Las habitaciones Antoni Clavé están junto a la sala de conferencias y ocupan el resto del espacio debajo del patio de los naranjos. Las habitaciones Antoni Clavé, en la planta baja, corresponden al Pati dels Tarongers, en la planta principal, llamado así por el destacado artista catalán Antoni Clavé i Sanmartí (1913–2005), a quien se le encargó pintar una serie de piezas grandes para el espacio.

que se vació de tierra para construir estos espacios en los días de Enric Prat de la Riba (1912) bajo la dirección de Josep Puig i Cadafalch. Están dedicados a Antoni Clavé, un importante artista catalán (1913-2005) que realizó específicamente las pinturas a gran escala en exhibición, acompañadas de una selección de obras especialmente significativas, que se muestran junto con una selección de sus piezas anteriores y especialmente significativas. .

Se instalaron en el Palacio en 1993. Forman el porche del Auditorio o sala de conferencias, complementan su uso y dan acceso a la nueva sala de prensa.

Biografía
Antoni Clavé (5 de abril de 1913 – 1 de septiembre de 2005) fue un maestro pintor, grabador, escultor, escenógrafo y diseñador de vestuario catalán. Fue nominado a dos Premios de la Academia (Mejor dirección de arte y Mejor diseño de vestuario) por su trabajo en la película de 1952 Hans Christian Andersen.

Clavé fue uno de los artistas más conocidos y celebrados de España. Su obra evolucionó de un estilo barroco y ornamental a una estética pura y minimalista. En sus últimos años, su trabajo es completamente abstracto, empleando líneas expresivas y explorando los límites del collage, objet trove, sombreado, textura y color. Se formó en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, ​​donde fue enseñado por Angel Ferrant y Felix Mestres. Con sus obras influenciadas por artistas como Bonnard, Vuillard y Roualt. Es mejor conocido por sus abstracciones líricas, obras que combinan pintura con collage.

Clavé luchó en el ejército republicano en la Guerra Civil española y sirvió como dibujante para el gobierno republicano. Llegó a Francia como refugiado en 1939 y fue directamente a París para trabajar como ilustrador. Su primera exposición individual se realizó en la librería Au sans Pareil, 37 Avenue Kleber en París en 1940, donde Max Ernst y otras figuras destacadas del movimiento Dada tuvieron sus primeras exposiciones en la década de 1920. En 1944, Clavé conoció a Picasso y comenzó a hacer composiciones de figuras que fueron profundamente influenciadas por el trabajo de Picasso, con reyes, arlequines, niños y bodegones.

Sus diseños teatrales han aparecido en escenarios de Nueva York, Múnich, Londres y París, así como en la película de 1952 Hans Christian Andersen. Sus obras incluyen decorados para ópera, teatro y ballet, especialmente para la compañía de ballet de Roland Petit, Les Ballets des Champs Elysees (1945-1951) incluyendo Los Caprichos (1946) Carmen (1949) y un ballet cómico coreografiado por Roland Petit llamado Deuil es 24 Heures. En 1951 diseñó La maison de Bernarda Alba (La casa de Bernarda Alba) para el director Marcel Achard en el Theater de l’Oeuvre en París, y en 1962, una producción de El matrimonio de Figaro para Maurice Sarrazin en Théatre de la cour de l’Archeveché en Aix-en-Provence.

En 1957, Clavé comenzó a diseñar alfombras y desde 1960 comenzó a trabajar en bajorrelieves escultóricos, ensamblajes y esculturas de madera con forma de tótem y plomo modelado o impreso. También usó algunos objets trouvé. En 1965, Clavé se mudó al sur de Francia, cerca de Saint-Tropez.

Su obra se exhibe en muchos museos, incluidos los Museos de Bellas Artes de San Francisco, el Museo Nacional de Serbia, el Museo Patio Herreriano de Valladolid en España, el Museo Patio Herresriano, la Galería Tate, Londres, el Museo de Bellas Artes de Bilbao, el Museo de Arte Moderno, París, Museo Nacional de Arte Reina Sofía Museo Arte Reina Sofía, Madrid, Museo de Arte Moderno de Tokio y Museo Británico de Londres.

