Altar del Perdón, Catedral Metropolitana de la Ciudad de México
Se encuentra en el trascoro, en la parte frontal de la nave central. El retablo fue realizado por el arquitecto español Jerónimo de Balbás en 1735, siendo una de sus obras más importantes. Es barroco, acabado en pan de oro, representa el primer uso del estípite en las Américas, en el cual, las columnas representan el cuerpo humano. A principios de 1967 hubo un incendio en la catedral que dañó el altar. Gracias a la restauración practicada, hoy puedes admirar una gran obra de arte virreinal.
Se llama así porque está detrás de la puerta del mismo nombre. Aunque hay otras dos leyendas sobre el origen del nombre, la primera afirma que los condenados por la Inquisición fueron llevados al altar para disculparse antes de su ejecución. El segundo se refiere al pintor Simon Pereyns, autor de muchas obras en la catedral, que según los informes fue acusado de blasfemia y condenado a prisión, mientras estaba en prisión, pintó una bella imagen de la Virgen María, por lo que su crimen fue perdonado.
En este altar está la imagen de Jesucristo crucificado hecho de pasta de caña de maíz conocida como el Señor del Veneno. La imagen se remonta al siglo XVIII y originalmente estaba en la capilla del Seminario Porta Coeli en la Ciudad de México, pero después de ser cerrada al culto público en 1935, fue transferida a la Catedral Metropolitana. Su fiesta se celebra el 19 de octubre.
Altar del perdón
Se llama el altar del perdón en las catedrales españolas que ocupa el almacenamiento y es por eso que está frente a la puerta principal de la iglesia que también recibe el nombre de la puerta del perdón. Que esto sea así, los penales del Santo Oficio entraron por esa puerta para reconciliarse con la iglesia que concedió su perdón magnánimamente, después de ciertas ceremonias rituales. En todas las catedrales españolas hay una puerta llamada Perdón.
Este altar solo puede fecharse desde el momento posterior a la conclusión de la Catedral. No sabemos cuál era su disposición en el siglo XVII, pero solo que se publicó el 5 de agosto de 1650, como señala Guijo en su Diario (p. 136): «Ese día (5 de agosto de 1650) celebraron los hermanos de la hermandad de Nuestra Señora del Perdón del altar de la catedral la fiesta de las Nieves, que era este día, y estrenó una garantía, y renovó el pincel de la Virgen y los lienzos de los doce apóstoles, y agregó los cuatro evangelistas: fue una fiesta muy solemne, que tuvo su inicio desde el año pasado de 1648, y la iglesia y la capilla de la capilla cantaron la misa, y todos asistieron, y todos los gastos de los referidos y pagados por el consejo se recaudan de El ambiente real que cada uno de los hermanos da cada semana, y este día eligen al rector, La fecha actual del siglo XVIII y, según los cronistas de la Catedral, se dedicó el 29 de junio de 1737. Según las noticias tradicionales, su el trabajo se debe al mismo arquitecto Jerónim o de Balbás que hizo el altar de los reyes y el antiguo ciprés.
Tres obras de arte de primer orden adornan este retablo. Sobre la mesa del altar, cubriendo el tabernáculo, una pintura al óleo con una Santa Faz. Está claramente firmado por el distinguido pintor Alonso López de Herrera, que floreció a principios del siglo XVII y dejó una magnífica serie de obras que enorgullecen nuestra pintura colonial. Esto no puede considerarse entre las mejores creaciones de su espíritu, ya que tuvo que seguir ciertas indicaciones previas que le dan a su pintura una apariencia algo convencional. Sin embargo, puede asegurarse de que es mejor que otros que con el mismo tema se conservan del mismo arquitecto.
La gran pintura que decora el centro del altar representa a la Virgen María con el Niño en brazos, algunos santos a sus costados y ángeles en la parte superior. Esta imagen ha dado lugar a una leyenda profundamente arraigada en la era colonial. Se decía que esa pintura era obra de un prisionero que había obtenido su libertad de una manera extraordinaria, ya que había logrado sobornar a su carcelero para que le proporcionara colores y pinceles, pintó en la misma puerta de su celda una imagen del Virgen.
