La fotografía abstracta, a veces llamada fotografía no objetiva, experimental, conceptual u concreta, es un medio de representar una imagen visual que no tiene una asociación inmediata con el mundo de los objetos y que se ha creado mediante el uso de equipos, procesos o materiales fotográficos. . Una fotografía abstracta puede aislar un fragmento de una escena natural para eliminar su contexto inherente al espectador, puede ser puesta a propósito para crear una apariencia aparentemente irreal a partir de objetos reales, o puede implicar el uso de color, luz, sombra, textura, forma y / o forma para transmitir una sensación, sensación o impresión. La imagen puede producirse utilizando equipos fotográficos tradicionales como una cámara, cuarto oscuro o computadora, o puede crearse sin usar una cámara manipulando directamente película, papel u otros medios fotográficos,
Definiendo fotografía abstracta
No ha habido una definición de uso común del término «fotografía abstracta». Los libros y artículos sobre el tema incluyen desde una imagen completamente representativa de un tema abstracto, como las fotografías de pintura descascarada de Aaron Siskind, hasta imágenes completamente no representativas creadas sin una cámara o película, como las impresiones y los libros fabricados por Marco Breuer. El término incluye tanto una amplia gama de representaciones visuales como explícito en su categorización de un tipo de fotografía que es visiblemente ambigua por su propia naturaleza.
Muchos fotógrafos, críticos, historiadores del arte y otros han escrito o hablado sobre fotografía abstracta sin intentar formalizar un significado específico. Alvin Langdon Coburn en 1916 propuso que se organizara una exposición con el título «Fotografía abstracta», para la cual el formulario de inscripción indicaría claramente que «no se admitirá ningún trabajo en el que el interés del tema sea mayor que la apreciación de lo extraordinario «. La exposición propuesta no sucedió, pero Coburn luego creó algunas fotografías claramente abstractas.
El fotógrafo y profesor de psicología John Suler, en su ensayo Psicología fotográfica: imagen y psique, dijo que «una fotografía abstracta se aleja de lo que es realista o literal. Se aleja de las apariencias naturales y los temas reconocibles en el mundo real. Algunas personas incluso decir que parte del verdadero significado, la existencia y la realidad misma. Se distingue del todo concreto con su propósito dependiendo del significado conceptual y la forma intrínseca … Aquí está la prueba de fuego: si miras una foto y hay una voz dentro de ti que dice ‘¿Qué es?’ … Bueno, ahí lo tienes. Es una fotografía abstracta «.
Barbara Kasten, también fotógrafa y profesora, escribió que «La fotografía abstracta desafía nuestra visión popular de la fotografía como una imagen objetiva de la realidad al reafirmar su naturaleza construida … Liberada de su deber de representar, la fotografía abstracta continúa siendo un género generalizado. para la combinación de medios y disciplinas. Es un campo para probar la fotografía «.
El fotógrafo y teórico fotográfico alemán Gottfried Jäger usó el término «fotografía concreta», interpretando el término «arte concreto», para describir un tipo particular de fotografía abstracta. Él dijo:
«La fotografía concreta no representa lo visible (como la fotografía realista o documental);
No representa lo no visible (como la fotografía representativa y representativa);
No recurre a las vistas (como la fotografía analítica de imágenes, conceptual y demostrativa).
En cambio, establece visibilidad. Solo es visible, lo único visible.
De esta manera, abandona su carácter mediático y adquiere carácter objeto «.
Más recientemente, el artista conceptual Mel Bochner escribió a mano una cita de la Encyclopædia Britannica que decía «La fotografía no puede registrar ideas abstractas». en una tarjeta de notas, luego la fotografió e imprimió utilizando seis procesos fotográficos diferentes. Convirtió las palabras, el concepto y la visualización del concepto en el arte mismo, y al hacerlo creó una obra que presentaba otro tipo de fotografía abstracta, una vez más sin definir el término en sí.
