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Arquitectura del siglo XIX

En la arquitectura de la primera mitad del siglo XIX, la tendencia neoclásica se impuso inicialmente, ya presente en la segunda mitad del siglo XVIII, pero, junto con la difusión de la sensibilidad romántica y el consiguiente interés en el historicismo, pronto aparecieron las tendencias arquitectónicas. la recuperación de los «estilos» de épocas anteriores (en particular la Edad Media como la presunta cuna de las identidades nacionales), caracterizados por el prefijo «neo» (neorrománico, neogótico, etc.), que también se definen por el término revivalismo.

Por lo tanto, el siglo XIX se caracteriza por una especie de código: el eclecticismo historicista, donde todos los gustos pueden estar simultáneamente presentes en el trabajo general del mismo diseñador o incluso en el mismo edificio. Esto al menos hasta el final del siglo del movimiento Art Nouveau (también llamado Libertad), que fue el primer movimiento arquitectónico no historicista y por lo tanto moderno (modernismo).

Contexto histórico
El siglo XIX fue un siglo de grandes transformaciones económicas, sociales y políticas. Fue el siglo de Napoleón Bonaparte, del Congreso de Viena, de la afirmación de nuevas identidades nacionales, de la afirmación del liberalismo, del capitalismo, del comercio internacional y del desarrollo urbano, pero también del nacimiento de los ideales del socialismo. Fue testigo de la llamada Revolución Industrial, un desarrollo extraordinario de la ciencia y la tecnología subrayado por el positivismo.

En el campo literario y artístico dominó el Romanticismo en la primera mitad del siglo, mientras que en la segunda mitad se afirmó el realismo y, en la pintura, el Impresionismo. Incluso el siglo diecinueve fue el siglo de Marx, Freud, Malthus, Darwin.

Periodización
El factor común en el que se pueden reducir todas las especulaciones arquitectónicas y artísticas del siglo XIX es el historicismo, o la recuperación de la tradición, del pasado en todos los campos. En este sentido, es posible decir que una de las características de la arquitectura del siglo XIX no fue tanto concebir lo nuevo como manipular lo preexistente de una manera creativa. A la luz de esto, una periodización rígida de estilos es difícil, cuando arquitectos como Karl Friedrich Schinkel se dedicaron a diseñar y crear obras neorogénicas, neorromanas, neogóticas y neo-románicas, siempre reinterpretando motivos del pasado.

Desde el eclecticismo historicista, concebido como una característica arquitectónica del siglo XIX, que se divide en una serie de estilos, cada uno de los cuales se caracteriza por sus propios invariantes, algunos aspectos de la cultura arquitectónica más compleja deben distinguirse en términos de desarrollo temporal. .

Entre ellos, el mismo neoclasicismo, afirmado en el cambio de los dos siglos, un movimiento más amplio, desde el historicismo posterior y, por supuesto, el Art Nouveau que concluye no solo el período historicista, sino toda la evolución clasicista iniciada en el siglo XV.

Más complicado, pero necesario, para distinguir una cultura clasicista duradera viva en Italia con Giuseppe Piermarini o Koch, y en Europa con el paladianismo, que no puede definirse como neorrenacentista, ya que no es un renacimiento historicista, sino una continuación directa de la tradición clasicista, viva tanto en el siglo diecisiete como en el dieciocho, aunque a veces minoritaria.

Neoclasicismo
El neoclasicismo del siglo XIX continúa con los temas propuestos en el siglo anterior, incluido el carácter fuertemente programático y «racionalista». Los elementos arqueológicos se mencionan con mayor significado filológico, distinguiendo entre las diversas eras.

Las características invariantes son: plantas bloqueadas en figuras regulares, simetría bilateral encontrada en plano y elevación, prevalencia del sistema trilítico sobre el arco y bóvedas (esencialmente vinculadas a la nueva tendencia neogótica), composiciones volumétricas que favorecen el desarrollo horizontal. Los materiales utilizados son piedra, mármol, estuco blanco o incluso de colores brillantes cuando se descubrió la policromía de la arquitectura griega.

