Die 57. internationale Kunstausstellung mit dem Titel Viva Arte Viva, kuratiert von Christine Macel und organisiert von Paolo Baratta, fand vom 13. Mai bis 26. November 2017 statt. Die Biennale präsentiert sich als Ort des offenen Dialogs zwischen Künstlern und zwischen Künstlern und die Öffentlichkeit. Das diesjährige Thema widmet sich dem Feiern und fast Danken für die Existenz von Kunst und Künstlern, deren Welten unsere Perspektive und den Raum unserer Existenz erweitern.

Die Ausstellung in den historischen Pavillons der Giardini, im Arsenale und in der Innenstadt von Venedig mit Beteiligungen von 86 Ländern und Regionen. 23 Collateral Events, gefördert von gemeinnützigen nationalen und internationalen Institutionen, werden während der 57. Ausstellung ihre Ausstellungen und Initiativen in Venedig präsentieren.

Die Ausstellung Viva Arte Viva bietet eine Route, die sich über neun Kapitel oder Künstlerfamilien entfaltet, beginnend mit zwei Einführungswelten im Zentralpavillon in den Giardini, gefolgt von sieben weiteren Reichen im Arsenale und im Giardino delle Vergini . Es sind 120 Künstler aus 51 Ländern eingeladen; 103 davon nehmen erstmals teil.

In einer Welt voller Konflikte und Erschütterungen zeugt die Kunst vom Wertvollsten dessen, was uns menschlich macht. Kunst ist der ultimative Boden für Reflexion, individuellen Ausdruck, Freiheit und für grundlegende Fragen. Kunst ist die letzte Bastion, ein Garten, der jenseits von Trends und persönlichen Interessen gepflegt wird. Sie steht als eindeutige Alternative zu Individualismus und Gleichgültigkeit.

Viva Arte Viva
Viva Arte Viva ist eine vom Humanismus inspirierte Ausstellung. Dieser Humanismus ist weder auf ein künstlerisches Ideal ausgerichtet, noch zeichnet er sich durch die Feier des Menschen als Wesen aus, das seine Umgebung beherrschen kann. Wenn überhaupt, feiert dieser Humanismus durch die Kunst die Fähigkeit der Menschheit, nicht von den Mächten dominiert zu werden, die das Weltgeschehen bestimmen. In diesem Humanismus ist der künstlerische Akt zugleich ein Akt des Widerstands, der Befreiung und der Großzügigkeit.

Viva Arte Viva ist ein Ausruf, ein leidenschaftlicher Aufschrei für die Kunst und den Stand des Künstlers. Die Rolle, die Stimme und die Verantwortung des Künstlers sind im Rahmen zeitgenössischer Debatten wichtiger denn je. In und durch diese Einzelinitiativen nimmt die Welt von morgen Gestalt an, die zwar sicherlich unsicher ist, aber von Künstlern oft am besten wahrgenommen wird als andere.

Jedes der neun Kapitel oder Künstlerfamilien der Ausstellung stellt einen eigenen Pavillon dar, oder besser gesagt einen Trans-Pavillon, da er von Natur aus transnational ist, aber die historische Organisation der Biennale in Pavillons widerspiegelt, deren Zahl seitdem unaufhörlich zugenommen hat Ende der 1990er Jahre.

Viva Arte Viva möchte auch eine positive und zukunftsweisende Energie vermitteln, die sich zwar auf junge Künstler konzentriert, zu früh verstorbene oder trotz der Bedeutung ihrer Arbeit noch weitgehend unbekannte Menschen wiederentdeckt.

Vom „Pavillon der Künstler und Bücher“ bis zum „Pavillon der Zeit und Unendlichkeit“ erzählen diese neun Episoden eine oft diskursive und manchmal paradoxe Geschichte, mit Umwegen, die die Komplexität der Welt widerspiegeln, eine Vielzahl von Ansätzen und eine große Vielfalt von Praktiken. Die Ausstellung versteht sich als Erlebnis, als extrovertierte Bewegung vom Selbst zum Anderen, hin zu einem gemeinsamen Raum jenseits der definierten Dimensionen und weiter zur Idee eines potentiellen Neo-Humanismus.

