Die ursprüngliche Szenografie zeigt das Leben des Kostüms vor seinem Eintritt auf die Bühne. Auspacken, Anpassen, Schminken und Einsteigen. Die Sets einiger ikonischer Musicals werden in einem freudigen und natürlich musikalischen Stil in Form von schrulligen Winks hervorgerufen. Die Ausstellung beginnt mit den Kostümen von fünf musikalischen Komödien direkt vom Broadway. Die „Ursprünge“ des Musicals werden daher mit den Kostümen „Anything Goes“, „Cats“, „Pal Joey“, „Holiday Inn“ und „A Chorus Line“ ausgeliehen, die von der Roundabout Theatre Company und dem Shubert Archive in New York ausgeliehen wurden York.
Raum 1: Der König und ich
Oscar Hammerstein II. Broschüre. Richard Rodgers Music. Regie: Lee Blakeley, Sets von Jean-Marc Puissant, Kostüme von Sue Blane, Choreographie von Peggy Hickey, Lichter von Rick Fisher. Théâtre du Châtelet, 2014. Im Jahr 1862 kam Anna Leonowens mit ihrem Sohn Louis nach Bangkok, Siam, um die englische Lehrerin für die Kinder von King Mongkut zu übernehmen. Der erste Spielfilm, der auf Anna Leonowens wahrer Geschichte basiert, erscheint 1946 mit Rex Harrison, der die Rolle des Königs spielt, der sich 1951 weigert, in der „Musical“ -Version zu spielen, weil er singen muss. Es ist ein junger Künstler mit Namen Yul Brynner, der der Öffentlichkeit fast unbekannt ist. Er wird den König mehr als 4000 Mal interpretieren! Was die kostspielige Produktion des Théâtre du Châtelet angeht, so hatte es den Broadway oder die größten Opernhäuser nicht zu beneiden. Bei diesem in Paris vorgestellten „König und ich“ wurde sogar die Originalpartitur verwendet, was nirgendwo mehr der Fall ist, da die Show drei Stunden und fünfzehn Minuten dauert.
Sue Blanes Kostüm für die Rolle des Kralahome in „The King and I“, einem Musical von Lee Blakeley, Théâtre du Châtelet, Paris, 2014.
Langer Mantel aus goldener Ottomane mit violetten Motiven, gesticktem Goldplastron, geprägten, goldfarbenen Lamé-Baggy-Hosen, Bordeaux- und Goldseidengürtel, gold- und violettgeprägter Lamé-Kopfschmuck, goldenen Pantoffeln und Details.
Sue Blane-Kostüm, getragen von Lambert Wilson für die Rolle des Königs von Siam in „Der König und ich“. Musikalische Leitung von Lee Blakeley, Théâtre du Châtelet, Paris, 2014.
Rote Samtjacke mit Applikationen aus Sari und Gold, rote und goldene Lamé-Hose, glitzernder roter Schleiergürtel, verziert mit goldenen Metallmedaillons, goldener Stickkopfschmuck auf rotem Samtbeutel, metallene Brille und Detail.
Sue Blane Kostüm für die Rolle eines Tänzers in „Der König und ich“. Musikalische Leitung von Lee Blakeley, Théâtre du Châtelet, Paris, 2014.
Bustier aus goldfarbenem Pailletten, cremefarbener Chiffonrock, verziert mit goldenem Lamé, passender Umhang, Kappe mit goldener Pagode, Paar goldene Ohrringe.
Raum 2: In den Wald
Broschüre von James Lapine. Stephen Sondheim Musik. Regie: Lee Blakeley, Regie: Alex Eales, Kostüme von Mark Bouman, Choreographie von Lorena Randi, Olivier Fenwicks Lichter. Théâtre du Châtelet, 2014. 1987 am Broadway gegründet, verwickelt „Into the Woods“ das Schicksal berühmter Märchenfiguren mit einer anderen Geschichte, die alles miteinander verbindet, die eines Paares, das dem Fluch einer Hexe zum Opfer fällt. Sie werden sich im Wald treffen, um ihre Träume zu verwirklichen. Die ersten Shows von „Musicals“ wurden von der Populärkultur inspiriert, indem Geschichten wie Peter Pan, der Zauberer von Oz usw. ausgewählt wurden.
