2016 Reseña de la exposición del Museo de Arte Moderno de Estocolmo, Suecia

El Museo de Arte Moderno (Moderna Museet) es un museo estatal de arte moderno y contemporáneo ubicado en la isla de Skeppsholmen, un escenario de belleza natural. Inaugurado en 1958, el edificio fue diseñado por el arquitecto español Rafael Moneo. En 2009, el museo abrió una nueva sucursal en Malmö, en el sur de Suecia, Moderna Museet Malmö.

La pasión de Moderna Museet es mediar el arte para las personas. Abrazar, desafiar e inspirar a las personas y nos impulsa la ambición de hablar con muchos. Moderna Museet incluyente y para celebrar la diversidad reconociendo que las personas llegan desde diferentes puntos de partida. Moderna Museet atrae a un público más amplio al compartir la maravilla del arte.

El extraordinario poder del arte es nuestro alma. El arte surge y refleja su propio tiempo. Permite preguntas que generan nuevas perspectivas; los artistas son una fuerza enorme y estimulan una creatividad más amplia. El Moderna Museet defiende el arte porque abre nuevos caminos y permite una visión reflexiva tanto de la historia como del presente.

Moderna Museet será una plataforma estimulante para las personas y el arte, para ser un museo vibrante, abierto y dinámico que existe como un espíritu, que ofrece al público formas elementales, atractivas y directas de encontrar el arte en igualdad de condiciones. Moderna Museet inspira y crea espacio para nuevas ideas al ser una plataforma estimulante que hace que el arte de clase mundial sea accesible para una amplia audiencia. Estableceremos nuevos estándares para los museos de arte en todo el mundo.

Moderna Museet recopila, conserva, exhibe y medita el arte moderno y contemporáneo. Moderna Museet gestiona nuestro patrimonio cultural con base en los más altos estándares de excelencia y genera investigaciones que conducen a colaboraciones y reconocimientos internacionales de alta calidad. Moderna Museet es una institución líder en nuestro campo y creemos en compartir nuestro conocimiento.

La colección, la investigación, las exposiciones, la mediación y la comunicación del Moderna Museet deben complementarse y fertilizarse entre sí; estas actividades no pueden estar solas. Moderna Museet nos definimos a partir de los contextos en los que nos involucramos. Nuestro objetivo de poner el mejor arte a disposición de la mayor cantidad de personas posible debe basarse en prácticas sostenibles que tengan en cuenta los impactos ambientales y sociales. Moderna Museet debe ser impulsado por el coraje de experimentar, atreverse a traspasar los límites y tomar nuevos caminos en la forma en que gestionamos nuestras tareas.

Yayoi Kusama – In Infinity
Yayoi Kusama – In Infinity es la primera gran presentación retrospectiva de la obra de Kusama en Escandinavia, que abarca toda su carrera artística desde principios de la década de 1950 hasta la actualidad. La exposición presenta una rica selección de pinturas, dibujos y esculturas, incluidas instalaciones espaciales y material relacionado con la interpretación, prestando especial atención a las obras de finales de la década de 1980, después del regreso de Kusama a Japón. También es la primera exposición completa que muestra el interés de Kusama por la moda y el diseño. Se exhiben obras nunca antes mostradas, así como una serie de pinturas hechas especialmente para Yayoi Kusama – In Infinity.

La exposición In Infinity muestra obras de Yayoi Kusama desde 1948 hasta la actualidad. La obra de arte Suit (1962) de la colección del Moderna Museet se ha conservado y ha viajado cedida durante todo el recorrido de la exposición por Dinamarca, Noruega, Suecia y viajará a Finlandia. Junto con el material de archivo privado de Kusama, también se encuentran interesantes descubrimientos del propio archivo del Moderna Museet.

La notable práctica artística de Yayoi Kusama (nacido en 1929) ha fascinado al público durante más de seis décadas. Como pocos artistas, se mueve decididamente entre la pintura y la escultura, entre el arte y el diseño, y entre Oriente y Occidente. Moderna Museet y ArkDes ahora presentan a Kusama en una exposición retrospectiva que cubre su obra, desde los primeros estudios de la naturaleza hasta las instalaciones que suspenden el tiempo y el espacio.

Las imágenes únicas de Kusama surgen de las alucinaciones recurrentes que la han perseguido desde la infancia. En sus alucinaciones el mundo aparecía cubierto de puntos y formas repetitivas, como un cielo estrellado infinito. El arte, para Kusama, se convirtió en un método de dar forma a estos paisajes interiores. En un esfuerzo por poner palabras a sus experiencias, Kusama habla sobre el concepto de auto-obliteración: la idea de volverse uno con el entorno, disolver los límites del Yo y desaparecer en un vacío que lo abarca todo. Para compartir sus experiencias, Kusama crea obras de arte que invitan a los visitantes a perderse en las redes infinitas, cuartos de espejos y miles de lunares con los que cubre el mundo.

