El arte académico, o el academismo, es un estilo de pintura, escultura y arquitectura producido bajo la influencia de las academias de arte europeas. Específicamente, el arte académico es el arte y los artistas influenciados por los estándares de la Academia Francesa de Bellas Artes, que se practicó bajo los movimientos del neoclasicismo y el romanticismo, y el arte que siguió a estos dos movimientos en el intento de sintetizar ambos estilos. , y que se refleja mejor en las pinturas de William-Adolphe Bouguereau, Thomas Couture y Hans Makart. En este contexto, a menudo se le llama «academismo», «academismo», «pompier artístico» (peyorativo) y «eclecticismo», y a veces se vincula con «historicismo» y «sincretismo».

El arte académico incluye pinturas y esculturas que fueron creadas bajo la influencia de las academias europeas, en las que muchos artistas de esta época recibieron su formación formal. El arte académico se comprometió con un canon motivado predominantemente literario, mitológico e histórico de temas permitidos o deseados. Sus artistas no mostraron interés en retratar lo cotidiano o lo profano. El arte académico, por lo tanto, no es realista, sino idealista.

En términos de estilo, el arte académico cultivó el ideal de la imitación perfecta y selectiva de la realidad (mimesis) de Aristóteles. Con un perfecto dominio del color, la luz y la sombra, las formas se elaboraron de una manera casi fotorrealista. Algunas pinturas muestran un «acabado pulido» en el que ya no se puede ver un trazo de pincel en el trabajo terminado. Este ideal artístico fue sacudido hasta sus cimientos a mediados del siglo XIX por la invención de la fotografía.

La École des Beaux-Arts francesa, que fue influenciada por el neoclasicismo y el romanticismo, fue particularmente influyente para el estilo. El arte académico posterior sintetizó estos dos estilos, que se pueden ver muy bien en las pinturas de William Adolphe Bouguereau, Thomas Couture y Hans Makart.

Con la llegada de los estilos artísticos posteriores, especialmente el impresionismo, el arte académico fue despreciado y descartado como «eclecticismo». Desde el comienzo hasta el final del siglo XX, la mayoría de los expertos en arte lo consideraban de poca importancia, por lo que apenas se mencionó y desapareció en los depósitos del museo; ocasionalmente fueron llamados despectivamente «pompier de arte». El estilo académico de la pintura también fue desacreditado por el hecho de que fue elevado a un estándar absoluto por la política artística nacionalsocialista. Solo unos pocos artistas en su mayoría mayores se mantuvieron leales hasta la década de 1960.

Fue solo en la década de 1990 que el arte académico de fin de siècle fue «redescubierto» poco a poco y desde entonces ha ganado una creciente apreciación. Si bien la pintura siguió su propio camino al reflexionar y cuestionar sus propios requisitos previos, la película histórica en particular, particularmente la película de sandalia, continuó la lujuria del academismo por la reconstrucción del pasado.

Academismo francés
El origen del nombre francés pompier, en italiano bombero, es incierto: podría derivarse de los cascos de las figuras de dioses y héroes clásicos, similares a los cascos de bombero, o indicar los mismos bomberos presentes, con tareas de seguridad, durante las exposiciones. abrir en los Salones oficiales, o referirse a los pintores del círculo de Charles Gleyre, defensores de la imitación de la pintura pompeyana, o finalmente, para abordar muchas representaciones pictóricas pomposas y retóricas.

La corriente artística del neoclasicismo, que surgió en el siglo XVIII y se extendió a parte de la primera mitad del siglo XIX, tenía en el rigor racional de su estilo el primer requisito para prestarse a la enseñanza en las escuelas y sugirió, en su propio contenido. , el camino de la imitación, no ya de la naturaleza visible y la vida real de la sociedad, sino de los productos artísticos y de la historia y los mitos de ese pasado lejano, griego y romano, que indicó como modelo de armonía y belleza ideal. En Francia, el sugerente ejemplo del arte de David, además de ser personalmente contrario a cualquier Academia, y luego el del estudiante Ingres, transmitirá consenso y producirá imitadores.