Mark Boumans Kostüm für die Rolle des Wolfes in „Into the Woods“. Musikalische Leitung von Lee Blakeley, Théâtre du Châtelet, Paris, 2014.
Jerkin, Kit und Slip aus Leder und brauner Wolle, Kunstpelz-Wolf-Maske, Lederhandschuhe mit Krallen, Kunstpelzleggings und Hausschuhe mit Krallen.
Mark Boumans Kostüm für die Rolle des Rotkäppchens in „Into the Woods“. Musikalische Leitung von Lee Blakeley, Théâtre du Châtelet, Paris, 2014.
Weißes Kleid mit Lochstickerei und roten Samtbändern, roter Baumwollsamtumhang, verziert mit Blumendekorationen und gefüttert mit rotem und blauem kariertem Taft.
Raum 3: Fett
Booklet und Musik von Jim Jacobs und Warren Casey. Regie und Choreographie von Martin Michel, Kostüme von Arno Bremers, Bühnenbild von Eric van der Palen. Mogador Theatre, 2017. „Grease“ wurde 1971 in Chicago uraufgeführt und im Februar 1972 in einem Off-Broadway-Theater, dann am Broadway und schließlich 1978 an das Kino angepasst. Die Geschichte spielt 1959 in einem Gymnasium und erinnert an den Schüler Jugend von zwei Autoren Jim Jacobs und Warren Casey.
Arno Bremers Kostüm für die Rolle von Danny in „Grease“. Musical von Martin Michel, Theater Mogador Stage Entertainment France, Paris, 2017.
Weißes T-Shirt, schwarzes Leder Perfecto, blaue Jeans, schwarzer Gürtel, Converse-Blau, Sonnenbrille.
Arno Bremers Kostüm für die Rolle des Frenchy in „Grease“. Musikalische Leitung von Martin Michel, Theater Mogador / Stage Entertainment France, Paris, 2017.
Jacke aus pinkem und laméfarbenem Kunststoff mit „Pink Lady“ Rückenbeschriftung, Lachs-Mesh-Weste, rosa T-Shirt, rosa Rock, Fuchsia-Orange, weißem Unterrock, Fuchsia-Gürtel.
Raum 4 der Ausstellung „Musicals“
In diesem Raum werden Produktionen französischer Werke gezeigt: „Les Misérables“ (1980 und 1985), „Notre-Dame de Paris“ (1998), „Die Regenschirme von Cherbourg“ (1964) und „Das Phantom der Oper“ (1986) ). „Notre-Dame de Paris“ ist die Show, die zur Wiedergeburt eines neuen französischen Genres beigetragen hat: der Musicalshow. Im Gegensatz zur „musikalischen Komödie“ entdeckt das Publikum die Lieder zuerst, indem es sie im Radio ausstrahlt. Nach ihrem Erfolg kam die Show dann mit den Mitteln realer Shows auf die Bühne.
Fred Sathals Kostüm für die Originalproduktion von 1998 für die Rolle von Esmeralda in „Notre-Dame de Paris“. Musikkomödie von Gilles Maheu, koreanische Produktion, 2003.
Khaki grünes Stretchkleid aus Patchwork, verziert mit Pailletten.
Fred Sathals Kostüm für die Originalproduktion von 1998 für die Rolle von Quasimodo in „Notre-Dame de Paris“. Musikkomödie von Gilles Maheu, koreanische Produktion, 2003.
Große Tunika mit Buckelrücken und Hose aus gefärbtem rotem Baumwolljersey, aufgesetzte Rippung, dazu passende Schuhe.
Raum 5: Eine kleine Nachtmusik
Hugh Wheeler-Broschüre. Stephen Sondheim Musik. Regie: Lee Blakeley, Bühnenbilder von Rae Smith, Kostüme von Jo van Schuppen, Choreographie von Andrew George, Lichter von Jenny Cane. Théâtre du Châtelet, 2010. 1973 machte „A Little Night Music“ seine ersten Auftritte am Broadway, inspiriert von Ingmar Bergmans Film Smiles of a Summer Night (1955). In einer schwedischen Sommernacht erleben wir die Rückschläge von drei Generationen mit romantischen Intrigen und sentimentalen Witzen, die aufeinander folgen: eine Marivaudage in der großen Bourgeoisie.
