El Museo de Arte Moderno (Moderna Museet) es un museo estatal de arte moderno y contemporáneo ubicado en la isla de Skeppsholmen en el centro de Estocolmo, inaugurado en 1958. En 2009, el museo abrió una nueva sucursal en Malmö en el sur de Suecia, Moderna Museet Malmö. Moderna Museet tiene una larga historia de acoger a artistas internacionales para exposiciones, actuaciones y otras presentaciones innovadoras, así como a través de su colección de renombre mundial.
Con una colección de arte que comprende más de 130 000 obras, Moderna Museet (Museo de Arte Moderno) es el principal museo de arte moderno y contemporáneo de Suecia. Moderna Museet tiene una de las mejores colecciones de arte moderno y contemporáneo de Europa. Las colecciones contienen pintura, escultura, fotografía y cine de arte contemporáneo desde 1900 en adelante, y en el caso de fotografías también de alrededor de 1840.
Incluye obras clave de Pablo Picasso, Ljubov Popova, Salvador Dalí, Meret Oppenheim, Robert Rauschenberg, Donald Judd e Irving Penn, junto con obras de artistas contemporáneos en ejercicio. Aquí puede leer sobre las distintas partes de la colección y su historia.
Combinando obras maestras internacionales de artistas como Warhol, Picasso y Dali con exposiciones temporales de destacados artistas de los siglos XX y XXI, Moderna Museet logra atraer a muchos visitantes que regresan para una experiencia artística en constante cambio. La colección original estaba dominada por el arte sueco y nórdico, el arte estadounidense de los años 50 y 60 y el modernismo de orientación francesa, sin embargo, la colección se ha ampliado para incluir más artistas femeninas y crear una colección más versátil con obras de todo el mundo.
Solo se puede exhibir una fracción de la colección. Pero nos permite explorar y reformular la narrativa histórica del arte estándar a través de nuevos conocimientos y cambios constantes en la exposición. Esto incluye Moderna Museet Malmö, con su enfoque innovador en la selección y exhibición de obras de la colección desde su apertura en 2009.
Moderna Museet es una plataforma estimulante para las personas y el arte, ofrece al público formas elementales, atractivas y directas de encontrar el arte en igualdad de condiciones. Moderna Museet inspira y crea espacio para nuevas ideas al ser una plataforma estimulante que hace que el arte de clase mundial sea accesible para una amplia audiencia.
Mud Muses: una perorata sobre la tecnología
¿Cómo entendemos la relación entre la vida y la tecnología en una época en la que parecen estar completamente fusionadas? El espectáculo colectivo «Mud Muses – Una perorata sobre la tecnología» toma su título de una instalación de Robert Rauschenberg y de un ensayo de la escritora de ciencia ficción Ursula K. Le Guin. Conozca a 19 artistas y grupos de artistas que manipulan y juegan con códigos (de género), cambian subjetividades, se relacionan con otras inteligencias y cortocircuitan las promesas de la tecnología.
En la década de 1960, el objetivo era integrar la tecnología con la vida cotidiana: en 2019 esa unificación parece realizada y completa. ¿Quizás fue viajando a través de la historia y la imaginación que podemos rastrear las diferencias entre la vida, el arte y la tecnología? En la obra de arte de cincuenta años «Mud Muse» (1968-1971) de Robert Rauschenberg, las vibraciones sónicas crean burbujas aleatorias en una gran cubeta abierta llena de lodo sintético. Aquí nuestro encuentro con la tecnología se vuelve complicado y confuso. Lo que es realmente una musa de barro sigue siendo incierto, pero la instalación deja una cosa clara: la tecnología es una noción que crea tiempo y espacio y, por lo tanto, influye en nuestro sentido de la realidad.
El tema del arte y la tecnología es uno de los pilares del Moderna Museet. Varias exposiciones importantes sobre el ser humano y la máquina se llevaron a cabo en los años de fundación del museo, como «Movimiento en el arte» (1961), la exposición Tatlin (1968), «Ararat» (1976) – y el museo en sí fue concebido como un centro de información y estación de transmisión, un ejemplo temprano de cómo la sociedad se rehace a imagen de la tecnología. «Mud Muses» retoma, pero también se aparta de esta historia en un recorrido por las importantes transformaciones que ha sufrido el tema desde la década de 1960, y ofrece nuevas interpretaciones de su trasfondo histórico y cultural.
