Die 57. internationale Kunstausstellung mit dem Titel Viva Arte Viva, kuratiert von Christine Macel und organisiert von Paolo Baratta, fand vom 13. Mai bis 26. November 2017 statt. Die Biennale präsentiert sich als ein Ort, der dem offenen Dialog zwischen Künstlern und zwischen Künstlern und Künstlern gewidmet ist die Öffentlichkeit. Das diesjährige Thema widmet sich dem Feiern und fast Danken für die Existenz von Kunst und Künstlern, deren Welten unsere Perspektive und den Raum unserer Existenz erweitern.

Die Ausstellung in den historischen Pavillons der Giardini, im Arsenale und in der Innenstadt von Venedig mit Beteiligungen von 86 Ländern und Regionen. 23 Collateral Events, gefördert von gemeinnützigen nationalen und internationalen Institutionen, werden während der 57. Ausstellung ihre Ausstellungen und Initiativen in Venedig präsentieren.

Die Ausstellung Viva Arte Viva bietet eine Route, die sich über neun Kapitel oder Künstlerfamilien entfaltet, beginnend mit zwei Einführungswelten im Zentralpavillon in den Giardini, gefolgt von sieben weiteren Reichen im Arsenale und im Giardino delle Vergini . Es sind 120 Künstler aus 51 Ländern eingeladen; 103 davon nehmen erstmals teil.

In einer Welt voller Konflikte und Erschütterungen zeugt die Kunst vom Wertvollsten dessen, was uns menschlich macht. Kunst ist der ultimative Boden für Reflexion, individuellen Ausdruck, Freiheit und für grundlegende Fragen. Kunst ist die letzte Bastion, ein Garten, der jenseits von Trends und persönlichen Interessen gepflegt wird. Sie steht als eindeutige Alternative zu Individualismus und Gleichgültigkeit.

Viva Arte Viva
Viva Arte Viva ist eine vom Humanismus inspirierte Ausstellung. Dieser Humanismus ist weder auf ein künstlerisches Ideal ausgerichtet, noch zeichnet er sich durch die Feier des Menschen als Wesen aus, das seine Umgebung beherrschen kann. Wenn überhaupt, feiert dieser Humanismus durch die Kunst die Fähigkeit der Menschheit, nicht von den Mächten dominiert zu werden, die das Weltgeschehen bestimmen. In diesem Humanismus ist der künstlerische Akt zugleich ein Akt des Widerstands, der Befreiung und der Großzügigkeit.

Viva Arte Viva ist ein Ausruf, ein leidenschaftlicher Aufschrei für die Kunst und den Stand des Künstlers. Die Rolle, die Stimme und die Verantwortung des Künstlers sind im Rahmen zeitgenössischer Debatten wichtiger denn je. In und durch diese Einzelinitiativen nimmt die Welt von morgen Gestalt an, die zwar sicherlich unsicher ist, aber von Künstlern oft am besten wahrgenommen wird als andere.

Jedes der neun Kapitel oder Künstlerfamilien der Ausstellung stellt einen eigenen Pavillon dar, oder besser gesagt einen Trans-Pavillon, da er von Natur aus transnational ist, aber die historische Organisation der Biennale in Pavillons widerspiegelt, deren Zahl seitdem unaufhörlich zugenommen hat Ende der 1990er Jahre.

Viva Arte Viva möchte auch eine positive und zukunftsweisende Energie vermitteln, die sich zwar auf junge Künstler konzentriert, zu früh verstorbene oder trotz der Bedeutung ihrer Arbeit noch weitgehend unbekannte Menschen wiederentdeckt.

Vom „Pavillon der Künstler und Bücher“ bis zum „Pavillon der Zeit und Unendlichkeit“ erzählen diese neun Episoden eine oft diskursive und manchmal paradoxe Geschichte, mit Umwegen, die die Komplexität der Welt widerspiegeln, eine Vielzahl von Ansätzen und eine große Vielfalt von Praktiken. Die Ausstellung versteht sich als Erlebnis, als extrovertierte Bewegung vom Selbst zum Anderen, hin zu einem gemeinsamen Raum jenseits der definierten Dimensionen und weiter zur Idee eines potentiellen Neohumanismus.