Jo van Schuppens Kostüm, getragen von Lambert Wilson für die Rolle des Fredrik Egerman in „A Little Night Music“. Musical von Lee Blakeley, Théâtre du Châtelet, Paris, 2010.
Jo van Schuppens Kostüm, das von Leslie Caron für die Rolle von Madame Armfeldt in „A Little Night Music“ getragen wurde. Musical von Lee Blakeley, Théâtre du Châtelet, Paris, 2010.
Kleid aus dem frühen zwanzigsten Jahrhundert in grünem Samt gefüttertem Samt, Bandgürtel mit Hortensie, grüner Sisalhut mit Federblumen.
Jo van Schuppens Kostüm, das von Leslie Caron für die Rolle von Madame Armfeldt in „A Little Night Music“ getragen wurde. Musical von Lee Blakeley, Théâtre du Châtelet, Paris, 2010.
Kleid aus dem frühen zwanzigsten Jahrhundert in violettem Satin mit Spitze, Satin und Samtgürtel, verziert mit einer Blume, schwarzen Spitzenhandschuhen, weißer Perlenkette, Ringen mit lila Perlen und bunten Perlen.
Raum 6: 42. Straße
Booklet von Michael Stewart und Mark Bramble. Harry Warren Music. Inszenierung und Choreographie von Stephen Mear, Bühnenbilder und Kostüme von Peter McKintosh, Lichter von Chris Davey. Théâtre du Châtelet, 2016. „42nd Street“ ist eine Bühnenadaption eines Musikfilms von 1933. Erst 1980 wurde die Broadway-Show mit Liedern aus Al’s Album erstellt. Dubin. Die Geschichte ist die eines jungen, genialen Tänzers, der in den Broadway eintauchen möchte, aber auch eine Geschichte hinter den Kulissen einer Show. Vor dem Hintergrund von Romantik und amerikanischem Traum ist die Geschichte meist ein Vorwand, um Taps und Songs zu verknüpfen.
Kostüm Peter McKintosh für die Rolle von Billy Lawlor in „42nd Street“. Musical Regie und Choreographie von Stephen Mear, Théâtre du Châtelet, Paris, 2016.
Grün geprägte Lamé und Hose, grüngoldene Taftweste, schwarzes Baumwollhemd, goldenes Paillettenschmetterling noede, Zylinderhut aus Taft und grünes Lamé, schwarze Lederschuhe.
Raum 7: Kabarett
Joe Masteroffs Broschüre. Musik von John Kander. Regie: Rob Marshall und Sam Mendes, Sets von Robert Brill, Kostüme von William Ivey Long, Choreographie von Rob Marshall. Roundabout Theatre Company, 2014. „Cabaret“ ist das Musical, das den Beginn einer neuen Ära am Broadway markiert und den Weg für mehr „protestierende“ Gespräche wie Hair 1967 ebnet, die den Krieg in Vietnam anprangern. „Cabaret“ ist mit 1165 Vorstellungen und acht Tony Awards ein voller Erfolg! Der Film von Bob Fosse aus dem Jahr 1972 mit Liza Minnelli macht es zu einer schwefeligen und kultigen Arbeit. Die Version des Roundabout Theatre Company war 1998 ein Erfolg (2.377 Uraufführungen am Broadway).
Raum 8: Ehrlich
Lillian Hellmans Büchlein. Leonard Bernstein Music. Regie: Robert Carsen, Bühnenbilder von Michel Levine, Kostüme von Buki Shiff, Choreographie von Rob Ashford, Lichter von Robert Carsen und Peter Van Praet. Theater du Chatelet, 2006. Basierend auf der gleichnamigen philosophischen Geschichte von Voltaire ist „Candide“ eine komische Operette, die 1956 am Broadway mit einem Libretto von Lillian Hellman und einer Musik von Leonard Bernstein uraufgeführt wurde. Das „Musical“ wurde 1973 von Hugh Wheeler überarbeitet. Bei der Premiere von „Candide“ am Broadway am 1. Dezember 1956 war die von Bernstein geschriebene Eröffnung so erfolgreich, dass die Show gestoppt wurde, damit die Öffentlichkeit weiterhin mit großem Applaus beleidigt werden konnte. Diese Eröffnung bleibt eine der schönsten, die jemals für den Broadway geschrieben wurde.