Temprano en barcelona
En 1926 comenzó sus estudios en la sede de la calle Aribau en la Escola Llotja. Allí tendrá a Angel Ferrant como profesor de escultura y a José Mongrell como profesor de pintura. Algunos de sus colegas fueron el pintor Emili Grau Sala y los escultores Eduald Serra y Jordi Casals. Uno de los primeros lienzos de Clavé fue una copia de un paisaje de Mongrell, que Pierre Cabanne reproduce en su trabajo monográfico sobre el pintor. Los primeros trabajos de Clavé, entonces, exhiben las características académicas de su formación. De hecho, Clavé explicó que en su primera mirada a una obra de Matisse estaba borroso.

Fue a principios de la década de 1930 que hizo su primer contacto con el arte de vanguardia, gracias a su amigo también el pintor Salvador Ortiga, que conocía de primera mano el arte que se estaba haciendo en París en ese momento, un punto de referencia para la modernidad. . El interés de Clavé en la técnica del collage y el uso de materiales poco ortodoxos en el campo de la pintura surgió entonces. En 1936 también visitó una exposición de Picasso en Barcelona, ​​que influyó mucho en su trabajo.

En 1933 comenzó su carrera como artista de carteles de cine. Trabajando en Can Tolosa, se enteró de que CINAES, un distribuidor de películas y la compañía de arte más importante de Barcelona, ​​estaba buscando un cartelista que ilustrara grandes paneles con películas que se estrenaban semana tras semana en la puerta de algunos de los cines. quienes fueron parte de la empresa. Sus signos son fácilmente reconocibles, con un estilo que tiene claras influencias del cubismo, el art déco y el surrealismo. Clavé no recurrió a la reproducción de la imagen de un actor o un cuadro de la película, sino que creó su propio estilo, caracterizado por la simplificación de las formas.

En 1936, con el estallido de la Guerra Civil, y cuando ganó fama como artista de carteles, fue llamado al frente, por lo que tuvo que abandonar temporalmente su carrera artística. Después del conflicto, se refugió en París.

Paris y los escenarios teatrales
En la capital francesa, conoció a otros exiliados, como Grau Sala, Martí Bas y Apel • les Fenosa, entre otros. Paralelamente a la obra publicitaria, en la década de 1930 realizó una obra principalmente caricaturista, con ecos surrealistas y oníricos, pero marcada por una delicada gracia decorativa nostálgica, un poco a la manera de su amigo Grau Sala. Los primeros años, sin embargo, viven de pequeñas circunstancias. Hasta mediados de la década de 1950, Clavé tenía dos dedicatorias principales: la ilustración de libros bibliófilos, de los cuales el Gargantua de Rabelais es lo más destacado, y la decoración y producción de escenarios y disfraces. de teatro y música, con el que logrará un éxito más que notable. Comenzó en 1946 con el ballet Los Caprichos, inspirado en los grabados de Goya, para la compañía de los Campos Elíseos. También es digno de mención la comisión de Roland Petit para el Ballet Carmen, cuyos sets continuarán en uso hasta la década de 1990.

Hay que tener en cuenta que el descubrimiento del mejor arte de los museos parisinos fue un gran shock para él, y su primera obra pictórica estuvo influenciada por Vuillard y especialmente por Pierre Bonnard.

Debido a su residencia en esta ciudad, se ha unido a la conocida Escuela de París con otros artistas de otras nacionalidades, pero también con los españoles Pablo Picasso, Juan Gris, Joan Miró o Antonio Saura, artistas con quienes compartió residencia en Francia. capital y tendencias artísticas más que específicas.

En 1944 conoció a Picasso personalmente, un hecho que lo marcó durante toda su vida, y fue una amistad que duró hasta la muerte del artista malagueño. Desde entonces, ha abandonado el camino que ha comenzado y ha comenzado a desarrollar una obra con un arte muy diferente y menos clásico.

