Arte de apropiación

La apropiación en el arte es el uso de objetos o imágenes preexistentes con poca o ninguna transformación aplicada a ellos. El uso de la apropiación ha jugado un papel importante en la historia de las artes (literarias, visuales, musicales y escénicas). En las artes visuales, a los medios apropiados para adoptar, tomar prestados, reciclar o muestrear adecuadamente aspectos (o toda la forma) de la cultura visual hecha por el hombre. Notables a este respecto son los Readymades de Marcel Duchamp.

Inherente a nuestra comprensión de la apropiación es el concepto de que el nuevo trabajo recontextualiza todo lo que toma prestado para crear el nuevo trabajo. En la mayoría de los casos, la «cosa» original permanece accesible como el original, sin cambios.

Definición
La apropiación se ha definido como «la apropiación, en una obra de arte, de un objeto real o incluso una obra de arte existente». La Galería Tate remonta la práctica al cubismo y al dadaísmo, pero continúa en el surrealismo de los años cuarenta y el arte pop de los años cincuenta. Regresó a la fama en la década de 1980 con los artistas Neo-Geo.

Caracteristicas
Trabajos por apropiación El arte se ocupa generalmente de las características abstractas de las obras de arte y del mercado del arte en sí. A través del acto de apropiación, problematizan categorías fundamentales del mundo del arte como autoría, originalidad, creatividad, propiedad intelectual, firma, valor de mercado, espacio de museo (llamado cubo blanco), historia, género, sujeto, identidad y diferencia. Se centra en las paradojas y las autocontradicciones y las hace visibles y estéticamente tangibles.

Las estrategias individuales de los artistas individuales difieren mucho, por lo que no es fácil identificar un programa general uniforme. Muchos artistas asignados al arte de la apropiación niegan ser parte de un «movimiento». «Arte de apropiación» es, por lo tanto, solo una etiqueta que se ha utilizado en la crítica de arte desde principios de los años 80 y es bastante controvertido.

Las técnicas utilizadas son múltiples. La apropiación se convierte en u. a. Funciona con pintura, fotografía, arte cinematográfico, escultura, collage, decoración, medio ambiente, acontecimientos, flujo y performance.

Ejemplos
A principios de la década de 1970, Elaine Sturtevant copió obras de Robert Rauschenberg, Andy Warhol, Jasper Johns y Frank Stella, entre otros, con serigrafía o color, es decir, en las técnicas originales. Se informa que algunos de los artistas que copió le dieron consejos sobre tecnología. Se dice que Andy Warhol incluso le dio sus tamices originales. El mismo Sturtevant dice que ella quiere escapar de la compulsión a la originalidad que pesa sobre cada artista al explorar esta categoría con los medios del arte.

Richard Pettibone ha copiado a menudo a Warhol y lo ha visto en la siguiente proporción: «Soy un artesano cuidadoso, es un vago». Las imitaciones de Pettibone fueron subastadas y escuchadas de Sotheby’s.

Mike Bidlo hizo una actuación después de una anécdota biográfica, en la que orinaba mientras Jackson Pollock se disfrazaba en una chimenea. Para sus exposiciones, tuvo obras de arte de Andy Warhol o Constantin Brâncuşi en series. Actualmente está produciendo miles de dibujos y modelos de la Fuente confeccionada de Marcel Duchamp. Duchamp’s Ready-made es considerada una de las obras de arte más importantes de los tiempos modernos. Por lo tanto, el proyecto de Bidlo se puede entender tanto como un homenaje a Duchamp como un procesamiento simbólico del conflicto generacional.

Louise Lawler fotografió obras de arte en las salas de estar de los coleccionistas de arte y en museos in situ, es decir, con sus respectivos alrededores. Muestra en qué contexto se recibe el arte y cómo se escenifica en espacios.

Una serie de fotografías de Cindy Sherman son los Retratos de Historia, en los que está vestida y puesta en escena según Art Old Master. Ella temporalmente entra en los papeles históricos de mujeres y hombres. Sherman a menudo usa trajes deliberadamente descuidados y maquillaje grueso, por lo que la puesta en escena sigue siendo reconocible en la imagen. Los Retratos de Historia pueden entenderse como un comentario sobre la historia del arte, en el cual las mujeres en su mayoría solo sirvieron como modelos, que son objetos para los pintores masculinos; Al mismo tiempo, también plantean preguntas sobre la construcción histórica de la identidad, la feminidad y la masculinidad (ver Género, Autorretrato).

