dame de París se exhibe en el edificio neogótico de la sacristía del Cabildo, construido entre 1840 y 1845 bajo el liderazgo de Lassus y Viollet-le-Duc, y ubicado al sur del coro de la catedral. . Se accede por una de las capillas laterales derechas del coro. Actualmente el público puede visitarlo todos los días excepto los domingos. Se pueden ver en particular piezas prestigiosas como la Corona de espinas y otras reliquias de la Pasión de Cristo, custodias y relicarios, un gran atril de estilo barroco, una colección de camafeos de los papas.

Sacristía del cabildo
La Place du Trésor en Notre-Dame de Paris ha cambiado poco a lo largo de los siglos. Todavía se conserva en un edificio situado perpendicular a la catedral a la altura de las capillas del deambulatorio Sur. Los antiguos edificios albergan también las salas de la sacristía para uso de los sirvientes de la iglesia.

En el siglo XVIII, estos edificios anexos amenazaban ruina. El arquitecto Soufflot (1714-1781) traza los planos de una nueva sacristía y pone la primera piedra el 12 de agosto de 1755. Esta gran sacristía pretende mezclar los estilos griego y gótico y no encaja bien con el conjunto de la catedral. Al fondo, una escalera con dos rampas da acceso a una sala abovedada y esférica, donde se encuentran los sagrarios y las reliquias. El piso superior alberga los ornamentos.

En la década de 1830, era imprescindible la construcción de una nueva sacristía para el cabildo. En efecto, el edificio anterior, construido por Soufflot entre 1755 y 1758, y gravemente dañado durante los disturbios del 29 de julio de 1830, había corrido una triste suerte el 14 de febrero de 1831. Ese día, de hecho, el palacio arzobispal y la sacristía fueron saqueados y destruido. Era un edificio que mezclaba los estilos griego y gótico: una escalera con dos rampas conducía a una sala redonda abovedada donde se almacenaban los altares y las reliquias, mientras que los ornamentos se guardaban en el piso de arriba.

El presupuesto de 2.650.000 francos para la restauración de la catedral, votado por la Asamblea Nacional en 1845, permitió no sólo la reparación del santuario, sino también la construcción de esta sacristía, y esto por un importe de 665.000 francos para la Gran obra. Como hemos visto, la construcción de este último resultó mucho más costosa, requiriendo el subsuelo muy inestable una cimentación profunda de unos 9 metros.

Entre 1845 y 1850, Lassus y Viollet-le-Duc sólo reconstruyeron la sacristía en torno a un pequeño claustro cuadrado. La parte más próxima al crucero se destina al culto, la otra parte alberga el Tesoro. Inspirándose en el arte religioso del siglo XIII, Eugène Viollet-le-Duc y su predecesor Lassus crearon la nueva sacristía entre 1845 y 1850. La sacristía está conectada a la catedral por dos brazos paralelos que encierran un espacio destinado a un pequeño claustro cuadrado, el claustro del Capítulo.

Viollet-le-Duc se esfuerza por reconstituir toda una orfebrería de estilo medieval. Más allá de la adaptación de formas medievales, también realizó verdaderas creaciones como el candelero pascual y el relicario de la Corona de espinas. También diseñó personalmente los grandes armarios y los capiteles de la sala del Tesoro. Los orfebres Bachelet, Poussielgue-Rusand y Chertier llevaron a cabo sus proyectos.

Vitral en la sacristía del cabildo
Al principio, se había planeado que las vidrieras fueran blancas, pero Prosper Mérimée, tras subrayar las desventajas de esta ausencia de color, rápidamente decidió colocar vidrieras de colores. Los del salón principal del edificio que representan una serie de obispos de París del Maréchal de Metz.

Las arcadas de las galerías del claustro tienen dieciocho vidrieras cuyos vitrales son de colores más claros, obra de Alfred Gérente a partir de los diseños de Louis Steinheil. Estas vidrieras representan la leyenda de Santa Genoveva, patrona de la ciudad de París. Puede ver en la parte inferior de cada ventana una inscripción en latín que describe la escena. Solo las últimas seis escenas de la vida del santo pueden ser admiradas por los visitantes. Estos son los que están en el corredor que da acceso a la Tesorería. En la parte superior del baldaquín principal del claustro hay una vidriera que representa la coronación de la Virgen.