La Real Academia de Pintura y Escultura se creó en Francia en 1648, con el objetivo de garantizar a los artistas un certificado de calidad, dándoles un estilo basado en la simplicidad y junto con la grandeza, la armonía y la pureza. Con este fin, se señaló la necesidad de observar los siguientes principios:

estudio del desnudo y anatomia
imitación de los antiguos y naturaleza idealizada
realización de las obras en el estudio en lugar de en plein air
primacía del diseño sobre el color
integridad del trabajo

Estos criterios de formación no cambiaron a lo largo de los siglos y fueron mantenidos por los profesores de la École des Beaux-Arts, estudiantes de David y luego de Ingres, que siguieron los principios formulados por sus maestros: para ser admitidos, los estudiantes tenían que aprobar un concurso que consiste en la ejecución de un desnudo como modelo vivo.

Las academias de la historia.
La primera academia de arte fue fundada en Florencia en Italia por Cosimo I de ‘Medici, el 13 de enero de 1563, bajo la influencia del arquitecto Giorgio Vasari, quien la llamó Accademia e Compagnia delle Arti del Disegno (Academia y Compañía de las Artes de Dibujo) ya que se dividió en dos ramas operativas diferentes. Si bien la Compañía era una especie de corporación a la que podía unirse cualquier artista en activo en la Toscana, la Academia comprendía solo a las personalidades artísticas más eminentes de la corte de Cosimo, y tenía la tarea de supervisar toda la producción artística del estado de Medicea. En esta institución medicea, los estudiantes aprendieron el «arti del disegno» (un término acuñado por Vasari) y escucharon conferencias sobre anatomía y geometría. Otra academia, la Academia de San Luca (llamada así por el santo patrón de los pintores, San Lucas), fue fundada aproximadamente una década más tarde en Roma. La Accademia di San Luca tenía una función educativa y estaba más preocupada por la teoría del arte que la florentina. En 1582, Annibale Carracci abrió su muy influyente Academia de Desiderosi en Bolonia sin apoyo oficial; En cierto modo, esto se parecía más al taller de un artista tradicional, pero el hecho de que sintiera la necesidad de etiquetarlo como «academia» demuestra el atractivo de la idea en ese momento.

La Academia de San Luca sirvió más tarde como modelo para la Academia Real de Pintura y Escultura fundada en Francia en 1648, y que más tarde se convirtió en la Academia de Bellas Artes. La Académie royale de peinture et de sculpture fue fundada en un esfuerzo por distinguir a los artistas «que eran caballeros que practicaban un arte liberal» de los artesanos, que se dedicaban al trabajo manual. Este énfasis en el componente intelectual de la creación artística tuvo un impacto considerable en los temas y estilos del arte académico.

Después de que la Academia Real de Pintura y Escultura fuera reorganizada en 1661 por Luis XIV, cuyo objetivo era controlar toda la actividad artística en Francia, se produjo una controversia entre los miembros que dominaron las actitudes artísticas durante el resto del siglo. Esta «batalla de estilos» fue un conflicto sobre si Peter Paul Rubens o Nicolas Poussin era un modelo adecuado a seguir. Los seguidores de Poussin, llamados «poussinistes», argumentaron que la línea (disegno) debería dominar el arte, debido a su atractivo para el intelecto, mientras que los seguidores de Rubens, llamados «rubenistes», argumentaron que el color (colore) debería dominar el arte, debido a su apelar a la emoción.

El debate revivió a principios del siglo XIX, bajo los movimientos del neoclasicismo tipificados por la obra de arte de Jean Auguste Dominique Ingres, y el romanticismo tipificado por la obra de arte de Eugène Delacroix. También hubo debates sobre si era mejor aprender arte mirando la naturaleza, o aprender mirando a los maestros artísticos del pasado.

Las academias que utilizan el modelo francés se formaron en toda Europa e imitaron las enseñanzas y los estilos de la Academia francesa. En Inglaterra, esta era la Real Academia. La Real Academia Danesa de Bellas Artes, fundada en 1754, puede tomarse como un ejemplo exitoso en un país más pequeño, que logró su objetivo de producir una escuela nacional y reducir la dependencia de los artistas importados. Los pintores de la Edad de Oro danesa de aproximadamente 1800-1850 fueron casi todos entrenados allí, y muchos volvieron a enseñar y la historia del arte de Dinamarca está mucho menos marcada por la tensión entre el arte académico y otros estilos que en otros países. .