Ausgehend vom Pavillon der Künstler und Bücher enthüllt die Ausstellung ihre Prämisse, eine Dialektik, die die gesamte zeitgenössische Gesellschaft über den Künstler selbst hinaus einbezieht und die Organisation der Gesellschaft und ihre Werte thematisiert. Kunst und Künstler stehen im Mittelpunkt der Ausstellung, die mit der Auseinandersetzung mit ihren Praktiken beginnt, der Art und Weise, wie sie Kunst schaffen, auf halbem Weg zwischen Müßiggang und Aktion, Otium und Negotium.

Die Ausstellung im Arsenale
Die Ausstellung entwickelt sich vom Zentralpavillon (Giardini) bis zum Arsenale und umfasst 86 Teilnehmer aus der ganzen Welt. 1980 ins Leben gerufen, begann das Aperto als Rahmenveranstaltung für jüngere Künstler und Künstler nationaler Herkunft, die nicht durch die ständigen Länderpavillons vertreten sind. Diese findet normalerweise im Arsenale statt und ist Teil des offiziellen Biennale-Programms.

Ab 1999 fand die internationale Ausstellung sowohl im Zentralpavillon als auch im Arsenale statt. Ebenfalls im Jahr 1999 verwandelte eine 1-Millionen-Dollar-Renovierung das Arsenale-Gebiet in eine Ansammlung von renovierten Werften, Schuppen und Lagerhallen, wodurch die Ausstellungsfläche des Arsenale in den Vorjahren mehr als verdoppelt wurde.

Etwa die Hälfte des Innenraums des Arsenale macht diese Ausstellung aus – die Fortsetzung von Macels Ausstellung, die im zentralen Pavillon von Il Giardini begann.

Die Reise erstreckt sich über neun Kapitel oder Künstlerfamilien, beginnend mit zwei Einführungsteilen im Zentralpavillon, gefolgt von weiteren sieben quer durch das Arsenale. Jedes Kapitel stellt einen eigenen Pavillon dar oder besser gesagt einen Trans-Pavillon, da er von Natur aus transnational ist, aber die historische Organisation der Biennale in Pavillons widerspiegelt.

Der Pavillon des Common
Der erste Pavillon im Arsenale, der der Gemeinschaft und der Rolle des kollektiven Bewusstseins gewidmet ist.

Franz Erhard Walther
Franz Erhard Walther, der Gewinner des Goldenen Löwen, präsentiert drei Arbeiten aus seiner Wallformations-Reihe aus den frühen 1980er Jahren und eine Auswahl von Walking Pedestals aus dem Jahr 1975, die alle zu einer totalen Einbeziehung des Körpers einladen.

Rasheed Araeen
Die Installation Zero to Infinity in Venedig des pakistanischen Künstlers Rasheed Araeen heißt die Besucher willkommen: Holzkuben in Drahtgitter mit fluoreszierenden Farben können frei bewegt werden, um immer unterschiedliche Räume und Architekturen zu schaffen: eine Aktion gegen Symmetrie und formalen Minimalismus.

Anna Halprin
Anna Halprin, eine schöne 96-jährige Frau, lädt uns zu ihrem universellen kreisförmigen Tanz ein: Planetary Dance ist eine Geste, eine gemeinsame Bewegung, die die Absicht des Friedens und der Freude für die ganze Welt ausdrückt.

Der Pavillon der Erde
Der Pavillon der Erde befasst sich mit den Themen Umwelt und Ökologie. Der Pavillon der Erde mit einer monumentalen halbabstrakten Schildkröte von Erika Verzutti, monumentalen performativen Mottenskulpturen aus traditionellen kosovarischen Stoffen von Petrit Halilaj, einer Installation von Salzsäulen, die die Ausbeutung des Lithiums des „weißen Erdöls“ von Julian Charrière erforscht, und eine groß angelegte Installation von Thu Van Tran mit 16-mm-Film, monumentalen Fotogrammen, ortsspezifischer Malerei und einer Auswahl an Wachsskulpturen.