Sherrie Levine se hizo famosa por su apropiación de las fotografías de Walker Evans, que fotografió de libros ilustrados y exhibió bajo su nombre con el título Después de Walker Evans. En 2001, Michael Mandiberg aplicó esta acción al artista: fotografió las copias de Sherrie Levine y presentó sus fotos bajo el título Después de Sherrie Levine. Mandiberg no fue el único representante de la «segunda generación» de apropiacionistas que se apropiaron de la primera generación: Yasumasa Morimura se representó a sí mismo después de las fotografías de Cindy Shermanon, que se retrató a sí misma con varios disfraces y papeles (fotos de películas). Como Sherman a menudo se desliza en roles masculinos como mujer en sus cuadros, pero Morimura aparece como una travesti, la confusión de la identidad de género incluso aumenta.

Filosofía
Filosóficamente, las estrategias conceptuales de apropiación se aproximan a la deconstrucción, la teoría de los medios y la intertextualidad. Técnicas artísticas como citación, alusión, parodia, parodia y pastiche, que generalmente se consideran características del arte posmoderno, se pueden encontrar en las obras de Arte de la apropiación. Dado que muchas estrategias de apropiación artística están orientadas hacia el sistema artístico en sí, también se puede hablar de metaarte o del sistema autorreflexivo del sistema artístico (ver Teoría del sistema). Es uno de los movimientos artísticos que exploran activamente las condiciones y los límites del arte y pueden obligar al sistema de arte a redefinirse a sí mismo.

Derecha
Una obra de Arte de apropiación también puede protegerse en términos de derechos de autor, incluso si se asemeja a una obra ya existente de otro artista en cada detalle. El logro creativo que se puede proteger consiste en el desarrollo del concepto y la estrategia independiente del artista que realiza la copia. El fraude o el engaño no son intencionados por los artistas. Sin embargo, al igual que el muestreo o la versión de portada de la música, el Arte de apropiación se mueve en áreas donde los derechos de autor están en juego. Sin embargo, dado que se puede argumentar que el proceso de copia en este caso es un proceso artístico original, rara vez hay conflictos de naturaleza legal. Además, el valor del modelo a seguir en las artes visuales, a diferencia de los productos mediáticos, generalmente se vincula a su existencia material, que no se ve afectada por una apropiación.

De acuerdo con la ley austriaca, las creaciones de arte de apropiación generalmente se clasifican como usos subsiguientes libres de acuerdo con el § 5 (2) de la Ley de Derecho de Autor de Austria, o al menos una justificación de la libertad de arte y expresión es posible.

Historia
A principios del siglo XX, Pablo Picasso y Georges Braque se apropiaron de los objetos de un contexto no artístico para su trabajo. En 1912, Picasso pegó un pedazo de tela de aceite en el lienzo. Las composiciones subsiguientes, como Guitarra, Periódico, Vidrio y Botella (1913) en las que Picasso usó recortes de periódico para crear formas, se clasificaron como cubismo sintético. Los dos artistas incorporaron aspectos del «mundo real» en sus lienzos, abriendo la discusión de la significación y la representación artística.

Se le atribuye a Marcel Duchamp la introducción del concepto de confeccionado, en el que «los objetos utilitarios producidos industrialmente … logran el estatus de arte simplemente a través del proceso de selección y presentación». Duchamp exploró esta idea ya en 1913 cuando montó un taburete con una rueda de bicicleta y nuevamente en 1915 cuando compró una pala de nieve y la inscribió con humor «antes del brazo roto, Marcel Duchamp». En 1917, Duchamp presentó formalmente una listo para la exposición de la Sociedad de Artistas Independientes bajo el seudónimo, R. Mutt. Titulada Fuente, consistía en un urinario de porcelana que estaba apoyado sobre un pedestal y firmado «R. Mutt 1917». El trabajo planteaba un desafío directo a las percepciones tradicionales de las bellas artes, la propiedad, la originalidad y el plagio, y posteriormente fue rechazado por el comité de exhibición. Duchamp defendió públicamente a Fountain, afirmando que «el Sr. Mutt, con sus propias manos, hizo la fuente o no, no tiene importancia. La escogió. Tomó un artículo de la vida ordinario, lo colocó de modo que su significado útil desapareciera bajo el nuevo título y punto. de vista – y creó un nuevo pensamiento para ese objeto «.

