Die bildenden Künste sind Kunstformen wie Keramik, Zeichnung, Malerei, Skulptur, Druckgrafik, Design, Handwerk, Fotografie, Video, Film und Architektur. Viele künstlerische Disziplinen (darstellende Künste, konzeptuelle Kunst, Textilkunst) umfassen sowohl Aspekte der bildenden Kunst als auch anderer Künste. Zu den bildenden Künsten gehören auch angewandte Künste wie Industriedesign, Grafikdesign, Modedesign, Innenarchitektur und dekorative Kunst.

Die gegenwärtige Verwendung des Begriffs „bildende Kunst“ umfasst sowohl die bildende Kunst als auch die angewandte, dekorative Kunst und das Handwerk, aber dies war nicht immer der Fall. Vor der Arts and Crafts Bewegung in Großbritannien und anderswo an der Wende zum 20. Jahrhundert war der Begriff „Künstler“ oft auf eine Person beschränkt, die in den schönen Künsten arbeitete (wie Malerei, Bildhauerei oder Druckgrafik) und nicht das Handwerk oder angewandte Kunstmedien. Die Auszeichnung wurde von Künstlern der Arts and Crafts Movement hervorgehoben, die sowohl volkstümliche Kunstformen als auch hohe Formen schätzten. Kunstschulen unterschieden zwischen den schönen Künsten und den Handwerken und behaupteten, dass ein Handwerker nicht als Kunstpraktiker angesehen werden könne.

Eine „Arbeit der visuellen Kunst“ ist ein Gemälde, eine Zeichnung, ein Druck oder eine Skulptur, die in einer einzelnen Kopie in einer limitierten Auflage von 200 Exemplaren oder weniger existieren, die vom Autor signiert und fortlaufend nummeriert sind. Eine Arbeit der bildenden Kunst umfasst kein Plakat, Karte, Globus, Diagramm, technische Zeichnung, Diagramm, Modell, angewandte Kunst, Film oder anderes audiovisuelles Werk, Buch, Zeitschrift, Zeitung, Zeitschrift, Datenbank, elektronischer Informationsdienst, elektronisch Veröffentlichung oder ähnliche Veröffentlichung; keine Merchandising-Artikel oder Werbe-, Werbe-, Beschreibungs-, Abdeckungs- oder Verpackungsmaterialien oder -behälter enthalten;

Schul-und Berufsbildung:
Das Training in der bildenden Kunst wurde im Allgemeinen durch Variationen der Lehrlings- und Werkstattsysteme durchgeführt. In Europa führte die Renaissancebewegung zur Erhöhung des Ansehens des Künstlers zu dem Akademiesystem für die Ausbildung von Künstlern, und heutzutage bilden die meisten Menschen, die eine künstlerische Karriere anstreben, in Kunstschulen auf Tertiärstufe aus. Bildende Kunst ist mittlerweile in den meisten Bildungssystemen zu einem Wahlfach geworden. (Siehe auch Kunstausbildung.)

Zeichnung:
Zeichnen ist ein Mittel zum Erstellen eines Bildes unter Verwendung einer Vielzahl von Werkzeugen und Techniken. Im Allgemeinen werden Markierungen auf einer Oberfläche erzeugt, indem Druck von einem Werkzeug ausgeübt wird oder ein Werkzeug über eine Oberfläche bewegt wird, wobei trockene Medien wie Graphitstifte, Stift und Tinte, Farbstifte, Wachsfarbstifte, Buntstifte, Kohle, Pastelle und Marker verwendet werden. Digitale Tools, die die Auswirkungen dieser Effekte simulieren, werden ebenfalls verwendet. Die wichtigsten Techniken beim Zeichnen sind: Strichzeichnung, Schraffur, Schraffur, zufälliges Schraffieren, Kritzeln, Punktieren und Mischen. Ein Künstler, der sich in der Zeichnung auszeichnet, wird als Zeichner oder Zeichner bezeichnet.

Das Zeichnen geht mindestens 16.000 Jahre zurück zu paläolithischen Höhlenzeichnungen von Tieren wie denen in Lascaux in Frankreich und Altamira in Spanien. Im alten Ägypten wurden Tuschezeichnungen auf Papyrus, die oft Menschen darstellen, als Modelle für Malerei oder Skulptur verwendet. Zeichnungen zu griechischen Vasen, zunächst geometrisch, entwickelten sich später im 7. Jahrhundert v. Chr. Zur menschlichen Gestalt mit schwarzfigurigen Töpferwaren.

