Kunstbiennale Venedig 2017, Ausstellungsorte in der Stadt, Italien

Die 57. internationale Kunstausstellung mit dem Titel Viva Arte Viva, kuratiert von Christine Macel und organisiert von Paolo Baratta, fand vom 13. Mai bis 26. November 2017 statt. Die Biennale präsentiert sich als Ort des offenen Dialogs zwischen Künstlern und zwischen Künstlern und die Öffentlichkeit. Das diesjährige Thema widmet sich dem Feiern und fast Danken für die Existenz von Kunst und Künstlern, deren Welten unsere Perspektive und den Raum unserer Existenz erweitern.

Die Ausstellung in den historischen Pavillons der Giardini, im Arsenale und in der Innenstadt von Venedig mit Beteiligungen von 86 Ländern und Regionen. 23 Begleitveranstaltungen, gefördert von gemeinnützigen nationalen und internationalen Institutionen, präsentieren während der 57. Ausstellung ihre Ausstellungen und Initiativen in Venedig.

Die Ausstellung Viva Arte Viva bietet eine Route, die sich über neun Kapitel oder Künstlerfamilien entfaltet, beginnend mit zwei Einführungswelten im Zentralpavillon in den Giardini, gefolgt von sieben weiteren Reichen im Arsenale und im Giardino delle Vergini . Es sind 120 Künstler aus 51 Ländern eingeladen; 103 davon nehmen erstmals teil.

In einer Welt voller Konflikte und Erschütterungen zeugt die Kunst vom Kostbarsten dessen, was uns menschlich macht. Kunst ist der ultimative Boden für Reflexion, individuellen Ausdruck, Freiheit und für grundlegende Fragen. Kunst ist die letzte Bastion, ein Garten, der jenseits von Trends und persönlichen Interessen gepflegt wird. Sie steht als eindeutige Alternative zu Individualismus und Gleichgültigkeit.

Viva Arte Viva
Viva Arte Viva ist eine vom Humanismus inspirierte Ausstellung. Dieser Humanismus ist weder auf ein künstlerisches Ideal ausgerichtet, noch zeichnet er sich durch die Feier des Menschen als Wesen aus, das seine Umgebung beherrschen kann. Wenn überhaupt, feiert dieser Humanismus durch die Kunst die Fähigkeit der Menschheit, nicht von den Mächten dominiert zu werden, die das Weltgeschehen bestimmen. In diesem Humanismus ist der künstlerische Akt zugleich ein Akt des Widerstands, der Befreiung und der Großzügigkeit.

Viva Arte Viva ist ein Ausruf, ein leidenschaftlicher Aufschrei für die Kunst und den Stand des Künstlers. Die Rolle, die Stimme und die Verantwortung des Künstlers sind im Rahmen zeitgenössischer Debatten wichtiger denn je. In und durch diese Einzelinitiativen nimmt die Welt von morgen Gestalt an, die zwar sicherlich unsicher ist, aber von Künstlern oft am besten wahrgenommen wird als andere.

Jedes der neun Kapitel oder Künstlerfamilien der Ausstellung stellt einen eigenen Pavillon dar, oder besser gesagt einen Trans-Pavillon, da er von Natur aus transnational ist, aber die historische Organisation der Biennale in Pavillons widerspiegelt, deren Zahl seitdem unaufhörlich zugenommen hat Ende der 1990er Jahre.

Viva Arte Viva möchte auch eine positive und zukunftsweisende Energie vermitteln, die sich zwar auf junge Künstler konzentriert, zu früh verstorbene oder trotz der Bedeutung ihrer Arbeit noch weitgehend unbekannte Menschen wiederentdeckt.

Vom „Pavillon der Künstler und Bücher“ bis zum „Pavillon der Zeit und Unendlichkeit“ erzählen diese neun Episoden eine oft diskursive und manchmal paradoxe Geschichte, mit Umwegen, die die Komplexität der Welt widerspiegeln, eine Vielzahl von Ansätzen und eine große Vielfalt von Praktiken. Die Ausstellung versteht sich als Erlebnis, als extrovertierte Bewegung vom Selbst zum Anderen, hin zu einem gemeinsamen Raum jenseits der definierten Dimensionen und weiter zur Idee eines potentiellen Neo-Humanismus.

Ausgehend vom Pavillon der Künstler und Bücher enthüllt die Ausstellung ihre Prämisse, eine Dialektik, die die gesamte zeitgenössische Gesellschaft über den Künstler selbst hinaus einbezieht und die Organisation der Gesellschaft und ihre Werte thematisiert. Kunst und Künstler stehen im Mittelpunkt der Ausstellung, die mit der Auseinandersetzung mit ihren Praktiken beginnt, der Art und Weise, wie sie Kunst schaffen, auf halbem Weg zwischen Müßiggang und Aktion, Otium und Negotium.

Die Ausstellung in Orten rund um die Stadt
Die Ausstellung entwickelt sich vom Zentralpavillon (Giardini) bis zum Arsenale und umfasst 86 Teilnehmer aus der ganzen Welt. Mit der schrittweisen Ausweitung des Maßstabs hat sich der Geltungsbereich der Biennale Venedig auf die gesamte Stadt ausgeweitet. Neben den Hauptausstellungsstätten umfasst es auch viele Pavillons, die auf den Straßen der Städte und sogar vorgelagerter Inseln verstreut sind.

Ca‘ Giustinian ist ein historischer Palast, der zu den repräsentativsten der venezianischen Spätgotik gehört. Der Palast, ursprünglich „dei Giustinian“ genannt, wurde um 1471 erbaut und ist das Ergebnis der Vereinigung zweier verschiedener Gebäude: Giustinian und Badoer-Tiepolo. Zwischen 2008 und 2009 wurde es umfassend renoviert. Die Innenräume des Schlosses sind auf Anfrage zugänglich und zeichnen sich durch wesentliche Linien und neutrale Farben in Kombination mit dekorativen Formen und Farben aus, die für das zeitgenössische Design typisch sind. Die Räume wurden mit ausgewählten künstlerischen Kunstwerken vervollständigt, um die Beziehung zwischen Kunst und Raum zu verstärken. Licht ist das andere prägende Element des Ortes.

Pavillons im Arsenale
Das Arsenale war in der vorindustriellen Zeit das größte Produktionszentrum Venedigs, ein Symbol für die wirtschaftliche, politische und militärische Macht der Stadt. Seit 1980 ist das Arsenale anlässlich der 1. Internationalen Architekturausstellung Ausstellungsort der Biennale. Später wurden die gleichen Räume während der Kunstausstellungen für den Open-Bereich genutzt.

Pavillon der Vereinigten Arabischen Emirate
2017 ist die fünfte Teilnahme der Vereinigten Arabischen Emirate an der Internationalen Kunstausstellung. Unter dem Titel „Rock, Paper, Scissors: Positions in Play“ ist ein traditionelles Spiel, das in verschiedenen Kulturen auf der ganzen Welt gespielt wird, betitelt und untersucht künstlerische Praktiken in den Vereinigten Arabischen Emiraten durch die Analogie des Spiels und präsentiert fünf zeitgenössische Künstler aus den Vereinigten Arabischen Emiraten, darunter Nujoom Alghanem, Sara Al Haddad, Vikram Divecha, Lantian Xie und Dr. Mohamed Yousif. Kuratiert von Kurator, Autor und ehemaliger Head of Research and Programs (2012-2016) im Asia Art Archive in Hong Kong, Hammad Nasar, zeigt die Ausstellung bestehende Werke der Künstler sowie die Re-Fabrikation „verlorener“ Werke und neuer Kommissionen.

Die Ausstellung fungiert als Bühne für eine Reihe ineinander verschachtelter Fragen: Woher kommt die „Verspieltheit“ in der künstlerischen Praxis? Wie und wo wird „Spielen“ gepflegt? Was macht „spielen“? Die in Dubai lebende Künstlerin Hind Mezaina wurde beauftragt, ein Programm für den National Pavilion VAE zu entwickeln, das die kuratorischen Konzepte der Ausstellung untersucht. Das Programm mit dem Titel „Heim: Essen | Musik | Sports“ untersuchte, wie Essen, Musik und Sport dazu beitragen, ein Gefühl von Heimat und Gemeinschaft aufzubauen. Die Veranstaltungen fanden in Abu Dhabi, Dubai und Sharjah statt.

Mexiko-Pavillon
Das Leben in den Falten, eine der Hauptaussagen der Kunst, ist der Ausdruck der Realität in jeder einzelnen Epoche unserer Geschichte; Aus dieser Perspektive heraus stellte der Künstler Carlos Amorales (Mexiko-Stadt, 1970) seinen Job mit dem Titel „Life in the folds“ während der 57. Internationalen Kunstausstellung von La Biennale di Venezia vor. Unter der Leitung von Pablo León de la Barra (Mexiko-Stadt, 1972) wurde die Ausstellung von Amorales in dem historischen Gebäude, dem Arsenale, dem offiziellen Veranstaltungsort des mexikanischen Pavillons in dieser Ausgabe, versammelt.

Der mexikanische Pavillon erhielt eine hohe Relevanz, um die wichtigsten Ereignisse des Jahres 2017, wie die Neuverhandlung des Nordamerikanischen Freihandelsabkommens (NAFTA) und die massiven Migrationsbewegungen in mehreren Regionen der Welt, angemessen widerzuspiegeln. Für diese Installation wurden viele Okarinas hergestellt, um ein verschlüsseltes Alphabet zu schaffen, das sowohl textlich als auch phonetisch interpretiert werden kann, da jede Okarina je nach Buchstabe oder Zeichen einen anderen Klang aussendet. Außerdem entwarf Amorales diverse Notenblätter, deren Noten abstrakt präsentiert wurden, mit dem Ziel, bei jedem Besucher eine neue und innovative Wahrnehmungs- und Interpretationsmethode zu schaffen.

Argentinien Pavillon
The Horse Problem von Claudia Fontes war eine Installation von Skulpturen, die Argentinien auf der 57a Biennale von Venedig im Jahr 2017 repräsentieren. Die Installation zeigt eine eingefrorene Szene, in der ein Pferd, eine Frau und ein junger Mann in einer unendlichen Kausalitätsschleife gefangen sind, vor der Angst ist Ursache und Symptom zugleich. Die Angst des Pferdes, im Gebäude eingeklemmt zu werden, erzeugt eine Felslawine, die auf ihn zufährt, deren Schatten ein Spiegelbild seiner selbst bilden, wenn auch explodieren. Die Weiße und Glätte des Materials verleihen der Szene den Charakter einer Erscheinung, als ob die Charaktere und ihre Umstände in einer parallelen Zeitlichkeit existierten. Das Publikum als Zuschauer vervollständigt die Erzählung.

Das Pferd als eine Art inoffizielles Nationalsymbol Argentiniens, das tänzelnde Pferd wird in der Arbeit als Symbol für viele verschiedene Dinge und Konzepte verwendet. Auf der einen Seite erinnert es an die Reitdenkmäler, die viele argentinische und lateinamerikanische Städte bevölkern. Zum anderen steht es für den Konflikt zwischen Natur und Industrialisierung und die Ausbeutung natürlicher Ressourcen – einschließlich des Einsatzes von Tieren als Arbeitskraft. Schließlich symbolisiert es den Begriff der Nation selbst als subtile Kritik am Format der Biennale selbst, das, im 19. für veraltet hält und schlichtweg ablehnt.

Südafrika Pavillon
Die Ausstellung des südafrikanischen Pavillons lädt die Betrachter ein, die Rolle des Künstlers bei der Visualisierung und Artikulation des Selbstseins im Kontext globaler Marginalisierung zu erkunden. Was bedeutet es, im Alltag sichtbar, auf der Ebene der kulturellen, politischen oder wirtschaftlichen Repräsentation unsichtbar und unbeachtet zu sein? In einem Dialog mit neuen Arbeiten von Breitz und Modisakeng reflektiert die Ausstellung Erfahrungen von Ausgrenzung, Vertreibung, Vergänglichkeit, Einwanderung und Fremdenfeindlichkeit und untersucht die komplexen gesellschaftspolitischen Kräfte, die die Leistung von Selbstsein unter solchen Bedingungen prägen.

Mohau Modisakeng präsentiert kritische Antworten auf Ideen von Nationalität, Führung, Ungleichheit und Arbeitsmigranten, die sich visuell als ergreifende Momente der Trauer und Katharsis manifestieren, die für die aktuelle Lebenserfahrung der zeitgenössischen Südafrikaner von zentraler Bedeutung sind. Die Arbeit von Breitz konzentriert sich auf die Bedingungen, unter denen Empathie produziert wird, und reflektiert eine mediengesättigte globale Kultur, in der eine starke Identifikation mit fiktiven Charakteren und Prominenten parallel zu einer weit verbreiteten Gleichgültigkeit gegenüber der Not der Menschen in der realen Welt verläuft.