El movimiento de Dada (incluido Duchamp como asociado) continuó con la apropiación de objetos cotidianos. Las obras de Dada presentaban una irracionalidad deliberada y el rechazo de los estándares artísticos prevalecientes. Kurt Schwitters, que produjo arte al mismo tiempo que los dadaístas, muestra un sentido similar de lo extraño en sus obras «merz». Los construyó a partir de objetos encontrados, y tomaron la forma de grandes construcciones que las generaciones posteriores llamarían instalaciones.

Los surrealistas, que vinieron después del movimiento Dada, también incorporaron el uso de «objetos encontrados», como el Objeto de Méret Oppenheim (Luncheon in Fur) (1936). Estos objetos adquirieron un nuevo significado cuando se combinaron con otros objetos poco probables e inquietantes.

En 1938, Joseph Cornell produjo lo que podría considerarse el primer trabajo de apropiación cinematográfica en su película Rose Hobart, cortada y reconstruida al azar.

En la década de 1950, Robert Rauschenberg usó lo que denominó «combina», combinando literalmente objetos prefabricados como llantas o camas, pintura, serigrafías, collage y fotografía. De manera similar, Jasper Johns, que trabajaba al mismo tiempo que Rauschenberg, incorporó objetos encontrados en su trabajo.

El movimiento de arte Fluxus también utilizó la apropiación: sus miembros combinaron diferentes disciplinas artísticas, incluyendo el arte visual, la música y la literatura. A lo largo de los años sesenta y setenta, organizaron eventos de «acción» y produjeron obras escultóricas con materiales no convencionales.

Junto con artistas como Claes Oldenburg y Andy Warhol se apropiaron de las imágenes del arte comercial y la cultura popular, así como de las técnicas de estas industrias. A menudo llamados «artistas pop», veían la cultura popular de masas como la principal cultura vernácula, compartida por todos, independientemente de la educación. Estos artistas se comprometieron completamente con las efímeras producidas a partir de esta cultura de producción en masa, abrazando la capacidad de gastar y alejándose de la evidencia de la mano de un artista.

En 1958, Bruce Conner produjo la influyente película A, en la que volvió a combinar los clips de películas existentes. En 1958, Raphael Montanez Ortiz produjo Cowboy and Indian Film, una película seminal de apropiación.

A fines de la década de 1970, Dara Birnbaum trabajaba apropiadamente para producir obras de arte feministas. En 1978-79 produjo uno de los primeros créditos de video. Tecnología / Transformación: Wonder Woman utilizó videoclips de la serie de televisión Wonder Woman.

El término arte de apropiación fue de uso común en la década de 1980 con artistas como Sherrie Levine, quien abordó el hecho de apropiarse como tema en el arte. Levine a menudo cita obras completas en su propio trabajo, por ejemplo, fotografiando fotografías de Walker Evans. Al desafiar las ideas de originalidad, llamar la atención sobre las relaciones entre poder, género y creatividad, el consumismo y el valor de las mercancías, las fuentes sociales y los usos del arte, Levine juega con el tema de «casi lo mismo». Elaine Sturtevant (también conocida simplemente como Sturtevant), por otro lado, pintó y exhibió réplicas perfectas de obras famosas. Ella replicó las Flores de Andy Warhol en 1965 en la Galería Bianchini en Nueva York. Se entrenó para reproducir la propia técnica del artista, en la medida en que cuando Warhol fue interrogado repetidamente sobre su técnica, una vez respondió: «No sé. Pregúntele a Elaine».

Durante los años 70 y 80, Richard Prince volvió a fotografiar anuncios, como los cigarrillos Marlboro o las fotos de periodismo fotográfico. Su trabajo toma campañas publicitarias anónimas y ubicuas de anuncios de cigarrillos, eleva el estado y enfoca nuestra mirada en las imágenes.