En su texto «Una perorata sobre la tecnología» (2004), Ursula K. Le Guin desacopla la tecnología del sentido común y el progreso. Ella escribe: «La tecnología es la interfaz humana activa con el mundo material». Esta simple definición expande la idea de tecnología y asegura que no solo pertenezca a culturas ‘avanzadas’ o al final de nuestra historia. Pero, ¿cómo actúa «el mundo material» en esta ecuación? ¿Y cómo afecta la ‘interfaz activa’ de la tecnología a los seres humanos y su sociedad?
Taller de intercambio de visión con Nalini Malani y Akbar Padamsee, Robert Rauschenberg, Anna Sjödahl, Charlotte Johannesson y el Teatro Digital, Suzanne Treister, Soda Jerk y VNS Matrix, Ian Cheng, Sidsel Meineche Hansen y Cultural Capital Cooperative, Armando Mariano Marubo, Paulino Joaquim Marubo y Antônio Brasil Marubo, The Otolith Group, Lucy Siyao Liu, Branko Petrović och Nikola Bojić, CUSS group, Jenna Sutela, Nomeda y Gediminas Urbonas, Anna Lundh, y Primer con Emil Rønn Andersen, Eva Löfdahl, Amitai Romm, Aquaporin y Novo nordisk .
Walid Raad – Seamos honestos, el clima ayudó
Esta retrospectiva de Walid Raad presenta documentos y escenarios que él desea que existieran o que teme que ya existan. También nos encontramos con el propio artista en una obra de performance integral. «Seamos honestos, el tiempo ayudó» es una totalidad compleja pero también divertida y muy elegante. Sin duda la exposición más imperdible de esta primavera (Dagens Nyheter). La exposición es retrospectiva, pero no cronológica. Las obras de los principales proyectos de Raad se presentan una al lado de la otra de una manera sin precedentes, abriéndose a nuevos enfoques de su obra y los temas que explora.
Walid Raad comenzó su carrera como artista a fines de la década de 1980 y ha trabajado principalmente en tres proyectos importantes: The Atlas Group, Sweet Talk: Commissions y Scratching en cosas que podía rechazar. Estos proyectos están estrechamente relacionados con sus experiencias de crecer en Beirut durante la guerra civil en el Líbano, mudarse a Nueva York y tener una carrera emergente en un mundo del arte globalmente expansivo. Raad habla de cómo la violencia afecta los cuerpos, las mentes, la cultura y la tradición. En sus fotografías, cintas de video, esculturas, textos e instalaciones de medios mixtos, Raad procede de eventos históricos para imaginar situaciones y documentos aparentemente ridículos, extraños y maravillosos.
Walid Raad es uno de los artistas contemporáneos más famosos. Sus obras se han mostrado en la documenta y la Bienal de Venecia, y ha tenido importantes exposiciones individuales en museos de todo el mundo. La práctica artística innovadora de Raad ha sido ampliamente reconocida y premiada, sobre todo por sus actuaciones únicas o «Walkthroughs», como él las llama. Walid Raad nació en 1967 en Líbano. Actualmente vive en Medusa, en el estado de Nueva York.
Conoce al artista Walid Raad en una actuación única. La obra entrelaza hilos históricos, políticos, económicos, culturales y filosóficos en una narrativa vertiginosa, imaginativa e iluminadora. Le recomendamos que experimente el arte de Walid Raad en uno de sus tutoriales. La actuación se lleva a cabo en 23 ocasiones. «Pateando a los muertos y / o Les Louvres» es una actuación de 75 minutos, a la que Raad se refiere como un «recorrido». Acompaña la exposición y comprende presentaciones a modo de conferencia, proyecciones de videos y paseos por los espacios expositivos. Temáticamente, Walid Raad se concentra en la inauguración del Louvre Abu Dhabi. Su investigación lo lleva a involucrarse en la Primera Guerra Mundial, la educación artística, los seguros, el sudor y la historia de los edificios altos.