Ausgehend vom Pavillon der Künstler und Bücher enthüllt die Ausstellung ihre Prämisse, eine Dialektik, die die gesamte zeitgenössische Gesellschaft über den Künstler selbst hinaus einbezieht und die Organisation der Gesellschaft und ihre Werte thematisiert. Kunst und Künstler stehen im Mittelpunkt der Ausstellung, die mit der Auseinandersetzung mit ihren Praktiken beginnt, der Art und Weise, wie sie Kunst schaffen, auf halbem Weg zwischen Müßiggang und Aktion, Otium und Negotium.

Die Ausstellung in Giardini
Die Ausstellung entwickelt sich vom Zentralpavillon (Giardini) bis zum Arsenale und umfasst 86 Teilnehmer aus der ganzen Welt. Der traditionelle Ort der La Biennale Art Exhibitions seit der ersten Ausgabe im Jahr 1895. Die Giardini beherbergen heute 29 Pavillons des Auslands, von denen einige von berühmten Architekten wie dem Österreich-Pavillon von Josef Hoffmann, dem niederländischen Pavillon von Gerrit Thomas Rietveld oder dem finnischen Pavillon entworfen wurden, a vorgefertigt mit trapezförmigem Grundriss von Alvar Aalto.

Im Rahmen der Ausstellungsreorganisation der La Biennale-Locations wurde der historische Zentralpavillon der Giardini 2009 zu einem multifunktionalen und vielseitigen Gebäude von 3.500 Quadratmetern, das Zentrum der ständigen Aktivität und Wahrzeichen für die anderen Gartenpavillons wurde. Es beherbergt Innenräume, die von international renommierten Künstlern wie Massimo Bartolini (Educational Area „Sala F“), Rirkrit Tiravanija (Buchhandlung) und Tobias Rehberger (Cafeteria) gestaltet wurden.

Der Umbau des Zentralpavillons zum Multifunktionsgarten wurde 2011 mit der Neuordnung der Ausstellungsräume und der Eingangshalle abgeschlossen. Von da an kann der Zentralpavillon optimale räumliche und mikroklimatische Bedingungen für jede der verschiedenen und zahlreichen Destinationen genießen, einschließlich Bildungsaktivitäten, Workshops und Sonderprojekten. Nach einem wichtigen Teil des Sanierungsprojekts wird die mit allen Serviceleistungen für den Publikumsempfang ausgestattete Central Hall so zum Dreh- und Angelpunkt des Pavillons in Form eines monumentalen Atriums, von dem aus alle neuen Funktionsbereiche erreichbar sind.

Der Zentralpavillon der Giardini während der Biennale 2017 beherbergt zwei Transpavillons: den Pavillon der Künstler und Bücher und den Pavillon der Freuden und Ängste.

Pavillon der Künstler und Bücher
Der Pavillon der Künstler und Bücher wird mit einem Abschnitt eröffnet, der sich auf die Praxis der Künstler und wie sie „Kunst machen“ konzentriert.

Morgendämmerung Kasper
Dawn Kasper, eine amerikanische Künstlerin, die ihr kreatives Atelier buchstäblich von New York ins Herz des Central Pavilion verlegt hat. Kapser unterhält die Besucher vor Ort mit musikalischen Darbietungen und zeigt ihr künstlerisches Leben im Gleichgewicht zwischen Otium und Negotium, lateinisch für Müßiggang und Aktivität.

Olafur Eliasson
Das Atelier von Olafur Eliasson reflektiert über Migration: Migranten sind die Protagonisten der Installation. Sie wurden eingeladen, innerhalb des Pavillons – der in eine offene Werkstatt verwandelt wurde – dreidimensionale visionäre Projekte mit komplexem Design zu schaffen.