Los artistas de apropiación comentan sobre todos los aspectos de la cultura y la sociedad. Joseph Kosuth se apropió de imágenes para comprometerse con la filosofía y la teoría epistemológica. Otros artistas que trabajaron con la apropiación durante este tiempo incluyeron a Jeff Koons, Barbara Kruger, Greg Colson y Malcolm Morley.

En la década de 1990, los artistas continuaron produciendo arte de apropiación, usándolo como un medio para abordar teorías y temas sociales, en lugar de centrarse en las obras en sí. Damian Loeb utilizó el cine y el cine para comentar temas de simulacro y realidad. Otros artistas de alto perfil que trabajan en este momento incluyen a Christian Marclay, Deborah Kass, Damien Hirst [dudoso – discutir] y Genco Gulan.

En la era digital
Desde la década de 1990, la explotación de los precursores históricos es tan variada como el concepto de apropiación no está claro. Una cantidad de créditos hasta ahora sin paralelo se extiende no solo al campo de las artes visuales, sino a todas las áreas culturales. La nueva generación de usuarios se considera a sí misma «arqueóloga de la actualidad». Algunos hablan de «postproducción», que se basa en trabajos preexistentes, para reeditar «el guión de la cultura». La anexión de obras realizadas por otros o de productos culturales disponibles sigue en gran medida el concepto de uso. Los llamados «prosumidores» (aquellos que consumen y producen al mismo tiempo) navegan por el archivo ubicuo del mundo digital (más raramente a través del analógico), para muestrear las imágenes, palabras y sonidos siempre accesibles a través de «copiar» -pasar ‘o’ arrastrar y soltar ‘a’ bootleg ‘,’ mashup ‘o’ remix ‘ellos como a uno le gusta. Las apropiaciones se han convertido hoy en un fenómeno cotidiano.

La nueva «generación de remixes», que ha tomado los escenarios no solo de las artes visuales, sino también de la música, la literatura, la danza y el cine, causa, por supuesto, debates muy controvertidos. Los estudiosos de los medios Lawrence Lessig acuñaron en el comienzo de la década de 2000 aquí el término de la cultura de remix. Por un lado están los celebradores que prevén una nueva era de formas innovadoras, útiles y entretenidas para el arte del siglo XXI digitalizado y globalizado. Los nuevos apropiacionistas no solo se darán cuenta del dicho de Joseph Beuys de que todos somos artistas, sino también de «construir sociedades libres». Al liberar el arte finalmente de conceptos tradicionales como aura, originalidad y genio, llevarán a nuevos términos de comprensión y definición del arte. Los observadores más críticos ven esto como el punto de partida de un gran problema. Si la creación se basa únicamente en procesos despreocupados de búsqueda, copia, recombinación y manipulación de medios, conceptos, formas, nombres, etc. preexistentes de cualquier fuente, la comprensión del arte cambiará a su vista a una forma trivializada, baja Actividad exigente y regresiva. En vista de la limitación del arte a las referencias a conceptos y formas preexistentes, prevén infinitos productos recompilados y reutilizados. Los escépticos llaman a esto una cultura de reciclaje con una adicción al pasado.

Algunos dicen que solo las personas perezosas que no tienen nada que decir se dejan inspirar por el pasado de esta manera. Otros temen que esta nueva tendencia de apropiación no sea más que el deseo de embellecerse con una genealogía atractiva. El término apropiacionismo refleja la sobreproducción de reproducciones, modificaciones, recreaciones, recreaciones, revisiones, reconstrucciones, etc. al copiar, imitar, repetir, citar, plagiar, simular y adaptar nombres, conceptos y formas preexistentes. El apropiacionismo se discute, en comparación con las formas de apropiación y los conceptos del siglo XX que ofrecen nuevas representaciones de conocimiento establecido, como una especie de «paro de carreras», en referencia a la aceleración de operaciones aleatorias e incontrolables en sociedades occidentales altamente movilizadas y fluidas que son Gobernados cada vez más por formas abstractas de control. El acceso ilimitado al archivo digital de creaciones y las tecnologías digitales fácilmente viables, así como la prioridad de ideas nuevas y procesos creativos sobre una obra maestra perfecta, conduce a un ajetreo hiperactivo alrededor del pasado en lugar de lanzar nuevas expediciones a un territorio inexplorado que podría brindar visibilidad a los fantasmas olvidados y fantasmas ignorados de nuestros mitos e ideologías comunes.