Relicarios y reliquias
Desde los orígenes del cristianismo, el cuerpo de los mártires y de los santos fundadores ha sido objeto de culto. Esta alcanzó su apogeo en la Edad Media con el desarrollo de las peregrinaciones. Los relicarios albergan los restos corporales de un santo o un objeto santificado por su contacto. Están hechos por orfebres. Los relicarios del siglo XIX reproducen formas, estilos y decoraciones de épocas anteriores. La colección de Notre-Dame ilustra esta variedad: relicario en forma de relicario, de inspiración medieval, cruz característica del esmalte de Limousin de la Edad Media, relicario en cilindro que deja la reliquia visible o relicario tópico que adopta la forma de la reliquia.

Las principales piezas expuestas en el tesoro son los relicarios de la Santa Corona de Espinas y un fragmento de la Cruz de Cristo, junto con un clavo de esta última. Solo se presentan al público los relicarios que varios donantes del siglo XIX (incluidos Napoleón I y Napoleón III) ofrecieron al público, ya que durante la Revolución el tesoro fue saqueado y los diversos objetos que contenía fueron dispersos o destruidos.

Muchos objetos de culto desaparecidos durante la Revolución fueron remplazados en el siglo XIX: custodia, relicario, lámpara o atril. La mayoría son piezas de orfebrería inspiradas en un estilo medieval. Varios objetos de culto hechos para Notre-Dame son verdaderas obras de arte, hechos de materiales preciosos por orfebres o artesanos de gran talento.

La pieza central del tesoro es el relicario de la Cruz Palatina. que ha estado allí desde 1828. Se llama así porque perteneció a la princesa palatina Anne de Gonzague de Cleves, quien murió en el siglo XVII. Este relicario está destinado a contener un trozo de la verdadera Cruz así como un clavo de esta última. Hay una hoja de oro con una inscripción en griego que certifica que el fragmento perteneció al emperador bizantino Manuel I Komnenos, que murió en 1180.

Otra pieza de gran valor, el antiguo relicario de la Santa Corona de Espinas que fue creado en 1804 por Charles Cahier. Según la tradición, la Corona de Espinas fue adquirida de Balduino II de Courtenay, último emperador latino de Constantinopla, por San Luis, rey de Francia. Es visible durante la Cuaresma y la Semana Santa.

La Santa Corona es, según la tradición cristiana, la corona de espinas colocada sobre la cabeza de Cristo antes de su crucifixión. Según el Nuevo Testamento, se colocó una corona tejida de espinas sobre la cabeza de Jesús durante los acontecimientos que condujeron a su crucifixión. Fue uno de los instrumentos de la Pasión, empleado por los captores de Jesús tanto para causarle dolor como para burlarse de su pretensión de autoridad. Como una de las reliquias atribuidas a Jesús, se convierte en un símbolo cristiano.

Reliquia de la corona de espinas, recibida por el rey francés Luis IX de manos del emperador Balduino II. Desde al menos alrededor del año 400, se venera una reliquia que muchos creen que es la corona de espinas. En 1238, el emperador latino Balduino II de Constantinopla entregó la reliquia al rey francés Luis IX. Se mantuvo en la Catedral de Notre-Dame de París hasta el 15 de abril de 2019, cuando fue rescatado de un incendio y trasladado al Museo del Louvre.

Durante la restauración de 1845 llevada a cabo por el equipo de Viollet-le-Duc, se hizo necesaria la creación de un nuevo santuario-relicario para la Corona de Espinas. Este nuevo relicario, en bronce dorado y plata, diamantes y piedras preciosas, data de 1862. Mide 88 cm de alto y 49 cm de ancho. Fue realizado según el diseño de Viollet-le-Duc por el orfebre Placide Poussielgue-Rusand, el mismo que ejecutó la Corona de Luz para la catedral. Adolphe-Victor Geoffroy-Dechaume colaboró ​​en su realización para la escultura de las figuras.

El orfebre Cahier realizó este relicario, encargado por el Cabildo de Notre-Dame para sustituir al de 1806. De estilo neogótico, está inspirado en el relicario medieval de la Sainte-Chapelle desaparecido en la Revolución. Maurice Poussielgue-Rusand lo ejecutó en 1896 a partir de un dibujo de Viollet-le-Duc. Geoffroy-Dechaume esculpe las figuras y Villemot los ornamentos. Las arcadas caladas revelan la reliquia encerrada en una corona de cristal de roca. Nueve quimeras sostienen una primera bandeja, decorada con follaje de filigrana y piedras preciosas. Santa Elena sostiene la cruz y San Luis la corona. Nichos cobijan a los doce apóstoles bajo marquesinas con torreones. Flores de lirio, enriquecidas con follaje y piedras preciosas.