Mit dem Einzug des Papiers in Europa im 15. Jahrhundert wurde die Zeichnung von Meistern wie Sandro Botticelli, Raffael, Michelangelo und Leonardo da Vinci übernommen, die das Zeichnen manchmal als eigenständige Kunst und nicht als Vorstufe für Malerei oder Bildhauerei behandelten.

Gemälde:
Eine wörtlich genommene Malerei ist die Praxis, Pigment, das in einem Träger (oder Medium) suspendiert ist, und ein Bindemittel (einen Klebstoff) auf eine Oberfläche (Träger) wie Papier, Leinwand oder eine Wand aufzutragen. In einem künstlerischen Sinn bedeutet es jedoch die Verwendung dieser Aktivität in Verbindung mit einer Zeichnung, einer Komposition oder anderen ästhetischen Überlegungen, um die expressive und konzeptuelle Absicht des Praktizierenden zu manifestieren. Die Malerei wird auch verwendet, um spirituelle Motive und Ideen auszudrücken; Orte dieser Art von Malerei reichen von Kunstwerken, die mythologische Figuren über Keramik, die Sixtinische Kapelle bis hin zum menschlichen Körper darstellen.

Ursprünge und frühe Geschichte:
Wie die Zeichnung hat auch die Malerei ihren dokumentierten Ursprung in Höhlen und an Felswänden. Die schönsten Exemplare, von denen einige 32.000 Jahre alt sind, befinden sich in den Höhlen Chauvet und Lascaux in Südfrankreich. In den Farben Rot, Braun, Gelb und Schwarz sind die Wand- und Deckengemälde von Bisons, Rindern, Pferden und Rehen.

Gemälde von menschlichen Figuren finden sich in den Gräbern des alten Ägypten. Im großen Tempel von Ramses II. Wird Nefertari, seine Königin, von Isis geführt. Die Griechen haben zur Malerei beigetragen, aber ein großer Teil ihrer Arbeit ist verloren gegangen. Eine der besten verbliebenen Darstellungen sind die hellenistischen Fayum-Mumienporträts. Ein anderes Beispiel ist das Mosaik der Schlacht von Issus in Pompeji, das wahrscheinlich auf einem griechischen Gemälde basierte. Griechische und römische Kunst trug im 4. Jahrhundert vor Christus zur byzantinischen Kunst bei, die eine Tradition in der Ikonenmalerei begründete.

Die Renaissance:
Neben den illuminierten Manuskripten, die im Mittelalter von Mönchen geschaffen wurden, war der nächste bedeutende Beitrag zur europäischen Kunst von den Renaissance-Malern Italiens. Von Giotto im 13. Jahrhundert bis zu Leonardo da Vinci und Raffael zu Beginn des 16. Jahrhunderts war dies die reichste Zeit der italienischen Kunst, da die Hell-Dunkel-Techniken die Illusion des 3D-Raums erzeugten.

Auch Maler in Nordeuropa wurden von der italienischen Schule beeinflusst. Jan van Eyck aus Belgien, Pieter Bruegel der Ältere aus den Niederlanden und Hans Holbein der Jüngere aus Deutschland gehören zu den erfolgreichsten Malern der Zeit. Sie verwendeten die Glasurtechnik mit Ölen, um Tiefe und Leuchtkraft zu erreichen.

Niederländische Meister:
Im 17. Jahrhundert entstanden die großen holländischen Meister wie der vielseitige Rembrandt, der besonders für seine Porträts und Bibelszenen bekannt war, und Vermeer, der sich auf Innenansichten des niederländischen Lebens spezialisierte.

Barock:
Der Barock begann nach der Renaissance, vom späten 16. Jahrhundert bis zum späten 17. Jahrhundert. Zu den Hauptkünstlern des Barock gehörte Caravaggio, der den Tenebrismus intensiv nutzte. Peter Paul Rubens war ein flämischer Maler, studierte in Italien, arbeitete für lokale Kirchen in Antwerpen und malte auch eine Serie für Marie de ‚Medici. Annibale Carracci nahm Einflüsse aus der Sixtinischen Kapelle und schuf das Genre der illusionistischen Deckenmalerei. Ein großer Teil der Entwicklung im Barock war wegen der protestantischen Reformation und der daraus resultierenden Gegenreformation. Vieles von dem, was den Barock ausmacht, ist eine dramatische Beleuchtung und ein Gesamtbild.