Cine de apropiación
En el arte cinematográfico, el término Cine de apropiación se usa a veces (la película de metraje más comúnmente encontrada). Estas son obras cinematográficas que toman el control y manipulan las imágenes existentes. El director estadounidense Gus Van Sant convirtió z. Por ejemplo, con Psycho (1998), un remake de la obra maestra de Alfred Hitchcock, Psycho (1960), que recrea constantemente escena tras escena del original. El equipamiento y la puesta en escena se modificaron ligeramente solo en algunas escenas. La película se enfrentó a muchos ataques; El público del cine no lo entendió como un logro independiente y, por lo tanto, como superfluo. Dado que la nueva versión de las películas es un género común en la industria cinematográfica, la situación es diferente aquí que en el arte: también se puede entender la película de van Sant como una parodia de remakes o como pastiche.

También a cargo de psycho estaba el videoartista británico Douglas Gordon, quien estiró la película en una proyección de video de 24 horas en su instalación 24 Hour Psycho. Gordon entiende su trabajo como un juego entre el aura artística de la obra maestra y las intervenciones y manipulaciones individuales que cualquier propietario de un grabador de video puede hacer para una película, cuando quiere sumergirse de forma meditativa o analítica en secuencias de imágenes individuales.

Teatro de apropiación
En 2010, fundó el grupo de teatro Shanzhai Institute. Basado en la tradición china de Shanzhai de copiar y apropiarse del arte, el grupo copia y recrea las producciones teatrales históricas y existentes en detalle, con solo los actores y actores reclasificados. En 2016 está prevista la recreación de «The Seagull» de Chekhov, dirigida por Jürgen Gosch desde 2008, en el Schauspiel Leipzig.

Artistas que utilizan la apropiación.
Los siguientes son artistas notables conocidos por su uso de objetos o imágenes preexistentes con poca o ninguna transformación aplicada a ellos:

ENCIMA
Ai Kijima
Aleksandra Mir
Andy Warhol
Banksy
Barbara Kruger
Benjamin Edwards
Bern Porter
Bill Jones
Brian Dettmer
Burhan Dogancay
Christian Marclay
Cindy Sherman
Claes Oldenburg
Cornelia Sollfrank
Cory Arcangel
Craig Baldwin
Damian Loeb
Damien Hirst
David salle
Deborah Kass
Dominique Mulhem
Douglas Gordon
Elaine Sturtevant
Eric Doeringer
Fatimah Tuggar
Felipe Jesus Consalvos
Genco gulan
Idea general
George Pusenkoff
Georges Braque
Gerhard Richter
Ghada Amer
Glenn Brown
Gordon bennett
Graham rawle
Graig Kreindler
Greg colson
Hans Haacke
Hans-Peter Feldman
J. Tobias Anderson
Jake y Dinos Chapman
James cauty
Jasper Johns
Jeff Koons
Joan Miró
Jodi
John Baldessari
John McHale
John Stezaker
Joseph cornell
Joseph kosuth
Joy Garnett
Karen Kilimnik
Kelley Walker
Kenneth Goldsmith
Kurt Schwitters
Lennie Lee
Leon golub
Louise Lawler
Luc tuymans
Luke Sullivan
Malcolm morley
Marcel Duchamp
Marcus Harvey
Mark Divo
Marlene dumas
Martin Arnold
Matthieu Laurette
Max Ernst
Meret Oppenheim
Michael Landy
Mike Bidlo
Mike Kelley
Miltos manetas
Nancy Spero
Negativland
Nikki S. Lee
Norm Magnusson
PJ Crook
Pablo Picasso
Gente como nosotros
Peter Saville
Philip Taaffe
Pierre Bismuth
Pierre Huyghe
Caso reginald
Richard Prince
Rick Prelinger
Rob Scholte
Robert Longo
Robert Rauschenberg
Shepard fairey
Sherrie Levine
Elaine Sturtevant
Sistema D-128
Ted Noten
Thomas Ruff
Tom Phillips
Vermibus
Vik Muniz
Vikky Alexander
Vivienne Westwood
Yasumasa Morimura

Apropiación de arte y derechos de autor.
La apropiación de arte ha dado lugar a problemas de derechos de autor polémicos con respecto a su validez según la ley de derechos de autor. Los EE.UU. han sido particularmente litigiosos a este respecto. Han surgido varios ejemplos de jurisprudencia que investigan la división entre obras transformadoras y obras derivadas.