Además de la actuación, Walid Raad organiza cinco visitas guiadas a la exposición. El comisario de la exposición, Fredrik Liew, también ofrece visitas guiadas especiales con regularidad. Todas las visitas guiadas y actuaciones se enumeran en el calendario.
John Baldessari
El artista estadounidense John Baldessari creó un arte conceptual que hace preguntas sobre qué es el arte, cómo se hace y cómo se ve. Combinando imágenes de la cultura pop con exploraciones lingüísticas, su trabajo desafió las normas y límites artísticos a lo largo de toda su carrera. Esta exposición de una treintena de piezas, es la primera presentación extensa de su obra en Suecia.
Durante más de cinco décadas, John Baldessari (1931-2020) exploró la relación entre texto e imagen y lo que surge cuando se unen. Sus obras de arte conceptual a menudo tienen una veta subyacente de humor e ironía. La exposición abarca toda la carrera de Baldessari y muestra la amplitud de su práctica artística: te encuentras con pinturas, fotografías, las imágenes en movimiento y las huellas de actos performativos. En muchas de las obras de arte de John Baldessari, el proceso de selección real es un tema central. Entre las obras presentadas en la exposición, hay ejemplos de cómo Baldessari confía la elección o decisión a otra persona o al azar, o cómo establece reglas lúdicas que limitan las elecciones que dan forma a las obras de arte.
Baldessari se dio cuenta desde el principio de que una imagen fotográfica o diferentes tipos de texto podían expresar sus intenciones artísticas mejor que una pintura. En su práctica, a menudo reunió elementos de la historia del arte y la cultura popular para crear yuxtaposiciones inesperadas. Hollywood y los fotogramas en blanco y negro descartados de las producciones cinematográficas eran una fuente constante de material. Más tarde, comenzó a oscurecer rostros individuales en fotografías detrás de puntos de colores, haciendo que las figuras fueran anónimas y permitiendo que la mirada se dirigiera a otras partes de la imagen.
A lo largo de su carrera artística, Baldessari se interesó por la naturaleza del arte, cómo se hace y cómo se ve. El lenguaje y el texto se convirtieron en herramientas fundamentales para él, así como para muchos otros artistas, que en la década de 1960 enfatizaron la idea detrás de una obra de arte más que sus cualidades estéticas. En la pieza de video «Estoy haciendo arte» (1971), que también se incluye en esta exposición, Baldessari se mueve con rigidez frente a la cámara, repitiendo constantemente la declaración «Estoy haciendo arte» con un énfasis diferente en las palabras cada vez. – un guiño al arte conceptual y la noción de que todas las acciones pueden ser arte.
La crítica dirigida al arte conceptual simplemente por «señalar las cosas» inspiró a Baldessari a crear la serie «Pinturas por encargo» (1969). Le pidió a un amigo que señalara objetos interesantes, hizo que fotografiaran el proceso de señalamiento y encargó a un pintor aficionado que copiara las fotografías. Debajo de las pinturas, se pidió a un pintor de carteles que escribiera «Una pintura de» seguido del nombre del pintor. Estas «pinturas encargadas» no tienen rastros del propio Baldessari y pueden leerse como un comentario sobre la concepción del expresionismo abstracto de la obra de arte como una expresión directa de la vida emocional y el genio del artista.
Aris Fioretos – Atlas
Un laboratorio de un libro, «Atlas» da vida a un mundo paralelo que es engañosamente similar al nuestro. Flotando entre la ficción y la historia cultural, nos encontramos con un universo de texto en una exposición homónima. Aris Fioretos es el autor del libro detrás de la exposición en la Pontus Hultén Study Gallery. ¿Qué sucede cuando la literatura se vuelve tridimensional? La exposición «Atlas» se basa en el nuevo libro homónimo, en el que Fioretos traza el surgimiento de una visión moderna de la humanidad en las décadas de 1900. Junto con gewerkdesign, Berlín, y el artista sonoro Peter Imig, Aris Fioretos ha capturado «la toda la historia del sufrimiento humano «en 24 escenas. Parte libro y parte exposición, «Atlas» ofrece una visión de lo que uno de la literatura ‘Los médicos más famosos (Frankenstein) llamaron a su «taller de creación inmunda».