Los nuevos tipos de edificios públicos
El neoclasicismo se expresa sobre todo en el diseño de grandes edificios públicos representativos, incluso con nuevos tipos como: museos, bibliotecas y teatros públicos.

Dos obras de Karl Friedrich Schinkel emergen en este contexto: el teatro Schauspielhaus de Berlín y el Museo Altes, también en Berlín. El primero está diseñado por Schinkel en obediencia a la función práctica del edificio, en lugar de monumental. El edificio se compone de un pronaos exastyle iónico con un frontón coronado por estatuas, precedido por una escalera de entrada alta. El resto del edificio se caracteriza por una extrema racionalidad, levantado sobre una base de altura oxidada igual a la de la escalera de acceso. Los espacios interiores están claramente denunciados al exterior: la sala con una mayor altura de la sala, los laterales del vestíbulo. En la parte superior de cada volumen que se proyecta hay un frontón que, como elemento recurrente, unifica y devuelve toda la construcción al clásico.

El Museo Altes es más claramente neoclásico. La figura del plan es un rectángulo alargado, con una galería a cada lado para la exhibición de estatuas en la planta baja y pinturas en el piso superior. En el centro hay un depósito redondo cubierto por una cúpula cuyos intrados se derivan claramente del Panteón. Fuera de la cúpula no se informa, inscrito en un rectángulo para favorecer el aspecto longitudinal de la composición. El frente principal está dispuesto en un lado largo, tiene un atrio precedido por dieciocho columnas jónicas sobre una base alta desde la que se accede por una escalera abierta dispuesta en el eje al frente.

El Museo Británico de Robert Smirke en Londres es similar por su marcado gusto neoclásico. El frente principal se caracteriza por dos pórticos internos que se extienden hacia afuera formando dos alas sobresalientes y la entrada posterior, que consiste en un pronaos coronado por un frontón. Para unificar la composición articulada de la fachada, se encuentran las cuarenta y ocho columnas jónicas que también crean un evocador efecto de claroscuro. En el interior, la Biblioteca del Rey fue construida más tarde por el hermano de Smirke, Sidney. La biblioteca se caracteriza por el techo abovedado completamente de hierro fundido.

Otra obra interesante es el St. George’s Hall en Liverpool, diseñado por Harvey Lonsdale Elmes. El edificio es una reminiscencia del teatro Schinkel para la composición volumétrica y el Museo Altes para el otro pórtico. El edificio es muy innovador: tiene la fachada de un templo aunque es secular (contiene aulas para reuniones y para la administración de justicia, una sala de conciertos, etc.); resume prácticamente todo el repertorio de la arquitectura clásica. Típicamente del siglo XIX, la diferencia entre el exterior sobrio y el interior rico y eclécticamente decorado debe ser notado.

Edificios religiosos
La producción neoclásica del siglo XIX en Francia encuentra su referencia en la creación de la Madeleine en París. El edificio, inicialmente diseñado para ser una iglesia, se cambia con el advenimiento de Napoleón en el Templo de la Gloire. La competencia por la transformación fue ganada por Pierre Vignon, un alumno de Claude Nicolas Ledoux, que creó un gigantesco templo romano de orden corintio en un sótano alto. Los interiores fueron editados por Jacques-Marie Huvé que, al no tener una referencia clásica precisa, crea una planta que consiste en una serie de áreas cuadradas cubiertas por cúpulas, en el modelo de las instalaciones del spa.

El paradigma del templo romano y los antiguos baños están inspirados en muchas otras iglesias construidas en Francia después de la caída de Napoleón. El modelo de referencia aún en el siglo XIX es el Panteón. A esta tipología pertenecen tres obras italianas de gran valor urbano: la Basílica de San Francesco di Paola en Nápoles, la de Sant’Antonio en Trieste y la de la Gran Madre di Dio en Turín.