Edi Rama
Der Albaner Edi Rama, ehemaliger Kulturminister und Bürgermeister von Tirana, zeigt seine Exquis von Kadavern auf einer Tapete aus verstärktem Nylon: Ramas Zeichnungen sind unentzifferbare fragmentarische Mikrodarstellungen einer Welt voller politischer Bezüge und persönlicher Erinnerungen.

Hassan Sharif
Hassan Sharif aus den Vereinigten Arabischen Emiraten realisierte Supermarket: ein unglaubliches Archiv mit Objekten, Fundstücken, Resten, Objet trouvés, Kunstwerken und Prototypen aus Sharifs künstlerischer Produktion der letzten dreißig Jahre.

Abdullah Al Saadi
Abdullah Al Saadi, ebenfalls aus den Arabischen Emiraten, der durch seine Tagebücher, seine Reflexionen, Meditationen, Zeichnungen, Geschichten und Begegnungen auf seinen Reisen mit uns teilt. Die in Vintage-Blechschachteln gesammelten Tagebücher von Al Saadi sind das Ergebnis der Gewohnheit des Künstlers, jeden Tag zu schreiben, die 1986 begann und immer noch im Gange ist, die durch den Fund der Schriftrollen vom Toten Meer inspiriert wurde.

Jianyi Geng
Jianyi Geng arbeitet an Büchern – seine Obsession – und benutzt sie als Leinwand. Mit der Aquarelltechnik werden sie zu farbenfrohen und sehr zerbrechlichen Kunstwerken: für Geng sind Bücher die besten Lebenspartner.

Raymond Hains
Der Pavillon der Künstler und Bücher endet mit einer Weltraum-Hommage an den französischen Künstler Raymond Hains. Hains drückte in seinen Werken eine heftige Kritik an Kunstinstitutionen wie der Biennale selbst aus: Als Botschafter einer Kunstidee, die frei von vorgegebenen Schemata und fernab von Akademieregeln ist, zeichnete sich Hains durch seine unkonventionelle intellektuelle Kapazität und die Schaffung von provokative und ironische Projekte.

Pavillon der Freuden und Ängste
Der Pavillon der Freuden und Ängste bietet eine Reise in die Beziehung zwischen dem Künstler und seiner eigenen Existenz.

Kiki Smith
Im Universum der Emotionen und Widersprüche des Daseins arbeitet Kiki Smith an der weiblichen Figur und realisiert Gemälde aus feuerpoliertem Glas und Blattsilber, die weibliche Künstler in voller Größe darstellen. Smiths Frauen, die sich durch eine raffinierte erotische Aufladung auszeichnen, sind in die Innenarchitektur eingefügt und überschreiben Linien und leblose starre Formen auf Körperströmen und Auren weiblicher Heiligkeit.

Marwan
Der syrische Künstler Marwan baut einen Dialog mit dem Betrachter durch eine Reihe evokativer Selbstporträts auf, äußerer Ausdruck einer inneren Qual, die alle menschlichen Gefühle erfasst, vom Lachen bis zum Schmerz.

Rachel Rose
Rachel Rose suggeriert mit der Videoinstallation Lake View eine traumähnliche Vision, realisiert mit der Cel-Animation und Compositing-Technik, einer Vorstadtwelt, die von einer arroganten Anthropisierung überfallen wird. Der Protagonist ist ein Mischtier, halb Hase und halb Fuchs, das sich in einer Reihe von Szenen bewegt, die durch das Zusammenfügen von Texturen aus Kinderbüchern des 19. Jahrhunderts erstellt wurden.

Luboš Plný
Gegenstand der Untersuchungen des tschechischen Künstlers Luboš Plný ist der menschliche Körper: Fasziniert von der Geographie der inneren Organe und den Verbindungen des Gefäßsystems schafft Plný Zeichnungen, die abstrakte Landkarten aus optischen Überlagerungen und Invasionen von unpassenden Objekten sind, die mit dem Fleisch verschmelzen.