Raum 9: Verrücktheiten
James Goldman-Broschüre. Stephen Sondheim Musik. Regie: Olivier Bénézech, Bühnenbilder von Valérie Jung, Kostüme von Frédéric Olivier, Choreographie von Caroline Roëlands, Lichter von Marc-Antoine Vellutini, Videokreationen von Gilles Papain. Opéra de Toulon, 2013. 1971 am Broadway gegründet, erzählt „Follies“ von einer Truppe ehemaliger Mädchen aus einer Broadway-Revue, die sich 30 Jahre später vor der Zerstörung ihres alten Theaters wiederfindet. Es wird Nostalgie, alte Liebe, Angst vor dem Älterwerden, Eifersucht zurückbringen … Der Titel dieses Musicals ist eine Hommage an die „Follies“ von Florenz Ziegfeld, der ab 1907 die schönsten und beeindruckendsten Kritiken der Welt inspiriert von Pariser „Folies Bergère“.
Kostüm von Frédéric Olivier für die Rolle eines Tänzers in „Follies“. Musikalische Komödie von Olivier Bénézech, Produktion der Toulon Opera, 2013.
Schwarzer Frack-Cardigan mit schwarzem Paillettenkragen, schwarzer BH mit Rüschensaum, schwarzer, mit Pailletten versehener Höschenrock, silberfarbene Bündchen, silberner Glitzer-Halsreif, schwarzer Hut mit goldenem Glitzermuster.
Kostüm von Frédéric Olivier, getragen von Nicole Croisille für die Rolle von Carlotta in „Follies“. Musikalische Komödie von Olivier Bénézech, Produktion der Toulon Opera, 2013.
Rosa, langes, satiniertes Kleid, verziert mit Pailletten, großer schicker Perlenkragen, montiert am Rahmen.
Raum 10: Meine schöne Frau
Alan Jay Lerner’s Broschüre. Frederick Loewe Music. Regie: Robert Carsen, Regie: Tim Hatley, Kostüme von Anthony Powell, Choreographie von Lynne Page, Lichter von Adam Silverman, Dramaturgie von Ian Burton. Théâtre du Châtelet, 2010 und 2013. My Fair Lady wurde 1956 in New York mit Julie Andrews gegründet und 1964 mit Audrey Hepburn auf die Leinwand gebracht. Als „perfektes Musical“ bezeichnet, entspricht es mit West Side Story dem Höhepunkt des „goldenen Zeitalters“ des Broadway. My Fair Lady erzählt das Treffen zwischen Eliza Doolittle, einer jungen Floristin, und Henry Higgins, Professor für Phonetik. Nach einer Wette mit einer ihrer Freunde wird Higgins die junge Frau einsammeln und sie in eine Herzogin verwandeln.
Anthony Powells Kostüm für die Rolle von Eliza Doolittle für Ascot-Rennen in „My Fair Lady“. Musikalische Komödie von Robert Carsen, Théâtre du Châtelet, Paris, 2010-2013.
Kleid mit Rüschen und drapiertem Gürtel aus Ecru-Seidenorganza mit roten Tupfen, Rosshaar und Ecru-Organza mit roten Tupfen.
Anthony Powells Kostüm für die Rolle von Eliza Doolittle für den Ball in „My Fair Lady“. Musikalische Komödie von Robert Carsen, Théâtre du Châtelet, Paris, 2010-2013.
Langer Umhang aus schwarzem Samt mit weißem Fell.
Raum 11: Der Klang der Musik
Buch von Howard Lindsay und Russel Crouse. Richard Rodgers Music. Regie: Emilio Sagi, Bühnenbilder von Daniel Bianco, Kostüme von Jesús Ruiz, Choreographie von Miles, Lichter von Caetano Vilela. Théâtre du Châtelet, 2009. Im österreichischen Salzburg, kurz vor dem Zweiten Weltkrieg, trat Maria Rainer in das Kloster ein, hatte aber keine Berufung. Sie wird Gouvernante der sieben Kinder von Captain von Trapp. Sie verlieben sich und heiraten. Die Familie wird ein Gesangsfestival in Karlzberg feiern, um Österreich und den Nazis zu entkommen. Dieses Musical ist von einer wahren Geschichte inspiriert.