La iglesia napolitana, ubicada en Piazza del Plebiscito, está enmarcada por Murat en el proyecto más grande de alojamiento en la gran plaza frente al Palacio Real. El proyecto ganador es el de Leopoldo Laperuta, que incluía una iglesia en el centro de la columnata semielíptica. Solo el último se había construido cuando el edificio de la iglesia fue el tema de una nueva competencia, ganada por Pietro Bianchi. Ferdinando I, que regresó al trono después de la segunda restauración de los Borbones, quiso darle al edificio un mayor sentido de monumentalidad. El porche conduce al templo que consiste en una rotonda con dos capillas en los lados. El efecto es acropolico, de gran valor monumental. El paradigma del Panteón se rechaza de manera original, con la inclusión de las dos cúpulas para cubrir las capillas cubiertas de maleza. Dentro de la gran cúpula hay un primer orden de columnas y un segundo de pilares.

Otro trabajo modelado en el Panteón es la iglesia de S. Antonio en Trieste. El lote en el que insiste es rectangular, por lo que Pietro Nobile diseñó un cuerpo alargado dividido en tres aulas. Los dos lados están cubiertos, el central con una cúpula. Entonces falta la intersección directa de los pronaos con la rotonda, pero fuera del paradigma ciertamente se propone con originalidad e innovación. La característica de la obra, como se ha dicho, radica en su valor urbano: la iglesia se encuentra en la parte inferior del Gran Canal de Trieste. La fachada del templo se refleja en el agua y se encuentra al final de una posible fuga obligatoria.

Otra obra que incorpora el modelo del Panteón, aún más fielmente fuera de los dos anteriores, es la iglesia de la Gran Madre de Dios en Turín. insertado en la boca del primer puente construido en el Po por los franceses, con las colinas detrás de él, se exalta por su ubicación urbana. El depósito está significativamente separado del modelo romano, lo que vuelve a proponer un contraste entre los ambientes cóncavos y convexos típicos de la arquitectura barroca.

Trabaja en Italia
Giuseppe Piermarini, alumno de Vanvitelli, creó la Villa Reale de Monza, inspirada en el palacio casertana del maestro, aunque profundamente simplificada en sus formas. Un discípulo de Piermarini, Leopoldo Pollack, diseñó la Villa Reale en Milán y Villa Casati en Muggiò. En Livorno, en un proyecto de Pasquale Poccianti, se construyó el Cisternone de Livorno, un edificio que tiene claras referencias a la arquitectura romana y la obra de Etienne-Louis Boullée y Claude-Nicolas Ledoux: construido como un depósito para el nuevo acueducto de la ciudad, Fue concebido por el arquitecto como una especie de propileo de los suburbios del siglo XIX, al final de un camino que habría llevado al visitante desde las fuentes del acueducto hasta la ciudad. Por último, señalamos el Caffè Pedrocchi en Padua, por Giuseppe Jappelli.

Paladianismo
La producción de villas y residencias del siglo XIX sigue fuertemente vinculada al paladianismo y la recuperación de la tradición neorrenacentista, más que las clásicas. Poco o nada realmente innovador fue construido en el siglo XIX en la tipología residencial.

Estilos revivalistas

Neogótico
El neogótico presenta los siguientes invariantes: plantas y contrahuellas no bloqueadas, irreductibles a figuras elementales, prevalencia de asimetría, composición claramente vertical, efectos de transparencia y luminosidad, reanudación de los arcos apuntados y de las bóvedas ojivales, uso de las decoraciones. Sin embargo, a veces el neogótico pierde el sentido de lo majestuoso, de lo fuera de escala, de lo irreal, basado en principios tales como la economía de la estructura, la corrección constructiva que será la base de la arquitectura del hierro.

Mientras que el neoclásico, en general, se adapta mejor a los entornos urbanos, el neogótico, especialmente en los tipos residenciales, persigue el objetivo de lo pintoresco: adaptar el edificio al paisaje.