En 1957, Yayoi Kusama se fue de Japón a Nueva York. Aquí, en el corazón de la vibrante escena artística de la década de 1960, creó muchas de sus obras más importantes. Posteriormente realizó protestas contra la guerra de Vietnam, marchas rodeadas de seguidores hippies, actuaciones políticas y orgías donde pintó los cuerpos desnudos de los participantes con puntos. Como mujer no occidental en el mundo del arte excluyente y dominado por hombres de la época, Kusama era un ave rara, pero pronto ganó fama y reconocimiento. A fines de la década de 1970, Kusama se fue de Nueva York. Unos años más tarde retomó su práctica artística en Tokio, realizando pinturas y esculturas monumentales. Yayoi Kusama todavía trabaja en su estudio todos los días y ahora es una de las artistas más queridas del mundo.

La vida misma – Sobre la cuestión de qué es esencialmente; sus materialidades, sus características …
La exposición Life Itself se extiende desde principios del siglo XX, cuando los artistas de la vanguardia abstracta y junto a ella se esforzaban por categorizar la existencia, y hasta el mundo actual de objetos que existen en un estado en algún lugar entre lo que llamamos lo vivo y lo no-vivo. viviendo. Entre los artistas presentados en la exposición se encuentran Giovanni Anselmo, Olga Balema, Hicham Berrada, Joseph Beuys, Karl Blossfeldt, Victor Brauner, Trisha Donnelly, Pierre Huyghe, Tehching Hsieh, Josh Kline, Hilma af Klint, Helen Marten, Katja Novitskova, Philippe Parreno , Rachel Rose, Paul Thek y Rosemarie Trockel.

La vida misma, considerando que los intentos de responder a esta pregunta por parte de las ciencias y filosofías occidentales han resultado insatisfactorios. Desde los días de Aristóteles, la vida misma ha sido un misterio, a pesar de los innumerables intentos de científicos y filósofos por encontrar una definición. A pesar de las avanzadas teorías contemporáneas sobre sistemas complejos y el vertiginoso potencial de la biología sintética, todavía somos incapaces de determinar qué constituye la vida. Por tanto, parece justificado un intento de abordar la cuestión mediante una exposición de arte, aunque sólo sea para demostrar formas de afrontar nuestra incapacidad para encontrar una respuesta satisfactoria.

Klee / Aguéli
Las obras presentadas en esta exposición, en total 86 pinturas y dibujos, podrían resumirse con las palabras clave creación, forma, ángel, signo y jardín. El asombroso fenómeno de algo que brota del suelo fascinó a ambos artistas. Tan completamente ordinario y mundano, y sin embargo místico y divino. Los pintores Paul Klee (1879-1940, Suiza) e Ivan Aguéli (1869-1917, Suecia) vivieron y trabajaron en una época en la que la sociedad moderna occidental comenzaba a tomar forma. Mientras trenes y máquinas de todo tipo aceleraban la vida y los viajes, estos dos artistas prefirieron quedarse con la mirada, en busca de la «cuarta dimensión» (Aguéli), u «otro mundo posible» (Klee), al estar en contacto con la naturaleza y los objetos en su entorno inmediato.

En 1914, Paul Klee fue a Túnez y descubrió que era pintor. El mismo año, Ivan Aguéli se embarcó en su tercera estancia en Egipto, el país que dio forma a sus ideas sobre la vida y el arte. Pintor, anarquista, sufí y viajero, la historia de vida de Aguéli es una novela en sí misma. Klee y Aguéli nunca se conocieron, pero aquí se presentan juntos, en una exposición sobre los dos artistas y su relación con los fundamentos del arte visual: la elección del tema, el acto creativo y las cualidades de la imagen.

Klee y Aguéli podrían confundirse con reaccionarios, excéntricos o reclusos. Pero esto está mal. Mantuvieron un estrecho diálogo con la sociedad moderna: ambos eran intelectuales y críticos bien leídos, Aguéli publicó revistas y Klee enseñó en la escuela de arquitectura y artes Bauhaus. Sus viajes, sus observaciones de la naturaleza, la intimidad de sus pequeños cuadros y su lenta contradicción no fueron motivados por el escapismo o la nostalgia, sino por sus opiniones sobre cómo y con qué valores la humanidad debe abordar el presente y afrontar el futuro.

En un mundo que iba a estar marcado por dos guerras mundiales, Paul Klee buscó «lograr una asociación feliz entre la visión de la vida y la artesanía artística pura» y lograr la mayor libertad posible a través de la contemplación, la imaginación y el juego. Ivan Aguéli buscó fusionar arte, religión y realidad, para encontrar una alternativa a la «época sórdida» occidental. Su temprana fascinación por el anarquismo antitotalitario y el misticismo de Swedenborg inspiró largas estancias en El Cairo, su posterior conversión al Islam en 1898 e intensos estudios del sufismo, el camino más espiritual del Islam, que enfatiza el amor y la cercanía a Dios.