Hajra Waheed
Die Angst und Unsicherheit vor der Reise von Migranten steht im Zentrum der Auseinandersetzung der kanadischen Künstlerin Hajra Waheed. In A Short Film 1-321 erzählt sie mit 321 Dias, auf die sie Ausschnitte von Postkarten aus den 1930er und 1940er Jahren klebte, die Geschichte eines Verschwindens, das keine Spuren hinterließ und uns mit einem offenen Ende hinterlässt

Höhepunkte der Nationalpavillons in Giardini
29 Nationale Pavillons gelegen Zentraler Pavillon, der einen Teil der Ausstellung VIVA ARTE VIVA zeigt.

Schweizer Pavillon
Im Zentrum der diesjährigen Ausstellung im Schweizer Pavillon steht eine Abwesenheit – die des grossen Schweizer Künstlers Alberto Giacometti. Wenig bekannt ist, dass er sich zu Lebzeiten weigerte, sein Heimatland zu repräsentieren, indem er im 1952 von seinem Bruder Bruno erbauten Schweizer Pavillon ausstellte. Giacometti lebte in Paris und betrachtete sich als internationalen oder transnationalen Künstler und lehnte es ab von einer Nation monopolisiert. Diese spätmodernistische, postnationale Utopie bildete den Ausgangspunkt der diesjährigen Ausstellung Women of Venice.

Carole Bove nimmt Giacomettis Figurenkonstellationen und spätfiguratives Werk (Femmes de Venise) als Ausgangspunkt für eine neue Skulpturengruppe, die den Innenhof und die Skulpturenhalle des Pavillons erobern. Die Schweizer-Amerikanerin Teresa Hubbard / Alexander Birchler präsentieren Flora, eine neue Filminstallation, die sich auf Giacomettis Liebesbeziehung mit der amerikanischen Künstlerin Flora Mayo konzentriert, mit der er in den 1920er Jahren in Paris studierte. Der Film lässt eine Schlüsselfigur aus Giacomettis frühem Leben zu.

Deutscher Pavillon
Der deutsche Pavillon war wohl der am meisten erwartete der diesjährigen Biennale. Anne Imhof, die diesjährige Repräsentantin für Deutschland, erregte große Anerkennung, nachdem sie 2015 den Preis der Nationalgalerie gewonnen hatte und im folgenden Jahr ihre dreiteilige Oper Angst in Basel, Berlin und Montréal präsentierte.

In einer skulpturalen Umgebung, die speziell für den Raum und den Anlass entworfen wurde, einschließlich bedrohlicher Dobermänner hinter einem Zaun, einem erhöhten Glasboden, einem mit Sicherheitsgurten ausgestatteten Zwischengeschoss und Glastrennwänden als temporäre Wände. Anne Imhof und ihr Team präsentieren Faust, sowohl eine fünfstündige Inszenierung als auch ein siebenmonatiges Szenario aus performativer Dynamik, skulpturalen Installationen, malerischen Berührungen und rigoros choreografierten Blickachsen und Bewegungen, die den gesamten Pavillon umfassen.

Finnland Pavillon
Die Künstler Erkka Nissinen und Nathaniel Mellors, eine Installation mit Video- und animatronischen Skulpturen, die Themen wie Nationalismus, Fremdenfeindlichkeit, Bürokratie und Intoleranz mittels absurder Satire untersucht.

Die Arbeit stellt die finnische Gesellschaft durch die Augen zweier messianischer Außenfiguren, Geb & Atum, neu vor, die durch sprechende animatronische Puppen dargestellt werden. Sie führen einen Dialog über Themen wie die finnische Schöpfungsmythologie, die zeitgenössische finnische Gesellschaft und ihre Vision für die Zukunft Finnlands. Die Geschichte präsentiert Geb & Atum als terraformierende höhere Wesen, die das vor Millionen Jahren geschaffene Finnland erneut besuchen und versuchen, die in der Zwischenzeit gewachsene Kultur zu verstehen.