Charles Atlas
Die Videoinstallation Tyranny of Consciousness von Charles Atlas – von der Jury mit besonderer Erwähnung ausgezeichnet – zeigt während eines 18-minütigen Countdowns gleichzeitig vierundvierzig Sonnenuntergänge, die von einer großen Digitaluhr markiert werden. Zur Stunde null, in der Dunkelheit des Raumes, erscheint die berühmte New Yorker Drag Queen Lady Bunny auf der Leinwand und singt ein Disco-Lied: den Soundtrack vom Ende der Welt.

Petrit Halilaja
Der albanische Künstler Petrit Halilaj – eine besondere Erwähnung der Jury – mit Erkennst du, dass es einen Regenbogen gibt, auch wenn es Nacht ist!? Bestückt die Corderie mit Skulpturen aus Teppichen und Stoffen der Balkantradition, die gigantische Motten nachbilden. Das nachtaktive Insekt ist Symbol der Veränderung, der Offenbarung der eigenen Identität und zugleich eine Liebeserklärung an das eigene Land.

Der Pavillon der Traditionen
Der Pavillon der Traditionen versammelt Künstler, die sich für den Schutz und die Aktualisierung handwerklichen Wissens einsetzen. Es gibt eine Reihe interessanter Künstler, die sich nicht nur mit der jüngeren Geschichte, sondern auch mit einer ferneren Vergangenheit auseinandersetzen und sich in einem Drang nach Legitimität, Wiedergeburt und Neuerfindung in historische Referenzen eintauchen.

Teresa Lanceta
Teresa Lanceta interpretiert marokkanische Stickereien neu und schafft Oberflächen aus Wolle und Baumwolle, die durch sehr farbenfrohe Webarten und geometrische Formen bereichert werden: Das Weben, das Ergebnis kollektiver Arbeit, ist die materielle und greifbare Übersetzung des Gedächtnisses der Vorfahren.

Francis Upritchard
Stoff, der wahre Star dieser Biennale Arte, ist auch die bevorzugte Stütze von Francis Upritchard, der seine Skulpturen mit ethnischer Kleidung von hervorragender Qualität und tadellosem Schnitt polstert: islamische Mönche, Schauspieler des Kabuki-Theaters, Harlekine, Maori-Krieger und Indianer . Die anthropologische Sammlung von Upritchard unterstreicht, wie der Akt des Sammelns in Wirklichkeit die Angst bedeutet, in einer globalisierten Welt, die alte Kulturen verschlingt, vergessen zu werden.

Der Pavillon der Schamanen
Der Pavillon der Schamanen ist wie der folgende, der dem Dionysischen gewidmet ist, von der Magie und spirituellen, kathartischen Kraft der Kunst durchdrungen.

Ernesto Neto
Die Installation Um Sagrado Lugar (A Sacred Place) des Brasilianers Ernesto Neto ist ein schwebender, majestätischer Vorhang, der sich durch ein gezwirntes organisches Gewebe aus getönter Baumwolle in natürlichen Farben auszeichnet, das den gesamten Raum der Corderie ausfüllt. Die Arbeit ist ein Moment des Teilens – Besucher sind eingeladen, die Rituale der Huini Kuin-Indianer aus dem Amazonaswald zu betreten und zu lernen. Die Wiedererlangung des Bewusstseins der indigenen Völker und der Transmystik, die in heiligen Heilungszeremonien zum Ausdruck kommt, wird zur Heilung der Leiden der heutigen Gesellschaft.

Der dionysische Pavillon
Die übernatürliche Dimension wird im Dionysischen Pavillon evoziert, wo Sakrales und Profanes in einer Reihe von Werken, die erotische Provokation und Blasphemie in der Kunst untersuchen, elegant miteinander verschmelzen.

Pauline Curnier Cardin
Pauline Curnier Cardin porträtiert Bernadette in der urkomischen Videoinstallation Grotta Profunda, Approfundita als nicht so heilig.