Un efecto de la transición a las academias fue dificultar la capacitación de las mujeres artistas, que fueron excluidas de la mayoría de las academias hasta la última mitad del siglo XIX (1861 para la Real Academia). Esto se debió en parte a las preocupaciones sobre la incorrección presentada por la desnudez. A menudo se hicieron arreglos especiales para las estudiantes hasta el siglo XX.

Desarrollo del estilo académico.
Desde el inicio del debate Poussiniste-Rubeniste, muchos artistas trabajaron entre los dos estilos. En el siglo XIX, en la forma revivida del debate, la atención y los objetivos del mundo del arte comenzaron a sintetizar la línea del neoclasicismo con el color del romanticismo. Los críticos afirmaron que un artista tras otro había logrado la síntesis, entre ellos Théodore Chassériau, Ary Scheffer, Francesco Hayez, Alexandre-Gabriel Decamps y Thomas Couture. William-Adolphe Bouguereau, un artista académico posterior, comentó que el truco para ser un buen pintor es ver «el color y la línea como la misma cosa». Thomas Couture promovió la misma idea en un libro que escribió sobre el método del arte, argumentando que cada vez que se decía que una pintura tenía un mejor color o una mejor línea era una tontería, porque cada vez que el color parecía brillante dependía de la línea para transmitirlo, y viceversa; y ese color era realmente una forma de hablar sobre el «valor» de la forma.

Otro desarrollo durante este período incluyó la adopción de estilos históricos para mostrar la era en la historia que representaba la pintura, llamada historicismo. Esto se ve mejor en el trabajo del barón Jan August Hendrik Leys, una influencia posterior en James Tissot. También se ve en el desarrollo del estilo Neo-Grec. El historicismo también se refiere a la creencia y la práctica asociadas con el arte académico de que uno debe incorporar y conciliar las innovaciones de las diferentes tradiciones del arte del pasado.

El mundo del arte también creció para centrarse cada vez más en la alegoría en el arte. Las teorías sobre la importancia de la línea y el color afirman que a través de estos elementos un artista ejerce control sobre el medio para crear efectos psicológicos, en los que se pueden representar temas, emociones e ideas. A medida que los artistas intentaban sintetizar estas teorías en la práctica, se enfatizó la atención en la obra como vehículo alegórico o figurativo. Se sostenía que las representaciones en la pintura y la escultura deberían evocar formas platónicas, o ideales, donde detrás de las representaciones ordinarias se vislumbra algo abstracto, alguna verdad eterna. Por lo tanto, la famosa reflexión de Keats «La belleza es la verdad, la belleza de la verdad». Se deseaba que las pinturas fueran un «idée», una idea completa y completa. Se sabe que Bouguereau dijo que no pintaría «una guerra», sino que pintaría «Guerra». Muchas pinturas de artistas académicos son simples alegorías de la naturaleza con títulos como Dawn, Dusk, Seeing y Tasting, donde estas ideas se personifican en una sola figura desnuda, compuesta de tal manera que resalte la esencia de la idea.

La tendencia en el arte también fue hacia un mayor idealismo, lo cual es contrario al realismo, en que las figuras representadas se hicieron más simples y más abstractas, idealizadas, para poder representar los ideales que representaban. Esto implicaría tanto formas generalizadas vistas en la naturaleza como subordinadas a la unidad y el tema de la obra de arte.

Debido a que la historia y la mitología fueron consideradas como juegos o dialécticas de ideas, un terreno fértil para una alegoría importante, el uso de temas de estos temas fue considerada la forma más seria de pintura. Se valoró una jerarquía de géneros, creada originalmente en el siglo XVII, donde la pintura de historia (temas clásicos, religiosos, mitológicos, literarios y alegóricos) se colocó en la parte superior, la pintura del siguiente género, luego el retrato, la naturaleza muerta y el paisaje. . La pintura de historia también se conocía como el «gran género». Las pinturas de Hans Makart son a menudo más grandes que los dramas históricos de la vida, y combinó esto con un historicismo en la decoración para dominar el estilo de la cultura vienesa del siglo XIX. Paul Delaroche es un ejemplo típico de la pintura de historia francesa.

Todas estas tendencias fueron influenciadas por las teorías del filósofo Hegel, quien sostuvo que la historia era una dialéctica de ideas en competencia, que finalmente se resolvió en síntesis.