Serie Reyes y Guerreros
Mientras desarrollaba escenarios teatrales, Clavé comenzó a trabajar en ilustraciones de Gargantúa, que lo llevaron a familiarizarse con la iconografía medieval, que desarrolló en su famosa serie de guerreros, reyes, reinas y caballeros, que al principio estaban representados en un cierto realismo. , pero que con el paso del tiempo, la abstracción dentro de la evolución de su obra pictórica fue ganando terreno. Las figuras pierden precisión y forma, dando paso al trazo y una gama personal de colores y texturas como los principales protagonistas de sus obras. Sin embargo, la pintura de Clavé siempre conservará algún elemento figurativo, que servirá para estructurarla a partir de sus composiciones.

En 1952 participó en la película Hans Christian Andersen («Andersen Magnificent»), dirigida por Charles Vidor, siendo responsable de realizar el escenario (junto con Richard Day y Howard Bristol) y el vestuario (junto con Mary Willis y Barbara Karinska), trabajar por la que ha sido nominada al Oscar. Sin embargo, desde 1954 abandonó la pintura y se dedicó a la pintura.

1960
En la década de 1960, el artista honró el tributo «El Greco» de Domenikos Theotokopoulos. En esta época se pueden ver claramente las influencias de los clásicos y el período barroco. De particular relevancia es el tema del caballero de la mano al cofre, que es una referencia, especialmente la mano, que se repetirá en el trabajo futuro de Clavé. En este momento se caracteriza por el paso definitivo hacia la abstracción en su obra, donde se superpone claramente la figura o el tema elegido por el artista.

1970
En la década de 1970, Clavé continuó su evolución de formas y colores, utilizando una variedad de técnicas, como el collage o el «trompe-l’oeil», e incluso inventando otras nuevas, como el «papel froissé», fruto de una causa técnica en el uso de aerosoles. en papeles arrugados y que utilizó de una manera muy personal, no solo en esta época sino en tiempos posteriores.

En 1978, el Museo Nacional de Arte Moderno de París, ahora el Centro Georges Pompidou, le dedicó la primera retrospectiva, lo que convirtió a Clavé en uno de los artistas más prestigiosos de su generación.

1980
La década de 1980 fue notable por la serie de Picasso «A Don Pablo», inspirada en los grabados picassianos, así como por las influencias que recibió en dos viajes importantes a Japón y Nueva York, donde destila los aspectos que más llamaron la atención de la historia. y cultura social de estos lugares. Antoni Clavé con la Medalla de Oro de la Generalitat de Catalunya en 1984.

Además, ganó el Premio Ciudad de Barcelona y el Premio Nacional de Bellas Artes. También es importante destacar la retrospectiva que se presentó en el Palau de la Virreina en 1989, y al año siguiente, una gran exposición antológica en el Palau Robert, ambas en Barcelona. Ya en 1990, el Ayuntamiento de Barcelona encargó un tótem monumental de acero y hormigón para conmemorar el Centenario de la Exposición Universal de 1988, que se instala en el Parque de la Ciutadella.

Últimos años de vida
Sus trabajos en la década de 1990 y principios del siglo xxi son conocidos por recrear las texturas en abstracto con un uso profuso de «papeles ofensivos» y otros temas utilizados en etapas anteriores.

El reconocimiento internacional de este artista es evidente en la profusión de sus obras en importantes colecciones, tanto privadas como públicas, en diferentes países del mundo como Francia, Japón, Estados Unidos, Suiza y Corea, entre otros. En marzo de 2013, las celebraciones del centenario comenzaron con una exposición de pintura en el Museo Can Framis de la Fundación Vila Casas.