Peru-Pavillon
Rodrigo Quijano präsentiert der Welt das Werk des früh verschwundenen bildenden Künstlers Juan Javier Salazar (1955-2016), der in seinen Werken durch Humor und Ironie Reflexionen anbietet. Sie verkörpern ihre eigene Vision der Kunst und Geschichte Perus. Die Ausstellung will nicht retrospektiv oder anthologisch sein, sondern versucht, ihr den Wert und die internationale Aufmerksamkeit zu verleihen, die eine Figur verdient, die die Generationen von Künstlern, die ihm folgten, stark beeinflusst hat und die in der Tat eine Achse und ein Charakter ist Schlüssel zum Verständnis der zeitgenössischen peruanischen Kunst.

Türkei Pavillon
Cevdet Erek präsentiert eine ortsspezifische Arbeit für den Pavillon mit dem Titel „ÇIN“. Anstatt zu versuchen, ein Projekt zu beschreiben, das vor Ort erlebt werden soll. Der in Istanbul geborene Erek schuf 2012 seine erste Installation für die Documenta 13. Seine Arbeit zeichnet sich durch einen ausgeprägten Einsatz von Rhythmus und Ortsspezifität aus, wobei er oft Video, Ton und Bild kombiniert, um die Wahrnehmung und Erfahrung des Betrachters eines bestimmten Raums zu verändern . Interessanterweise gelingt es Erek, rationale Komponenten wie Architekturbezüge und lineare Zeit mit instinktiven Impulsen zu verbinden und so die Kluft zwischen zwei vermeintlich gegensätzlichen Sphären zu nivellieren.

Philippinen Pavillon
Das Gespenst des Vergleichs, Werke der philippinischen Künstler Lani Maestro und Manuel Ocampo. Das Gespenst des Vergleichs stammt aus dem Roman Noli Me Tángere, den der philippinische Patriot und Romancier Jose Rizal 1887 in Berlin lebte aus der Ferne die Philippinen nicht mehr sehen zu können, ohne Europa zu sehen, noch Europa zu betrachten, ohne die Philippinen zu sehen.

Trotz ihrer ästhetisch unterschiedlichen Praktiken, die von unterschiedlichen historischen Momenten beeinflusst sind, sind Lani Maestro, deren Installationen Ton, Film, Text und Fotografie beinhalten, und Manuel Ocampo – dessen figurative Malerei Kritiksysteme – beide Produkte der „kollektiven“ Erfahrung des Gespensts des Emigranten. Die Ausstellung schenkt Ocampo und Maestro diesen Blick, nicht nur als Künstler, die zwei, mehrere oder viele Welten kennen und in ihnen gelebt haben, sondern als Künstler, deren Kunstschaffen ein fragmentiertes Globales produziert – eine diskursive und komplexe Vorstellung, die durch ein Bewusstsein von Welten, die in zeitlichen und geografischen Zonen gebaut wurden.

Chile-Pavillon
Bernardo Oyarzún untersucht die chilenische Kultur oft aus einer anthropologischen, sozialen, historischen und ethnischen Perspektive. Oyarzúns Ausstellung mit dem Titel „Werken“ zeigt eine Installation von mehr als 1500 zeremoniellen Masken der indigenen Mapuche-Völker und roten LED-Leuchten mit 6.907 Mapuche-Nachnamen. Oyarzún erforscht die Beziehung zwischen zeitgenössischer Kunst und indigenen Völkern.

Indonesien Pavillon
Unter dem Dachtitel „1001 Martian Homes“ konzipierte Tintin Wulia drei miteinander verbundene Arbeiten. Die Idee war, die Zukunft in der Gegenwart zu zeigen und Exilanten von Gräueltaten auf der Erde 200 Jahre später ihre Geschichten auf dem Mars erzählen zu lassen und durch digitale Technologie und Kameras eine grenzenlose Welt zu suggerieren.

1001 Martian Homes findet gleichzeitig, über Kontinente hinweg, an zwei separaten Ausstellungsorten statt. Auch die Verbindung des Pavillons mit einer Zwillingsversion in der Jakarta Senayan City Shopping Mall brachte ihm keine besondere Aufwertung. Diese beiden Standorte – fast identisch in Design und Aufteilung – sind miteinander verbunden, ebenso wie die drei Zwillingswerke des Projekts: Under the Sun und die gleichnamigen A Thousand and One Mars Homes.

Malta-Pavillon
Homo Melitensis: An Incomplete Inventory in 19 Chapters mit Werken zeitgenössischer Künstler sowie historischen Artefakten bietet eine assoziative Untersuchung der maltesischen Identität in einer komplexen Installation, die Kunstwerke, Objekte und Dokumente in einer nicht-hierarchischen, achronologischen zusammenführt Konfiguration. Die 19 Kapitel nehmen das Publikum mit auf eine ausgeklügelte Reise, die gleichzeitig in verschiedene Richtungen reist und Exemplare der Naturgeschichte, ein nationales Genom, ein altes Schiffswrack, Migration, Kartografie, rituelle Objekte, Transgender-Charaktere und andere Artefakte, die Fakten und Fiktion miteinander verbinden, einbezieht , Identitätskonstruktion und -dekonstruktion, wobei subversive Objekte auf gehorsame Objekte treffen.

Georgien-Pavillon
Der georgische Pavillon befindet sich im Arsenale und besteht aus einem kleinen, verlassenen Holzhaus, das sich in der georgischen Landschaft befindet. In Venedig wieder zusammengebaut, enthält die Hütte alle typischen Inhalte, die in einer solchen Wohnung zu finden sind, darunter Möbel, Bilder und andere Alltagsgegenstände. Im Inneren installierte der Künstler ein in sich geschlossenes Bewässerungssystem, das Dauerregen simuliert und die Innen-Außen-Beziehung umkehrt. Gelbes Natriumlicht erhellt den Innenraum und ermöglicht es den Besuchern, den langsamen entropischen Zerstörungsprozess mitzuerleben, während Mooskulturen Böden, Wände, Möbel und andere Objekte während der sechsmonatigen Ausstellung verschlingen. Die Installation schafft eine eigene Erzählung, die einer natürlichen Dramaturgie folgt, die subtile Veränderungen zulässt. Im Gegensatz zum Inneren bleibt das Äußere des Hauses gleich.

Die Arbeiten von Vajiko Chachkhiani sind geprägt von einem poetischen Humanismus, der zwischen persönlicher Erfahrung und politischer Realität sowie zwischen psychologischer Erkundung und materieller Unmittelbarkeit existiert. Direkt oder indirekt Ausgangspunkt vieler seiner Arbeiten ist ein Austausch von Objekten oder Handlungen zwischen Menschen, der manchmal als Performance erscheint. Der Künstler verdichtet seine Sujets durch reduzierte Formen in einem subtilen Wechselspiel zwischen Enthüllen und Verbergen. Die gewöhnlichen Materialien und die traditionelle Handwerkskunst seiner Werke entspringen einer grundlegenden, alltäglichen Realität. Parallel zu seinen Skulpturen und Installationen hat Chachkhiani ein filmisches Oeuvre entwickelt, das von der Dokumentation einzelner Begebenheiten bis hin zu eher narrativen Filmen zwischen Traum und Realität reicht.

Irland Pavillon
Jesse Jones betrachtet den nationalen Pavillon als Ort eines alternativen Gesetzes. Mit einer Praxis, die auf Film und Performance basiert, hat Jones ein Kunstwerk geschaffen, das sie als „Bezauberung“ des Justizsystems bezeichnet. Jones‘ Praxis kreuzt die Medien Film, Performance und Installation und schlägt für ihre Ausstellung auf der Biennale die Rückkehr der Hexe als feministischen Archetypus vor, der die Fähigkeit besitzt, die Realität zu verändern. Sie arbeitet oft in kollaborativen Strukturen und erforscht, wie historische Kultur in unseren aktuellen sozialen und politischen Erfahrungen Resonanz finden kann.

Italien Pavillon
Imagination ist ein Werkzeug, um über sichtbare Phänomene hinauszuschauen und die Welt „in all ihrem Reichtum und ihrer Vielfalt“ zu erleben. Der italienische Pavillon besteht aus drei Räumen, die eine Abfolge von drei Installationen von Roberto Cuoghi, Adelita Husni-Bey und Giorgio Andreotta Cal accommodate beherbergen. Der Titel der Ausstellung, Il Mondo Magico, ist dem bekanntesten Buch des Anthropologen Ernesto de Martino aus dem Jahr 1948 entlehnt, der magische Rituale als Werkzeuge beschrieb, mit denen Individuen versuchten, ihre eigene Identität in unsicheren historischen und sozialen Kontexten.

Der Eingangsbereich des italienischen Pavillons wurde in eine Art Werkstatt umgewandelt, eine Fabrik, in der Andachtsstatuen hergestellt wurden, die von De Imitatione Christi inspiriert wurden, einem mittelalterlichen Text, der den Weg zur asketischen Vollkommenheit beschreibt. Imitazione di Cristo (Die Nachahmung Christi) von Roberto Cuoghi, die erste der drei im Pavillon präsentierten Installationen, untersucht die Transformation von Materie und den fließenden Identitätsbegriff durch eine Erforschung der historischen Darstellung Christi in der italienischen Kunst. Die in der Werkstatt hergestellten Christusstatuen werden dann auf eine Reihe von Tischen gebracht, die in einem langen Tunnel aus transparentem Kunststoff positioniert sind, wodurch eine Abfolge von „Leichen“ im fortschreitenden Zustand des Verfalls und Zerbröckelns der Materie entsteht. Die Statuen, fast zersetzt,werden anschließend im Ofen „getrocknet“, um ihren Verfall zu stoppen. Schließlich werden die verzerrten und zerbrochenen Überreste der Figuren neu zusammengesetzt und auf einer langen, dunklen Wand am Ende der Galerie angeordnet.

China-Pavillon
„Continuum – Generation by Generation“ wurde vom chinesischen Konzept des Buxi, einer unerbittlichen Energie oder Lebenskraft, inspiriert und zeigte individuelle und kollaborative Arbeiten von vier Künstlern: Tang Nannan, Wu Jian’an, Wang Tianwen und Yao Huifen. Im Pavillon geht es nicht um die Arbeit eines einzelnen chinesischen Künstlers, sondern um einen über 5000 Jahre dauernden kollektiven Schaffensprozess. Eine umfassende Cross-Kooperation der vier Künstler für den Chinesischen Pavillon. Jeder der vier teilnehmenden Künstler kooperiert mit den anderen drei Künstlern. Chinesische Kunst ist ein gemeinschaftlicher Akt über fünftausend Jahre unserer kollektiven Geschichte, an dem jeder Künstler sowohl teilnimmt als auch reagiert: eine Art generationenübergreifendes Yaji-Treffen.

Tang zeigte Videos, die von chinesischen Mythen inspiriert waren, die sich mit Wasserstraßen und Landschaften befassen. Yao Huifen ist Experte für Suzhou-Stickerei und kreiert zeitgenössische Versionen des verehrten Handwerks. Wang Tianwen ist ein Meister des Schattenspiels in Shaanxi, und Wu Jian’ans lasergeschnittene Skulpturen aus Kupferblech ragten wie Totems in den Raum. Viele Werke bezogen sich auf antike und himmlische Themen, und sie kamen in der kollaborativen, multimedialen Schattenspiel-Performance zusammen, die von den vier Künstlern und dem Kurator selbst geschaffen wurde, Continuum – Remove the Mountains and Filling the Sea, mit Musikern und Performern, die traditionelle Methoden und digitale Methoden kombinieren Projektionen. Die Ausstellung folgt ganz bewusst den Spuren chinesischer Intellektueller durch die Geschichte, die sich für Volkskunst und -praktiken interessieren.Die kakophone Atmosphäre des China-Pavillons hatte diesmal echte Absicht und fesselnde Wirkung.

Pavillons in den Giardini
Giardini ist der traditionelle Ort der La Biennale Art Exhibitions seit der ersten Ausgabe im Jahr 1895. Die Giardini beherbergen heute 29 Pavillons fremder Länder, von denen einige von berühmten Architekten wie dem Österreich-Pavillon von Josef Hoffmann, dem niederländischen Pavillon von Gerrit Thomas Rietveld oder dem finnischen Pavillon entworfen wurden , ein Fertigteil mit trapezförmigem Grundriss, entworfen von Alvar Aalto.