Cuando los jueces que lo condenaron a prisión vieron esa imagen muy devota, decidieron que un hombre que supiera pintar cuadros con imágenes de tal pureza, de tal fervor religioso, no podría ser culpable de los crímenes que le fueron imputados. que, en consecuencia, debería ser liberado incontinenti. Los historiadores que se han ocupado de este asunto están convencidos de que esta pintura no puede referirse a otro pintor que no sea Simon Pereyns, quien más o menos sufrió todas las vicisitudes mencionadas en tal leyenda.
Un famoso pintor que había llegado a México en 1566 en el séquito del virrey Don Gastón de Peralta, dos años después, por descuido en su forma de hablar o, más bien, por la falta de protección, ya que el virrey había sido llamado a España, fue procesada por palabras mal pronunciadas y sentenciada a pintar a su costa una imagen de Nuestra Señora de la Misericordia para la antigua catedral de México. Supongo que la invocación de la pintura cambió y que Pereyns realmente pintó esta imagen como castigo por sus ingenuos pecados.
El hecho de que la pintura esté sobre una mesa con clavos en las puertas, como puede observar cualquier espectador, indica solo que no había una mesa lo suficientemente grande como para que el acusado cumpliera su sentencia y, luego, en las hojas de una puerta cuyas uñas estaban aplastadas por la fuerza del martillo y sobre el cual se colocó una tela, tuvo que pintar su cuadro.
En la parte superior hay una pintura que representa a San Sebastián y que, como su compañero de abajo, ha sido objeto de una antigua tradición. Según ella, esta pintura se debe a una mujer extraordinaria llamada Sumaya, que enseñó el arte de la pintura al famoso pintor Baltasar de Echave Orio.
Todas las tradiciones tienen, aparte de la belleza que las rodea, un trasfondo de realidad. La realidad en esta leyenda es lo que damos a continuación. Baltasar de Echave, nacido cerca de Zumaya en Guipúzcoa, a mediados del siglo XVI, llegó a México e, interactuando con sus compatriotas, ingresó al taller de Francisco Ibía, un nativo de Zumaya, su terrateniente, conocido por el lugar de su nacimiento, que fue un prestigioso pintor en Nueva España. Echave, dotado de grandes facultades, estudió pintura con su compatriota y logró desarrollar su arte de una manera extraordinaria.
México, en ese momento, era una ciudad a la que acudían artistas como obras de arte de España, Flandes, Italia. Se puede decir que Echave se descubrió a sí mismo y finalmente se ofuscó hasta que su maestro Francisco de Zumaya fue olvidado. Pero él tenía una hija. Se llamaba Isabel: era muy hermosa. Echave, como los aprendices de muchos otros pintores, así como el aprendiz que se llamaba Diego Velásquez, se apoderó de la hija de su maestro Francisco Pacheco, se enamoró y se casó con ella en 1582, sin ser aún un distinguido pintor maestro. Echave continuó al trabajo, y justo cuando Velásquez eclipsó por completo a Pacheco, dejó a Zumaya a la sombra. Es la tradición y la investigación de los críticos modernos lo que ha convertido su prestigio en este artista ignorado. La tradición dice que fue Zumaya quien le enseñó a Echave a pintar. Quizás sería el amor de Zumaya lo que hizo que Echave aprendiera a pintar, pero no de ella, sino de su padre, Zumaya.
La pintura de San Sebastián, que difícilmente puede estudiarse por la altura a la que se encuentra y por el odioso e inútil vidrio que lo cubre, es, en la actualidad, la leyenda de la que hemos hablado, la única que puede documentarse. de Francisco de Zumaya.4 Cabe señalar que en la antigua catedral de México se fundó una hermandad de San Sebastián antes de 1565. Para esta hermandad, el cuadro que hemos estudiado puede haber sido pintado.