El tesoro también contiene reliquias de San Luis, rey de Francia: ropa (incluida la camisa de San Luis), un fragmento de su quijada y una costilla.

El rey René al convento de Célestins en Avignon ofreció la reliquia de la cruz de Saint-Claude en el siglo XV. Fue autenticado en 1895. Este relicario de estilo gótico internacional, ejecutado a partir de los diseños del arquitecto Jules Astruc, fue apreciado por la crítica cuando se presentó en la Exposición Universal de 1900.

Custodia de Santa Genoveva, objeto de culto destinado a presentar a los fieles una hostia consagrada, la custodia se coloca generalmente sobre el altar. Éste procede de la antigua iglesia del mismo nombre, actual Panteón. Se unió a la colección en 1894.

Escultura de Notre-Dame de París
La estatuaria exterior de Notre-Dame está diseñada al mismo tiempo que la arquitectura de la catedral. Narra episodios de la historia cristiana. En el interior, las estatuas se agregan con el tiempo. A partir del siglo XII, los arquitectos diseñaron la estatuaria de la Catedral, al mismo tiempo que el propio edificio. Se ubica principalmente en el exterior, en los portales. Está diseñado en un modo narrativo. Cada parte cuenta una historia de la Biblia.

Muchas estatuas han desaparecido con el tiempo, degradadas por el mal tiempo o destruidas en tiempos de inestabilidad política. Durante las restauraciones del siglo XIX, algunas fueron rehechas en «estilo gótico», principalmente en la fachada occidental. Los rastros de pintura encontrados en algunas estatuas del siglo XIII prueban que la estatuaria interior y exterior era colorida en la Edad Media.

Quedan pocas estatuas medievales dentro de la catedral. Sin embargo, la más emblemática es una Virgen con el Niño del siglo XIV. La torre del coro representa un programa escultórico parcialmente conservado. En el siglo XVIII, siguiendo los deseos de Luis XIII, se rediseñó el coro de la catedral. La adición de muchos elementos esculpidos, incluida la imponente Piedad en mármol blanco, marca uno de los muchos cambios en la catedral.

Las capillas laterales se llenan de altares, tumbas y decoraciones a lo largo de los siglos. Sin embargo, el más representativo es el mausoleo del Comte d’Harcourt de Jean Baptiste Pigalle. Cuando en el siglo XIX, Viollet-le-Duc dirigió los trabajos de restauración, «el estilo gótico» dominaba en la fachada occidental. Agrega creaciones imaginarias al edificio. Así aparece la nueva aguja y sus doce estatuas de apóstoles o incluso quimeras en el borde de la terraza. Algunas estatuas provienen de veneraciones particulares como San Antonio de Padua o Santa Teresa de Lisieux.

Nuestra señorita
Del siglo XII, un altar dedicado a María se apoya en el pilar sureste de la catedral. Este lugar ha sido un alto lugar de devoción desde la Edad Media. En el siglo XIX, Viollet-le-Duc colocó allí una estatua de la Virgen y el Niño, desde entonces llamada «Notre Dame de Paris».

Esta escultura data de mediados del siglo XIV. Procede de la capilla de Saint-Aignan, situada en el antiguo claustro de los canónigos, en la Ile de la Cité. En 1818, fue trasladado a Notre-Dame para ser colocado en el trumeau del portal de la Virgen, reemplazando a la Virgen del siglo XIII, destruida en 1793. Luego, en 1855, Viollet-le-Duc decidió trasladarlo para el contra el pilar sureste del crucero de la catedral. Un altar dedicado a María se encuentra en este lugar en el Medio y sigue siendo un lugar elevado de devoción. Esta estatua encarna la imagen de «Notre Dame de Paris», el nombre asociado a ella.

El voto de Luis XIII
Por devoción a la Virgen María, el rey Luis XIII quiso construir un nuevo altar mayor para Notre-Dame. Su deseo fue realizado por Luis XIV en el siglo XVIII, bajo la dirección de su arquitecto Robert de Cotte.

En 1723 se realizó en la catedral la Piedad de mármol blanco esculpida por Nicolás Coustou. Representa a Cristo muerto reposando sobre el regazo de su madre, rodeado de dos ángeles. Además, la composición recuerda la Piedad de Miguel Ángel en Florencia. Los profundos drapeados que captan la luz y la actitud extática de la Virgen expresando su emoción, subrayan el carácter barroco de esta escultura. La base decorada con un bajorrelieve en bronce dorado representa un descenso de la cruz.