Spanien Pavillon
Der spanische Künstler Jordi Colomer präsentiert im Pavillon sein Ausstellungsprojekt „Ciudad de bolsillo“, kuratiert von Manuel Segade. Es ist eine „Installation von Installationen“, die aus einer Reihe von Videos, Skulpturen und dem Raum selbst besteht, der als totale, aber provisorische Architektur verstanden wird. Die Installation ist vom zentralen Raum aus mit natürlichem Licht organisiert, mit Modellen, Prototypen, maßstabsgetreuen Reproduktionen dieser Bewegungen, die auch Objekte enthalten, die in Videoaktionen verwendet werden und das Ensemble des Pavillons rhythmisieren. In ihrer Gesamtheit bilden sie in verschiedenen Maßstäben eine Vision eines verdrängungsanfälligen Stadtfragments in prekärem Gleichgewicht. Die Modelle wurden aus lackierten Blechmodulen gefertigt und von leistungsstarken Lüftern permanent geschüttelt,wie in der kontinuierlichen Vibration einer aufgeregten Stadt.

In den Perimeterräumen wird ein Rundgang organisiert, bei dem sich der Betrachter frei in die eine oder andere Richtung bewegen konnte. Diese Räume werden als Folge von Sequenzen aus zwei Elementen artikuliert: Projektionswände mit Videos und eine Reihe von Ständern zum Betrachten. Sowohl die Bildschirme als auch die Ständer sind in seriellen Kombinationen aufgebaut, die wechselnde Umgebungen konfigurieren, von nahezu individueller Betrachtung über den großen Raum mit mehreren Bildschirmen unterschiedlicher Größe und Stufen bis hin zu modularen Höhen, die verschiedene Blickwinkel ermöglichen.

USA-Pavillon
Der Pavillon der Vereinigten Staaten präsentiert Tomorrow is Another Day, eine ortsspezifische Installation von Mark Bradford. Mark Bradford ist eine der interessantesten Figuren des zeitgenössischen Abstrakten Expressionismus; ein Künstler, dessen Werke einen meisterhaften Umgang mit Farbe und Materie mit einer tiefen Aufmerksamkeit für soziale Fragen und die Verletzlichkeit und Widerstandsfähigkeit von marginalisierten Menschen und Gemeinschaften verbinden. Im Eingangsraum befindet sich die Installation Spoiled Foot, die den Raum mit einer großen, hindernden schwarz-roten Masse, die von der Decke hängt, ausfüllt und das Publikum zwingt, in einem engen Gang zu gehen und die Seitenwände als Metapher für den Kontrast zwischen brush die am Rande leben und eine zentralisierte gesellschaftliche Macht.

Der zweite Raum präsentiert vier meist schwarze Arbeiten, drei große Collage-Gemälde und eine Skulptur. Auf den Leinwänden, die jeweils nach einer mythologischen Sirene benannt sind, verwendet Bradford eine Technik, die er bereits in seinen bahnbrechenden Werken der 2000er Jahre übernommen hat und bei der Vorsatzpapiere in schwarz-violett schimmernden Gemälden „eingearbeitet“ sind, um eine Wirkung von tiefe, schillernde Materie, die „das Meer und seine Gänge beschwört“. Die Titel der Werke beziehen sich auf den Missbrauch von Frauen sowohl im Privatleben als auch in der Populärkultur. Die drei Gemälde „umkreisen“ eine zentrale Skulptur mit dem Titel Medusa, die aus einem Gewirr von gebleichten schwarzen Papierschlössern besteht, um eine Art zeitgenössisch-klassisches Triptychon zu bilden, das sich auf das Thema der Darstellung von Frauen konzentriert.

Uruguay-Pavillon
Sagradini kultiviert eine einzigartige Art, Kunst zu verstehen und auszuüben, indem sie durch die Welt der Worte und Dinge schwebt und Erfahrungen, Gegenstände und Geschichten aus dem Alltagsleben rettet. Indem er oft mit dem ethnographischen Befund arbeitet, beschäftigt er sich mit Interesse auch mit Fragmenten der uruguayischen Geschichte, so dass er durch die Praktiken der Kunst den Künstlerhistoriker und den Künstleranthropologen abwechselnd (oder gleichzeitig) wieder auftauchen lässt. Tatsächlich greift Sagradini sehr häufig auf Gegenstände zurück, die bei täglichen Aufgaben verwendet werden, um seine symbolischen Geräte zu pflegen

Das Stück besteht aus der seit dem 19. Jahrhundert in Uruguay verwendeten Form eines Rinderpferches namens „Embudo“, die der Künstler aus einem alten, kaum lesbaren Foto rekonstruiert hat. Es ist wie ein Ort für bestimmte Körper geformt, wird aber ohne diese ausgestellt. Aus allen Kontexten herausgelöst, bietet es sich als leere Zelle an, als phantasmatische Umgebung, deren verlorene Erinnerung nun durch die Präsenz anderer Körper ersetzt zu werden hofft, die sie besetzen können. Es verfügt über Portale, Eingänge, Öffnungen, Wände und andere Einrichtungen, die dem Komplex eine dem menschlichen Maßstab angemessene und der Sprache der Architektur nahestehende Konfiguration verleihen. Die zweite ist eine Hommage an die Montagebedingungen, an ihre szenografische Konzeption,die den Besucher zu einem körperlichen Dialog mit dem Artefakt einlädt, um die virtuelle Barriere der Ausstellung zu überwinden. Solche Eigenschaften verleihen dem Werk einen historischen Grund und eine aktuelle Funktion, die zum Spiel der Bedeutungen bereit ist, die es von der klassischen minimalistischen Drift trennt.

Nordischer Pavillon
Mirrored ist eine Gruppenausstellung mit Werken von sechs Künstlern verschiedener Generationen: Siri Aurdal, Nina Canell, Charlotte Johannesson, Jumana Manna, Pasi „Sleeping“ Myllymäki und Mika Taanila. Die Ausstellung Mirrored versucht, eine aktuelle Herangehensweise zu vermeiden und sich auf die Herausforderung eines in den nordischen Ländern reflektierten oder projizierten Selbstbildes zu konzentrieren. Eine Kartierung von Verbindungen, die die nationalen und regionalen Grenzen überwinden und stattdessen eine facettenreichere Sicht darauf verfolgen, wie sich künstlerische Praxis verbinden kann“, sagt Kurator Mats Stjernstedt. Mirrored suggeriert somit einen „ortlosen Ort“, um die Allegorie von Guiliana Bruno auf Spiegel zu übernehmen .

Werke von Siri Aurdal, Charlotte Johannesson und Pasi „Sleeping“ Myllymäki sind Beispiele für urbane Kunst und Urbanität, die ihrer Zeit voraus war, indem sie industrielles Material, digitalen Raum oder Designexperimente mit bewegten Bildern erforschte. Aurdals modulbasierte Skulpturen fordern das Medium Skulptur heraus und schaffen ihm neue Prämissen. Johannesson orientierte sich am traditionellen Textilhandwerk und übersetzte den logischen Aufbau von Wandteppichen in computerbasierte Pixel. Bevor Myllymäki seine Filmpraxis aufgab, produzierte er von 1976 bis 1985 44 Super-8-Filme; Diese Filme erkunden eine breite Palette von Elementen von Grafikdesign bis hin zu performativen Aktionen.

Ein ähnliches Interesse an urbanen Themen, das sich beispielsweise durch materielle Transformation oder politische Inhalte ausdrückt, kreuzt die Arbeiten der folgenden Künstler; Mika Taanila (geb. 1965) ist vor allem dafür bekannt, zeitliche Kunstwerke in Film, Video und Ton zu produzieren. Für die vorliegende Ausstellung verwendet Taanila die Montagetechnik, um ein Cut-Out-Projekt in der filmischen Literatur zu schaffen. Nina Canells (*1979) experimenteller Umgang mit Skulptur und Installation beschäftigt sich mit dem Ort und der Verschiebung von Energie. Sie haben jedoch wie Taanilas Film- und Tonarbeit eine zeitliche Qualität, da Canell die oft fixierte Form der Skulptur in ergebnisoffene Prozesse überführt. Die Arbeiten von Jumana Manna (*1987) untersuchen, wie Macht durch Beziehungen artikuliert wird,häufig mit Fokus auf Körper und Materialität in Bezug auf Narrative des Nationalismus und Ortsgeschichten. In ihrer skulpturalen Arbeit entfaltet Manna indirekt Repräsentation und schafft eine visuelle Sprache der Abwesenheit und des Ersatzes.

Großbritannien Pavillon
Der britische Pavillon präsentiert Folly, eine ortsspezifische skulpturale Installation von Phyllida Barlow. Phyllida Barlow ist weltberühmt für ihre beeindruckenden abstrakten skulpturalen Arbeiten, in denen billige Materialien – wie Beton, Holz, Stoff – und wiederverwendete Elemente in üppig mysteriöse und beunruhigende Skulpturen verwandelt werden. Phyllida Barlow hat eine vielgestaltige Installation geschaffen, die sie Folly als Referenz sowohl auf eine Art extravagantes architektonisches Dekorationselement als auch auf einen tollkühnen Geisteszustand nannte. Die Arbeit spielt und interagiert ständig mit der Architektur des Pavillons selbst, beginnend von außen, wo Barlow eine Gruppe von bunten, fast komischen Blasen (oder genauer gesagt riesigen Kugeln, wie der Künstler sie definiert) platziert, die irgendwie „entmystifizieren“ “ der Mutige,neoklassizistische Formen des Gebäudes.

Die Skulpturen bewohnen den gesamten Pavillon, reichen bis zum Dach und reichen sogar nach draußen. In der zentralen Galerie ermutigt sie uns, die Rolle des Entdeckers zu übernehmen und uns in einem skulpturalen Labyrinth aus dicht gepackten, hoch aufragenden Säulen zurechtzufinden. Fröhlich drängeln sich bunte Kugeln, doch diese bauchigen Formen haben auch eine unheimliche Qualität, wenn sie sich dem Besucher entgegendrängen und den Raum dominieren. Skulpturen, die an Stühle auf einem Rummelplatz erinnern, spielen auf Festlichkeiten an, doch ihre gefalteten Formen implizieren Verfall und Trostlosigkeit.

Kanada Pavillon
In Ein Weg aus dem Spiegel stellte sich Geoffrey Farmer die Zugehörigkeit zum Nationalstaat vor, feierlich und traurig zugleich; nicht als begrenzte oder monolithische Identität, sondern als Fluidität und Verlust. Indem er den Pavillon in eine Freilichtbühne für seine Brunnen verwandelte, öffnete er auch einen Raum für Erneuerung und Reflexion, der die Schnittpunkte persönlicher und nationaler Geschichte buchstäblich sprengte.

Mit seiner sensiblen, intelligenten Herangehensweise an Fragen von Kunst, Geschichte und Material und seiner starken internationalen Ausstellungsgeschichte macht Geoffrey Farmer den oft als schwieriger Raum geltenden Canada Pavilion zu einem immersiven, skulpturalen Erlebnis. Vorabinformationen haben gezeigt, dass die persönliche Geschichte und das Trauma zwischen den Generationen Aspekte von Farmers Installation waren, ebenso wie Gedichte, alte Zeitschriften und ein Familiengeheimnis.

Deutschland Pavillon
„Faust“ von anne imhof ​und kuratiert von susanne pfeffer wurde der Pavillon mit dem Goldenen Löwen 2017 für die beste nationale Beteiligung ausgezeichnet. Povokative und kraftvolle Ausstellung, anne imhof hat den deutschen Pavillon auf der venice art biennale 2017 entworfen. Sie integriert die Medien Malerei, Skulptur und Installation mit Live-Performances, die die Komposition und das Verständnis menschlicher Figuren erforschen. Anne Imhof inszeniert im Pavillonraum die Darstellung einer harten und entfremdenden Realität, in der Individuen durch physische, politische, wirtschaftliche und technologische Einschränkungen eingeschränkt sind. Die Härte der verwendeten Elemente wie Glas und Stahl erinnert an die Orte, an denen heute Macht und Geld verwaltet werden; insbesondere in Glas ist die wichtigste Veränderung des Pavillons’s Architektur, nämlich die Hinzufügung einer transparenten erhöhten Plattform, einen Meter über dem Bürgersteig, die das Verhältnis zwischen Raum und menschlicher Präsenz verändert.

Die Arbeit interagiert stark von außen mit der Architektur des Deutschen Pavillons; in einem großen Käfig versteckte Wachhunde, dicke, bruchsichere Glasscheiben, die den Eingangsportikus des neoklassizistischen Gebäudes des Pavillons verschließen und dem Besucher nur den Blick in die Haupthalle lassen, die Verschiebung des Haupteingangs auf der Seite des Pavillons, a Gesamtkunstwerk, in dem sich unterschiedliche formale und expressive Schichten und Mittel, von visueller Installation bis Musik, von Malerei bis Live-Performance überlagern. Über der transparenten Plattform bewegt sich das Publikum und beobachtet eine Gruppe von Darstellern,die sich ausstellen, ohne eine echte Kommunikation mit den Besuchern aufzubauen, sich aber der Kraft ihres visuellen Erscheinungsbildes absolut bewusst sind.