Kostüm von Jesús Ruiz für die Rolle der Baronin Elsa Schraeder in „The Sound of Music“. Musikkomödie unter der Regie von Emilio Sagi, Théâtre du Châtelet, Paris, 2009-2011.
Trägerloses Tüllfleisch mit goldenen Pailletten bestickt, langer Rock aus Satinfleisch, Straußenfederboa, Korallenhandschuhe aus Satin, Strassarmbänder
Kostüm von Jesús Ruiz für die Rolle von Friedrich von Trapp in „The Sound of Music“. Musikkomödie von Emilio Sagi, Théâtre du Châtelet, Paris, 2009 und 2011.
Weißes Baumwollhemd, „Austrian“ -höschen in „Vorhang“ -Stoffen, blauer Hintergrund mit roten und goldenen Mustern.
Raum 12: Singin ‚im Regen
Ian Burtons Broschüre. Musik von Arthur Freed und Nacio Herb Brown. Regie: Robert Carsen, Regie: Tim Hatley, Kostüme von Anthony Powell, Choreografie von Stephen Mear, Lichter von Robert Carsen und Giuseppe Di Iorio. Théâtre du Châtelet, 2015. Zum Zeitpunkt der Ankunft des sprechenden Kinos müssen ein paar Stummfilmstars, Don Lockwood und Lina Lamont, lernen, Komödie zu sprechen und zu spielen. Lina wird mit der Stimme der Rassel von Kathy Selden verdoppelt, deren Lockwood sich verliebt hat. Aber Lina will ihren Platz nicht verlassen … Die Produktion des Théâtre du Châtelet nimmt Bezug auf das Stummfilmkino der 20- bis 30-Jährigen, indem es schwarze und weiße Kostüme anbietet.
Anthony Powells Kostüm für die Rolle von Lina Lamont in „Singin ‚im Regen“. Musikalische Komödie von Robert Carsen, Théâtre du Châtelet, Paris 2015-2017.
Korbkleid im Stil des 18. Jahrhunderts, aus modischem Silberlamé mit schwarzem Tüll bestickt, weißer Spitze, ansprechendem silbernem Tüll, Strasskette, weißer Perlenkette.
Anthony Powells Kostüm für die Rolle von Kathy Selden in „Singin ‚in the rain“. Musikalische Komödie von Robert Carsen, Théâtre du Châtelet, Paris 2015-2017.
Körper aus Lycra-Fleisch mit silbernen Pailletten und Strasssteinen bestickt, irisierender, glitzernder, weißer Tüllrock und Federn, hoher weißer Straußenfederkopfschmuck und silbernen Pailletten, hellgraue „Salomé“ -Schuhe.
Anthony Powells Kostüm für die Rolle von Lina Lamont in „Singin ‚im Regen“. Musikalische Komödie von Robert Carsen, Théâtre du Châtelet, Paris 2015-2017.
Kleid im Stil der 1930er Jahre in silbernen und schwarzen Pailletten, weißer Kunstpelzmantel, verziert mit silbernen Strasssteinen, schwarzem Beutel und silbernen Strasssteinen, Stirnband mit Perlen, schwarzen Pailletten und Strasssteinen, Strasshalsketten.
Raum 13: 42. Straße
Booklet von Michael Stewart und Mark Bramble. Harry Warren Music. Inszenierung und Choreographie von Stephen Mear, Bühnenbilder und Kostüme von Peter McKintosh, Lichter von Chris Davey. Théâtre du Châtelet, 2016. Zu Beginn der Show hat Gower Champion eine großartige Idee: Der Bühnenvorhang erhebt sich um sechzig Zentimeter und zeigt Dutzende Beine, die eine Reihe von Klöppeln beginnen. Der Vorhang geht dann vollständig auf und es gibt ein Casting für „Pretty Lady“ mit nicht weniger als sechsunddreißig Refrains und Jungen! Die Szenographen der Ausstellung griffen diese Idee in diesem Raum auf, der den Beginn der Ausstellung symbolisiert.