En 1993, se inauguraron las salas Antoni Clavé, en el Palau de la Generalitat, donde se puede disfrutar de una exposición permanente de la obra de 1958 a 1993. Recientemente, dos grandes exposiciones elogiaron a la artista de la obra: la primera, en La Pedrera de Barcelona en 1996, y la última, en el Centro Cultural Conde Duque de Madrid en 1999. Finalmente, después de su muerte el 31 de agosto de 2005, la Fundación Municipal Joan Abelló organizó una gran exposición retrospectiva en marzo de 2006, la primera de una entidad pública después de su muerte, alabar una vez más y merecer la figura de Antoni Clavé. En esta retrospectiva, el legado de herencia que el artista nos ha dejado a través de su creación plástica, fue apreciado, como resultado de una lucha en solitario y silenciosa, pero que ha resultado en un trabajo excepcional de espíritu sincero, singular y sensible, abierto a todos los inventos plásticos y más allá de todas las fronteras, tanto geográficas como temporales.

Su estilo
Antoni Clavé utilizó pintura, escultura, dibujo, grabado, carteles, cerámica, escenografía teatral, collage o ilustración de libros, entre otras disciplinas. Comenzó un nuevo camino, la lucha por un lenguaje único y único estaba tomando forma. Por un lado, buscó lograr la búsqueda, la simplificación y la purificación de la forma, por otro, buscó cruzar la frontera entre la figuración y la abstracción, elementos que constituyeron el caballo de batalla que se centró en el problema de su generación.

Establecido en París, Clavé descubrió la impetuosidad de Rouault y Soutine. De sus encuentros con Rabelais surge la idea de crear grandes series, una característica que sería un sello distintivo de su trabajo durante muchos años. Serie de maniquíes, reyes, guerreros o bodegones fueron los ejemplos más valiosos y destacados de su pintura. Es el momento en que nacen obras como esta Le Roi, 1957, figuras que parten del dibujo de la figura humana, la cara, donde se manifiesta y exterioriza el pensamiento, la sensibilidad. Este es un momento en que el referente figurativo sigue siendo esencial en la composición, aunque gradualmente se sintetizará hacia un trazo mucho más libre de gestos y se liberará de forma preconcebida para un diálogo mucho más expresivo y sugerente. En esta sección, la imaginación de Clavé no tiene límites, sorprendiéndonos cada vez con su dotación creativa. Ya en la década de 1950, sus contornos se simplificaron, mientras que el cromatismo se sintetizó en la búsqueda irreversible de un ascetismo despojado del improperio. Así, en sus años maduros, su trabajo evolucionó hacia la abstracción, siguiendo una línea de depuración de esquemas formales.

Palacio de la Generalitat de Catalunya.
El Palau de la Generalitat, ubicado en el barrio gótico de Barcelona, ​​es uno de los pocos edificios de origen medieval en Europa que se ha mantenido como sede del gobierno y para la misma institución para la que fue construido.

La casa original, en la calle Sant Honorat, fue adquirida en 1400 y durante el siglo XV fue ampliada y convertida en un nuevo palacio gótico, obra de Marc Safont. Entre los elementos mejor conservados de este período se encuentran la Galería Gótica y la Capilla de Sant Jordi.

Durante el siglo XVI, el Palau de la Generalitat creció con una nueva parte que respetaba el estilo gótico anterior, como la Cambra Daurada (Cámara Dorada) y el primer Pati dels Tarongers (patio plantado de naranjos). Los cambios más radicales se produjeron con la extensión hacia la Plaça Sant Jaume (1597-1619): la fachada principal actual se inspiró en el Renacimiento italiano, y hay cuatro columnas dóricas de origen romano que datan del siglo II.

Los últimos cambios importantes en el edificio ocurrieron en el período de la Mancomunitat de Catalunya, la Mancomunidad Catalana, (1914-1925): se agregaron elementos como la escalera de honor y la estatua ecuestre de Sant Jordi. Destaca desde la década de 1970 la adquisición de más de cien piezas de arte moderno, vanguardista y contemporáneo por artistas como Montserrat Gudiol, Josep Maria Subirachs, Antoni Clavé, Joan Hernández Pizjuán y Antoni Tàpies.