Diese disziplinierten und fragilen Körper erscheinen als Material, das von unsichtbaren Machtstrukturen durchdrungen ist. Es sind Subjekte, die sich ständig ihrer eigenen Objektivierung zu entziehen scheinen. Die mediale Repräsentation ist diesen Biotech-Gremien angeboren. Die Darsteller wissen genau, dass ihre Gesten kein Selbstzweck sind, sondern nur als reine Medialität existieren. Sie scheinen für immer im Begriff, sich in konsumreife Bilder zu verwandeln; sie streben danach, Bilder zu werden, digitale Waren. In einer Ära, die von extremer Medialität geprägt ist, schaffen Bilder nicht nur die Realität, sondern sie.

Korea-Pavillon
Die gemeinsame Ausstellung „counterbalance: the stone and the mountain“ thematisiert die Konflikte und Verwerfungen, die die beiden Künstler cody choi und lee wan in der modernen koreanischen Identität wahrnehmen. Cody Chois Werk befasst sich mit der Modernisierung Koreas, indem es die Spannung zwischen seiner sich wandelnden Identität und dem zunehmenden Einfluss des Westens untersucht. ‚venetian rhapsody‘, installiert auf dem dach des pavillons, ist ein leuchtender wald aus leuchtreklamen, der sich frei von der visuellen atmosphäre der kasinos in las vegas und macao entlehnt und das spektakel des globalen kapitalismus reflektiert. chois arbeit umfasst auch die parodistische skulptur „der Denker“, eine neu erfundene skulptur von rodin aus toilettenpapier und der rosa amerikanischen magenmedizin pepto-bismol.

Lee Wan gehört zu einer jüngeren Generation koreanischer Künstler. in seiner arbeit untersucht lee wan das verborgene leben von menschen, die von globalen machtstrukturen in ländern in ganz asien und darüber hinaus ausgebeutet werden. zu seinen werken auf der diesjährigen arte-biennale zählt die ‚proper time‘, bestehend aus 668 uhren, die jeweils mit namen, geburtsdatum, nationalität und beruf von Personen beschriftet sind, die der künstler weltweit getroffen und interviewt hat, um die unterschiedlichsten wirtschaftlichen situationen zu recherchieren der arbeitenden Menschen. laut lee daehyung „bewegt sich jede uhr mit einer anderen geschwindigkeit, die von der zeit bestimmt wird, die die betreffende person arbeiten muss, um sich eine mahlzeit leisten zu können.“ Das Ergebnis ist eine absurde Ansammlung abstrakter Porträts, die gleichzeitig als laute,schwindelerregende multisensorische und immersive Darstellung globaler Ungleichheit.

Japan-Pavillon
„Turned Upside Down, It’s a Forest“ ist die Einzelausstellung des für seine Werke bekannten Künstlers Takahiro Iwasaki, bei denen er scheinbar banale Materialien und Restobjekte in überraschende Skulpturen verwandelt, sorgfältig konzipiert und gebaut. Die Arbeit des japanischen Künstlers zeichnet sich durch die Aufnahme von Elementen aus, die nicht physisch im Kunstwerk vorhanden sind, aber einen wesentlichen Teil seiner Identität ausmachen, wie etwa das Wasser in seinen Reflection-Modellreihen, durch einen ständigen Kontrast zwischen Ordnung und Unordnung, und durch ein tiefes Interesse an Umwelt- und Sozialfragen. Die Reflection Model Serie umfasst Architekturmodelle real existierender japanischer Tempel,auf den Kopf gestellt, um die Präsenz des Gewässers, auf dem die ursprünglichen Gebäude stehen, als Argumentation über die Konzepte von Realität und Mehrdeutigkeit nachzubilden. Um diese Idee noch weiter zu unterstreichen, sind die Modelle aus dem gleichen Holz (japanische Zypresse) wie die echten Gebäude gefertigt.

Der Ausstellungskurator Meruro Washida scheint die Geschichte Hiroshimas tief in seine Werke einzudringen. Die Stadt Hiroshima wurde infolge der Atombombe sofort vernichtet, und obwohl sie zuvor als Militärstadt gedient hatte, hatte sich ihr Image nach dem Krieg um 180 Grad verändert, um allgemein als Stadt des Friedens anerkannt zu werden. Iwasakis Gebrauch der figurativen Darstellung in seinen Werken, also die Art und Weise, wie sich etwas ganz anders präsentiert, wenn es auf ein bestimmtes Detail trifft, hängt in der Tat mit Hiroshimas Erfahrung zusammen. Die Verwendung von Alltagsgegenständen in Iwasakis Fall bezieht sich auf die zahlreichen Artefakte, die im Hiroshima Peace Memorial Museum untergebracht sind und die alltäglichen Notwendigkeiten vermitteln, die augenblicklich verzerrt und ihrer Funktion entleert wurden.Die feine Feinheit seiner Handarbeit, die man sogar als handwerklich bezeichnen könnte, durchquert scheinbar die Welten des Mikros und Makros.

Brasilien Pavillon
Auf Marcelles Installation „Chão de caça“ besetzt ein geneigter Boden aus geschweißten Gitterrosten das Innere der beiden miteinander verbundenen Galerien des brasilianischen Pavillons. Gewöhnliche Kieselsteine, wie sie in den umliegenden Giardini zu finden sind, werden in das Raster gequetscht, das normalerweise im industriellen Kontext oder im öffentlichen Raum verwendet wird, beispielsweise zwischen Bahngleisen oder zur Abdeckung von U-Bahn-Entlüftungsschächten oder Abwassersystemen. Verschränkt mit dem Gitter und den Kieselsteinen gibt es zusätzliche skulpturale Elemente, eine Serie von Gemälden und ein Video. In der Bodenstruktur sind eine Reihe von Holzstäben befestigt, die jeweils ein über die obere Spitze drapiertes Gemälde auf Stoff balancieren, wie eine Gruppe von Geistern oder ein kleiner Wald aus Schildern, Fackeln oder Totems. Der Träger der Bilder ist ein schwarz-weiß gestreifter Baumwollstoff,gewöhnliche Bettwäsche, aber jeder der schwarzen Streifen wurde sorgfältig mit weißer Farbe gelöscht. Steine ​​in verschiedenen Größen werden mit der Spitze umwickelt und werden so zu einem Teil des größeren Gesamtgefüges, das ihm ein skulpturales Volumen und Gewicht verleiht.

Es gibt auch ein Video: eine One-Winkel-Aufnahme auf ein Ziegeldach, das von den Männern nach und nach von innen abgebaut wird, um eine Öffnung zu schaffen, die groß genug ist, um auf das Dach zu klettern. Marcelle spielt mit Ambiguität, sie erschafft eine rätselhafte Umgebung, die von Schweben, Obsession und Rebellion geleitet wird. Die Installation als Ganzes provoziert ein Gefühl der Instabilität. So sehr wir uns auch verführen lassen mögen, an dem Bild des Gefängnisses und der Flucht festzuhalten, das durch die Videoprojektion angedeutet wird und mit der Rauheit des Stahlgitters mitschwingt, könnte man sich auch vorstellen, in einem eigentümlichen Labor oder einem aus den Fugen geratenen Künstleratelier zu sein, in einem Technowald oder einer wilden Großstadt.

Thailand-Pavillon
Für die Schau „Krungthep BANGKOK“ hat der Künstler Somboon Hormtiemtong unter anderem Holzstämme, Buddha-Statuen, Elefanten und Plastikbehälter ausgewählt, um ein Gefühl für die thailändische Hauptstadt in all ihren Facetten zu schaffen. Darüber hinaus realisierte Hormtiemtong auch realistische Kohlezeichnungen versteckter Ecken der Stadt. Die Künstlerin nutzte den linguistischen Code des Readymades, den wir gewohnt sind, um eine Atmosphäre zu schaffen, die der komplexen Zeit Thailands gegenübersteht.

Ausstellungsorte rund um Castello und Cannaregio

Libanon-Pavillon
Der Pavillon des Libanon präsentiert die Arbeit von Zad Moultaka. Der Titel SamaS ist ein Palindrom, ein Wort, das sich vorwärts und rückwärts gleich liest. Es bedeutet „Sonne, dunkle Sonne“. Die hintere Innenwand, die mit glänzenden Münzen besetzt ist, erinnert an die Oberfläche eines Mosaiks. Dies ist gewollt, da es von den Goldmosaiken der Basilika San Marco inspiriert wurde. Die Tausenden von Münzen enthalten einige mit Löchern, was auf Einschusslöcher hindeutet. Dies ist ein Goldmosaik, aber mit echten Münzen ist es Geld, das Krieg möglich macht.“ Dies ist eine Wand der Klage, 32 Stimmen, jede aus einem separaten Lautsprecher, erzeugt einen Trauerchor und ein Surren der Energie. Jede Stimme ist fein differenziert, wie in einem Mosaik, die Musik wurde für den Chor der Antonine University in Beirut geschrieben.Mal klingt es wie das Summen eines Flugzeugtriebwerks, mal wie das, was Daydé als „Engelslied“ bezeichnet.

In der Mitte des Raums befindet sich ein unwahrscheinliches Objekt, ein aufrecht stehender Rolls-Royce Avon MK 209 Flugzeugmotor aus den 1950er Jahren, der wie eine Säule steht und einer Statue aus der Ära Hammurabis ähnelt, der 18 v. Chr. Mesopotamien regierte. Seine Herrschaft ist bekannt für einige der ältesten Inschriften der Welt, darunter die frühesten Gesetzesbeschreibungen. Die Darstellung des Flugzeugtriebwerks, eines Kriegsinstruments, anstelle einer Basaltsäule aus der Zeit Hammurabis deutet darauf hin, dass Konflikte in der Region mindestens so lange bestehen, wie die von Hammurabi kodierten Gebote. Das Gesetzbuch und das Flugzeugtriebwerk haben genau die gleiche Form. Es ist unglaublich, dass diese Formen im menschlichen Geist so ähnlich aussehen können, auch wenn sie für gegensätzliche Zwecke verwendet werden.“

Litauen Pavillon
Žilvinas Landzbergas‘ neue Installation mit dem Titel „R“ enthüllt faszinierende Realitäten, die nordische Landschaften und Bilder mit dem White Cube-Raum des unverwechselbaren venezianischen Gebäudes der Scuola San Pasquale verschmelzen. R steht für Rückruf, Aufzeichnung, Bezug, Verweis, Ähnlichkeit, Respekt, Strahl, Radium, Rhenium, Romantik, Real und Reim. RA, wie in Astronomie, Mythologie, Medizin, Chemie, Musik, Seefahrt und mehr. R ist der komplexeste Buchstabe des Alphabets, der das gesamte Spektrum geometrischer Formen und Bedeutungen über die Grenzen des Rationalen und Imaginären hinweg integriert. R ist ein endemisches Element in Žilvinas Landzbergas künstlerischer Praxis, in dem R als Raum, Objekt, Charakter, Zeichen und Portal erscheint.

Die Installationen von Žilvinas Landzbergas operieren mit physischen und unbewussten Registern, indem sie die Struktur eines Märchens annehmen, in dem sich archetypische Elemente, soziale Reflexionen und persönliche Einsichten zu fantastischen räumlichen Erzählungen verbinden. Tauchen Sie ein in die illusionären Landschaften von Žilvinas Landzbergas, wo Sie verschlungenen Sonnen und falschen Monden, nordischen Orden, sprossenden Möbeln und riesigen Köpfen begegnen, materiellen Schatten und Lichtzeichnungen folgen, der Akupunkturheilung erliegen mit freundlicher Genehmigung von Styrmir Örn Guðmundsson mit Unterstützung von Jokūbas Čižikas und Indriði Arnar Ingólfsson, lauschen Sie den Unterwasser-Beats von DJ Exotip.

Zypern Pavillon
Repräsentiert von Polys Peslikas und Kurat von Jan Verwoert, An der Ausstellung mit dem Titel „Coming to Life Through the Medium of Painting“ sind auch das Künstlerkollektiv Neoterismoi Toumazou, die Schriftstellerin Mirene Arsanios und der Keramiker Valentinos Charalambous beteiligt. Peslikas zeigen Gemälde im Pavillon, inszenieren die Gastkünstler, die eigentümliche Erscheinung der Malerei im vorgesehenen Ausstellungsraum mag dem Geist eines Theatervorhangs ähneln, der vor Ihren Augen präsent bleibt, auch wenn das Stück bereits läuft already Fortschritt.