El altar fue dedicado el 19 de junio de 1737 y los cronistas de la Catedral suponen que fue obra del mismo Jerónimo de Balbás que hizo el altar de los Reyes y el llamado ciprés. Ocupa el trascoro. Consiste en un primer cuerpo formado por cuatro estípites y un segundo en forma de subasta semicircular con medallones con santos en relieve. Representan a San Cayetano, San Felipe de Neri, San Apolonio, San Dativo, San Saturnino, San Leandro, San Valentino, San Cándido, San Delfino y Ananías. También hay ocho esculturas en el mismo retablo que representan a San Rodrigo, San Félix, San Pedro Arbués y San Zenón; además, San Lorenzo, San Esteban, San Juan Nepomuceno y San Cayetano.
Destruyendo la armonía de este retablo, se colocó un relieve con la Santísima Trinidad rodeada por una ráfaga dorada sobre la Virgen pintada por Pereyns. También otro símbolo con un estallido en la parte superior. Ambos agregados fueron obra del piadoso, aunque indiscreto celo eclesiástico de don Francisco Ontiveros, de quien hemos hablado.
Estilos artísticos de la catedral
El hecho de que la Catedral de México sea una escuela auténtica de las diversas corrientes artísticas que tuvieron lugar durante cuatro siglos es impresionante, y que se reflejaron tanto dentro como fuera, dado que mientras se construyó, las diversas tendencias, movimientos y escuelas de arte en El campo de la arquitectura, la pintura, la escultura, etc. que según los diversos constructores, influyeron en su construcción.
Por lo tanto, hablamos de 400 años de cultura artística utilizando todo tipo de material, como madera, metal, tezontle, piedra, mármol, estuco y especialmente cantera, que es el material más extendido de la Catedral, de esta manera hablamos desde el gótico. arte, a fines del siglo XV hasta el neoclásico del siglo XIX, tanto en su construcción como en sus retablos, esculturas, columnas, estanterías, balaustradas, bóvedas, y podemos afirmar que nuestra Catedral tiene todos los estilos que nacieron, creció, maduró y finalmente desapareció durante su construcción y eso influyó lógicamente en su fábrica, los únicos estilos que no se encuentran son los últimos, genéricamente llamados «modernos» o «modernistas» y especialmente los «posmodernos», pensando que la Catedral termina su construcción hacia el año 1813
Arte gótico
El más antiguo de los estilos encontrados en la Catedral es el llamado «gótico», un término acuñado por los humanistas del Renacimiento para despreciar el «arte de los godos», hoy en día los franceses, y a pesar de los esfuerzos por cambiar el término, este fue ya en la memoria de los siglos.
El arte gótico generalmente se divide en tres etapas que abarcan desde el siglo XI hasta finales del siglo XV. Desde el primer período llamado «gótico primitivo» tenemos como ejemplo la Catedral de Notre Dame en París (a. 1163); del segundo que se llama «gótico completo» tenemos como ejemplo la Catedral de Chartres (a. 1250), y del tercer período, llamado «gótico tardío» tenemos como ejemplo la Capilla Real en el Colegio de Cambridge (un 1515).
Como características características del arte gótico, tenemos el uso de la forma ojival (en forma de hoja); las costillas en las bóvedas y columnas y el uso de las rosetas (vidrieras circulares multicolores). El gótico, como todo arte, refleja los valores del espíritu de la época, por lo tanto, en la Edad Media privó una espiritualidad dirigida «hacia arriba», es decir, hacia la altura donde está Dios, de ahí que el hombre debería «mirar hacia el alturas «más que a las realidades de la tierra, desde aquí las naves muy altas, las ojivas de arcos, naves y vidrieras que terminan en punto, y que invitaban a ir hacia la cima, donde estaban los verdaderos valores.
Los interiores de las catedrales góticas eran bastante oscuros, como si invitaran a la meditación, la oración y la interioridad. El gótico está desapareciendo hacia el siglo XV y, sin embargo, la portentosa creatividad del hombre gótico, todavía hoy causa una profunda admiración, que ciertamente influyó no solo en Francia, sino en toda Europa, incluida España, donde el arte nos llega al gótico.
Cuando comenzó la construcción de la Catedral de México, el gótico ya estaba en sus últimas etapas, dando paso a nuevas y diferentes concepciones arquitectónicas y artísticas en general, sin embargo, la catedral también tiene algunas pinceladas góticas como las dos maravillosas bóvedas de la Sacristía. por las costillas góticas y los sub-puestos, lo mismo ocurre con las bóvedas que cubren la Sala Capitular, gemelas de la Sacristía y que forman, junto con el ábside del Altar de los Reyes, los edificios de la catedral más antiguos, aunque no hay rosetas .