Hacia finales del siglo XIX, el arte académico había saturado la sociedad europea. Las exposiciones se celebraban a menudo, y la exposición más popular fue el Salón de París y, a partir de 1903, el Salón de Otoño. Estos salones fueron eventos sensacionales que atrajeron multitudes de visitantes, tanto nativos como extranjeros. Tanto un asunto social como artístico, 50,000 personas podrían visitar un solo domingo, y hasta 500,000 podrían ver la exposición durante sus dos meses. Se exhibieron miles de imágenes, colgadas desde justo debajo del nivel de los ojos hasta el techo de una manera que ahora se conoce como «estilo de salón». Una presentación exitosa en el salón fue un sello de aprobación para un artista, haciendo que su trabajo sea vendible a las crecientes filas de coleccionistas privados. Bouguereau, Alexandre Cabanel y Jean-Léon Gérôme fueron figuras destacadas de este mundo del arte.

Durante el reinado del arte académico, las pinturas de la era rococó, que anteriormente se consideraban poco favorables, revivieron a la popularidad, y los temas utilizados a menudo en el arte rococó, como Eros y Psique, volvieron a ser populares. El mundo del arte académico también idolatraba a Raphael por la idealidad de su trabajo, de hecho lo prefería a Miguel Ángel.

El arte académico en Polonia floreció con Jan Matejko, quien estableció la Academia de Bellas Artes de Cracovia. Muchas de estas obras se pueden ver en la Galería de Arte Polaco del siglo XIX en Sukiennice en Cracovia.

El arte académico no solo tuvo influencia en Europa y los Estados Unidos, sino que también extendió su influencia a otros países occidentales. Esto fue especialmente cierto para las naciones latinoamericanas, que, debido a que sus revoluciones fueron inspiradas en la Revolución Francesa, intentaron emular la cultura francesa. Un ejemplo de artista académico latinoamericano es Ángel Zárraga de México.

Derrota y evolución del academismo.
El año 1897 confirmó la derrota del academismo. Edouard Manet, Edgar Degas, Camille Pissarro, Claude Monet, Auguste Renoir, Sisley y Paul Cézanne ingresaron a una institución oficial, el Musée du Luxembourg, reservado para órdenes del gobierno. El legado de Gustave Caillebotte, mecenas de los impresionistas, coleccionista y pintor, fue aceptado después de tres años de feroces combates (solo se admitieron por primera vez las pinturas de Degas). Fue el Consejo de Estado quien decidió, argumentando que estas obras eran de hecho parte de la historia de la pintura francesa. En realidad, la pera se había cortado por la mitad: de 67 lienzos, 29 fueron rechazados. Gérôme había amenazado con renunciar a su cátedra como profesor de Bellas Artes, describiendo estas pinturas como «basura» y viendo en su entrada a Luxemburgo el signo del «fin de la nación».

Las corrientes de vanguardia se multiplicaron. La Academia y la Escuela de Bellas Artes se volvieron más eclécticas, señala Claire Barbillon. Después de ser rechazado durante el Segundo Imperio, excepto en ciertas formas diluidas, el naturalismo fue adoptado por los pintores más oficiales de la Tercera República, escribe. En cuanto al simbolismo, reúne artistas formalmente bastante tradicionales, como Gustave Moreau, y pintores radicalmente innovadores como Gauguin u Odilon Redon.

La apertura del Museo de Orsay en 1986 será motivo de acaloradas controversias en Francia. Muchos verán en él una rehabilitación de los «bomberos», incluso del «revisionismo». Sin embargo, André Chastel consideró, ya en 1973, que solo había ventajas para sustituir un juicio global de reprobación, el legado de viejas batallas, una curiosidad tranquila y objetiva.

Entrenamiento académico
Jóvenes artistas pasaron cuatro años en una formación rigurosa. En Francia, solo los estudiantes que aprobaron un examen y llevaban una carta de referencia de un notable profesor de arte fueron aceptados en la escuela de la academia, la École des Beaux-Arts. Los dibujos y pinturas del desnudo, llamados «academias», fueron los componentes básicos del arte académico y el procedimiento para aprender a hacerlos estaba claramente definido. Primero, los estudiantes copiaron impresiones después de esculturas clásicas, familiarizándose con los principios de contorno, luz y sombra. La copia se creía crucial para la educación académica; al copiar obras de artistas pasados, uno asimilaría sus métodos de creación artística. Para avanzar al siguiente paso, y cada uno sucesivo, los estudiantes presentaron dibujos para su evaluación.