Peslikas, geboren 1973 in Limassol, an der Südküste Zyperns, lebt derzeit in Berlin. Die Künstlerin versteht Malerei als Mittel, den Begriff der Zeit zu erforschen und neue Beziehungen zu bestehenden Erzählungen herzustellen. Seine Praxis ist stark kollaborativ und er lädt oft andere Künstler ein, die in anderen Medien, einschließlich Tanz, arbeiten, um zu seiner Arbeit beizutragen. Auf der Grundlage seiner Praxis hat Peslikas stark für die Kraft der Malerei argumentiert, die Intensität elementarer Erfahrungen zu vermitteln“, sagte Verwoert in einer Stellungnahme zu Peslikas‘ Werk und seiner bevorstehenden Ausstellung. „Er betonte, dass [das] Erfahrungspotential [ der Malerei] ist am stärksten zu spüren, wenn die Malerei sich selbst verhüllt; Hell-Dunkel lässt die Augen schweifen; Farben werden atmosphärisch, spektral sogar.

Macau-Pavillon
Unter dem Motto „Ein Bonsai meiner Träume“ werden neue Werke des lokalen Künstlers Wong Cheng Pou gezeigt. Die Exponate bestehen hauptsächlich aus dreidimensionalen Werken, Gemälden und Fotografien. Der Ausstellungstitel „A Bonsai of My Dreams“ weist auf die Absicht des Autors hin, seine persönlichen Träume in Bonsai zu pflegen, so wie antike chinesische Literaten Miniaturen in kleinen Töpfen bepflanzten und so den Wunsch nach einem spirituellen Leben voller Einfachheit und Eleganz widerspiegeln.

Die Exponate umfassen hauptsächlich Figuren, die von den Gottheiten inspiriert sind, die im alten chinesischen Klassiker Shan Hai Jing (Der Klassiker der Berge und Meere) beschrieben sind die vor zwei Jahrtausenden in China herrschte. „A Bonsai of My Dreams“ präsentiert die Beobachtungen, Gefühle und die Vorstellungskraft des Autors der Stadt, in der er derzeit lebt.

Tunesien-Pavillon
The Absence of Paths ist eine menschliche Performance, die quer durch Venedig inszeniert wird und für die Dauer der Biennale einen idyllischen Mikrokosmos der Welt darstellt: einen Ort, an dem die Menschen noch frei von einer Nation zur nächsten strömen können. Dies wird in einem physischen Reisedokument namens Freesa dargestellt, das mit Hilfe von Veridos, einem führenden Hersteller sicherer Ausweispapiere für Länder und Unternehmen auf der ganzen Welt, erstellt wurde.

An dem Projekt sind keine Künstler beteiligt, sondern Personen mit Migrationserfahrungen aus erster Hand, die an verschiedenen Orten in der Stadt Reisedokumente für Besucher ausstellen. Diese Installation befähigt jeden einzelnen Besucher, das spaltende Gepäck und die Klassifizierungen, die den Menschen auferlegt werden, abzulegen. Die sorgfältig ausgearbeitete Begleitveranstaltung im Herzen des Pavillons bildet die Grundlage für einen stillen, individuellen Protest. Neben Besuchern aus der ganzen Welt nutzt The Absence of Paths die aktiven Beiträge junger aufstrebender Migranten. Ihre Teilnahme an der Biennale als Teil einer künstlerischen Praxis bei einer international anerkannten Veranstaltung für zeitgenössische Kunst unterstreicht den Status der zeitgenössischen Kunst als globales Phänomen, das die Fähigkeit behält, Debatten und Forschungen anzuregen.

Simbabwe-Pavillon
Unter dem Thema „Exploring Ideas of Belonging“ konzipieren vier Künstler, Admire Kamudzengere, Charles Bhebhe, Dana Whabira und Sylvester Mbayi, neue Arbeiten mit Skulpturen, Drucken, Zeichnungen, Objekten, Malerei und Sound für die sechs Galerien des Simbabwe Pavilion. Die Künstler und ihre Erfahrungen in der sich ständig verändernden Welt sind die Quelle der Inspiration. Die Simbabwe Pavilion Exhibition möchte eine andere Perspektive auf die Themen Identität, Migration, Patriotismus und Zugehörigkeit bieten. Die Ideen von Hier und Da, Sehen und Gesehenwerden, Legal und Illegal sind nach wie vor Gegenstand der Debatte und diese Ausstellung versucht, Antworten auf diese Fragen zu geben. Grenzen sind ein unvermeidlicher Teil des Lebens, aber die Menschen überschreiten sie immer noch legal und illegal.

Diese Ausgabe von Deconstructing Boundaries greift ein umfangreiches Thema auf, das zu einem zentralen Thema geworden ist, und die Ausstellung beleuchtet einige seiner vielfältigen Perspektiven durch die Künstler Admire Kamudzengerere, Charles Bhebe und Dana Whabira. Ihre Arbeit inspiriert das Publikum des Simbabwe-Pavillons, Fragen zu reflektieren und zu diskutieren, die Machtverhältnisse prägen. Die Ausstellung möchte mit den Stimmen von vier Künstlern Fragen zum Thema Zugehörigkeit stellen. Angesichts der unaufhaltsamen Globalisierung werden physische Grenzen verwischt und in Frage gestellt. Die diesbezüglichen Stimmen und Perspektiven der Künstler sind daher wichtig, denn sie sind der Spiegel der Gesellschaft.Deconstructing Boundaries lässt sich von den teilnehmenden Künstlern inspirieren, indem sie ihre eigenen Erfahrungen reflektieren und die Grenzen, die derzeit in der einen oder anderen Form existieren, hinterfragen. Wenn Künstler verschiedene Grenzen und Grenzen überschreiten, tragen sie ihre eigenen einzigartigen Erfahrungen über die verschiedenen Räume, die sie besuchen, mit sich.

Pavillon der Mongolei
Lost in Tngri (Lost in Heaven) und bringt 5 Künstler zusammen, die die Dringlichkeiten der mongolischen zeitgenössischen Gesellschaft erforschen. Das Land befindet sich an einem Scheideweg zwischen seiner Identität als Nomadennation mit einer bedeutenden Geschichte des Schamanismus und Buddhismus und einer neuen wirtschaftlichen Realität der Globalisierung, in der die Nutzung natürlicher Ressourcen seine Existenz bedroht. Die Tradition des Hütens über weite und schöne Gebiete mit einem Leben, das mit der Natur, den Vorfahren und der spirituellen Welt verbunden ist, wird von vielen als Himmel angesehen. Die wirtschaftliche Chance, die nach dem Zusammenbruch des sozialistischen Systems im Jahr 1990 geschaffen wurde, hat die Tür zu einem anderen Himmelstyp geöffnet. Bergbau, Bau, Kaschmir und andere Unternehmen haben einen Boom erlebt und Wohlstand durch die Ausbeutung des Landes ihrer Vorfahren geschaffen.Aber verschwindet das Land zwischen diesen beiden Biosphären? Mit Film, Installation, Skulptur und Sound hinterfragen die Künstler*innen aus allen Generationen die Zukunft der Mongolei.

Ausstellungsorte rund um San Marco und Dorsoduro

Chinesischer Taiwan-Pavillon
Tehching Hsieh entwickeln eine neue Iteration seiner One Year Performances, ein Korpus extremer physischer und psychischer Herausforderungen, die die Natur der Zeit und die existenziellen Dilemmata des modernen menschlichen Zustands untersuchen. Für sein Cage Piece aus dem Jahr 1978 verbrachte der Künstler 12 Monate in nahezu Einzelhaft in einem Käfig, den er in seinem Atelier mit dem Nötigsten gebaut hatte und mit dem Verbot zu sprechen, zu lesen, zu schreiben oder fernzusehen.

Die historischen Säle des Palazzo delle Prigioni Venedig, das ehemalige Gefängnis des Palazzo Ducale, sind ein idealer Rahmen für die Arbeit eines Künstlers, der mehr als die meisten versteht, die Bedeutung und den Preis von „Zeit verbringen“ und die Natur des gelebten Lebens am Rande dessen, was wir Gesellschaft nennen. Aus einer entfremdeten Position heraus verkörpert Hsieh nicht nur eine Lebenskraft und Widerstandsfähigkeit, die aus seinen frühen Tagen im chinesischen Taiwan hervorgegangen sind. Eine Beharrlichkeit in Widrigkeiten, die vielen gemeinsam ist, vermittelt durch sparsame, aber extreme künstlerische Praktiken. Seine Aktionen rufen kollektive kulturelle Ängste hervor und erforschen die vielen existenziellen Dilemmata, die innerhalb des modernen menschlichen Zustands gefunden werden.

Aserbaidschan-Pavillon
Unter dem Thema „Unter einer Sonne“ hat die Kunst des Zusammenlebens symbolische Bedeutung. Die Sicherung von Frieden und Stabilität in einer modernen Zeit mit komplexen geopolitischen Prozessen ist eines der wichtigsten Anliegen der Menschheit. Heute erleben wir weltweit negative Trends. Aserbaidschan ist ein perfektes Beispiel für eine komplexe Gesellschaft, die die Akzeptanz verschiedener Sprachen und kultureller Hintergründe fördert, die Kultur des meist harmonischen und gleichberechtigten Zusammenlebens in einer multikulturellen und multireligiösen Gesellschaft, die sich in einer manchmal rauen natürlichen Umgebung gegenseitig unterstützt. Leider verletzen gefährliche Faktoren wie Fremdenfeindlichkeit, Extremismus, religiöse Diskriminierung und Terrorismus friedliche Normen des Zusammenlebens und führen zu Unglück innerhalb von Zivilisationen und Nationen.

In diesem Zusammenhang sollte jede Nation zur Stärkung positiver Trends, zur Verbreitung und Förderung einer auf multikulturellen Traditionen basierenden Öffentlichkeitsarbeit und zum Dialog zwischen Kulturen und Zivilisationen beitragen. Diese geografische Lage hat eine entscheidende Rolle für die kulturelle Vielfalt gespielt. Zeigen Sie durch die Darstellung der bestehenden Situation, dass Menschen sich um Ideen des Multikulturalismus vereinen können. Die Kunst des Zusammenlebens, die die Möglichkeit bietet, sich mit dem aserbaidschanischen Modell des Multikulturalismus auseinanderzusetzen, fördert Toleranz, gegenseitiges Vertrauen, Solidarität und Freundschaft zwischen verschiedenen Nationen.

Kuba Pavillon
Die Ausstellung mit dem Titel „Zeit der Intuition“ besteht hauptsächlich aus jungen Künstlern, die bereits weltweit große Anerkennung genießen. Die Ausstellung über die Notwendigkeit, die Rolle der Kunst und des Künstlers in der Gesellschaft zurückzugewinnen, über die Dringlichkeit, den in all den Jahrzehnten verloren gegangenen Humanismus zu retten. Im Kontext des Projekts über die kubanische Realität und unter Berücksichtigung der kuratorischen Ideen von Macel fand Noceda Inspiration im Konzept der Zeit, wie es der kubanische Schriftsteller Alejo Carpentier (1904-1980), Initiator des lateinamerikanischen Konzepts des magischen Realismus, zum Ausdruck brachte. Carpentier sagte, dass in der Karibik und in Kuba drei Zeitrealitäten gleichzeitig existieren: die Vergangenheit oder die Zeit der Erinnerung, die Gegenwart, die Zeit der Intuition oder Vision und die Zukunft oder die Zeit des Wartens. Gegenwart ist das Auserwählte, die Zeit der Intuition.

Der kubanische Pavillon befindet sich im alten und prestigeträchtigen Loredan-Palast, die 14 Interpreten des täglichen Lebens der karibischen Insel behandeln auf intimen oder satirischen Routen mit Performances, Fotos oder Installationen Themen, die von der Dekonstruktion der Vergangenheit bis zur Geschichte reichen , heute aufzuzeichnen; von sozialen, Rassen- und Geschlechterfragen bis hin zu Glaubens- und Spiritualitätsthemen Sie sind eigentümliche und unabhängige Autoren, die unterschiedliche Visionen der Themen ihrer Welt vorschlagen, in denen der Kontext und das Engagement dafür der Schlüssel zum Überdenken der Realität sind.

Irak-Pavillon
‚Archaic‘ zeigt die Arbeit von acht modernen und zeitgenössischen irakischen Künstlern im Dialog mit 40 antiken irakischen Artefakten aus dem Irak-Museum und umfasst sechs Jahrtausende, von der Jungsteinzeit bis zur Partherzeit. Die meisten dieser Objekte haben den Irak noch nie verlassen, mit Ausnahme einiger weniger, die kürzlich nach der Plünderung des Museums im Jahr 2003 geborgen wurden. Die Spannung des Begriffs „Archaisch“ ergibt sich aus seinen vielfältigen Bezügen auf das Alte und Ursprüngliche sowie auf das, was derzeit nicht mehr gebraucht wird. Die Ausstellung greift diese Spannung auf, um ihre besondere Bedeutung für den Irak zu betonen, ein Land, dessen bestehende politische, administrative, soziale und wirtschaftliche Realität wohl ebenso „archaisch“ ist wie sein antikes Erbe.