No importa si llamamos a esto espiritualidad, imaginación o juego. Cuando los dos artistas entran en contacto con la realidad a través del movimiento rítmico del pincel sobre el fondo, lo que ocurre no es una representación, sino una metamorfosis del objeto a la inmaterialidad. La exposición Klee / Aguéli trata sobre cómo una pintura de un jardín o un bosque de palmeras puede constituir un acto de resistencia. En nuestra propia era turbulenta, es un recordatorio del gran potencial poético y político que se puede incrustar en un pequeño cuadro pintado.

Momento – Lina Selander
Lina Selander es una de las artistas de imágenes en movimiento más innovadoras de Suecia. Lina Selander nació en 1973 en Estocolmo, donde aún vive y trabaja. Sus obras giran en torno a imágenes como recuerdos, improntas y representaciones. Sus películas e instalaciones a menudo se centran en coyunturas de la historia en las que un sistema o lugar físico colapsa y comienza a surgir algo nuevo; la narrativa del cine mecánico dando paso a la del video digital, o un sistema político o económico que se desploma hacia uno nuevo.

Las películas e instalaciones de Lina Selander se pueden leer como composiciones o modelos de pensamiento, donde las ideas y las condiciones se pesan y se prueban. Examina las relaciones entre la memoria y la percepción, la fotografía y el cine, el lenguaje y la imagen. La edición precisa y rítmica y el uso del sonido crean su propia temporalidad y una fuerte presión interior. La obra de Selander explora de forma recurrente la fascinación por los fenómenos y las tecnologías que hacen posibles las imágenes, permitiendo así documentar la historia. El montaje se utiliza en las películas para yuxtaponer imágenes, lo que conlleva una posible pérdida de contenido. La imagen se encuentra con el texto en un flujo donde el significado surge de lo aparentemente no relacionado, como ecos a través y entre las obras.

Las obras de Selander constituyen un denso archivo de observaciones, en ocasiones en diálogo con otras películas, arte o literatura. Sus temas a menudo provienen de uniones históricas o ideológicas, donde un sistema o lugar físico colapsa y algo nuevo comienza a emerger. Mientras que su exposición en la Bienal de Venecia describe un movimiento entre la utopía y el colapso, la presentación en Moderna Museet muestra tres obras que exploran más a fondo las fronteras reales o figurativas.

Museo de Arte Moderno de Estocolmo
El Museo de Arte Moderno de Estocolmo es una autoridad administrativa estatal dependiente del Ministerio de Cultura y, según sus instrucciones, tiene la tarea de recopilar, preservar, exhibir y comunicar el arte de los siglos XX y XXI en todas sus formas. Moderna Museet promoverá los contactos internacionales a través de la colaboración con instituciones fuera de Suecia en forma de exposiciones itinerantes, y también será responsable de la participación sueca en bienales de arte internacionales. El Museo Moderno es también un museo central, con responsabilidad nacional en su área.

Moderna Museet es un museo estatal con un mandato nacional para el arte moderno y contemporáneo. La colección está a la vanguardia de su tipo en Europa. El museo es un lugar de encuentro para personas y arte con una base sólida en la sociedad y el mundo en general. Con su programa de exposiciones de clase mundial, proyectos basados ​​en colecciones y actividades educativas, Moderna Museet tiene una presencia local sustancial y un alcance internacional. El intercambio con otras instituciones artísticas de todo el mundo es extenso.

Moderna Museet tiene una larga historia de acoger a artistas internacionales para exposiciones, actuaciones y otras presentaciones innovadoras, así como a través de su colección de renombre mundial. Experimente una de las colecciones de arte más importantes de Europa desde el siglo XX hasta la actualidad, con obras de artistas como Picasso, Dali, Derkert y Matisse.

Con una colección de arte que comprende más de 130 000 obras, Moderna Museet (Museo de Arte Moderno) es el principal museo de arte moderno y contemporáneo de Suecia. Moderna Museet tiene una de las mejores colecciones de arte moderno y contemporáneo de Europa. Las colecciones contienen pintura, escultura, fotografía y cine de arte contemporáneo desde 1900 en adelante, y en el caso de fotografías también de alrededor de 1840.

Combinando obras maestras internacionales de artistas como Warhol, Picasso y Dali con exposiciones temporales de destacados artistas de los siglos XX y XXI, Moderna Museet logra atraer a muchos visitantes que regresan para una experiencia artística en constante cambio. La colección original estaba dominada por el arte sueco y nórdico, el arte estadounidense de los años 50 y 60 y el modernismo de orientación francesa, sin embargo, la colección se ha ampliado para incluir más artistas femeninas y crear una colección más versátil con obras de todo el mundo. mundo.