Si se aprueba, extraerían de moldes de yeso de famosas esculturas clásicas. Solo después de adquirir estas habilidades se permitió a los artistas ingresar a clases en las que se presentaba una modelo en vivo. La pintura no se enseñó en la École des Beaux-Arts hasta después de 1863. Para aprender a pintar con un pincel, el estudiante primero tuvo que demostrar habilidad en el dibujo, que se consideraba la base de la pintura académica. Solo entonces el alumno podría unirse al estudio de un académico y aprender a pintar. A lo largo de todo el proceso, las competiciones con una materia predeterminada y un período de tiempo asignado específico midieron el progreso de cada estudiante.

La dificultad de la prueba significaba que el estudiante generalmente tenía que presentarse a la competencia solo después de haber seguido un largo curso de aprendizaje en un taller privado, en el que había seguido un riguroso itinerario de estudio. Al principio, los dibujos o las impresiones tenían que copiarse, y después de meses de ejercicio, pasamos a la eclosión y la extorsión, al sombreado. Un paso importante posterior consistió en la copia de las tizas, reproducciones de bustos u obras clásicas completas, acompañadas por el estudio de la historia del arte, la literatura y la mitología, siendo frecuentes los temas que se abordaron aquí en pintura y escultura.

Después de esta fase, el estudiante podría comenzar el «estudio de la naturaleza», dibujando el modelo viviente de acuerdo con los pasos que van desde el simple boceto – el esquisse – el esqueleto de la composición – hasta la mayor definición del boceto – el ébauche – en el cual las sombras se dividieron entre medias sombras y luz, hasta la atención al detalle –la mise en place– y el diseño terminado. Pero el modelo vivo todavía tenía que ser «corregido», eliminando las «imperfecciones de la naturaleza», corrigiéndolas de acuerdo con un modelo ideal de nobleza y decoro.

El concurso de arte más famoso para estudiantes fue el Prix de Rome. El ganador del Premio de Roma recibió una beca para estudiar en la escuela de la Academia Francesa en la Villa Medici en Roma por hasta cinco años. Para competir, un artista debía ser de nacionalidad francesa, hombre, menor de 30 años y soltero. Tenía que haber cumplido los requisitos de entrada de la École y contar con el apoyo de un conocido maestro de arte. La competencia fue agotadora, involucrando varias etapas antes de la final, en la cual 10 competidores fueron secuestrados en estudios durante 72 días para pintar sus pinturas de historia final. Al ganador se le aseguró esencialmente una carrera profesional exitosa.

Como se señaló, una presentación exitosa en el Salón fue un sello de aprobación para un artista. Los artistas solicitaron al comité colgante una ubicación óptima «en la línea» o al nivel de los ojos. Después de la apertura de la exposición, los artistas se quejaron si sus obras estaban «despegadas» o colgadas demasiado alto. El logro final para el artista profesional fue la elección de miembro de la Academia Francesa y el derecho a ser conocido como académico.

Mientras tanto, el alumno continuó su estudio de la composición con la práctica de los croquis, el bosquejo rápido de los momentos de la vida diaria para estimular la imaginación personal, que se tradujo en sus propios cuadernos, los carnets de poche.

El alumno de la Academia repitió el curso de dibujo ya seguido en el taller para finalmente llegar al curso de pintura, similar al dibujo. Se le dio gran importancia al boceto, para el cual se realizaron cursos especiales en la Academia, seguidos de concursos: fue una expresión de la creatividad del estudiante que, descuidando los detalles, dio forma general a su propia concepción de la composición. Sin embargo, esta creatividad tuvo que ser disciplinada y regulada por el estudio de maestría. Así, desde el esquisse se procedió al ébauche, hecho en carbón, sobre el cual se pasaba la salsa, un ladrillo rojo claro; los claros se amasaron y las sombras se diluyeron para hacerlos casi transparentes.