Analicemos ahora las principales obras neogóticas del siglo. El renacimiento neogótico tiene afinidad tanto con el estilo del neorrenacimiento como con la arquitectura del hierro.

La iglesia de Todos los Santos de William Butterfield en Londres es una obra importante. La iglesia emerge en una calle lateral, casi escondida si no fuera por la torre que emerge del perfil urbano. La iglesia es parte de una parcela cuadrada. Desde el camino se llega a un pequeño patio en el que a la izquierda se llega a la rectoría, a la derecha de la escuela y frontalmente, desde el lado más largo, a la iglesia. En el exterior se puede ver el uso alternado de ladrillos rojos y negros, para obtener decoraciones agradables. Dentro de la iglesia se caracteriza por el ábside plano, los tres pasillos cubiertos por una bóveda ojival. La composición de los volúmenes de la rectoría, de la escuela, de la iglesia y de la torre alta es orgánica y funcional a las necesidades eclesiásticas.

Otra obra neogótica importante es el Museo de la Universidad de Oxford, diseñado y construido por Thomas Deane y Benjamin Woodward. El exterior, caracterizado por dos órdenes de ventanas geminadas, tejado a dos aguas y una torre de fachada, propone el carácter polícromo y minimalista del gótico italiano.

Interesante es el hall de entrada con tres naves coronadas por un techo de hierro y vidrio, hecho con arcos apuntados apoyados por fardos de pilares de hierro fundido. Los arcos están perforados con decoraciones florales, los capiteles con hojas de acanto. La estructura de metal vuelve a proponer las costuras de mampostería de la arquitectura gótica en el nuevo material. La gran transparencia y brillo está esencialmente relacionada con el techo: el recinto está rodeado por todos lados por un pórtico del tipo logias sobre logias cuyo módulo en la planta baja está marcado por dos arcos, el primero por cuatro arcos, siempre en el sexto agudo.

Ruskin también colaboró ​​en el trabajo, proporcionando personalmente el diseño de las ventanas de las cabañas. Ruskin, un profundo adversario de la arquitectura de hierro, colabora en la realización de la obra, como parece ver en las decoraciones naturalistas de los túneles de hierro, los ornamentos florales o las características faunísticas de la arquitectura gótica, que traduce y refleja la admiración por la naturaleza. La sala también está destinada a acomodar la reconstrucción de esqueletos de animales prehistóricos cuya estructura ósea es extrañamente asonante con la metálica, sugiriendo una sugerencia de afinidad morfológica.

Una obra menor, pero definitivamente innovadora, es la iglesia de St-Eugene de Louis-Auguste Boileau. El exterior está hecho casi completamente de ladrillo, con ventanas ojivales y tres aguilones. El interior, con tres naves, está hecho completamente de hierro: pilares, arcos longitudinales y transversales, grecas de las ventanas, rosetas, bóvedas. Boileau interpretó a la letra la idea de Viollet-le-Duc para la cual las catedrales góticas, con su estructura, son el precedente directo de la arquitectura moderna del esqueleto. Sin embargo, Viollet-le-Duc se refirió más bien a un diseño y método constructivo que a la recuperación de elementos morfológicos.

Anatole de Baudot, un alumno de Viollet-le-Duc, es el primer arquitecto en construir una iglesia de hormigón armado. A pesar del uso de una tecnología tan innovadora, el arquitecto todavía presentaba una «morfología neogótica».

Neogreco
Julien-David Leroy, historiador de la arquitectura y maestro de Durand, había publicado en 1758 una bella reconstrucción de los Propileos de Atenas. Carl Gotthard Langhans retoma rápidamente el tema en el proyecto de la Puerta de Brandenburgo en Berlín. Tiene una columnata hexástila moderna griega de estilo dórico, una composición de elementos que llaman Propileos, aunque las proporciones son dóricas. La puerta representa no solo el acceso a la ciudad de Berlín, sino también un monumento que marca el acceso al neoclasicismo alemán. El tema también está incluido en el proyecto de William Wolins para la entrada del Downing College en Cambridge y los Propileos de Leo von Klenze en la Konigsplatz de Munich.