Historia
Siglo 19
Algunas de las primeras imágenes de lo que se puede llamar fotografía abstracta aparecieron en la primera década después de la invención de la nave. En 1842, John William Draper creó imágenes con un espectroscopio, que dispersó los rayos de luz en un patrón visible previamente no registrado. Las impresiones que hizo no tenían referencia a la realidad del mundo visible que otros fotógrafos registraron y demostraron la capacidad sin precedentes de la fotografía para transformar lo que antes era invisible en una presencia tangible. Draper vio sus imágenes como registros científicos en lugar de arte, pero su calidad artística es apreciada hoy por su estado innovador y su individualidad intrínseca.
Otra fotógrafa temprana, Anna Atkins, en Inglaterra, produjo un libro autoeditado de fotogramas realizado colocando algas secas directamente en papel de cianotipo. Diseñado como un estudio científico, las imágenes en blanco sobre azul tienen una calidad abstracta etérea debido a las imágenes negativas y la falta de contexto natural para las plantas.
El descubrimiento de los rayos X en 1895 y la radioactividad en 1896 causó una gran fascinación pública con cosas que antes eran invisibles o invisibles. En respuesta, los fotógrafos comenzaron a explorar cómo podían capturar lo que la visión humana normal no podía ver.
Casi al mismo tiempo, el autor y artista sueco August Strindberg experimentó sometiendo soluciones salinas en placas fotográficas al calor y al frío. Las imágenes que produjo con estos experimentos fueron representaciones indefinidas de lo que de otro modo no se podrían ver y fueron completamente abstractas en su presentación.
Cerca del cambio de siglo, Louis Darget, en Francia, trató de capturar imágenes de procesos mentales presionando placas no expuestas en la frente de los asistentes y exhortándolos a proyectar imágenes de sus mentes en las placas. Las fotografías que produjo eran borrosas e indefinidas, pero Darget estaba convencido de que lo que él llamaba «vibraciones de pensamiento» no se distinguían de los rayos de luz.
siglo 20
Durante la primera década del siglo XX hubo una ola de exploración artística que aceleró la transición en la pintura y la escultura del impresionismo y postimpresionismo al cubismo y el futurismo. A partir de 1903, una serie de exhibiciones de arte anuales en París llamadas Salon d’Automne presentaron al público una visión radical de artistas como Cézanne, Picasso, Marcel Duchamp, Francis Picabia, František Kupka y Albert Gleizes. Jean Metzinger. Una década más tarde, el Armory Show en Nueva York creó un escándalo al mostrar obras completamente abstractas de Kandinsky, Braque, Duchamp, Robert Delaunay y otros.
Algunos de los fotógrafos más creativos de la época destacaron debidamente el interés público y, en ocasiones, la repulsión hacia el arte abstracto. En 1910, en Nueva York, Alfred Stieglitz comenzó a mostrar pintores abstractos como Marsden Hartley y Arthur Dove en su galería de arte 291, que anteriormente solo había exhibido fotografía pictórica. Fotógrafos como Stieglitz, Paul Strand y Edward Steichen experimentaron con temas representativos fotografiados en composiciones abstractas.
Las primeras imágenes exhibidas públicamente que ahora se reconocen como fotografías abstractas fueron una serie llamada Patrones simétricos de formas naturales, mostrada por Erwin Quedenfeldt en Colonia en 1914. Dos años más tarde, Alvin Langdon Coburn comenzó a experimentar con una serie que llamó Vortographs. Durante un período de seis semanas en 1917, tomó aproximadamente dos docenas de fotografías con una cámara equipada con un prisma multifacético. Las imágenes resultantes no tenían una relación deliberada con las realidades que vio y con sus retratos y paisajes urbanos anteriores. Él escribió: «¿Por qué la cámara no debería deshacerse de los grilletes de las representaciones contemporáneas …? ¿Por qué, le pregunto sinceramente, necesitamos continuar haciendo pequeñas exposiciones comunes …?»
En las décadas de 1920 y 1930 hubo un aumento significativo en el número de fotógrafos que exploraron imágenes abstractas. En Europa, Praga se convirtió en un centro de fotografía de vanguardia, con František Drtikol, Jaroslav Rössler, Josef Sudek y Jaromír Funke, todos creando fotografías influenciadas por el cubismo y el futurismo. Las imágenes de Rössler, en particular, fueron más allá de la abstracción representativa a abstracciones puras de luz y sombra.