Impressionismus:
Der Impressionismus begann in Frankreich im 19. Jahrhundert mit einer losen Vereinigung von Künstlern wie Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir und Paul Cézanne, die der Malerei einen neuen, freigebürsteten Stil verpassten und sich dafür entschieden, realistische Szenen des modernen Lebens außerhalb des Ateliers zu malen . Dies wurde durch einen neuen Ausdruck von ästhetischen Merkmalen erreicht, die durch Pinselstriche und den Eindruck der Realität demonstriert wurden. Sie erzielten intensive Farbvibrationen durch Verwendung reiner, unvermischter Farben und kurzer Pinselstriche. Die Bewegung beeinflusste die Kunst als eine Dynamik, die sich durch die Zeit bewegte und sich an neu gefundene Techniken und die Wahrnehmung von Kunst anpasste. Die Liebe zum Detail wurde weniger zu einer Priorität, wenn man eine voreingenommene Sicht auf Landschaften und Natur für den Künstler erweckte.

Post-Impressionismus:
Gegen Ende des 19. Jahrhunderts führten mehrere junge Maler den Impressionismus weiter, indem sie geometrische Formen und unnatürliche Farben verwendeten, um Emotionen darzustellen, während sie nach einer tieferen Symbolik strebten. Besonders hervorzuheben sind Paul Gauguin, der stark von asiatischer, afrikanischer und japanischer Kunst beeinflusst war, Vincent van Gogh, ein Holländer, der nach Frankreich zog, wo er das starke Sonnenlicht des Südens nutzte, und Toulouse-Lautrec, der für seine lebhaften Gemälde bekannt war des Nachtlebens im Pariser Viertel Montmartre.

Symbolismus, Expressionismus und Kubismus:
Edvard Munch, ein norwegischer Künstler, entwickelte seine Symbolik Ende des 19. Jahrhunderts, inspiriert vom französischen Impressionisten Manet. Der Schrei (1893), sein bekanntestes Werk, wird weithin als Ausdruck der universellen Angst des modernen Menschen interpretiert. Nicht zuletzt durch Munchs Einfluss entstand die deutsche expressionistische Bewegung zu Beginn des 20. Jahrhunderts in Deutschland, als Künstler wie Ernst Kirschner und Erich Heckel begannen, die Realität für eine emotionale Wirkung zu verzerren. Parallel dazu entwickelte sich der in Frankreich als Kubismus bekannte Stil als Künstler auf das Volumen und den Raum scharfer Strukturen innerhalb einer Komposition. Pablo Picasso und Georges Braque waren die führenden Befürworter der Bewegung. Objekte werden zerlegt, analysiert und in abstrahierter Form wieder zusammengesetzt. In den 1920er Jahren entwickelte sich der Stil mit Dali und Magritte zum Surrealismus.

Druckgrafik:
Die Druckgrafik erzeugt für künstlerische Zwecke ein Bild auf einer Matrix, das dann mittels Tinte (oder einer anderen Form von Pigmentierung) auf eine zweidimensionale (flache) Oberfläche übertragen wird. Außer im Fall eines Monotyps kann die gleiche Matrix verwendet werden, um viele Beispiele des Drucks zu erzeugen.

Historisch sind die wichtigsten Techniken (auch Medien genannt) Holzschnitt, Strichgravur, Radierung, Lithografie und Siebdruck (Serigraphie, Siebdruck), aber es gibt viele andere, einschließlich moderner digitaler Techniken. Normalerweise ist der Druck auf Papier gedruckt, aber andere Medien reichen von Stoff und Pergament bis hin zu moderneren Materialien. Zu den wichtigsten Drucktraditionen gehört Japan (ukiyo-e).

Europäische Geschichte:
Drucke in der westlichen Tradition, die vor etwa 1830 produziert wurden, sind als alte Meisterdrucke bekannt. In Europa, um 1400 n. Chr. Holzschnitt, wurden Meisterdrucke auf Papier unter Verwendung von Drucktechniken, die in der byzantinischen und islamischen Welt entwickelt wurden, verwendet. Michael Wolgemut verbesserte den deutschen Holzschnitt um 1475, und Erhard Reuwich, ein Holländer, war der erste, der Kreuzschraffur verwendete. Am Ende des Jahrhunderts brachte Albrecht Dürer den westlichen Holzschnitt auf eine Stufe, die nie übertroffen wurde und den Status des Einblatt-Holzschnitts erhöhte.