El tema de propilea también es rechazado por Friedrich Gilly en el monumento a Federico el Grande. El monumento no realizado consta de tres partes:

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un gran recinto dividido por volúmenes cerrados con cuatro aberturas, dos con columnatas que recuerdan a los propileos y dos con arcos rematados por techos cónicos truncados que recuerdan algunas barrieres de Ledoux;
otra base de podio con dos arcos de acceso en el eje con el propileo
y finalmente,

el templo dórico periptero sobre el podio. En la composición es evidente una prevalencia de la plena en los vacíos que de esta manera se mejoran por su singularidad.
El proyecto de Gilly será ocupado por Schinkel y Leo von Klenze, autor de Walhalla en Ratisbona y alumno de Gilly. Klenze gana el proyecto para la construcción del Walhalla o Panteón alemán, según Schinkel. El Walhalla en la mitología nórdica es el lugar donde se reunieron las almas de los héroes asesinados en la guerra, acogidos por las valquirias.

Ludovico di Baviera decidió hacer el monumento como un Panteón alemán, con motivo de la derrota de Napoleón en Leipzig. La construcción es un templo períptero, colocado en una posición de acrópolis. La derrota de Napoleón en Leipzig y la otra sufrida por las legiones romanas por los pueblos germánicos están talladas respectivamente en sus dos aguilones. La base alta se divide en escaleras y terrazas. El interior presenta bustos de grandes alemanes: Leibniz, Schiller, Mozart, etc., así como un friso esculpido que cuenta la historia de Alemania.

Una visita obligada es el Templo de Canoviano di Possagno, probablemente diseñado por el escultor Antonio Canova (con la colaboración de Giannantonio Selva) para dejar el recuerdo de sí mismo en su ciudad natal. El edificio aún ofrece el acoplamiento de la rotonda del Panteón y los pronaos derivados del Partenón. El edificio alcanza un alto nivel de majestuosidad, grandeza y solemnidad grandiosa.

Nuevo estilo
Con la campaña de Napoleón en Egipto, numerosos hallazgos egipcios llegan a Europa. El entusiasmo por la campaña napoleónica y el interés en una cultura diferente, conducen al desarrollo de un estilo neo-egipcio, no solo en Francia.

Estilo neorrenacentista
La mayor parte de la producción del siglo XIX, sin embargo, está inspirada en el Renacimiento, debido a varios factores y principalmente porque todas las enseñanzas de las academias de Bellas Artes se centraron en el trabajo de los grandes tratados italianos y en la arquitectura del siglo XVI, sigue siendo una referencia estética ideal para la cultura europea. A estos elementos se sumó la difusión de textos que tuvieron una gran influencia en el diseño de edificios, ya que establecieron modelos capaces de conferir dignidad histórica a las necesidades de la emergente sociedad industrial entre ellos cabe destacar Palais, maison, et autres édifices modernés à Roma, de Charles Percier y Pierre-François-Léonard Fontaine (1809), y Edifices de Rome moderne, de Paul Letarouilly (desde 1840).

La arquitectura neorrenacentista, de hecho, reanudó el aparato formal de la arquitectura renacentista, llegando a la imitación de edificios monumentales específicos, entre los más famosos, aunque de una manera moderna, con intención intencionalmente renovadora y con filología cuidadosa, distinguiendo también entre las diversas fases desarrollo de la arquitectura entre los siglos XV y XVI y entre los diversos maestros del Renacimiento.

Las características salientes de los edificios neorrenacentistas son: la búsqueda de un volumen simple y bloqueado, la presencia de uno o más patios, la presencia constante de ventanas de simetría, tímpano o quiosco de periódicos, la presencia de columnas y pilastras, cuadrados y marcos, decoraciones y más elementos que exaltan los valores arquitectónicos de la fachada. Otras características son el uso de sillería, especialmente para la base y otros elementos decorativos tomados del período renacentista.