Finalmente, una custodia, un crucifijo y seis candelabros realizados por el orfebre Claude Ballin adornan el nuevo altar mayor. A ambos lados del altar mayor, seis estatuas de bronce de ángeles llevan los instrumentos de la crucifixión. Son obra de Antoine Vassé.

Para cerrar este conjunto escultórico, se colocan a cada lado las estatuas de Luis XIII y Luis XIV. Luis XIII, arrodillado, extiende su corona real en devoción a la Virgen. Además, esta escultura de mármol es obra de Guillaume Coustou. El otro mármol, esculpido por Antoine Coysevox, representa a Luis XIV implorando a la Virgen, con la mano derecha apoyada sobre el pecho.

La sillería, instalada a ambos lados del coro, son asientos de madera que permiten a los canónigos sentarse durante el oficio. Adornados con bajorrelieves, los altos respaldos ilustran la vida de la Virgen: Presentación, Matrimonio, Anunciación, Natividad, Adoración de los Reyes Magos, Huida a Egipto, Bodas de Caná, Descendimiento de la Cruz, Asunción. Por otro lado, las figuras alegóricas representan virtudes como la prudencia o la modestia. Entre cada puesto, una decoración de follaje completa la escena.

El mausoleo del Comte d’Harcourt
El mausoleo funerario del Conde de Harcourt esculpido por Jean-Baptiste Pigalle ilustra una «reunión conyugal» en homenaje de la Condesa a su difunto esposo. En un extremo del sarcófago, estará el ángel tutelar del dicho Lord Conde de Harcourt quien, al ver venir a dicha Lady Condesa de Harcourt, levantará con una mano la piedra del sepulcro y con la otra sostendrá la antorcha del matrimonio. ; M. le comte que, después de haber parecido recobrar un momento de vida al calor de su antorcha, se deshace de su sudario y entrega sus lánguidos brazos a su mujer… Detrás de M. le comte estará la muerte sosteniendo una arena para mostrársela a Madame la condesa que ha llegado su hora.

Una vez, una vidriera de colores brillantes representaba una corte celestial y muchos altos dignatarios de la Iglesia. La vidriera fue destruida en 1774, a petición de Pigalle, y reemplazada por vidrio blanco, para dar un verdadero día al mausoleo del difunto Comte d’Harcourt. Toda la decoración desaparece durante el período revolucionario. Los murales actuales, restaurados a finales de la década de 1990, están realizados a partir de diseños de Viollet-le-Duc. El monograma de la familia Harcourt se elige para ilustrar el muro sobre el que descansa el mausoleo. Llamada capilla de Harcourt, es hoy bajo el nombre de San Guillaume.

la gira del coro
Este muro tallado en el siglo XIV ilustra escenas de la vida de Cristo. Forma una separación entre el coro y el deambulatorio. Originalmente, ofrecía a los canónigos una pantalla de silencio durante el oficio. En la Edad Media se diseñó un deambulatorio para circular durante el despacho. Así, en el coro de la catedral, el biombo asume la función de biombo. Encarna el respeto a la oración y el silencio de los canónigos reunidos para el oficio. A principios del siglo XIV, se completaron las obras de modificación de la cabecera de Notre-Dame bajo la dirección del arquitecto Pierre de Chelles. Por ello, escultores, pintores, vidrieros y carpinteros trabajan en la decoración interior del coro.

La parte norte representa escenas de la infancia de Cristo: la Visitación, la Anunciación a los pastores, la Natividad, la Adoración de los Reyes Magos, la Matanza de los Inocentes y la Huida a Egipto, la Presentación en el Templo, Jesús en medio de los doctores, el Bautismo de Cristo por San Juan en las aguas del Jordán, las Bodas de Caná, la Entrada en Jerusalén, la Última Cena y el Lavatorio de los pies, Cristo en el Huerto de los Olivos.

El muro sur representa las Apariciones de Cristo. Inspirados en el Evangelio de Nicomedes, rara vez son tan completos en la estatuaria de la Edad Media. La primera escena representa la Aparición de Cristo a María Magdalena en el jardín junto al Sepulcro. Esta aparición de Cristo como jardinero se mantiene hasta finales de la Edad Media. Los otros conjuntos esculpidos narran las apariciones de Cristo a las Santas Mujeres ya San Pedro, a los discípulos de Emaús, a Santo Tomás ya varios apóstoles reunidos.

estatuas de santos
Las estatuas de San Antonio de Padua y Santa Teresa de Lisieux son esculturas recientes. Los católicos conceden especial devoción a estas dos personalidades de la Iglesia. Las estatuas de San Antonio de Padua y Santa Teresa de Lisieux fueron construidas, respectivamente, en 2013 y 1934 por escultores independientes. Cada una de estas estatuas marca un pasaje en la historia cristiana.