Por lo tanto, el enfoque del curso académico está en la copia: del modelo vivo, de las tizas, que reproducen la antigua estatuaria, y de las pinturas de los maestros del Renacimiento. De esta manera, el estudiante no solo dominó su técnica manual y su forma de organizar los volúmenes, sino que adoptó una mentalidad orientada hacia el pasado, de donde extrajo constantemente la fuente de su invención, que a menudo era una cita de obras clásicas: el pintor que dejó la Academia fue inducido a rehacer lo ya hecho o cambiar lo ya inventado o camuflar las fuentes utilizadas.

La formación académica atestigua la profesionalidad del artista, que podría presentarse en la sociedad con «papeles en orden». Sin embargo, para obtener el reconocimiento definitivo y garantizar las comisiones estatales oficiales y las comisiones de coleccionistas privados, fue necesario consagrar públicamente un éxito en el Premio de Roma y el Salón de París.

Crítica y legado
El arte académico fue criticado por su uso del idealismo, por artistas realistas como Gustave Courbet, por basarse en clichés idealistas y representar motivos míticos y legendarios mientras se ignoraban las preocupaciones sociales contemporáneas. Otra crítica de los realistas fue la «superficie falsa» de las pinturas, los objetos representados parecían lisos, resbaladizos e idealizados, sin mostrar una textura real. El Realista Théodule Ribot trabajó en contra de esto experimentando con texturas ásperas e inacabadas en su pintura.

Estilísticamente, los impresionistas, que abogaban por pintar rápidamente al aire libre exactamente lo que el ojo ve y la mano baja, criticaron el estilo de pintura acabado e idealizado. Aunque los pintores académicos comenzaron una pintura haciendo primero dibujos y luego pintando bocetos al óleo de su tema, el alto esmalte que le dieron a sus dibujos les pareció a los impresionistas una mentira. Después del boceto al óleo, el artista produciría la pintura final con el «fini» académico, cambiando la pintura para cumplir con los estándares estilísticos e intentando idealizar las imágenes y agregar detalles perfectos. Del mismo modo, la perspectiva se construye geométricamente sobre una superficie plana y no es realmente el producto de la vista, los impresionistas rechazaron la devoción a las técnicas mecánicas.

Los realistas e impresionistas también desafiaron la ubicación de la naturaleza muerta y el paisaje en la parte inferior de la jerarquía de géneros. Es importante tener en cuenta que la mayoría de los realistas e impresionistas y otros entre las primeras vanguardias que se rebelaron contra el academismo fueron originalmente estudiantes en talleres académicos. Claude Monet, Gustave Courbet, Édouard Manet e incluso Henri Matisse fueron estudiantes de artistas académicos.

A medida que el arte moderno y su vanguardia ganaron más poder, el arte académico fue denigrado aún más y visto como sentimental, cliché, conservador, no innovador, burgués y «sin estilo». Los franceses se refirieron burlonamente al estilo del arte académico como L’art Pompier (pompier significa «bombero») aludiendo a las pinturas de Jacques-Louis David (a quien la academia estimaba), que a menudo representaba a soldados con cascos de bombero. . Las pinturas se llamaban «grandes máquinas», de las cuales se decía que fabricaban falsas emociones a través de artilugios y trucos.

Esta denigración del arte académico alcanzó su punto máximo a través de los escritos del crítico de arte Clement Greenberg, quien declaró que todo arte académico es «kitsch». Otros artistas, como los pintores simbolistas y algunos de los surrealistas, fueron más amables con la tradición. Como pintores que buscaban dar vida a imágenes imaginarias, estos artistas estaban más dispuestos a aprender de una tradición fuertemente representativa. Una vez que la tradición llegó a ser vista como pasada de moda, los desnudos alegóricos y las figuras teatralmente planteadas sorprendieron a algunos espectadores como extraños y oníricos.

Con los objetivos del posmodernismo en dar una descripción más completa, más sociológica y pluralista de la historia, el arte académico ha vuelto a los libros de historia y la discusión. Desde principios de la década de 1990, el arte académico incluso ha experimentado un resurgimiento limitado a través del movimiento de taller de Realista clásico. Además, el arte está ganando una apreciación más amplia por parte del público en general, y mientras que las pinturas académicas una vez solo alcanzarían unos pocos cientos de dólares en subastas, algunas ahora obtienen millones.