Las obras neorrenacentistas, pertenecen a todo tipo de edificios, incluidos los edificios para vivienda, el tipo más amplio que se buscó para conferir dignidad histórica tomando como modelo los palacios renacentistas, cuya tipología también permitió construir edificios en bloque que ocupan todo el lote , así como unirse a otros edificios adyacentes. Los edificios públicos tales como teatros, bibliotecas, museos, bancos, edificios de spa, iglesias, etc. también están muy extendidos.

El renacimiento neorrenacentista se estableció a mediados de siglo, en reacción al neogótico, pero también a obras importantes en la primera mitad del siglo y también a las anticipaciones en el siglo XVIII (por ejemplo, la obra de Giuseppe Piermarini). por no mencionar el paladianismo duradero, que sin embargo no tenía un carácter revivalista, pero era una continuación directa de una larga tradición.

Entre las obras neorrenacentistas más exitosas, las de gusto italiano diseñadas en Munich por Leo von Klenze: el Palazzo Leuchtenberg (1816), inspirado en el Palazzo Farnese, el Ministerio de Guerra, diseñado como un renacimiento del Palazzo Medici, y aún el Konigsbau (1826 – 1835), inspirado en la referencia del Palazzo Pitti, la Pinacoteca (1826 – 1830), quizás la obra más importante de Klenze, cuyo modelo sigue siendo el italiano, el Palazzo della Cancelleria y que muestra todos los elementos característicos de el estilo.

Sir Charles Barry presentó el neorenacimiento en Londres. Sus dos obras principales son el Traveller’s Club, inspirado en el Palazzo Pandolfini de Florencia, y el Reform Club, inspirado en el Palazzo Farnese de Roma. En particular, para el Reform Club diseñó un patio interno con un plan cuadrado, con dos órdenes de logias levantadas, cubiertas por una elegante bóveda de hierro y vidrio del siglo XIX. La referencia a Antonio da Sangallo es evidente en el motivo de las ventanas, con un marco plano en el primer orden y un tímpano en el segundo, para los jefes dispuestos en las esquinas del edificio y la cornisa pesada.

En Italia, las anticipaciones de las nuevas tendencias ya se pueden encontrar desde finales del siglo XVIII y principios del XIX, pero los personajes más eclécticos surgen en la segunda mitad del siglo XIX, durante la renovación del edificio y las expansiones urbanas tras la unificación del reino de Italia , continuando hasta principios del siglo XX, cuando este estilo uniformaba los nuevos edificios construidos siguiendo los planes de demoler y reconstruir algunos centros históricos. Por ejemplo, las marcas neorenacentistas tienen la Galleria Vittorio Emanuele II de Milán (comenzada en 1865), el Palazzo delle Assicurazioni Generali (1871) y las arcadas de la plaza de la República (1885 – 1895) en Florencia, el Palazzo Koch en Roma ( 1880 – 1892), la Galleria Umberto I (1887 – 1890) y el Palacio de la Bolsa de Nápoles (1895-1899).

El estilo también se desarrolló en Europa del Este, especialmente en Praga, en el Reino de Hungría (Teatro de la Ópera y la Basílica de San Esteban en Budapest) y en Rusia (por ejemplo, el Palacio Vladimirsky en San Petersburgo).

En cambio, en Francia se extendió una corriente inspirada en el clasicismo francés y, por lo tanto, se caracterizó por grandes techos de pabellón; este esquema se introdujo en la reconstrucción del Hôtel de Ville en París, alcanzó su cima en la realización del Louvre y también se retomó en Inglaterra y América.