Andy Warhol se enfrentó a una serie de juicios de fotógrafos cuyo trabajo se apropió y se hizo una serigrafía. Patricia Caulfield, una de esas fotógrafas, había tomado una foto de flores para una demostración fotográfica de una revista de fotografía. Sin su permiso, Warhol cubrió las paredes de la galería de Leo Castelli en Nueva York con sus reproducciones en serigrafía de la fotografía de Caulfield en 1964. Después de ver un póster de las reproducciones no autorizadas de Warhol en una librería, Caulfield demandó a Warhol por violar sus derechos como titular de los derechos de autor. y Warhol hizo un acuerdo en efectivo fuera de la corte.

Por otro lado, las famosas latas de sopa Campbell’s de Warhol generalmente se consideran como no infractas de la marca del fabricante de sopas, a pesar de ser claramente apropiadas, porque «el público probablemente no vea la pintura como patrocinada por la compañía de sopas o representando un producto de la competencia. Las pinturas y las latas de sopa no son en sí mismas productos de la competencia «, según el experto abogado de marcas Jerome Gilson.

Jeff Koons también ha enfrentado problemas de derechos de autor debido a su trabajo de apropiación (ver Rogers v. Koons). El fotógrafo Art Rogers presentó una demanda contra Koons por infracción de derechos de autor en 1989. El trabajo de Koons, String of Puppies reproducía escultóricamente la fotografía en blanco y negro de Rogers que había aparecido en una tarjeta de felicitación del aeropuerto que Koons había comprado. Aunque reclamó un uso justo y una parodia en su defensa, Koons perdió el caso, en parte debido al tremendo éxito que tuvo como artista y la manera en que fue representado en los medios de comunicación. El argumento de la parodia también fracasó, ya que la corte de apelaciones hizo una distinción entre crear una parodia de la sociedad moderna en general y una parodia dirigida a un trabajo específico, encontrando la parodia de un trabajo específico, especialmente de uno muy oscuro, demasiado débil para justificar el Uso justo del original.

En octubre de 2006, Koons defendió con éxito un trabajo diferente afirmando «uso justo». Para una comisión de siete cuadros para el Deutsche Guggenheim Berlín, Koons se basó en una fotografía tomada por Andrea Blanch titulada Silk Sandals por Gucci y publicada en el número de agosto de 2000 de la revista Allure para ilustrar un artículo sobre maquillaje metálico. Koons tomó la imagen de las piernas y las sandalias de diamante de esa foto (omitiendo otros detalles del fondo) y la usó en su pintura Niagara, que también incluye otras tres pares de piernas de mujeres que cuelgan surrealmente sobre un paisaje de tartas y pasteles.

En su decisión, el juez Louis L. Stanton del Tribunal de Distrito de EE. UU. Descubrió que Niagara era de hecho un «uso transformador» de la fotografía de Blanch. «El uso de la pintura no ‘reemplaza’ ni duplica el objetivo del original», escribió el juez, «sino que lo utiliza como materia prima de una manera novedosa para crear nueva información, nueva estética y nuevas ideas. Tal uso, ya sea exitoso o No artísticamente, es transformador «.

El detalle de la fotografía de Blanch utilizada por Koons solo tiene derechos de autor de forma marginal. Blanch no tiene derechos sobre las sandalias Gucci, «quizás el elemento más llamativo de la fotografía», escribió el juez. Y sin las sandalias, solo queda una representación de las piernas de una mujer, y esto se consideró «no lo suficientemente original como para merecer mucha protección de derechos de autor».