Die Kostüme stammen aus der Produktion von Théâtre du Châtelet (2016), die von Stephen Mear, einem Tänzer der Londoner Originalproduktion, nachgebildet wurde. Die Produktion war üppig und auffällig; einer der größten Erfolge des Châtelet. Der Kunde Peter McKintosh weist darauf hin, dass er in den frühen 1930er Jahren von Bildern von New York inspiriert wurde, als sich die Stadt während der Weltwirtschaftskrise veränderte. Folgt einer Lawine prächtiger Kostüme und Art Deco-Dekorationen.
Kostüm Peter McKintosh für die Rolle eines Tänzers in „42nd Street“. Musical Regie und Choreographie von Stephen Mear, Théâtre du Châtelet, Paris, 2016.
Weißes und silbernes Broschenkorbkleid, weiße Musterapplikation, Perlenreihen, hohe Perücke aus Tüll und weißes Rosshaar, roter Fantasiestein.
Peter McKintoshs Kostüm für die Rolle eines Tänzers in „42nd Street“. Musical Regie und Choreographie von Stephen Mear, Théâtre du Châtelet, Paris, 2016.
Kurze Satinjacke mit silbernen Punkten, schwarzen Manschetten und Manschetten mit silbernen Punkten, schwarze Weste mit silbernen Punkten, weißes Hemd, schwarze Fliege mit Pailletten, schwarze Chiné-Silberhose mit Baguette.
Kostüm Peter McKintosh für die Rolle eines Tänzers in „42nd Street“. Musical Regie und Choreographie von Stephen Mear, Théâtre du Châtelet, Paris, 2016.
Goldener Satin-Body mit silbernen Punkten, schwarzer Rücken mit silbernen Tupfen, goldener Petticoat mit silbernen Punkten, goldene Schuhe.
Nationales Zentrum für Bühnenkostüm
Das Centre National du Costume de Scene (CNCS) ist ein französisches Museum, das sich der Kostüme und Bühnenbilder widmet.
Es wurde am 1. Juli 2006 in Moulins, Allier, von Renaud Donnedieu de Vabres, dem Kulturminister, Pierre-André Périssol, Bürgermeister von Moulins, und Christian Lacroix, Schneider und Vorstandsvorsitzender, eingeweiht. Der derzeitige Direktor ist Delphine Pinasa, deren Porträt im Museum ausgestellt ist.
Das Nationale Zentrum für Bühnenkostüm ist die erste Bewahrungsstruktur in Frankreich oder im Ausland, die sich vollständig dem materiellen Erbe der Theater widmet.
Seine Aufgabe ist die Bewahrung, Erforschung und Verwertung einer Sammlung von 10.000 Theater-, Opern- und Ballettkostümen neben bemalten Bühnenbildern, die von den drei Gründungsinstitutionen des Zentrums, der französischen Nationalbibliothek, der Comédie-Française und der Nationaloper von Paris. Das Zentrum erhielt auch zahlreiche Spenden von Künstlern und Theatern.
Sammlungen
Die Sammlung besteht aus etwa 10 000 Kostümen und Bühnenelementen aus der Mitte des 19. Jahrhunderts bis heute und stammt aus Theatern, Opern, Balletten wie der Pariser Nationaloper, der Comédie-Française und der Nationalbibliothek von Frankreich.
Das Museum verfügt über eine Sammlung von Kostümen von Rudolf Nurejew, die in seinem Willen als „Ort der Erinnerung“ gefordert werden. Nurejew, der Direktor des Pariser Opernballetts gewesen war, wollte seine Sammlung in einem Pariser Museum unterbringen lassen, aber geeignete Orte konnten nicht gefunden werden. So wurde seine Sammlung im Museum dieses Museums der Region Auvergne untergebracht, das etwa 3 Stunden mit dem Zug von Paris entfernt ist. Es ist „eine permanente Sammlung, die dem Besucher ein Gefühl für seine überbordende, vagabundierte Persönlichkeit und Leidenschaft für alles, was selten und schön ist, vermittelt“. Die Sammlung enthält historische Artefakte aus Nurejews Karriere, darunter Film- und Fotomaterial sowie 70 Kostüme.