Pintura de Notre-Dame de París
Las pinturas conservadas en Notre-Dame datan de los siglos XVII y XVIII. Encargados por los sacerdotes de la catedral a los más ilustres pintores parisinos, dan testimonio de la calidad artística de la pintura religiosa en el París de la época. En Notre-Dame, las vidrieras dan testimonio del gusto del arte medieval por el color. En la Edad Media, las pinturas están presentes en los portales y la pantalla de la cruz alrededor del coro. Borrados por el mal tiempo, han desaparecido por completo fuera del edificio. La catedral no tiene pinturas de la Edad Media. En ese momento, la pintura religiosa existía principalmente en forma de íconos. Debido a sus pequeños tamaños, estos preciosos objetos pintados son fácilmente transportables. La pintura también decora cofres y tabernáculos.

A partir del siglo XIII, muchas familias y corporaciones comerciales dieron testimonio de su devoción a María encargando decoraciones para capillas. En el siglo XVI, la corporación de orfebres tenía la costumbre de ofrecer una pintura a Notre-Dame cada 1 de mayo. Esta tradición evolucionó en el siglo XVII a través de grandes pinturas llamadas «Les Mays de Notre-Dame». A principios del siglo XVIII, la corporación cesó su oferta anual. Al mismo tiempo, el coro de la catedral fue objeto de importantes reformas. Así, para decorar este nuevo coro, los mejores pintores de la época realizaron los ocho grandes cuadros que ilustran la Vida de la Virgen, de los que sólo quedó en el lugar la Visitación de Jean Jouvenet. Por fin,

Los «mayos» de Notre-Dame de París
«Mays des Orfèvres» en Notre-Dame es una serie de 76 pinturas ofrecidas a la catedral por la cofradía de orfebres, casi todos los años en la fecha del 1 de mayo (de ahí su nombre), en homenaje a la Virgen María, y esto desde 1630 a 1707. Los orfebres habían tenido durante mucho tiempo su propia capilla dentro del santuario. En 1449, la tradición de la Ofrenda de Mayo a Notre-Dame de París fue instituida por la hermandad de Orfebres de París.

Estos mayos fueron encargados a pintores de renombre, que debían presentar sus bocetos a los sacerdotes de la catedral. Tras la fundación de la Real Academia de Pintura y Escultura, en 1648, los artistas elegidos fueron todos miembros o familiares de esta última. Estos encargos pronto se convirtieron en una forma de concurso de pintura religiosa. Su tema generalmente se tomaba de los Hechos de los Apóstoles. Tras exponerlos en el antepatio, se colgaban al nivel de las arcadas de la nave o del coro.

Los May se dispersaron durante la Revolución, ahora quedan unos 50. Los más importantes fueron recuperados por la catedral y hoy adornan las capillas laterales de la nave de Notre-Dame. Algunos están guardados en el Museo del Louvre, otros en algunas iglesias o en varios museos franceses.

La venida del Espíritu Santo
Le May de 1634 pintado por Jacques Blanchard ilustra el tema de Pentecostés. En los textos, cincuenta días después de la Pascua, el espíritu de Dios, simbolizado por lenguas de fuego, sopla sobre los apóstoles. Pentecostés, del griego pentekostê «quincuagésimo», se celebra cincuenta días después de la Pascua. Celebra el misterio del Espíritu Santo con los apóstoles y el nacimiento de la Iglesia. El Espíritu Santo generalmente aparece en forma de paloma o elemento que simboliza el fuego de la fe.

San Pedro sanando a los enfermos a su sombra
Le May de 1635, pintado por Laurent de La Hyre, caracteriza la pintura clásica francesa en boga en París en los años 1630-1640. El tema está tomado de los «Hechos de los Apóstoles». San Pedro y su hermano San Andrés son los primeros discípulos de Jesús. Como resultado, varios Mayos de Notre-Dame ilustran momentos de la vida de Pierre. San Lucas escribe los relatos de los «Hechos de los Apóstoles» en el quinto libro del Nuevo Testamento.