Die erste Vitrine ist eine Auswahl von alles andere als zeitgenössischen Werken. Tatsächlich sind diese Objekte Tausende von Jahren alt. Es gibt winzige Statuen von weiblichen Figuren und Tieren und eine Reihe von Rollsiegeln. Einige der kleineren Statuen sind im Laufe der Jahrhunderte so abgenutzt, dass ihre Steinmerkmale nur noch Schatten sind. Die übrige Kunst des Pavillons im Palazzo Cavalli-Franchetti am Canal Grande ist neu – entweder aus der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts oder für die Biennale 2017 in Auftrag gegeben. Diese Werke werden als Beispiele moderner Kunst gezeigt, die in den Kulturen eines alten Landes verwurzelt ist.

Montenegro-Pavillon
Montenegro ist vertreten durch das Projekt „Čovjek-Uomo-Human“ der Künstler Ivana Radovanović und Adin Rastoder. Die Arbeiten von Ivana Radovanović und Adin Rastoder repräsentieren zwei eigenständige künstlerische Konzepte mit einem gemeinsamen Thema, dem Thema Anthropologie und Mensch. Dieses Konzept ist eine Einladung, ein Appell, die Welt, in der wir leben, zu verändern. Kunst ist ein Symbol, ein Medium, das Völker und Kulturen verbindet. Die künstlerischen Projekte von Ivana Radovanović und Adin Rastoder stellen in ihren visuellen Eigenschaften und künstlerischen Botschaften separate Stücke dar, bilden aber gleichzeitig ein ästhetisch choreografiertes und kraftvolles Ganzes. Die beiden künstlerischen Konzepte verbinden sich insofern, als sie zwei unterschiedliche Aspekte des Menschen ausdrücken.Ihre gegenseitigen Gegensätze schaffen in Wirklichkeit eine einzigartige Botschaft, die uns einlädt, tief über den Sinn der menschlichen Existenz nachzudenken. Ihr Projekt ist daher ein Appell, die Welt, in der wir leben, zu verändern und zu all ihren wesentlichen Werten zurückzukehren.

Rastoders Skulptur ist eine imaginäre Figur, die aus lebenswichtigen anthropologischen Prinzipien hervorgeht. Durch seinen kreativen Prozess gelangt er zu ungewöhnlichen, abstrakten, neuartigen Lösungen und Antworten. Seine Figuren haben alle die gleiche Form, unterscheiden sich aber durch ihre Farben, die auf das Individuelle und Kollektive in ihnen hinweisen. Das optimistische Weltbild der Autorin drückt sich in ihren plastisch bemalten Kostümen aus. Das Werk von Ivana Radovanović beleuchtet Absurdität und Vergänglichkeit als Schlüsseldimensionen des menschlichen Lebens. Dementsprechend zeigt sie eine stark moderne Sensibilität, die von einer Zerstörung von Persönlichkeit und Individualität geprägt ist. Dieser Geist ist in der Tat eine Sammlung und Ansammlung von Gefühlen, Bildern, Fragmenten, die zu einer neuen Verbindung kombiniert werden können.Die Künstlerin beschäftigt sich mit dem Menschen, der im Wesentlichen als Schöpfer und Zerstörer gesehen wird. Ihre Figuren stellen verunstaltete oder gesichtslose Menschen dar, ohne Eigenschaften, ohne Bedeutung, gleichgültig und in ihrer Menschenwürde erniedrigt.

Ausstellungsorte rund um Cannaregio und Santa Croce

Island Pavillon
Der Erfindungsreichtum und Humor von Egill Sæbjörnssons Projekt sowie seine Fähigkeit, unterschiedliche Welten durch den Einsatz verschiedener Medien und Plattformen zusammenzubringen, um eine immersive Umgebung zu schaffen, in der sich das Reale und Konkrete mit dem Imaginären und dem Fantastischen kreuzen, fesseln das Publikum mit seinen geschichtetes sensorisches Universum und relevante Reflexionen über unsere zeitgenössische Welt.

Egill Sæbjörnsson lebt und arbeitet in Berlin und Reykjavik. An der Spitze des Experimentierens kombiniert er Musik, Skulptur, Videoprojektion und Animation sowie seine eigene Performance – ob als Pantomime, Sprecher, Schauspieler, Musiker oder Sänger – zu fiktiven Raumerzählungen. Theatralische, poetische und verspielte, gewöhnliche, ruhende Objekte werden in Sæbjörnssons Werken lebendig – seien es Plastikeimer, eine Wand, grobe Steine ​​oder Handtaschen – und entführen den Betrachter in eine wundersame Welt, in der das Reale und das Imaginäre aufeinanderprallen. Seine Arbeit verwischt die Grenzen zwischen dem Realen und dem Schein, indem er die „Magie“ der Technologie erforscht und mit projiziertem Video und Ton in überraschenden Kombinationen spielt, die vom Publikum komplexe Überlegungen erfordern.Aber während seine Arbeit erfahrungsorientiert ist und dichte ontologische Fragen aufwirft, rahmt sie sie so ein, dass solche Themen zugänglich sind.

Rumänien Pavillon
Entitled Apparitions, das erste Solo, das einer rumänischen Künstlerin gewidmet ist, auf einer langen Reise, die hauptsächlich von Männern dominiert wurde. Erscheinungen, eine Reihe von Werken, die die Künstlerin mit teilweise geschlossenen Augen realisiert. Aber „Erscheinungen“ ist ein Wort, das möglicherweise eine künstlerische Praxis zusammenfasst. Das künstlerische Objekt ist für Bratescu das Ergebnis eines „Mind Dance“: Die Technik zählt weniger, wichtig – so sagt der Künstler oft – ist der „Geist“ des Kunstwerks, was „Mind and Vision“ beanspruchen. Erscheinungen bedeuten auch absolute Freiheit, jenseits aller sozialen und politischen Zwänge. Erscheinungen sind aber auch Offenbarungen – das Kunstwerk entsteht durch die Verklärung einfacher plastischer Elemente durch Ausdrücke.

Die komplexe Künstlerin Geta Brătescu schafft Zeichnungen, Collagen, Stiche, Wandteppiche, Objekte, Fotografien, Experimentalfilme, Videos, Performances; Sie drückt sich in so vielen Medien aus, die alle in die Zeichnung umgewandelt werden können. In den Augen von Geta Brătescu spiegelt sich der soziale und politische Zustand nicht in der Kunst wider: Kunst muss es schaffen, ihre Autonomie zu bewahren und sich nicht in die Politik einzumischen. Unabhängig vom Standort muss der Künstler die Fähigkeit haben, ein mentales Studio zu schaffen. Der physische Raum des Ateliers, der in bestimmten Kunstwerken fast obsessiv präsent ist, verschmilzt mit einem Innenraum, der Welten in sich selbst hervorbringt, Mythologien. Dasselbe geschieht mit Bra˘tescus eigener physischer Präsenz in ihrer Kunst, die, wenn sie abwesend ist, Alter-Egos und komplexe weibliche Mythologien, Landkarten und mentale Reisen schafft.

Nigeria-Pavillon
Unter dem Thema „Wie wär’s jetzt?“ nimmt die Ausstellung die Form einer vielschichtigen Zeitleiste an. Es kommt aus der Vergangenheit und hebt dann in die Zukunft ab. Die Aussage dahinter ist ganz einfach, dass die Zeit für Nigeria jetzt ist. Wie wäre es jetzt? scheint eine neugierige und herausfordernde Frage zu sein, die eine Reihe ideologischer Möglichkeiten hervorruft. Es impliziert mit Nachdruck das Zeitgenössische und/oder Postkoloniale. Dieser Pavillon ist ein Rahmen für gegebene Möglichkeiten – er stellt eine Verbindung zwischen den gezeigten Kunstwerken und dem Milieu her, in dem nigerianische Künstler arbeiten, und verbindet die künstlerische Vorstellungskraft mit dem Kontinuum der Erfahrung und der Komplexität der nationalen Identität.

Der Nigeria-Pavillon bietet der Nation die Gelegenheit, über ihre Geschichte und ihr Erbe nachzudenken und wie sie sich für aktuelle fragmentierte, aber miteinander verbundene Narrative einsetzt. Die ausgewählten bildenden Künstler sind Victor Ehikhamenor und Peju Alatise und Tanz-/Performance-Künstler, Qudus Onikeku. Ihre Arbeiten geben durch Installationen, Malerei und Performance Einblicke aus verschiedenen Perspektiven in das zeitgenössische nigerianische Leben. Die Vermittlung zeitgenössischer, historisch gewachsener Fragestellungen durch unterschiedliche Ausdrucksformen verspricht ein belebendes Erlebnis.

Sicherheitenereignisse

Erinnerung und Zeitgenossenschaft. Chinesische Kunst heute
Arsenale Nord, Veranstalter: The Palace Museum, Peking
Welche Bedeutung hat eine Reflexion über zeitgenössische chinesische Kunst in der Erinnerung genau? Offensichtlich ist dies ein wichtiger Weg, um den Wert der chinesischen Zivilisation zu erkennen. Die Stadt Peking ist das Symbol für die Vielfalt und den Reichtum der chinesischen Kultur. Und genau in der Hauptstadt entstand das Ausstellungsprojekt Memory and Contemporaneity. Im Kontext der Verbotenen Stadt, einem der größten Vermächtnisse der chinesischen Geschichte, eröffnet es derzeit einen Untersuchungsraum, in dem ausgehend von den Sammlungen und Archiven des Palastmuseums eine Gruppe chinesischer zeitgenössischer Künstler gebeten wurde, über zeitgenössische Kunst in Bezug zum Erinnerungskult.

Samson Young: Lieder zur Katastrophenhilfe
Arsenale, Campo della Tana, Veranstalter: M+, Kulturviertel West Kowloon; Hong Kong Arts Development Council
Der Künstler und Komponist Samson Young schafft ein neues Werk, das versucht, die Popularisierung von „Charity-Singles“ als historisches „Ereignis“ und kulturell transformierendes Moment in der Zeit zu gestalten. Wohltätigkeits-Singles waren in den 1980er Jahren am weitesten verbreitet und fielen mit dem Aufkommen neoliberaler Bestrebungen und der Globalisierung der populären Musikindustrie zusammen.

Durch eine bewusste Umnutzung und kreative Fehlinterpretation solcher ikonischen Titel wie We Are the World und Do They Know It’s Christmas generiert die Künstlerin eine Reihe von Objekten, Performances und räumlichen Klanginstallationen, die zusammen ein audiovisuelles Tableau bilden. Die Ausstellung ist als ein Album konzipiert, das sich im Raum entfaltet: eine mechanische Reproduktion in Einzelkopie, die man persönlich hören und sehen muss; eine dringende und immerwährende Aufforderung zum Handeln.

Ein Bonsai meiner Träume – Werke von Wong Cheng Pou
Arsenale, Castello, Veranstalter: Amt für Kulturelle Angelegenheiten der Regierung der Sonderverwaltungszone Macau; Das Kunstmuseum von Macau
Die Welt wird immer komplizierter. In einer überfüllten Stadt zu leben, kann es verwirrend finden, sich zwischen den Lücken zu quetschen. Ich habe das große Glück, am Meer zu leben, und wenn ich frei bin, möchte ich irgendwo in die Höhe gehen, da sitzen und nichts tun, nur die bezaubernden Berge von erhöhter Position aus betrachten, besonders wenn der Mond klar ist Himmel, die silbrigen Schatten, die sich in der Stille des Wassers spiegeln, sind ganz anders als früher am Tag – ein eisiger Betondschungel. Dann konnte ich nicht anders, als in diese unergründliche Landschaft vernarrt zu sein und erinnerte mich an die Kreaturen im Shan Hai Jing, die sich auf exzentrische Weise um die Meere und Berge kümmern.

Zeit tun
Palazzo delle Prigioni, Veranstalter: Taipei Fine Arts Museum of Chinese Taiwan
In Manhattans Downtown-Kunstszene der späten 1970er und frühen 80er Jahre schuf der junge taiwanesische Künstler Tehching Hsieh eine außergewöhnliche Werkserie. Er begann fünf separate einjährige Aufführungen. In jedem machte er eine strenge Regel, die sein Verhalten das ganze Jahr über regelte.

Die Performances waren beispiellos in Bezug auf den Einsatz körperlicher Schwierigkeiten über extreme Dauern und in ihrer absoluten Auffassung von Leben und Kunst als simultanen Prozessen. Doing Time setzt viele Dokumente und Artefakte zu detaillierten Installationen zusammen und kontrapunktiert zwei von Hsiehs bewegendsten One Year Performances: das Time Clock Piece (1980-1981) und das Outdoor Piece (1981-1982). Zusammen führen diese beiden monumentalen Unterwerfungsleistungen einen intensiven und affektiven Diskurs über die menschliche Existenz, ihre Beziehung zu Machtsystemen, zur Zeit und zur Natur.