El arte herreriano
El siguiente de los estilos arquitectónicos que encontramos en la Catedral es el llamado Herreriano que, aunque no es el seguidor inmediato del gótico, porque esto es seguido por el manierismo del cual la Catedral no tiene ningún ejemplo, porque él Ya había terminado su tiempo cuando comienza la construcción del edificio de la catedral.
El herreriano es un estilo que lleva el nombre del arquitecto Juan de Herrera que debe este estilo cuyo mejor ejemplo es el Escorial (a. 1584) y cuya obra estuvo bajo las órdenes del rey Felipe II (1552-1584), estilo en el que se promovió Hispanoamérica
El herreriano tiene como características propias: su monumentalidad, su sobriedad, su elegancia clásica y su estilo severo y amplio. Al igual que el gótico, también el herreriano es causado por la espiritualidad de su tiempo que lleva la idea de una Iglesia sólidamente fundada, de fortaleza y grandeza, pero al mismo tiempo de gran sobriedad, de modo que se eliminan los lujos y los ornamentos.
Bajo estos conceptos, el herreriano usará grandes espacios, cuyas paredes largas, sólidas y altas, solo son interrumpidas por las grandes ventanas cuadradas, con un enrejado, que iluminan el interior, por lo que en este estilo no se usan vidrieras multicolores.
La idea está perfectamente expresada por los elementos que componen este tipo arquitectónico. Siendo por lo tanto el herreriano el estilo que es propio de España y promovido por el mismo rey Felipe II, no es extraño que haya pasado su influencia a las colonias españolas, y así, nuestra Catedral tiene el herreriano en gran medida.
De hecho, los grandes espacios de las paredes laterales, tanto este como oeste, y también los muros del ábside, interrumpidos por las grandes ventanas cuadradas que iluminan el interior de las Capillas, dan una monumentalidad imponente vista desde el exterior. Y en el interior, tanto la Sacristía como la Sala Capitular, son un claro ejemplo del rigor de Herrera con tanta severidad, que más tarde sus paredes se cubrieron con grandes pinturas y retablos.
Arte barroco
Entre el último estadio gótico, a fines del siglo XV y el comienzo del barroco a fines del siglo XVI, hubo un período que produjo el manierismo en la primera parte del siglo XVI en Italia.
El manierismo fue un movimiento estético que reflejó la crisis del arte que apareció en este período y se caracteriza por un arte turbulento, lleno de contradicciones, raro y exagerado con visiones angustiosas de pesadilla e incluso diabólico, por lo que es difícil definirlo con precisión.
La arquitectura no recibió tanta influencia como la pintura y la escultura, por lo que no tenemos ejemplos adecuados de este estilo. Como reacción al manierismo, surge una nueva forma artística que recibe el nombre de Barroco, un término de origen realmente incierto, ya que algunos derivan del término italiano «Barroco», que es el nombre de un silogismo medieval y otros del idioma portugués. «Barroco» que en joyería significa una perla irregular, por lo que será hasta el siglo XIX cuando se le dé una definición más precisa.
El barroco dominó en términos generales, desde finales del siglo XVI hasta mediados del siglo XVIII y se pueden considerar tres etapas bien definidas: barroco primitivo, barroco completo y barroco tardío. El barroco es exuberancia mística en todos los órdenes artísticos.
El siglo XVI fue uno de los tiempos más prolíficos por ser un siglo de paso, transición. Hay una efervescencia extraordinaria en lo político, económico, social, artístico y, unido a esto, el descubrimiento del Nuevo Mundo, transforma las relaciones internacionales, por lo que el arte barroco es el reflejo de este estado de ánimo generalizado.
En lo religioso, los grandes cambios que surgieron de la Reforma Protestante y la reacción de la Iglesia Católica, resultaron en un cambio en todas las artes donde el barroco se manifestó como el exuberante de la fe y el esplendor del culto católico en la arquitectura, escultura, pintura, literatura e incluso música, reacción barroca que aparece generalizada en todas las áreas católicas, frente al puritanismo y la exagerada sobriedad de los protestantes.