La Conversión de San Pablo
Le May de 1637, pintado por Laurent de La Hyre, relata un episodio de la vida de San Pablo. Mientras es un soldado romano que persigue a los cristianos, es asaltado por la visión de Cristo en el camino a Damasco. Saulo de Tarso es de Cilicia (ahora Turquía). Aprobando el martirio de San Esteban, se convirtió al cristianismo hacia el año 31 o 36. Así, Saulo se dio a conocer con el nombre de Pablo, luego de San Pablo. Considerado apóstol de Cristo, no es uno de los doce discípulos. Gran viajero para predicar su fe cristiana, fue arrestado en Jerusalén y murió en Roma en el 67.

El centurión Corneille a los pies de San Pedro
Le May de 1639 representa el momento en que Pierre llega a Cesarea para encontrarse con Corneille. El centurión se postra y Pedro le dice: «Levántate, yo también soy un hombre». Este cuadro está pintado por Aubin Vouet. San Lucas, en el capítulo 10 del Libro de los «Hechos de los Apóstoles», cuenta la historia del centurión Corneille. A raíz de una visión, va al encuentro de Pedro y se convierte en discípulo cristiano. Además, es uno de los primeros en ser bautizado por Pedro después de la muerte de Jesús.

San Pedro predicando en Jerusalén
Le May de 1642 es una pintura de Charles Poërson. Representa a San Pedro, predicador en Jerusalén. Según San Lucas, en los Hechos de los Apóstoles, Pedro proclama: «Apartaos de esta generación perversa, y seréis salvos». El apóstol Pedro es uno de los primeros discípulos de Jesús. Después del juicio y sentencia de muerte de Cristo, continúa la búsqueda y persecución de los discípulos. Se asientan el miedo y la duda. Pentecostés, cincuenta días después de la crucifixión, marca el compromiso de su fe. Pedro es el primero en hablar y comienza a difundir las palabras de Cristo. De hecho, es la predicación de San Pedro en Jerusalén.

La Crucifixión de San Pedro
La corporación de orfebres parisinos encargó a Sébastien Bourdon para mayo de 1643. Representa al mártir de San Pedro crucificado cabeza abajo según sus deseos. Simon-Pierre es uno de los primeros discípulos de Jesús. Perseguido por su fe cristiana, el gobernador Agripa lo condena a la crucifixión en Roma. No considerándose digno de estar en la cruz de la misma manera que Jesús, pide sufrir su tormento cabeza abajo. El lugar del martirio corresponde comúnmente a los jardines de Nerón en el Vaticano. Según Tácito, aquí es donde tienen lugar las escenas más duras de persecución. Según la tradición cristiana, Pedro es el primer obispo de Roma y de la Iglesia católica.

La Crucifixión de San Andrés
Charles Le Brun pintó el mayo de 1647. Primer discípulo de Jesús con su hermano Pierre, el anciano fue crucificado por orden del procónsul Egéas alrededor del año 60. Andrew y el hermano Peter están ambos pescando en el lago Tiberíades cuando deciden seguir a Jesús . Anteriormente discípulo de Juan el Bautista, Andrés fue el primero en encontrarse con Jesús a orillas del Jordán. Después de la muerte de Jesús, predica principalmente alrededor del Mar Negro. Bajo el reinado de Nerón, convierte a la mujer del procónsul Egeas, que lo condena. Posteriormente, muere en Grecia, torturado en una cruz.

La lapidación de San Esteban
Este mayo, ofrecido por el gremio de orfebres a Notre-Dame en 1651, está pintado por Charles Le Brun. Representa el martirio de San Esteban como se describe en los Hechos de los Apóstoles. Esteban o San Esteban, erudito predicador, conocido por sus bien argumentados discursos, condenado en Jerusalén a la lapidación por blasfemia. De hecho, es también el primer mártir cristiano condenado tras la muerte de Cristo. Su fe condujo a la conversión de Saulo de Tarso, conocido como San Pablo.

La predicación del profeta Agabo a San Pablo
Le May de 1687 ilustra el tema de la confianza y la fe de san Pablo. Ante Agabo, discípulo de Jesús, que predice su muerte, responde «Estoy listo». El cuadro está pintado por Louis Chéron. Agabus es un residente de Jerusalén. Discípulo de Jesús, lo envía a predicar. En los Hechos de los Apóstoles, Lucas lo considera un profeta. Así, cuenta que Agabo, que vino de Jerusalén a Antioquía, predijo una gran hambruna, que tuvo lugar durante el reinado de Claudio. (Capítulo 11, versículo 28). En el capítulo 21, registra las circunstancias en las que el profeta predijo la muerte de Pablo, así como la respuesta de Pablo.

la visita
En el siglo XVIII se encargó un conjunto de ocho grandes cuadros que ilustran la Vida de la Virgen para decorar el coro de Notre-Dame. La Visitación pintada por Jean Jouvenet en 1716 es la obra más popular de su época. En 1709, el canónigo de La Porte (1627-1710), impulsor financiero del Voto de Luis XIII y del rediseño del coro, decidió ofrecer a la catedral un conjunto de pinturas sobre el tema de la vida de la Virgen, entre ellas la Visitación. Cuando murió a la edad de 83 años, en 1710, la obra estaba inconclusa. Gracias a la herencia que legó a Notre-Dame, las ocho pinturas fueron finalizadas y colocadas en el coro de la catedral en 1715.