El Moderna Museet fue inaugurado en la casa de ejercicios de Skeppsholmen, el 9 de mayo de 1958. El superintendente del Museo Nacional, Otte Sköld, recordó en su discurso inaugural que ya en 1908 se había tomado el problema del arte local actual en el Museo Nacional. en serio y la idea de un nuevo edificio para estas colecciones. Poco antes de su muerte, Otte Sköld vio por sí mismo el museo realizado y su compromiso con la creación del nuevo museo había sido decisivo. Junto con, entre otros, los Amigos del Museo Moderno, que fue fundado en 1953, dio su propio hogar a la colección de arte del siglo XX del Museo Nacional. Los superintendentes conductores del museo, Pontus Hultén y Olle Granath, vinieron con sus contactos e iniciativas para perseguir estas intenciones en las décadas siguientes.

El 14 de febrero de 2004, el edificio del museo fue reabierto con festividades. Además de las reparaciones, se había aprovechado la oportunidad para mejorar algunos de los espacios, en parte para facilitar el desplazamiento de los visitantes por el museo y en parte para utilizar el espacio de la entrada superior de manera más adecuada. Al mismo tiempo, se actualizó el perfil gráfico del museo. Otra novedad importante en la reapertura fue la introducción de anfitriones del museo, personas que tienen una variedad de habilidades, desde salvar vidas hasta poder contar a los visitantes sobre las obras de arte tanto en las exposiciones permanentes como en las temporales. La razón para introducir nuevos anfitriones fue atender el gran aumento en el número de visitantes desde que se eliminó la tarifa de admisión.

En 1901, el arquitecto John Smedberg estableció un hermoso edificio de planta eléctrica en Gasverksgatan 22. Hoy en día, la misión de transformar el edificio en un museo más apropiado fue para la galardonada firma de arquitectos Tham & Videgård Hansson Arkitekter. Eligieron establecer un nuevo anexo, una adición contemporánea al edificio histórico. Y dale al interior un orden espacial completamente nuevo.

El Moderna Museet organiza varias exposiciones grandes tanto en Estocolmo como en Malmö cada año, una serie de exposiciones medianas y pequeñas. En 2012, el museo de Estocolmo tuvo alrededor de 500.000 visitantes y el museo de Malmö más de 100.000 visitantes.

La colección
Desde sus inicios en 1958, el Museo ha sido conocido por su estrecha relación con los artistas: Marcel Duchamp, por ejemplo, firmó varias de sus obras en Estocolmo hacia el final de su vida, y Andy Warhol tuvo su primera exposición individual en un museo en Europa en Moderna Museet en 1968.

La colección del Moderna Museet ahora comprende unas 6.000 pinturas, esculturas e instalaciones, 25.000 acuarelas, dibujos y grabados, 400 videos y películas de arte y 100.000 fotografías. La colección abarca pinturas, esculturas, instalaciones, películas, videos, dibujos y grabados de artistas suecos e internacionales de los siglos XX y XXI, y fotografías desde la década de 1840 hasta la actualidad.

Gracias a iniciativas de recolección enfocadas, el Museo ha aumentado con éxito la amplitud y profundidad de su colección. En 1963, se inauguró el Museo de Nuestros Deseos, que transformó instantáneamente al museo en una institución de arte líder en Europa; el gobierno contribuyó con SEK 5 millones para la adquisición de obras icónicas de Giacomo Balla, Francis Picabia, Kurt Schwitters, Giorgio de Chirico y muchos otros. Hace unas décadas, el ejercicio se repitió, pero esta vez destacando solo a mujeres artistas: se agregaron a la colección obras de Louise Bourgeois, Dorothea Tanning, Judy Chicago, Susan Hiller y otras.

Solo se puede exhibir una fracción de la colección. Pero nos permite explorar y reformular la narrativa histórica del arte estándar a través de nuevos conocimientos y cambios constantes en la exposición. Esto incluye Moderna Museet Malmö, con su enfoque innovador en la selección y exhibición de obras de la colección desde su apertura en 2009.

Una gran colección de arte es el mejor punto de partida posible para experimentos visuales e intelectuales. Moderna Museet, como museo abierto y vivo, está constantemente reescribiendo la historia estándar del modernismo cambiando con frecuencia su colección de formas radicalmente nuevas. Desde 2009, el Museo tiene dos ubicaciones, Estocolmo y Malmö, donde se han presentado regularmente selecciones innovadoras de obras de la colección desde su apertura. Algunas de las obras icónicas, como el Paisaje marroquí (Acanto) de Henri Mattisse, el Monograma de Robert Rauchenberg y la escultura Sin título de Eva Hesse, casi siempre están disponibles para su consulta.