Mariechen Danz
Mariechen Danz schafft einen verstörenden Raum, in dem die dionysische Essenz der Zerstückelung des Körpers – wie im tragischen Mythos des griechischen Gottes – zu einem Moment der Reflexion über den ewigen Wandel von Natur und Geographie, die Vergänglichkeit der Dinge und den endlosen Ausdruck wird von Sprachen.

Huguette Caland
Die Arbeit von Huguette Caland ist stattdessen sehr ironisch; sie kreiert Damenbekleidung mit einem poetischen und verspielten Stil und scharfsinnigen sexuellen Anspielungen.

Der Pavillon der Farben
Der Pavillon der Farben wurde von Christine Macel als Zusammenfassung aller bisherigen Pavillons vor dem letzten Kapitel konzipiert. Der Pavillon der Farben ist eine Lichtexplosion, ein Feuerwerk, wie Macel es selbst beschrieben hat.

Sheila Hicks
Die überdimensionale Skulptur aus Natur- und Kunstfasern Scalata al di là dei terreni cromatici / Escalade Beyond Chromatic Lands der Amerikanerin Sheila Hicks dominiert das Bild: Eine proteanische Anordnung mit lebendigen Farben beleuchtet die Corderie und lädt zum Anfassen, Lehnen und miteinander zu interagieren. Die Arbeit von Hicks ist eine Mischung aus Design, Architektur, Kunst und spontaner Performance, produziert von voluminösen Strängen, die ein „unparteiisches Weben“ ausdrücken, um Hicks zu zitieren, das in der Lage ist, unser inneres Kind zu aktivieren, nur weil es unvollkommen ist.

Der Pavillon der Zeit und Unendlichkeit
Die Metaphysik der Kunst ist das Kernthema des Pavillons der Zeit und Unendlichkeit. In was für einer Zeit leben wir, ist die Frage, die sich hier versammelte Künstler stellen: eine kontinuierliche Gegenwart, eine sich wiederholende Vergangenheit oder eine nahe Zukunft mit tatsächlichen Ereignissen und Erinnerungen?

Edith Dekyndt
Edith Dekyndt versucht mit ihrer Performance-Installation One Thousands and One Night die Unendlichkeit der Zeit einzufangen: Ein Staubteppich, der von einem sich bewegenden Lichtstrahl beleuchtet wird, wird ständig von einem Besen gefegt, damit die flüchtigen und unfühlbaren Staubpartikel immer bleiben zündete. Aber die Zeit lässt sich nicht aufhalten.

Liliana Porter
Liliana Porter schafft in El hombre con el hacha y otras situaciones breves, Venecia 2017, eine sehr kraftvolle Szene, in der eine Miniaturfigur eines Mannes mit einer Axt eine Kette katastrophaler Ereignisse im Kleinen und im Großen auszulösen scheint. Schießereien, Verfolgungsjagden, zerbrochene Vasen, Klaviere, die von oben fallen: Wo beginnt und endet die Aktion?

Liu Jianhua
Die Poesie goldener Keramiktropfen, die auf schwarzen Metallplatten liegen, durchzieht den ganzen Raum, der dem chinesischen Künstler Liu Jianhua gewidmet ist, der mit Square die Formen auf das Wesentliche reduziert und die flüssige Materie im festen Zustand einfriert, um die physikalisch-chemische Umwandlung zu stoppen.

Alicja Kwade
Die polnische Künstlerin Alicja Kwade schafft für ihre WeltenLinie eine labyrinthartige Architektur aus Stahl und Glas, in der Skulpturen aus unterschiedlichen Materialien (Stein, Bronze, Aluminium und Holz) aufeinander folgen, sich spiegeln und ineinander verwandeln, die Besucher verwirren und unfähig machen erkennen ihre Position und die Logik des Labyrinths: Das Raum-Zeit-Kontinuum folgt den Regeln einer Grenze, die unaufhaltsam ins Unendliche strebt.

Die docks
An den eigentlichen Docks, am Wasser, finden Sie Alicja Kwades Pars Pro Toto, bestehend aus mehreren kreisförmigen Natursteinen, die sich zu einem eigenen Universum ausbreiten. Und im benachbarten Giardino Delle Vergini endet die Ausstellung mit einigen sehr schönen Projekten.