Alberto Biasi, Sara Campesan, Bruno Munari und andere Freunde der Verifica 8+1
Istituzione Fondazione Bevilacqua La Masa, Veranstalter: Associazione Culturale Ars Now Seragiotto
Der Verein Verifica 8 + 1 wurde im April 1978 auf dem venezianischen Festland als Treffpunkt für Künstler gegründet, die auf der Suche nach neuen Sprachen sind. Das Ausstellungsprojekt konzentriert sich auf drei bedeutende Mitglieder des Vereins: Sara Campesan, ein Gründungsmitglied mit einer dynamischen Persönlichkeit und einer starken kreativen Neigung; Bruno Munari, die mutmaßliche Vaterfigur des Vereins; und Alberto Biasi, der Begründer der Programmierten Kunst in Venetien.

Die Ausstellung umfasst Werke der anderen Gründungsmitglieder sowie eine Auswahl von sieben weiteren Künstlern, die im Zentrum Einzelausstellungen gezeigt haben und in der Gruppe besonders aktiv waren. So umfasst das Projekt eine symmetrisch ausgewogene Gruppe von sieben Künstlern, Gründern des Zentrums, zusätzlich zu den drei im Titel genannten Persönlichkeiten und sieben Meistern, die Ausstellungen auf der Verifica 8 + 1 durchgeführt haben.

Körper und Seele. Performance-Kunst – Vergangenheit und Gegenwart
Conservatorio di Musica „Benedetto Marcello“, Palazzo Pisani, Promoter: Rush Philantropic Arts Foundation
In Körper und Seele. Performance Art – Past and Present, acht Performance-Künstler – einige historisch bekannt, andere aufstrebend – treten in Live-Performances und in Video- oder Fotodokumentationen ihrer früheren Aktionen auf. Die Pionierfiguren VALIE EXPORT, ORLAN, Nicola L und Carolee Schneemann nutzen seit langem ihren Körper, um Anliegen in Bezug auf Gender, Weiblichkeit, persönliche Beziehungen und Politik auszudrücken. Ihre Innovationen waren sowohl formaler als auch thematischer Natur und standen der Ungleichheit der Geschlechter und der sozialen Repression Mitte des 20. Jahrhunderts direkt gegenüber.

Die jüngeren Teilnehmer der Ausstellung befassen sich, aufbauend auf diesem Erbe, mit dem Kanon der Performancekunst selbst (Derrick Adams), der kulturellen Fragmentierung und multiplen Identitäten (Aisha Tandiwe Bell), der Vaterschaft und dem Lebenszyklus (John Bonafede) sowie der Auseinandersetzung mit sozialen Rollen und Dynamik des körperlichen Ausdrucks (Katarzyna Kozyra).

Katalonien in Venedig_La Venezia che non si vede
Cantieri Navali, Castello, Veranstalter: Institut Ramon Llull
Antoni Abad schlägt eine sinnliche Interpretation des Stadtraums Venedig vor, die in Zusammenarbeit mit einer Gruppe blinder und sehbehinderter Menschen entstanden ist. Dieses Kollektiv nutzt die Sinne anders als die Mehrheit der Bevölkerung und kann verborgene Aspekte der Stadt sichtbar machen.

Auslöser für dieses sozial engagierte Kunstprojekt ist eine speziell für Blinde entwickelte mobile Anwendung BlindWiki, die es ermöglicht, Eindrücke von jedem Ort der Stadt aufzunehmen und zu veröffentlichen sowie diese Aufnahmen vor Ort anzuhören. Somit ist das katalanische Projekt eine eminent sinnliche Erfahrung, bei der die kollektive Intelligenz die universelle Zugänglichkeit zurückerlangt und alternative Wege vorschlägt, den öffentlichen Raum sowohl physisch als auch digital zu besetzen.

Fernando Zobel. Contrapuntos
Fondaco Marcello, Promoter: Ayala Foundation/Ayala Museum
Die Ausstellung bietet eine Einführung und Perspektive in das Werk von Fernando Zóbel (1924-1984), der in Manila geboren wurde, an der Harvard University studierte und in Spanien lebte. Die ausgestellten Gemälde sind eine harmonische Synthese asiatischer und westlicher Maltechniken. Als transnationaler Künstler beschrieben, war Zóbel eine Schlüsselfigur der modernen Kunstbewegung auf den Philippinen. Während des Aufstiegs der spanischen abstrakten Malerei knüpfte er in den 1950er bis 1960er Jahren auch enge Beziehungen zu spanischen Künstlern.

Die Ausstellung konzentriert sich auf die Jahre 1956-1962 und wählt die wichtigsten Errungenschaften des Künstlers aus, die Serien Saeta und Serie Negra. Die Ausstellung umfasst auch die Skulpturen von Pablo Serrano (1908-1985), der auch in Spanien ein Befürworter der Abstraktion war. Fernando Zobel. Contrapuntos ist als organische Inszenierung konzipiert, als kontemplative, zerebrale Sphäre und nicht als leblose Szenografie. Artefakte, Texte, Musik und Publikationen sind Teil eines visuellen Dialogs darüber, wie künstlerische Praxis als lebendige Form des zeitgenössischen Ausdrucks neu gedacht werden könnte.

Future Generation Art Prize @ Venedig 2017
Palazzo Contarini Polignac, Promoter: Victor Pinchuk Foundation
Der Future Generation Art Prize @ Venice 2017 präsentiert die vierte Ausgabe des ersten globalen Kunstpreises mit 21 Künstlern aus fast allen Kontinenten und 16 verschiedenen Ländern. Durch die Aussagen unabhängiger Künstler beschäftigt sich diese Ausstellung mit der Komplexität der zeitgenössischen Welt und untersucht die Möglichkeiten der Kunst darin. Die Show balanciert zwischen Persönlichem und Kollektivem, Imaginärem und Realem, Vertrautem und Unheimlichem und bietet eine fesselnde Reise durch parallele Realitäten, in denen sich eigenwillige Erfahrungen und globale Phänomene kreuzen.

James Lee Byars, Der Goldene Turm
Dorsoduro, Veranstalter: Fondazione Giuliani
James Lee Byars (1932-1997) stellte sich den Goldenen Turm als kolossales Leuchtfeuer und Orakel vor, das Himmel und Erde überbrücken und die Menschheit vereinen würde – ein zeitgenössisches Denkmal, das die Pracht des Leuchtturms von Alexandria übertrifft. Die Idee begann 1990 und wurde im Laufe der Künstlerkarriere mit zahlreichen Konzeptstudien entwickelt.

Mit einer Höhe von 20 Metern ist The Golden Tower das größte und ehrgeizigste Werk des Künstlers. Diese Installation des Goldenen Turms, die 2017 von einem Team italienischer Vergolder hergestellt wurde, ist die erste, die die Absichten des Künstlers, die Skulptur im öffentlichen Raum zu präsentieren, vollständig verwirklicht und angesichts der tiefen Verbindungen von Byars zur Stadt doppelt bedeutsam ist. Ab 1982 lebte Byars zeitweise in Venedig. Er nahm seit 1980 an vier früheren Ausgaben der Biennale Arte teil und führte im Laufe seiner Karriere zahlreiche Aufführungen in Venedig durch.

Jan Fabre – Glas- und Knochenskulpturen 1977 – 2017
Abbazia di San Gregorio, Veranstalter: GAMeC – Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea, Bergamo
Die Ausstellung überblickt Jan Fabres uvre von seinen Anfängen und führt den Betrachter in eine philosophische, spirituelle und politische Betrachtung von Leben und Tod durch die Linse der Metamorphose, wie sie in seinen Werken aus Glas und Knochen von 1977 bis 2017 verkörpert wird.

Der Künstler wählt Glas wegen seiner echten und metamorphen Transparenz, weil es ein Material ist, durch das man hindurchsehen kann. Er verwendet es auf unterschiedliche Weise, als transparente Platte/Wand, in die er ein Ohr als Relief eingravieren oder modellieren kann: das Hörorgan, das sich so mit dem des Sehens verbindet. Die Verwendung von Knochen markiert eine Rückkehr zu einem der grundlegenden Bezugspunkte von Fabre, der Tradition der flämischen Meister, die regelmäßig geschliffene Knochen in ihren Gemälden verwendeten. So vereinen die Glas- und Knochenarbeiten die künstlerische Kindheit des Künstlers mit der Geschichte der alten und modernen Kunst in einer ständigen Neuinterpretation des Verhältnisses von Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft.

Der Mensch als Vogel. Bilder von Reisen
Palazzo Soranzo Van Axel, Promoter: Staatliches Puschkin-Museum der Schönen Künste
Die Ausstellung lädt den Betrachter ein, durch mehrere Dimensionen, Raum, Zeit und individuelle Erfahrungen zu reisen – was die Wahrnehmung der Welt und des Selbst verändern kann. Die anfängliche Morphologie und Struktur der Bilder verändert sich während der Reise aufgrund unterschiedlicher Standpunkte, die in das Projekt einfließen. Wie Jonathan Swifts Gulliver oder Lewis Carrolls Alice erlebt der Betrachter ungewohnte Proportionen und Perspektiven: Die Welt verändert sich, der Blickwinkel ändert sich, das Reale und das Imaginäre verschränken sich und entsprechen nicht mehr unserer Wahrnehmung.

Auf der Reise erweitert sich der Blickwinkel durch die Vogelperspektive zu einem erweiterten Sehen, verbunden mit allen anderen Sinnen. Klang, Tastsinn und haptisches Sehen lassen einen weiteren Raum erfahren – den Erinnerungsraum, der die individuelle Reise durch das Selbst in den Vordergrund stellt. Der Fluchtpunkt, der Maschine und menschliches Auge zusammenführt, Räume der Geschichte und des individuellen Gedächtnisses, liegt in jedem von uns, und das ultimative Ziel dieser Reise ist es, sich selbst zu erkennen.

Michelangelo Pistoletto
Isola di San Giorgio Maggiore, Veranstalter: Associazione Arte Continua
Das Symbol des Dritten Paradieses, eine Neukonfiguration des mathematischen Symbols für Unendlichkeit, besteht aus drei aufeinanderfolgenden Kreisen. Die beiden äußeren Kreise repräsentieren alle Verschiedenheiten und Antinomien, einschließlich natürlicher und von Menschenhand geschaffener. Der zentrale Kreis ist die Verbindung und Interpretation der äußeren Kreise und repräsentiert den generativen Schoß einer neuen Menschheit.

Das Dritte Paradies ist die dritte Phase der Menschheit, die durch eine ausgewogene Verbindung von Kunst und Natur erreicht wird. In dieser Phase wird die Kunst zum Katalysator für Bedeutungen im Zusammenhang mit religiöser Symbolik, einem multikonfessionellen Bereich, der in der Lage ist, das Gleichgewicht in den politischen und religiösen Konflikten zu fördern, die die ganze Welt auf tragische Weise ergreifen. In der Ausstellung Michelangelo Pistoletto untersucht der Künstler zeitgenössische Fragen der heutigen globalisierten Gesellschaft und präsentiert Werke, die von der Akzeptanz von Unterschieden und von politischer, religiöser und rassischer Toleranz inspiriert sind und durch Kreativität gefördert werden, die auf die Verbesserung der Gesellschaft abzielt.

Modus
Ca‘ Faccanon, Promoter: WAVE’s (Frauenkunst Venedig)
Modus erzählt von einem Aspekt der Kunstpraxis, der ab der zweiten Hälfte des 19. Wissenschaft und das Material des Kunstwerks.

Mit einem animierten Video zur Kunstgeschichte zeigt die Ausstellung in mehreren Abschnitten die sprachlichen und interdisziplinären Verflechtungen auf, die das zeitgenössische Streben nach Kunst charakterisieren. Die wissenschaftlichen Grundlagen wurden in Zusammenarbeit mit der Akademie der Schönen Künste von Bologna und dem Programm Visual Communication Design Method der Akademie der Schönen Künste von Venedig entwickelt.

Philip Guston und die Dichter
Gallerie dell’Accademia di Venezia, Veranstalter: Museo Nazionale Gallerie dell’Accademia di Venezia
Die Gallerie dell’Accademia di Venezia präsentiert das Werk des herausragenden kanadisch-amerikanischen Malers Philip Guston (1913-1980) in einer großen Ausstellung, die das Werk des Künstlers in Bezug auf literarische Schlüsselfiguren untersucht.