Neobarocco
El neobarroco nunca se configuró en el siglo XIX como un renacimiento preciso, más bien debería considerarse como caracterizado por la grandeza, el asombro, la redundancia; el neobarroco permanece lejos de las formas Berniniana, Borrominiana o Guariniana. La arquitectura paradigmática neobarroca puede considerarse el Teatro de la Ópera de Jean-Louis-Charles Garnier. El edificio del teatro, de hecho, es un edificio neorrenacentista, inspirado más por el siglo XVI italiano que por el francés. Su figura de plan se inscribe aproximadamente en un rectángulo dividido en cuatro partes: el atrio con la escalera, este pasillo circular, el escenario profundo y el servicio local de los cuartos traseros. Cada ambiente se caracteriza por una altura diferente. Detrás del escenario se desarrollan entornos para las damas de honor, los fumadores y todos los entornos que Garnier considera una parte integral del espectáculo. Cada lado del rectángulo tiene una entrada: en el frente principal, el peatonal, en la parte posterior, el acceso al escenario, en los lados largos, el de los carruajes y el imperial.

La fachada principal se caracteriza por un pórtico con dos órdenes de siete vanos: en el primer nivel una teoría de arcos sobre pilares, de los cuales los dos extremos ligeramente salientes; en el nivel superior hay columnas gemelas que sostienen la trabeación monumental que está coronada por tímpanos arqueados en los tramos laterales sobresalientes. Como un enriquecimiento del piso de columnas hay un entresuelo apoyado por columnas delgadas que hacen que la orden gemela sea gigante.

El edificio está densamente decorado con el uso de colores, diversidad de materiales, guirnaldas, esmaltes, túneles, esculturas individuales o grupos de mármol.

Neoromanico

Neobizantino

Estilo georgiano

Eclecticismo historicista como hibridación estilística
El eclecticismo básico de la cultura arquitectónica del siglo XIX también crea episodios y aspectos particulares no totalmente enmarcados en la subdivisión en estilos, dando vida a edificios que combinan eclécticamente elementos de ascendencia greco-romana con otros de origen románico, gótico o renacentista.

En esta categoría podemos atribuir la iglesia de San Vicente de Paúl en París por Jacques-Ignace Hittorff. La iglesia tiene una planta de basílica con tres naves. El techo de armadura de madera expuesta está soportado por una doble fila de columnas. El frente principal, precedido por una amplia escalera, se caracteriza por la presencia de un pronaos exastyle, pero sobre todo por las dos torres laterales, características de la arquitectura románica o gótica. Sin embargo, las torres se rechazan con un lenguaje típicamente neorrenacentista: pilastras, marcos, ventanas a dos aguas. Todavía la balaustrada entre las dos torres, adornada con estatuas, es un elemento típico tomado de la tradición renacentista. Hittorff es uno de los principales defensores de la policromía de la arquitectura griega y en el modelo de estas columnas de colores rosa, tiene la fascia que separa las dos órdenes y colorea las armaduras de rojo, azul y dorado.

El tema de la torre románico-gótica implantada en edificios de matriz clásica también se repite en la catedral de Copenhague por Christian Hansen, donde se inserta una torre masiva en el edificio rectangular, en el eje con un pronaos exastyle. El interior se caracteriza por una serie de arcos en los pilares que sostienen el matroneo y un segundo orden de columnas dóricas que sostienen la bóveda de cañón con lacunars de clara inspiración romana. El interior ha sido comparado repetidamente con la Biblioteca Boullée

Urbanismo y transformaciones urbanas
Un fenómeno sociológico importante vinculado a la afirmación de la economía industrial es el fuerte crecimiento de las ciudades en mayor medida que en siglos anteriores. En el siglo XIX se formó una nueva planificación urbana en la que el transporte y la infraestructura en general, el comercio, la industria y la gestión urbana ganaron importancia y atención.

Entre las principales intervenciones del urbanismo neoclásico, la primera en orden cronológico es la de la Rue de Rivoli en París, diseñada por los arquitectos napoleónicos Charles Percier y Pierre-François-Léonard Fontaine y completada por Napoleón III. Los dos arquitectos, inventores del Empire Style, diseñan una línea recta de edificios continuos en pórticos, de los cuales solo se diseñan las fachadas, dejando la construcción de los edificios detrás de ella a fiestas privadas. De esta manera obtienen un efecto de la singularidad de los frentes. Sin embargo, para transformar radicalmente la ciudad era el plan para la ciudad de París, del barón Haussmann.