Santo Tomás de Aquino, Fuente de la Sabiduría
Esta pintura del siglo XVII da testimonio del fervor de los católicos hacia Santo Tomás de Aquino. Este dominico estudió y luego enseñó teología en la Universidad de París a mediados del siglo XII. Sus escritos, escritos en París, son contemporáneos a la inauguración de Notre-Dame. Nacido en Italia, Tomás de Aquino vino dos veces a estudiar a la Universidad de París en 1245 y 1252, regresó a París en 1268 cuando las disputas morales en torno al pensamiento de Aristóteles estaban en pleno apogeo en la Iglesia. Allí, durante cuatro años, escribió la mayor parte de su obra. Sus palabras cuestionan la fe y la existencia de Dios a través de la naturaleza y el conocimiento del mundo. Así, asocia teología y filosofía. En definitiva, sus escritos se relacionan con el alma, el cuerpo, las pasiones, la libertad y la dicha.

Considerado el padre espiritual de la Iglesia, enterrado en Toulouse y luego canonizado en 1323, obtuvo en 1567, a título póstumo, el nombre de «Doctor de la Iglesia». En ese momento, sus escritos fueron controvertidos con los protestantes durante la Reforma. A mediados del siglo XVII, la enseñanza de Santo Tomás de Aquino fue ampliamente difundida por la Iglesia Católica. Su fama aumentó cuando Ignacio de Loyola lo eligió como maestro espiritual de la orden de los jesuitas, cuya enseñanza fue apoyada por Luis XIII y Luis XIV.

Otro Tesoro

Los camafeos de los papas
Las colecciones completas que representan papas desde San Pedro hasta nuestros días son extremadamente raras. Estos camafeos son joyas de gran delicadeza. Los artistas de Torre des Greco dan a cada uno de los papas gestos variados, hieráticos sin duda, pero vivos. Las poses son diversas, menos convencionales que los medallones romanos. Las vestimentas se diferencian: capa o camail, tiara, dos o tres coronas, mitra levítica, gorro simple o el camauro. Los movimientos son a menudo expresivos: algunos bendicen, otros meditan frente al crucifijo; unos de perfil o de frente, otros sentados o de pie como Pío VI en un gesto de firmeza o moviéndose como Inocencio XII.

El maestro Goudji y el maestro Pierre Rouge-Pullon crean los camafeos de los últimos diez papas, desde León XIII hasta Benedicto XVI con motivo del 120 aniversario de la colección en septiembre de 2008. Son como los anteriores, finamente tallados en concha, y su marco es de plata.

Los tapices de la Vida de la Virgen
En 1638, Luis XIII consagró Francia a la Virgen. Por su voto, se compromete a construir un nuevo altar decorado con una pintura de Philippe de Champaigne (Le Vœu de Louis XIII, Museo del Louvre). Para sumarse a la iniciativa del Rey, el cardenal de Richelieu, primer ministro, ofreció un juego de tapices sobre el tema de la vida de la Virgen. En 1657, el taller de tejido de Pierre Damour finalizó la serie completa de tapices, tejidos en lana y seda. Incluye catorce escenas que adornan el coro de la catedral durante las principales fiestas religiosas. Tres pintores de renombre en ese momento diseñaron los cartones para tapices: Philippe de Champaigne, Jacques Stella y Charles Poerson.

Durante la renovación del coro de la catedral, terminada en 1717, los gustos cambiaron. Los tapices no se reemplazan sino que se cuelgan en varias iglesias parisinas. En 1739, el cabildo de la catedral de Estrasburgo compró el conjunto. Desde entonces, se cuelgan en la nave de la catedral cada diciembre, en época de Adviento y Navidad.