Chinesische Herkunft und Praxis:
In China entwickelte sich die Kunst der Druckgrafik vor etwa 1100 Jahren als Illustrationen neben Textschnitten in Holzblöcken für den Druck auf Papier. Anfangs waren die Bilder hauptsächlich religiös, aber in der Song-Dynastie begannen Künstler, Landschaften zu schneiden. Während der Dynastien Ming (1368-1644) und Qing (1616-1911) wurde die Technik sowohl für religiöse als auch für künstlerische Gravuren perfektioniert.

Entwicklung in Japan 1603-1867:
Holzdruck in Japan (Japanisch: 木 版画, moku hanga) ist eine Technik, die am besten für ihre Verwendung im Ukiyo-e-Genre bekannt ist; Im gleichen Zeitraum wurde es jedoch auch sehr häufig zum Drucken von Büchern verwendet. Holzdruck wurde in China schon seit Jahrhunderten verwendet, um Bücher zu drucken, lange vor dem Aufkommen des beweglichen Typs, wurde aber erst in Japan während der Edo-Zeit (1603-1867) überraschend spät eingeführt. Obwohl moku hanga dem Holzschnitt in der westlichen Druckgrafik in mancher Hinsicht ähnlich ist, unterscheidet es sich stark darin, dass Tinten auf Wasserbasis verwendet werden (im Gegensatz zu westlichem Holzschnitt, der Tinten auf Ölbasis verwendet), was eine breite Palette an lebendigen Farben, Glasuren und Farben ermöglicht Transparenz.

Fotografie
Fotografie ist der Prozess des Bildermachens mittels Lichtwirkung. Von Objekten reflektierte oder emittierte Lichtmuster werden durch eine zeitgesteuerte Belichtung auf ein empfindliches Medium oder einen Speicherchip aufgezeichnet. Der Prozess wird durch mechanische Verschlüsse oder elektronisch zeitgesteuerte Belichtung von Photonen in chemische Verarbeitungs- oder Digitalisierungsvorrichtungen, die als Kameras bekannt sind, durchgeführt.

Das Wort kommt von den griechischen Wörtern φως phos („Licht“) und γραφις graphis („Stift“, „Pinsel“) oder γραφη graphê, zusammen „Zeichnung mit Licht“ oder „Darstellung mittels Linien“ oder „Zeichnung“. “ Traditionell wurde das Produkt der Fotografie als Fotografie bezeichnet. Der Begriff Foto ist eine Abkürzung; viele Leute nennen sie auch Bilder. In der digitalen Fotografie hat der Begriff Bild begonnen, Fotografie zu ersetzen. (Der Begriff Bild ist in der geometrischen Optik traditionell.)

Filmemachen:
Filmemachen ist der Prozess des Filmemachens von der ersten Konzeption und Recherche über Drehbuchschreiben, Dreharbeiten und Aufnahmen, Animationen oder andere Spezialeffekte bis hin zur Bearbeitung, Ton- und Musikarbeit und schließlich Verteilung an ein Publikum; es bezieht sich allgemein auf die Schaffung aller Arten von Filmen, einschließlich Dokumentarfilm, Belastungen des Theaters und der Literatur im Film, und poetische oder experimentelle Praktiken, und wird oft verwendet, um auch auf Video-basierte Prozesse zu beziehen.

Computerkunst
Visuelle Künstler sind nicht länger auf traditionelle Kunstmedien beschränkt. Computer werden seit den 1960er Jahren als ein immer häufigeres Werkzeug in der bildenden Kunst verwendet. Die Verwendung umfasst das Erfassen oder Erstellen von Bildern und Formularen, das Bearbeiten dieser Bilder und Formulare (einschließlich des Erforschens mehrerer Kompositionen) und das endgültige Rendern oder Drucken (einschließlich 3D-Druck).