En 2000, el himno de la escultura de Damien Hirst (que Charles Saatchi había comprado por un millón de libras) fue exhibido en Ant Noises en la Galería Saatchi. Hirst fue demandado por violación de derechos de autor sobre esta escultura. El tema era un ‘Conjunto de anatomía para jóvenes científicos’ que pertenecía a su hijo Connor, de los cuales 10,000 se venden al año por el fabricante de juguetes Hull (Emms). Hirst creó una ampliación de 20 pies y seis toneladas de la figura del Conjunto de Ciencias, cambiando radicalmente la percepción del objeto. Hirst pagó una suma no revelada a dos organizaciones benéficas, Children Nationwide y Toy Trust en un acuerdo extrajudicial. La donación caritativa fue menos de lo que Emms había esperado. Hirst vendió tres copias más de su escultura por cantidades similares a la primera.

La apropiación de un objeto familiar para hacer una obra de arte puede evitar que el artista reclame la propiedad de los derechos de autor. Jeff Koons amenazó con demandar a una galería con derechos de autor, alegando que la galería infringió sus derechos de propiedad al vender libros en forma de perros de globo. Koons abandonó esa afirmación después de que la galería presentó una queja por alivio declarativo, afirmando que «como prácticamente cualquier payaso puede atestiguar, nadie es dueño de la idea de hacer un perro globo, y la forma creada al torcer un globo en una forma de perro es parte del dominio público. »

En 2008, el periodista gráfico Patrick Cariou demandó al artista Richard Prince, a la Galería Gagosian ya los libros de Rizzoli por infracción de derechos de autor. Prince se había apropiado de 40 de las fotos de Rariofari de Cariou de un libro, creando una serie de pinturas conocidas como Zona del Canal. Prince alteró las fotos, pintó objetos, manos de gran tamaño, mujeres desnudas y torsos masculinos sobre las fotografías, y posteriormente vendió obras por un valor de más de $ 10 millones. En marzo de 2011, un juez falló a favor de Cariou, pero Prince y Gargosian apelaron en varios puntos. Tres jueces del Tribunal de Apelaciones de los Estados Unidos defendieron el derecho a una apelación. El abogado de Prince argumentó que «El arte de la apropiación es una forma de arte moderna y posmoderna bien reconocida que ha desafiado la forma en que la gente piensa sobre el arte, la forma en que la gente piensa sobre los objetos, las imágenes, los sonidos, la cultura» El 24 de abril de 2013, el tribunal de apelaciones En gran parte volcó la decisión original, decidiendo que muchas de las pinturas habían transformado suficientemente las imágenes originales y, por lo tanto, eran un uso permitido. Ver Cariou v. Príncipe.

En noviembre de 2010, Chuck Close amenazó con emprender acciones legales contra el artista informático Scott Blake por crear un filtro de Photoshop que construyó imágenes a partir de pinturas disecadas de Chuck Close. La historia fue reportada por primera vez por la revista de arte en línea Hyperallergic, fue reimpresa en la portada de Salon.com y se difundió rápidamente a través de la web. Kembrew McLeod, autor de varios libros sobre muestreo y apropiación, dijo en Wired que el arte de Scott Blake debería caer bajo la doctrina del uso justo.

En septiembre de 2014, el Tribunal de Apelaciones del Séptimo Circuito de los Estados Unidos cuestionó la interpretación del Segundo Circuito de la doctrina del uso justo en el caso Cariou. De particular interés, el Séptimo Circuito señaló que el «uso transformador» no es uno de los cuatro factores de uso justo enumerados, sino que es, simplemente, parte del primer factor de uso justo que se relaciona con el «propósito y carácter» del uso. La crítica del Séptimo Circuito da crédito al argumento de que existe una división entre los tribunales de los Estados Unidos en cuanto a qué papel desempeña la «transformatividad» en cualquier investigación de uso justo.

En 2013, Andrew Gilden y Timothy Greene publicaron un artículo de revisión de la ley en The University of Chicago Law Review que analiza las similitudes objetivas y las diferencias legales entre el caso Cariou y el caso Salinger v. Colting, expresando las preocupaciones de que los jueces pueden estar creando un uso justo «. Privilegio en gran parte reservado para los ricos y famosos «.