En Alemania y más tarde en los Estados Unidos, László Moholy-Nagy, líder de la escuela de modernismo de la Bauhaus, experimentó con las cualidades abstractas del fotograma. Dijo que «las posibilidades más asombrosas aún no se han descubierto en la materia prima de la fotografía» y que los fotógrafos «deben aprender a buscar, no la ‘imagen’, no la estética de la tradición, sino el instrumento ideal de expresión, el autocontrol. vehículo suficiente para la educación «.
Algunos fotógrafos durante este tiempo también empujaron los límites de las imágenes convencionales al incorporar las visiones del surrealismo o el futurismo en su trabajo. Man Ray, Maurice Tabard, André Kertész, Curtis Moffat y Filippo Masoero fueron algunos de los artistas más conocidos que produjeron imágenes sorprendentes que cuestionaron tanto la realidad como la perspectiva.
Tanto durante como después de la Segunda Guerra Mundial, fotógrafos como Minor White, Aaron Siskind, Henry Holmes Smith y Lotte Jacobi exploraron composiciones de objetos encontrados de manera que demostraron que incluso nuestro mundo natural tiene elementos de abstracción incrustados en él.
Frederick Sommer abrió nuevos caminos en 1950 al fotografiar objetos encontrados reorganizados a propósito, lo que resultó en imágenes ambiguas que podrían interpretarse ampliamente. Eligió titular una imagen enigmática en particular The Sacred Wood, después del ensayo de TS Eliot sobre crítica y significado.
La década de 1960 se caracterizó por exploraciones desinhibidas en los límites de los medios fotográficos en ese momento, comenzando con fotógrafos que ensamblaron o volvieron a ensamblar sus propias imágenes y / o las encontraron, como Ray K. Metzker, Robert Heinecken y Walter Chappell.
A mediados de la década de 1970, Josef H. Neumann desarrolló quimiogramas, que son productos tanto de procesamiento fotográfico como de pintura sobre papel fotográfico. Antes de la difusión de las computadoras y el uso del software de procesamiento de imágenes, el proceso de creación de quimiogramas puede considerarse una forma temprana de postproducción analógica, en la que la imagen original se altera después del proceso de ampliación. A diferencia de los trabajos de postproducción digital, cada quimiograma es una pieza única.
A principios de la década de 1970, los fotógrafos extendieron los límites de la escala y la superficie en lo que entonces eran los medios fotográficos tradicionales que tuvieron que desarrollarse en un cuarto oscuro. Inspirada por el trabajo de Moholy-Nagy, Susan Rankaitis comenzó a incrustar imágenes encontradas de libros de texto científicos en fotogramas a gran escala, creando ha sido llamado «un palimpsesto que debe ser explorado casi como una excavación arqueológica». Más tarde produjo enormes construcciones de galerías interactivas que ampliaron las nociones físicas y conceptuales de lo que podría ser una fotografía. Se decía que su trabajo «imitaba la fragmentación de la mente contemporánea».
En la década de 1990, una nueva ola de fotógrafos exploraba las posibilidades de usar computadoras para crear nuevas formas de crear fotografías. Fotógrafos como Thomas Ruff, Barbara Kasten, Tom Friedman y Carel Balth estaban creando obras que combinaban fotografía, escultura, grabado e imágenes generadas por computadora.
Siglo 21
Una vez que las computadoras y el software de fotografía estuvieron ampliamente disponibles, los límites de la fotografía abstracta se expandieron más allá de los límites del cine y la química en dimensiones casi ilimitadas. Los límites que quedaban entre los artistas puros y los fotógrafos puros fueron eliminados por individuos que trabajaban exclusivamente en fotografía pero que solo producían imágenes generadas por computadora. Entre los más conocidos de la generación de principios del siglo XXI estaban Gaston Bertin, Penélope Umbrico, Ard Bodewes, Ellen Carey, Nicki Stager, Shirine Gill, Wolfgang Tillmans, Harvey Lloyd y Adam Broomberg y Oliver Chanarin.