Bühnenkostüme
Mehrere Bühnenfirmen und Theater, darunter die Comédie Française und die Pariser Oper, senden ihre Kostüme nach ihrer Abschlussshow ins Museum. Im Museum können sie ausgestellt und aufbewahrt werden. Sie stehen auch Forschern und Studenten zum Studium zur Verfügung.
Die Sammlungen: die Erinnerung an legendäre Institutionen und Künstler
Auch wenn Bühnenkostüme ein bedeutendes Erbe in Bezug auf die Ausgaben und das Eigentum der Theater darstellten, gab es bis zur Schaffung des Zentrums nie eine wirkliche Politik, sie zu schützen. Sie bezeugen die Kreativität der Kostümdesigner und das Know-how der Workshops, aus denen sie entstanden sind. Sie tragen die Spuren der Künstler, die sie auf der Bühne hervorgehoben haben.
Die ältesten Kostüme stammen aus dem 18. Jahrhundert. Es handelt sich dabei um authentische Kleidung (Herrenmäntel und Westen), die der Comédie-Française nach der Französischen Revolution für ein Repertoire aus dem 18. Jahrhundert (Marivaux, Beaumarchais…) zur Verfügung gestellt oder von ihr gekauft wurden. Neben diesen außergewöhnlichen Stücken umfasst die Sammlung vor allem Kostüme aus Produktionen, die seit der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts entstanden sind. Das Projekt entstand 1995, als das Ministerium für Kultur und Kommunikation die wichtigsten nationalen Institutionen, die Nationalbibliothek von Frankreich (Abteilung für darstellende Kunst), die Comédie-Française und die Nationaloper von Paris dazu aufrief, die erste Kollektion mit 8500 Kostümen zu bilden die Eröffnung der CNCS.
Die Sammlung der französischen Nationalbibliothek spiegelt den Reichtum und die Vielfalt der Sammlung der Abteilung Performing Art wider. Dazu gehören die Kostüme der Renaud-Barrault-Truppe, des Théâtre de l’Atelier unter der Leitung von Charles Dullin, des Théâtre du Campagnol unter der Regie von Jean-Claude Penchenat sowie Philippe Guillotels Kostüme für die von Philippe Decouflé dramatisierten Albertville-Olympischen Spiele. im Jahr 1992.
Die Sammlung des Comédie-Française umfasst drei Jahrhunderte der Geschichte dieses großen Theaters. Die Kostüme wurden in renommierten Nähwerkstätten hergestellt, insbesondere für die historische Kleidung. Einige wurden von Suzanne Lalique, Lila de Nobili oder Thierry Mugler entworfen und von Sarah Bernhardt, Mounet-Sully oder Jean Marais getragen…
Die Sammlung der Nationaloper von Paris umfasst 5000 Opern- und Ballettkostüme aus einem Zeitraum von 150 Jahren aus dem Jahr 1872, deren Kostüme von Bakst, Benois, Derain, Cocteau entworfen wurden. Die meisten von ihnen wurden in den Nähwerkstätten von Paris hergestellt die Oper und getragen von allen großen Stars, Serge Lifar, Yvette Chauviré, Maria Callas, Rudolf Nurejew, Régine Crespin, Luciano Pavarotti…
Die CNCS beherbergt eine außergewöhnliche Sammlung von rund 2000 von Christian Lacroix für Bühnen (Oper, Tanz und Theater) entworfenen Zeichnungen und Modellen von Kostümen. Der Modedesigner Frank Sorbier spendete seine Kostümmodelle für zwei Opern, die Traviata und die Hoffmanns Erzählungen.
Eine Sammlung von Bühnenbildelementen
Das Nationale Zentrum für Bühnenkostüme und Bühnenbilder beherbergt eine Sammlung von bemalten Leinwänden, dekorativen Elementen und Bühnentechnik (Fahrgestelle, Hebezeuge, Masten, Ersatzteile, Werkzeuge) aus der Mitte des 20. Jahrhunderts. In dieser Kontinuität haben einige zeitgenössische Tanztruppen einige ihrer Bühnenbilder zusammen mit ihren Kostümspenden hinterlassen.