Die Ausstellung betrachtet die Ideen und Schriften bedeutender Dichter des 20. Jahrhunderts als Katalysatoren für seine rätselhaften Bilder mit Werken, die einen Zeitraum von 50 Jahren in Gustons künstlerischer Karriere umfassen, Gemälde und Zeichnungen von 1930 bis zu seinem Tod im Jahr 1980 die wesentlichen humanistischen Themen, die in diesen Werken zum Ausdruck kommen, und die Worte von fünf Dichtern: DH Lawrence, WB Yeats, Wallace Stevens, Eugenio Montale und TS Eliot. Diese Museumsausstellung spiegelt die besondere Beziehung des Künstlers zu Italien wider.

Pierre Huyghe
Espace Louis Vuitton Venezia, Veranstalter: Fondation Louis Vuitton
Für den Espace Louis Vuitton Venezia hat Pierre Huyghe ein ganz neues Ausstellungsformat zwischen Erzählung, Fiktion und flüchtiger Erinnerung imaginiert. Im Zentrum der Ausstellung steht der Film A Journey that was’t (2005), der eine Expedition in die Antarktis an Bord eines alten Segelboots auf der Suche nach einer neuen Insel nachzeichnet, auf der angeblich ein Albino-Pinguin lebt; Dort übersetzte Huyghe die Topographie der Insel in Klang und schuf eine Musikpartitur, die auf der Central Park-Eisbahn in New York aufgeführt wurde.

Creature (2005-2011), kleiner Pinguin aus Fiberglas, der Geräusche aussendet, ist „eine einzigartige, ferne Intuition, die fast im Kontext verschwindet“. Silence Score (1997) ist die Transkription der unmerklichen Klänge von John Cages 4’33“ (Silence), aufgenommen 1952, in der ein Musiker einige Minuten Stille aus einer Partitur ohne Noten spielte.

Ryszard Winiarski. Event-Information-Bild
Palazzo Bollani, Promoter: Starak Family Foundation
Die Ausstellung von Ryszard Winiarskis Werken präsentiert das Oeuvre einer der interessantesten Persönlichkeiten der polnischen Kunst der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts: Künstler, Ingenieur, Maler, Bühnenbildner, Lehrer, Vorläufer der Konzeptkunst und der führende Vertreter des Indeterminismus. In seiner Diplomarbeit von 1966 mit dem Titel Event-Information-Image definierte er ein ausgereiftes und innovatives Konzept eines Kunstwerks, das auf dem Versuch basiert, die Themen Mathematik, Statistik, Informationstechnologie und Spieltheorie auf die Leinwand zu übertragen.

Seine kühne Vision, die realen Informationen in die Malerei zu integrieren, die binäre Ästhetik und die Nutzung von Partizipation passen perfekt zu Ryszard Winiarskis Oeuvre in so weit verbreitete zeitgenössische Phänomene wie die Entwicklung der visuellen Kommunikation, die Dominanz digitaler Erzählungen, die Universalität der Partizipation, die Popularität von QR-Codes.

Salon Suisse: Ataraxie
Palazzo Trevisan degli Ulivi, Veranstalter: Schweizer Kulturstiftung Pro Helvetia
Das althergebrachte Narrativ „Die Schweiz ist ein Land ohne Probleme“ schafft ein Bild von wirtschaftlicher Sicherheit, doch trotz seines kulturellen Kapitals ist es dem Land weitestgehend gelungen, die Konfrontation zum Thema seiner modernistischen und kolonialen Geschichte zu umgehen. Die sogenannte „Neutralität“ der Schweiz innerhalb der aktuellen wirtschaftlichen, politischen und kulturellen Landschaft Europas und darüber hinaus – sowie ihre postkolonialen Narrative – stehen im Mittelpunkt des diesjährigen Salon Suisse. Eine Reihe von Werkzeugen, darunter Roland Barthes‘ Begriff „Mythologisierung“ (Mythologies, 1957), wurde verwendet, um die politischen Narrative der Schweiz zu entschlüsseln – Tropen, die fast mythologischen Status haben. Ataraxia zielt darauf ab, uns durch temperamentvolle Formen kollektiver Reflexion, Erfahrung und Reaktion zum Handeln zu bewegen.

Schottland + Venedig präsentiert Rachel Macleans Spite Your Face
Ehemalige Kirche Santa Caterina, Veranstalter: Schottland + Venedig
Die Partnerschaft Schottland + Venedig freut sich, einen großen neuen Filmauftrag von Rachel Maclean vorzustellen, Spite Your Face. In Anlehnung an das italienische Volksmärchen Pinocchio bietet Spite Your Face eine kraftvolle Kritik der zeitgenössischen politischen Rhetorik der „post-truth“-Politik, in der die zweifelhafte Sprache der Wahrheit verwendet und missbraucht wird, um persönliche, unternehmerische und politische Macht zu stärken. Mit einer einzigartigen und oft verstörenden Vision verbinden Macleans Fantasy-Erzählungen traditionelle Theaterformen mit Technologie und Populärkultur und werfen kritische Fragen zu Identität, Wirtschaft, Gesellschaft und Moral in einer mediengesättigten Welt auf.

Shirin Neshat Das Zuhause meiner Augen
Museo Correr, Promoter: Written Art Foundation
The Home of My Eyes ist das visuelle Porträt einer Kultur. Von 2014 bis 2015 von Shirin Neshat konzipiert und produziert, beinhalten ihre Fotografien Kalligrafie in Tinte. Neben dieser jüngsten Arbeit präsentiert Neshat Roja, ein Video aus dem Jahr 2016, das auf ihren persönlichen Träumen basiert. Roja zeigt die Gefühle der „Vertreibung“ und des „fremden Landes“ sowie den Wunsch nach einem Wiedersehen mit „Heimat“ und „Mutterland“. Was auf den ersten Blick sympathisch erscheint, erweist sich im Verlauf des Videos jedoch als erschreckend und dämonisch. Für The Home of My Eyes wählte Neshat verschiedene Personen aus ganz Aserbaidschan aus, einem Land mit unterschiedlichen Ethnien, Religionen und Sprachen. Die Persönlichkeiten der Porträtierten erscheinen frontal in drei Größen, von 152 bis 205 cm. Wir schauen auf die Menschens Gesichter und begegnen mehreren Kulturen und Generationen.

Stephen Chambers: Der Hof von Redonda
Ca‘ Dandolo, Promoter: The Heong Gallery at Downing College, University of Cambridge
Der britische Künstler Stephen Chambers präsentiert eine Installation von Gemälden, die für die historische Umgebung von Ca‘ Dandolo, Venedig, konzipiert wurden. The Court of Redonda erforscht die Entstehung von Mythen und artikuliert die Rolle, die Künstler bei der Vorstellung einer Welt spielen, die nicht so ist, wie sie ist, eine Welt, die nicht unbedingt vollständig an die Realität gebunden ist. Redonda ist eine winzige, unbewohnte Insel in den östlichen Westindischen Inseln mit einem Ehrenkönigtum, das durch eine literarische Linie weitergegeben wird.

Chambers wurde durch die Schriften des spanischen Schriftstellers Javier Marías in die Legende von Redonda eingeführt und hat in der Geschichte ein labyrinthisches Geflecht visueller Möglichkeiten gefunden. Im antiken Palazzo hängen über 100 Porträts eines imaginären Hofes. The Court of Redonda bietet einen überzeugenden Einblick in Chambers‘ Werk und folgt großen Ausstellungen in der Royal Academy, London (2012) und dem Pera Museum, Istanbul (2014). Die Ausstellung wird kuratiert von Emma Hill.

Wales in Venedig: James Richards
Santa Maria Ausiliatrice, Promoter: Cymru yn Fenis Wales in Venedig
James Richards‘ Interesse gilt der Möglichkeit des Persönlichen inmitten des Chaos der Massenmedien. Er kombiniert Video, Ton und Standbilder zu Installationen und Live-Events. Seine Arbeit nutzt eine ständig wachsende Materialsammlung, die Fragmente des Kinos, Werke anderer Künstler, verirrtes Camcordermaterial, trübes Nachtfernsehen und Archivrecherchen umfasst.

Sorgfältig konstruierte Installationen beinhalten skulpturale, filmische, akustische, musikalische und kuratorische Überlegungen, um Werke von außergewöhnlicher Intensität zu schaffen. Richards‘ Präsentation für Wales in Venedig besteht aus einer ortsabhängigen Klanginstallation, die sich durch eine Vielzahl von Genres und Musiksprachen bewegt, und das resultierende Werk ist ein filmisches und multisensorisches Erlebnis.

Gestern/Heute/Morgen: Rückverfolgbarkeit ist Glaubwürdigkeit von Bryan Mc Cormack
Isola di San Giorgio Maggiore, Veranstalter: Fondazione Giorgio Cini
Diese Arbeit visualisiert die Flüchtlingskrise und gibt Hunderttausenden von Menschen aus über 30 Nationalitäten (die ebenso viele Sprachen sprechen) eine Stimme, in der Mehrheit Kinder, oft Analphabeten. Jeder Flüchtling erstellt 3 Zeichnungen, eine von ihrem Leben davor (Gestern), eine von ihrem aktuellen Leben (Heute) und eine von ihrer Zukunft (Morgen).

Es ist sowohl eine Installation/Performance als auch eine Social-Media-Stimme, die eine visuelle Erinnerung an diesen Exodus nachzeichnet, von Flüchtlingsbooten/Camps auf griechischen Inseln bis hin zu Unterkünften in Großbritannien. Eine Vielzahl von Flüchtlingen beteiligte sich an diesen Zeichnungen und schufen ihre zeitgenössische Kultur, während sie gleichzeitig die Rückverfolgbarkeit ihrer ererbten Kultur verloren. Ohne Rückverfolgbarkeit verschwindet die Existenz eines Volkes. Jede Flüchtlingszeichnung zählt. Jede Zeichnung ist eine Stimme. Jede Stimme zählt.

Biennale Venedig 2017
Die 57. Biennale von Venedig war eine internationale Ausstellung zeitgenössischer Kunst, die zwischen Mai und November 2017 stattfand. Die Biennale von Venedig findet alle zwei Jahre in Venedig, Italien, statt. Die künstlerische Leiterin Christine Macel, Chefkuratorin des Centre Pompidou, kuratierte die zentrale Ausstellung „Viva Arte Viva“ als eine Reihe miteinander verbundener Pavillons, die die Fähigkeit der Kunst zur Erweiterung des Humanismus widerspiegeln sollen.

Die Kuratorin organisierte auch ein Projekt, „Unpacking My Library“, basierend auf einem Essay von Walter Benjamin, um die Lieblingsbücher von Künstlern aufzulisten. Macel war der erste französische Regisseur seit 1995 und die vierte Frau, die die Biennale leitete. Der Trend, übersehene, wiederentdeckte oder „emerging dead“ zu präsentieren, war Thema der 57. Biennale.

Die Biennale von Venedig ist eine internationale Kunstbiennale, die in Venedig, Italien, stattfindet. Die Teilnahme an der Biennale wird oft als „Olympiade der Kunstwelt“ bezeichnet und ist ein prestigeträchtiges Ereignis für zeitgenössische Künstler. Das Festival hat sich zu einer Konstellation von Shows entwickelt: eine zentrale Ausstellung, die vom diesjährigen künstlerischen Leiter kuratiert wurde, nationale Pavillons einzelner Nationen und unabhängige Ausstellungen in ganz Venedig. Die Mutterorganisation der Biennale veranstaltet auch regelmäßig Festivals in anderen Künsten: Architektur, Tanz, Film, Musik und Theater.

Außerhalb der zentralen, internationalen Ausstellung produzieren einzelne Nationen als nationale Repräsentation eigene Shows, sogenannte Pavillons. Nationen, die ihre Pavillongebäude besitzen, wie die 30 auf den Giardini, sind auch für ihre Unterhalts- und Baukosten verantwortlich. Nationen ohne eigene Gebäude bauen Pavillons im Arsenale von Venedig und Paläste in der ganzen Stadt.

La Biennale di Venezia wurde 1895 gegründet. Paolo Baratta ist seit 2008 ihr Präsident, davor von 1998 bis 2001. La Biennale, die an der Spitze der Forschung und Förderung neuer zeitgenössischer Kunsttrends steht, organisiert Ausstellungen, Festivals und Forschungen in all seinen spezifischen Sektoren: Kunst (1895), Architektur (1980), Kino (1932), Tanz (1999), Musik (1930) und Theater (1934). Seine Aktivitäten sind im kürzlich komplett renovierten Historischen Archiv für zeitgenössische Kunst (ASAC) dokumentiert.

In allen Sektoren gibt es mehr Forschungs- und Produktionsmöglichkeiten, die sich an die jüngere Künstlergeneration richten, direkt im Kontakt mit renommierten Lehrern; systematischer und kontinuierlicher wurde dies durch das internationale Projekt Biennale College, das jetzt in den Sektionen Tanz, Theater, Musik und Kino läuft.