En Inglaterra, durante el período de la regencia del Príncipe de Gales, una intervención notable fue la de la construcción del distrito residencial propiedad de la corona en el parque de Marylebone con la conexión, a través de una nueva carretera, con St James’s Park. La nueva carretera atravesaba una zona de viviendas pobres y destartaladas que se restauró. Diseñador y parte emprendedor del trabajo fue John Nash.

En la parte sur de Regent’s Park, Nash diseña largas series de casas adosadas, dispuestas en terrazas, para que cada una de ellas pueda disfrutar de la vista del parque, que permaneció al menos a la mitad del verde público. En la parte más meridional del parque, un arreglo de casas semicirculares, llamado Park Crescent, conduce a Regent Street, una carretera que une el parque con la residencia del regente. El nuevo camino tiene una línea no recta, las uniones se deben esencialmente a preexistencias arquitectónicas o propiedades de propiedad de nobles, especialmente wighs, que Nash evita invadir.

Un Roma fue reorganizado en la Piazza del Popolo. De hecho, a pesar de las presencias monumentales como las Iglesias Gemelas de Rainaldi, el obelisco egipcio, la Porta del Popolo, la Basílica de Santa Maria del Popolo y el convento, la plaza tenía el carácter de un suburbio confuso. El primer proyecto de Giuseppe Valadier consistió en la construcción de dos grandes edificios para cuarteles, de forma que definiera una plaza trapezoidal, con las iglesias gemelas en la base principal y la Porta del Popolo en la inferior. Las casas en la plaza y el convento fueron demolidas. La presencia de los dos grandes edificios por cuarteles, sin embargo, habría disminuido el valor monumental de la arquitectura en la plaza y por lo tanto Valadier decidió actualizar el proyecto con el reemplazo de los dos edificios con tantos jardines bordeados por barandas de hierro para definir el cuadrado invadido de forma trapezoidal. Aunque los jardines exaltaban los monumentos de la plaza, ayudaron a desnudar la plaza.

En Milán, Giovanni Antolini, cerca del Castello Sforzesco, diseña el Foro Bonaparte (1800-1801). Antolini propone un nuevo sistema de carreteras, basado en patrones geométricos rígidos, en un intento de transformar Milán en una ciudad moderna y regular, con carreteras que conectan los diversos polos importantes de la ciudad, como el Duomo y el Castillo, así como nuevas plazas . Pero debido a los problemas operativos y, sobre todo, a los recursos económicos necesarios, ya en 1802, el proyecto se ha archivado y nunca se realizará. No obstante, el proyecto Antolini permanece como evidencia de un momento de gran fermento intelectual y experimentación. Luego, cuando Luigi Canonica se encargue de rediseñar la planta de Milán con propuestas alternativas para líneas rectas, se reanudarán todas las propuestas, abandonando el mismo foro. Canonica es también el autor del arco de triunfo del Sempione en Milán.

En los años comprendidos entre 1850 y 1880 fuimos testigos de la remodelación, la expansión y el redesarrollo de varias ciudades europeas como París, Barcelona, ​​Viena, Bruselas y Nápoles.

En 1857 en Viena se produjo la expansión de la Ringstrasse, diseñada por Emil von Forster.

Paradigmáticas fueron las intervenciones en París, bajo Napoleón III, dirigidas por el prefecto Haussmann. El plan de París incorpora soluciones ya identificadas por Napoleón como la demolición de la ciudad, la demolición de numerosos edificios para la construcción de tres ejes de carreteras rectas (incluida la Rue de Rivoli) para limpiar el trazado urbano de la ciudad y ofrecer la posibilidad de crear nuevos y edificios privados. Además del teatro de la ópera, la extensión barroca del Louvre y la realización de los Salones Centrales, caracterizados por la cubierta de truss Polonceau, también están incluidos en el plan.

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