Así, el misticismo del barroco subraya el optimismo, la vitalidad y el triunfo de la fe católica en sus espléndidos ornamentos, ornamentos y, en ese momento, audaces concepciones artísticas. Por otro lado, el barroco unifica tres de las grandes artes: arquitectura, escultura y pintura, por lo que lo más importante en el barroco no es el detalle, sino la visión general, que incluso hoy en día, hace que quienes se maravillan contemplen el dominio. de este estilo
En México, como en toda América Latina, la audaz inventiva de los arquitectos españoles, junto con la profunda visión artística de los nativos, dieron nuevas y sorprendentes visiones al barroco, especialmente durante el siglo XVIII, precisamente cuando en Europa se extinguió el barroco. poco a poco, degenerando en la exageración del rococó o, como en otros casos, asumiendo el estilo neoclásico.
Desde el esplendor del barroco en sus diversas etapas, la Catedral Metropolitana de México es uno de sus ejemplos más claros, porque de hecho, durante el desarrollo del barroco están bajo su influencia del incipiente barroco de las portadas frontales, orientales y occidentales. para alcanzar su máxima expresión dentro de las Capillas con sus extraordinarios retablos, principalmente el Altar de los Reyes y la Capilla de los Ángeles, por nombrar algunos, que veremos con más detalle en los siguientes archivos.
El arte neoclásico
El barroco en su última etapa, se asumió en otros estilos, incluido el neoclásico. Este es un movimiento artístico que nació en Europa hacia la segunda mitad del siglo XVIII (1750) y dura hasta finales del siglo XIX. En realidad, fue una reacción al estilo exagerado de Rococó, heredero del barroco, por un lado, y por otro lado, fue el resultado del descubrimiento en ese momento, de dos ciudades grecorromanas: Pompeya y Herculano, en Italia, cuyo arte influyó en el modo predominante en ese momento.
Como característica fundamental, el neoclásico buscó imitar los modelos arquitectónicos grecorromanos, principalmente el arte dórico. Su misticismo se basa en un sentido romántico de los valores clásicos y una espiritualidad centrada en el anhelo de los tiempos heroicos griegos.
El romanticismo fue la característica principal de la literatura y la música en el siglo XIX, y también influyó en artes como la pintura, la escultura y la arquitectura. Este estilo es un arte más bien simbólico que creativo.
En el campo de la arquitectura, el arte neoclásico hizo su aparición en la España de Carlos III (1760-1788) y sus mejores ejemplos fueron la Puerta de Alcalá y el extraordinario edificio que alberga el Museo del Prado, en Madrid.
En los países latinoamericanos, el neoclásico recurrió más a monumentos dóricos y duró hasta el siglo XX. La Catedral de México, no escapó a la influencia del neoclasicismo, y aunque no aparece de manera significativa fuera de la Catedral, ya que la mayor parte del edificio se había completado, si aparece en algunos cambios que se hicieron en el interior del Las capillas, y en algunas de ellas, donde había retablos barrocos, fueron reconstruidas, de acuerdo con los cánones predominantes de la época y es precisamente el estilo neoclásico reinante, por lo tanto, los altares tallados en la cantera de las Capillas de Nuestra Señora de los Dolores. y la Capilla del Sr. del Buen Despacho, en el lado oeste, y en el lado este, las Capillas de Santa María la Antigua y Nuestra Señora de Guadalupe, son ejemplos de la influencia neoclásica.
En conclusión, si alguien quisiera conocer los diversos estilos arquitectónicos más importantes que ocurrieron durante los siglos XVI, XVII, XVIII y XIX, nada mejor que tomar como guía y ejemplo la Catedral de México, porque todos se incorporaron en su construcción. cuando cada uno de los Grandes Maestros que lo construyeron, fieles a su tiempo, unificaron, de una manera maravillosa, lo que ya existía, con las novedades del arte en los tiempos que tuvieron que vivir.
No hay nada en la Catedral que no se haya asumido en su conjunto, aunque se pueden distinguir los diferentes estilos que lo forjaron.