El nuevo libro de Aris Fioretos, «Atlas», fusiona ensayo y ficción. Sus tres novelas anteriores, «Irma», «La verdad sobre Sascha Knisch» y «Nelly B: s Hjärta» (El corazón de Nelly B), se basan en hechos históricos hasta 1933. Los tres protagonistas están conectados pero también independientes, como órganos del cuerpo. Estocolmo es importante como escenario de la historia, que trata principalmente sobre la medicina y los grandes cambios sociales. La exposición es como un gabinete, donde se presentan unos 20 estados afectivos en un modelo arquitectónico con figuras recortadas. El modelo / mesa se divide en tres partes, cada una coordinada con las tres protagonistas femeninas.
Todo comenzó con un obituario. Un día, Aris Fioretos descubrió que un archivero de la Junta Nacional de Salud había muerto a una edad muy avanzada, sin dejar parientes. No le habría dado otro pensamiento a Iris Frost si su nombre no hubiera sido similar al de un personaje secundario en su primera novela. Por curiosidad, se puso en contacto con el diario y obtuvo el número de la persona que había enviado el obituario. Cuando se conocieron, la vida resultó ser más extraña que la ficción. El fallecido no solo había leído sus novelas sobre cómo el cerebro, los genitales y el corazón informaron la visión de la humanidad que surgió a principios del siglo XX, sino que también los había comentado.
Museo de Arte Moderno de Estocolmo
El Moderna Museet fue inaugurado en la casa de ejercicios de Skeppsholmen, el 9 de mayo de 1958. El superintendente del Museo Nacional, Otte Sköld, recordó en su discurso inaugural que ya en 1908 se había tomado el problema del arte local actual en el Museo Nacional. en serio y la idea de un nuevo edificio para estas colecciones. Poco antes de su muerte, Otte Sköld vio por sí mismo el museo realizado y su compromiso con la creación del nuevo museo había sido decisivo. Junto con, entre otros, los Amigos del Museo Moderno, que fue fundado en 1953, dio su propio hogar a la colección de arte del siglo XX del Museo Nacional. Los superintendentes conductores del museo, Pontus Hultén y Olle Granath, vinieron con sus contactos e iniciativas para perseguir estas intenciones en las décadas siguientes.
El museo se inauguró en 1958, cuando se trasladó del Nationalmuseum a una antigua sala de ejercicios de la marina en Skeppsholmen en Estocolmo. El edificio actual fue terminado en 1998, contiguo al antiguo recinto del museo, y está diseñado por el arquitecto español Rafael Moneo. Moderna Museet también abrió en Malmö en 2009.
La colección del Moderna Museet ahora comprende unas 6.000 pinturas, esculturas e instalaciones, 25.000 acuarelas, dibujos y grabados, 400 videos y películas de arte y 100.000 fotografías. La colección abarca pinturas, esculturas, instalaciones, películas, videos, dibujos y grabados de artistas suecos e internacionales de los siglos XX y XXI, y fotografías desde la década de 1840 hasta la actualidad.
Desde 2009, el museo también tiene una sucursal en Malmö. El museo es una autoridad administrativa estatal dependiente del Ministerio de Cultura y tiene, según sus instrucciones, la tarea de recopilar, preservar, exhibir y comunicar el arte de los siglos XX y XXI en todas sus formas. Moderna Museet promoverá los contactos internacionales a través de la colaboración con instituciones fuera de Suecia en forma de exposiciones itinerantes, y también será responsable de la participación sueca en bienales de arte internacionales. El Museo Moderno es también un museo central, con responsabilidad nacional en su área.
El Moderna Museet organiza varias exposiciones grandes tanto en Estocolmo como en Malmö cada año, una serie de exposiciones medianas y pequeñas. En 2012, el museo de Estocolmo tuvo alrededor de 500.000 visitantes y el museo de Malmö más de 100.000 visitantes.