Belgischer Pavillon
Dirk Braeckmans Fotografien bringen eine Stille in den ständigen Bilderfluss von heute. Mit analogen Techniken hat er eine Bildsprache entwickelt, die das Sehen in den Mittelpunkt stellt und den Status des Bildes reflektiert. Braeckman lotet die Grenzen seines Mediums aus und hinterfragt künstlerische Konventionen. Der Blitz der Kamera reflektiert die Oberfläche des Motivs, die Textur von Wänden, Vorhängen, Teppichen und Postern. Seine Bilder zeigen anonyme Motive aus seiner unmittelbaren Umgebung, die eine offene Geschichte evozieren. Die Künstlerin zeigt leere Räume, in denen die Zeit stillzustehen scheint, Elemente austauschbarer Interieurs oder menschliche Figuren, die nur für Präsenz stehen, losgelöst von einer spezifischen Identität, einem Ort, einer Zeit oder Emotion.

Biennale Venedig 2017
Die 57. Biennale von Venedig war eine internationale Ausstellung zeitgenössischer Kunst, die zwischen Mai und November 2017 stattfand. Die Biennale von Venedig findet alle zwei Jahre in Venedig, Italien, statt. Die künstlerische Leiterin Christine Macel, Chefkuratorin des Centre Pompidou, kuratierte die zentrale Ausstellung „Viva Arte Viva“ als eine Reihe miteinander verbundener Pavillons, die die Fähigkeit der Kunst zur Erweiterung des Humanismus widerspiegeln sollen.

Die Kuratorin organisierte auch ein Projekt, „Unpacking My Library“, basierend auf einem Essay von Walter Benjamin, um die Lieblingsbücher von Künstlern aufzulisten. Macel war der erste französische Regisseur seit 1995 und die vierte Frau, die die Biennale leitete. Der Trend, übersehene, wiederentdeckte oder „emerging dead“ zu präsentieren, war Thema der 57. Biennale.

Die Biennale von Venedig ist eine internationale Kunstbiennale, die in Venedig, Italien, stattfindet. Die Teilnahme an der Biennale wird oft als „Olympiade der Kunstwelt“ bezeichnet und ist ein prestigeträchtiges Ereignis für zeitgenössische Künstler. Das Festival hat sich zu einer Konstellation von Shows entwickelt: eine zentrale Ausstellung, die vom diesjährigen künstlerischen Leiter kuratiert wurde, nationale Pavillons einzelner Nationen und unabhängige Ausstellungen in ganz Venedig. Die Mutterorganisation der Biennale veranstaltet auch regelmäßig Festivals in anderen Künsten: Architektur, Tanz, Film, Musik und Theater.

Außerhalb der zentralen, internationalen Ausstellung produzieren einzelne Nationen als nationale Repräsentation eigene Shows, sogenannte Pavillons. Nationen, die ihre Pavillongebäude besitzen, wie die 30 auf den Giardini, sind auch für ihre Unterhalts- und Baukosten verantwortlich. Nationen ohne eigene Gebäude bauen Pavillons im Arsenale von Venedig und Paläste in der ganzen Stadt.

La Biennale di Venezia wurde 1895 gegründet. Paolo Baratta ist seit 2008 ihr Präsident, davor von 1998 bis 2001. La Biennale, die an der Spitze der Forschung und Förderung neuer zeitgenössischer Kunsttrends steht, organisiert Ausstellungen, Festivals und Forschungen in all seinen spezifischen Sektoren: Kunst (1895), Architektur (1980), Kino (1932), Tanz (1999), Musik (1930) und Theater (1934). Seine Aktivitäten sind im kürzlich komplett renovierten Historischen Archiv für zeitgenössische Kunst (ASAC) dokumentiert.

In allen Sektoren gibt es mehr Forschungs- und Produktionsmöglichkeiten, die sich an die jüngere Künstlergeneration richten, direkt im Kontakt mit renommierten Lehrern; systematischer und kontinuierlicher wurde dies durch das internationale Projekt Biennale College, das jetzt in den Sektionen Tanz, Theater, Musik und Kino läuft.