Catedral Metropolitana de la Ciudad de México
La Catedral Metropolitana de la Asunción de la Santísima Virgen María a los Cielos (en español: Catedral Metropolitana de la Asunción de la Santísima Virgen María a los cielos) es la sede de la Arquidiócesis Católica de México. Está situado sobre el antiguo recinto sagrado azteca cerca del Templo Mayor en el lado norte de la Plaza de la Constitución (Zócalo) en el centro de la ciudad de México. La catedral se construyó en secciones de 1573 a 1813 alrededor de la iglesia original que se construyó poco después de la conquista española de Tenochtitlán, y finalmente se reemplazó por completo. El arquitecto español Claudio de Arciniega planeó la construcción, inspirándose en las catedrales góticas en España.
Debido al largo tiempo que llevó construirlo, poco menos de 250 años, prácticamente todos los principales arquitectos, pintores, escultores, maestros de oro y otros artistas plásticos del virreinato trabajaron en algún momento en la construcción del recinto. Esta misma condición, la de su extenso período de construcción, permitió la integración en ella de los diversos estilos arquitectónicos vigentes y en boga en esos siglos: gótico, barroco, churrigueresco, neoclásico, entre otros. La misma situación experimentó diferentes adornos, pinturas, esculturas y muebles en el interior.
Su realización significó un punto de cohesión social, porque involucró a las mismas autoridades eclesiásticas, autoridades gubernamentales, diferentes hermandades religiosas que muchas generaciones de grupos sociales de todas las clases.
También es, como consecuencia de la influencia de la Iglesia Católica en la vida pública, que el edificio se entrelazó con eventos de importancia histórica para las sociedades de Nueva España y el México independiente. Por mencionar algunos, están la coronación de Agustín de Iturbide y Ana María Huarte como emperadores de México por parte del Presidente del Congreso; la preservación de los restos funerarios del mencionado monarca; entierro hasta 1925 de varios de los héroes de la independencia como Miguel Hidalgo y Costilla y José María Morelos; las disputas entre liberales y conservadores causadas por la separación de la iglesia y el estado en la Reforma; el cierre del edificio en los días de la Guerra Cristera; las celebraciones del bicentenario de la independencia, entre otros.
La catedral está orientada al sur. Las medidas aproximadas de esta iglesia son 59 metros (194 pies) de ancho por 128 metros (420 pies) de largo y una altura de 67 metros (220 pies) hasta la punta de las torres. Se compone de dos campanarios, una cúpula central, tres portales principales. Tiene cuatro fachadas que contienen portales flanqueados por columnas y estatuas. Cuenta con cinco naves que constan de 51 bóvedas, 74 arcos y 40 columnas. Los dos campanarios contienen un total de 25 campanas.
El tabernáculo, adyacente a la catedral, contiene el baptisterio y sirve para registrar a los feligreses. Hay cinco altares ornamentados grandes, una sacristía, un coro, un área de coro, un corredor y una sala capitular. Catorce de las dieciséis capillas de la catedral están abiertas al público. Cada capilla está dedicada a un santo o santo diferente, y cada una fue patrocinada por un gremio religioso. Las capillas contienen altares ornamentados, retablos, retablos, pinturas, muebles y esculturas. La catedral alberga dos de los órganos más grandes del siglo XVIII en las Américas. Hay una cripta debajo de la catedral que contiene los restos de muchos antiguos arzobispos. La catedral tiene aproximadamente 150 ventanas.
A lo largo de los siglos, la catedral ha sufrido daños. Un incendio en 1967 destruyó una parte significativa del interior de la catedral. El trabajo de restauración que siguió descubrió una serie de documentos importantes y obras de arte que anteriormente se habían ocultado. Aunque se construyó una base sólida para la catedral, el suelo de arcilla suave sobre el que se construyó ha sido una amenaza para su integridad estructural. La caída de los mantos freáticos y el hundimiento acelerado hicieron que la estructura se agregara a la lista del Fondo de Monumentos Mundiales de los 100 sitios más amenazados. El trabajo de restauración que comenzó en la década de 1990 estabilizó la catedral y fue eliminada de la lista en peligro de extinción en 2000.