Da sind Bas Jan Aders historisches Video Broken Fall, Erika Verzutts kleiner Skulpturengarten, der auf eine Grabstätte für Haustiere anspielt, Hassan Kahns wunderschönes Klangstück Composition for a Public Park – ein rechtmäßiger Gewinner des Silbernen Löwen und ein wunderschönes Projekt des dagestanischen Künstlers Taus Makhacheva .

Das einzige physische Ding, das Sie von diesem letzten Projekt finden werden, ist ein kleines Etikett, das besagt, dass an den Koordinaten 45°23’30.8″N 12°24’47.7″E eine Aufführung stattfindet, bei der mehrere Darsteller auf einem gekenterten Boot erscheinen und verschwinden, das von transportiert wurde das Kaspische Meer von Dagestan bis zum offenen Meer vor der Lagune von Venedig.

Biennale Venedig 2017
Die 57. Biennale von Venedig war eine internationale Ausstellung zeitgenössischer Kunst, die zwischen Mai und November 2017 stattfand. Die Biennale von Venedig findet alle zwei Jahre in Venedig, Italien, statt. Die künstlerische Leiterin Christine Macel, Chefkuratorin des Centre Pompidou, kuratierte die zentrale Ausstellung „Viva Arte Viva“ als eine Reihe miteinander verbundener Pavillons, die die Fähigkeit der Kunst zur Erweiterung des Humanismus widerspiegeln sollen.

Die Kuratorin organisierte auch ein Projekt, „Unpacking My Library“, basierend auf einem Essay von Walter Benjamin, um die Lieblingsbücher von Künstlern aufzulisten. Macel war der erste französische Regisseur seit 1995 und die vierte Frau, die die Biennale leitete. Der Trend, übersehene, wiederentdeckte oder „emerging dead“ zu präsentieren, war Thema der 57. Biennale.

Die Biennale von Venedig ist eine internationale Kunstbiennale, die in Venedig, Italien, stattfindet. Die Teilnahme an der Biennale wird oft als „Olympiade der Kunstwelt“ bezeichnet und ist ein prestigeträchtiges Ereignis für zeitgenössische Künstler. Das Festival hat sich zu einer Konstellation von Shows entwickelt: eine zentrale Ausstellung, die vom diesjährigen künstlerischen Leiter kuratiert wurde, nationale Pavillons einzelner Nationen und unabhängige Ausstellungen in ganz Venedig. Die Mutterorganisation der Biennale veranstaltet auch regelmäßig Festivals in anderen Künsten: Architektur, Tanz, Film, Musik und Theater.

Außerhalb der zentralen, internationalen Ausstellung produzieren einzelne Nationen als nationale Repräsentation eigene Shows, sogenannte Pavillons. Nationen, die ihre Pavillongebäude besitzen, wie die 30 auf den Giardini, sind auch für ihre Unterhalts- und Baukosten verantwortlich. Nationen ohne eigene Gebäude bauen Pavillons im Arsenale von Venedig und Paläste in der ganzen Stadt.

La Biennale di Venezia wurde 1895 gegründet. Paolo Baratta ist seit 2008 ihr Präsident, davor von 1998 bis 2001. La Biennale, die an der Spitze der Forschung und Förderung neuer zeitgenössischer Kunsttrends steht, organisiert Ausstellungen, Festivals und Forschungen in all seinen spezifischen Sektoren: Kunst (1895), Architektur (1980), Kino (1932), Tanz (1999), Musik (1930) und Theater (1934). Seine Aktivitäten sind im kürzlich komplett renovierten Historischen Archiv für zeitgenössische Kunst (ASAC) dokumentiert.

In allen Sektoren gibt es mehr Forschungs- und Produktionsmöglichkeiten, die sich an die jüngere Künstlergeneration richten, direkt im Kontakt mit renommierten Lehrern; systematischer und kontinuierlicher wurde dies durch das internationale Projekt Biennale College, das jetzt in den Sektionen Tanz, Theater, Musik und Kino läuft.