Lámpara en Notre Dame
Los fieles ofrecieron esta lámpara en 1941 para perpetuar una tradición de devoción a la Virgen instituida en 1357. Está colocada a los pies de la estatua de Nuestra Señora. Realizado según los dibujos del vidriero J. Le Chevallier, sustituye al ofrecido en 1605 por los Concejales de París y destruido durante la Revolución. En su programa de restauración de la catedral en el siglo XIX, Eugène Viollet-le-Duc completó el proyecto dibujando esculturas y objetos religiosos. Algunos objetos datan de este período.

Atril
El gran atril es una obra maestra de la carpintería. El tetramorfo (símbolos de los cuatro evangelistas) y los doce apóstoles se encuentran junto a una estilizada decoración vegetal.

Música de Notre-Dame de París
La música en Notre Dame es una parte integral de la adoración y la cultura. A partir de la Edad Media, allí se dominó el canto y se inventó la polifonía. El gran órgano participa desde el siglo XV en la creación musical y la fama de los conciertos. Con la construcción de la Catedral, el canto se convierte en su alma musical. En el siglo XII, se creó una escuela episcopal para formar jóvenes cantantes en la música. Notre-Dame se convirtió entonces en líder musical en Europa, inventando géneros musicales como polifonías y motetes.

A principios del siglo XV, las vastas dimensiones de la catedral requerían un instrumento capaz de envolver todo el edificio en resonancia musical. Se construye el primer gran órgano para acompañar a los oficios. Los maestros de música dirigen la maestría coral. Ejercen una fuerte influencia en el desarrollo de la música. En el siglo XVIII, la popularidad de los organistas tendió a reemplazarlos. Gracias al talento de los constructores de órganos, el instrumento pasa de uno a cinco teclados y luego continúa ampliándose, reelaborándose y restaurándose. El gran órgano de Notre-Dame era entonces el más grande y moderno del reino en el siglo XVII. Su calidad sonora asociada a una nueva libertad de composición despertó entusiasmo en el siglo XVIII.

Durante el gran proyecto de restauración dirigido por Viollet-le-Duc, Aristide Cavaillé-Coll lo transformó en un instrumento sinfónico. En el siglo XX, los conciertos de órgano, iniciados por Pierre Cochereau, se desarrollaron con éxito. El órgano actual está modernizado y resuena con casi 8000 tubos.

gran organo
Uno de los primeros órganos de Notre-Dame, construido en 1403 por Frédéric Schambantz, fue reconstruido muchas veces a lo largo de 300 años; sin embargo, de este antiguo instrumento sobreviven 12 tubos y algo de madera. Fue reemplazado entre 1730 y 1738 por François Thierry, y luego reconstruido por François-Henri Clicquot. Durante la restauración de la catedral por Eugène Viollet-le-Duc, Aristide Cavaillé-Coll construyó un nuevo órgano, utilizando tuberías de los instrumentos anteriores. El órgano fue dedicado en 1868.

Además del gran órgano en el extremo oeste, el coro de la catedral lleva un órgano de coro de tamaño mediano de 2 manuales, 30 registros y 37 rangos en un caso del siglo XIX de la década de 1960. Fue muy dañado por el anegamiento, pero es al menos parcialmente reutilizable. También tenía un órgano continuo de un solo manual de 5 registros, que fue completamente destruido por el agua de los bomberos.

campanas
Veintiuna campanas de bronce componen el tañido de Notre-Dame, de las cuales el zumbido es la más antigua. Suenan las horas y los momentos clave de la vida de la Iglesia o de la historia de París. Todos llevan un nombre de pila en homenaje a una personalidad de la Iglesia. La campana más grande de Notre-Dame se encuentra en la torre sur. En campanología, se le llama «abejorro». Suena para ocasiones especiales como Navidad, Semana Santa, Pentecostés o el Día de Todos los Santos y durante eventos como la muerte o la elección del Papa.

En la torre norte, cuatro campanas aseguran el repique diario de los oficios de la Catedral. Pesan entre dos y tres toneladas cada uno. El repique de las campanas marca la vida de los fieles, marca la solemnidad de los oficios. Para todos los parisinos, dan la hora según el número de trazos de la hoja, o avisan de los grandes momentos de la historia de Francia. Esta tradición continúa hoy.

La mala calidad del metal de las cuatro campanas de la torre norte provocó discordancias armónicas y mala calidad acústica. Todos fueron reemplazados en 2013 a excepción de la cúpula Emmanuel, reconocida por su excelencia sonora. La fundición Cornille-Havard en Villedieu-les-Poêles fabrica las campanas de la torre norte, la cúpula Marie en la fundición Royal Eijsbouts en los Países Bajos.