Computerkunst ist eine, in der Computer eine Rolle in der Produktion oder Anzeige spielten. Solche Kunst kann ein Bild, Ton, Animation, Video, CD-ROM, DVD, Videospiel, Website, Algorithmus, Performance oder Galerie Installation sein. Viele traditionelle Disziplinen integrieren nun digitale Technologien, und infolgedessen sind die Grenzen zwischen traditionellen Kunstwerken und neuen Medien, die mit Computern geschaffen wurden, verschwommen. Zum Beispiel kann ein Künstler traditionelle Malerei mit algorithmischer Kunst und anderen digitalen Techniken kombinieren. Infolgedessen kann die Definition von Computerkunst durch ihr Endprodukt schwierig sein. Nichtsdestoweniger erscheint diese Art von Kunst in Ausstellungen des Kunstmuseums, obwohl sie ihre Legitimität als eine Form für sich selbst noch beweisen muss und diese Technologie weithin in der zeitgenössischen Kunst mehr als ein Werkzeug und nicht als eine Form wie in der Malerei gesehen wird.

Die Computernutzung hat die Unterschiede zwischen Illustratoren, Fotografen, Fotoeditoren, 3D-Modellierern und Handwerkskünstlern verwischt. Hochentwickelte Rendering- und Editing-Software hat zu vielseitigen Bildentwicklern geführt. Fotografen können digitale Künstler werden. Illustratoren können Animatoren werden. Handwerk kann computergestützt sein oder computergenerierte Bilder als Vorlage verwenden. Die Verwendung von Computer-Clip-Art hat auch die klare Unterscheidung zwischen visuellen Künsten und Seitenlayout weniger offensichtlich gemacht, aufgrund des leichten Zugriffs und der Bearbeitung von Clip-Art beim Paginieren eines Dokuments, insbesondere für den unerfahrenen Betrachter.

Plastische Kunst:
Plastische Kunst ist ein heute weitgehend vergessener Begriff, der Kunstformen umfasst, die die physische Manipulation eines plastischen Mediums durch Formen oder Modellieren wie Skulptur oder Keramik umfassen. Der Begriff wurde auch auf alle visuellen (nicht-literarischen, nicht-musikalischen) Künste angewendet.

Materialien, die geschnitzelt oder geformt werden können, wie Stein oder Holz, Beton oder Stahl, wurden ebenfalls in die engere Definition einbezogen, da solche Materialien mit geeigneten Werkzeugen ebenfalls modulierbar sind. Diese Verwendung des Begriffs „Plastik“ in den Künsten sollte nicht mit Piet Mondrians Verwendung verwechselt werden, noch mit der Bewegung, die er in Französisch und Englisch „Neoplastizismus“ nannte.

Skulptur:
Skulptur ist ein dreidimensionales Kunstwerk, das durch Formen oder Kombinieren von hartem oder plastischem Material, Ton oder Text und / oder Licht, gewöhnlich Stein (entweder Stein oder Marmor), Ton, Metall, Glas oder Holz entsteht. Einige Skulpturen entstehen direkt durch das Finden oder Schnitzen; andere werden zusammengebaut, zusammengebaut und gebrannt, geschweißt, geformt oder gegossen. Skulpturen werden oft gemalt. Eine Person, die Skulpturen herstellt, wird Bildhauer genannt.

Da die Skulptur Materialien verwendet, die geformt oder moduliert werden können, gilt sie als eine der bildenden Künste. Die Mehrheit der öffentlichen Kunst ist Skulptur. Viele Skulpturen zusammen in einer Gartenumgebung können als Skulpturengarten bezeichnet werden.

Bildhauer machen Skulpturen nicht immer von Hand. Mit zunehmender Technologie im 20. Jahrhundert und der Beliebtheit der Konzeptkunst gegenüber der technischen Meisterschaft wandten sich mehr Bildhauer an Kunstverarbeiter, um ihre Kunstwerke zu produzieren. Mit der Herstellung erstellt der Künstler ein Design und bezahlt einen Hersteller, um es zu produzieren. Dadurch können Bildhauer größere und komplexere Skulpturen aus Material wie Zement, Metall und Kunststoff herstellen, die sie nicht von Hand herstellen könnten. Skulpturen können auch mit 3D-Drucktechnologie hergestellt werden.

Die zunehmende Tendenz, der Malerei und in geringerem Maße der Skulptur Vorrang vor anderen Künsten einzuräumen, war sowohl in der westlichen als auch in der ostasiatischen Kunst ein Merkmal. In beiden Regionen wurde die Malerei als im höchsten Maße von der Vorstellungskraft des Künstlers und am weitesten von der Handarbeit abhebend angesehen – in der chinesischen Malerei waren die am meisten geschätzten Stile diejenigen der „Gelehrtenmalerei“, zumindest in der Theorie praktiziert von Gentleman-Amateuren. Die westliche Hierarchie der Genres spiegelte ähnliche Einstellungen wider.