Themen in der italienischen Renaissance-Malerei

Die Themen, die die Maler der italienischen Renaissance beschäftigten, waren Themen und Ausführung – was gemalt wurde und in welchem ​​Stil es gemalt wurde. Der Künstler hatte viel mehr Freiheit von Subjekt und Stil als ein mittelalterlicher Maler. Bestimmte charakteristische Elemente der Renaissancemalerei entwickelten sich in dieser Zeit sehr stark. Dazu gehören die Perspektive, sowohl in Bezug auf die Art und Weise, wie sie erreicht wurde, als auch auf die Wirkung, auf die sie angewandt wurde, und der Realismus, insbesondere in der Darstellung der Menschheit als Symbol, Porträt oder Erzählung.

Die Entwicklung von Themen in der italienischen Renaissance-Malerei ist eine Erweiterung des Artikels Italienische Renaissancemalerei, für die er zusätzliche Bilder mit Kommentaren liefert. Die Werke umfassen Giotto im frühen 14. Jahrhundert und Michelangelos Jüngstes Gericht in den 1530er Jahren.

Themen
Die Geißelung Christi von Piero della Francesca (oben) zeigt in einem einzigen kleinen Werk viele Themen der italienischen Renaissancemalerei, sowohl in Bezug auf kompositorische Elemente als auch auf Themen. Sofort wird Pieros Meisterschaft der Perspektive und des Lichts deutlich. Die architektonischen Elemente, einschließlich des Fliesenbodens, der um die zentrale Aktion herum komplexer wird, bilden zwei Räume. Der Innenraum wird von einer unsichtbaren Lichtquelle beleuchtet, zu der Jesus schaut. Seine genaue Lage kann mathematisch durch eine Analyse der Diffusion und des Winkels der Schatten auf der Kassettendecke bestimmt werden. Die drei Figuren, die draußen stehen, werden aus einem anderen Blickwinkel beleuchtet, sowohl von Tageslicht als auch von Licht, das vom Bürgersteig und den Gebäuden reflektiert wird.
Das religiöse Thema ist an die Gegenwart gebunden. Der Herrscher ist ein Porträt des besuchenden Kaisers von Byzanz. Flagellation wird auch „Geißeln“ genannt. Der Begriff „Geißel“ wurde auf die Pest übertragen. Draußen stehen drei Männer, die jene darstellen, die den Leib Christi begraben haben. Die beiden älteren, Nikodemus und Joseph von Arimathaea, sind vermutlich Porträts von Männern, die kürzlich ihre Söhne verloren haben, von denen einer Pest hatte. Der dritte Mann ist der junge Jünger Johannes und ist vielleicht ein Bildnis eines der Söhne oder stellt beide in einer einzigen idealisierten Gestalt dar, die mit der Art und Weise übereinstimmt, in der Piero Engel malte.

Elemente der Renaissance-Malerei
Die Renaissancemalerei unterscheidet sich von der Malerei des Spätmittelalters in ihrer Betonung der Naturbeobachtung, insbesondere in Bezug auf die Anatomie des Menschen, und der Anwendung wissenschaftlicher Prinzipien auf den Gebrauch von Perspektive und Licht.
Geradlinige Perspektive
Die Bilder in der folgenden Galerie zeigen die Entwicklung der linearen Perspektive in Gebäuden und Stadtansichten.

In Giottos Fresko ist das Gebäude wie eine Bühne mit einer für den Betrachter offenen Seite.
In Paolo Uccellos Fresko vermittelt das Stadtbild einen Eindruck von Tiefe.
Masaccios Heilige Dreifaltigkeit wurde mit sorgfältig berechneten mathematischen Proportionen gemalt, in denen er wahrscheinlich vom Architekten Brunelleschi unterstützt wurde.
Fra Angelico verwendet das einfache Motiv einer kleinen Loggia, die sorgfältig in einen intimen Raum gebracht wurde.
Gentile Bellini hat einen großen Raum, die Piazza San Marco in Venedig, gemalt, in der die zurückweichenden Zahlen zur Perspektive hinzufügen.
Leonardo da Vinci hat detaillierte und maßstabsgetreue Zeichnungen des Hintergrunds der klassischen Ruinen angefertigt, um die unvollendete Anbetung der Könige zu beginnen.
Domenico Ghirlandaio schuf auf drei Ebenen eine außergewöhnlich komplexe und expansive Umgebung, darunter eine steil abfallende Rampe und eine vorspringende Mauer. Elemente der Landschaft, wie die Kirche rechts, werden teilweise durch andere Strukturen betrachtet.
Raphaels Entwurf für Feuer im Borgo zeigt Gebäude um ein kleines Quadrat, in dem die Hintergrundereignisse durch die Perspektive hervorgehoben werden.

Landschaft
Die Darstellung der Landschaft wurde durch die Entwicklung der linearen Perspektive und die Einbeziehung detaillierter Landschaften im Hintergrund vieler frühniederländischer Gemälde des 15. Jahrhunderts gefördert. Auch durch diesen Einfluss entstand ein Bewusstsein für die atmosphärische Perspektive und die Beobachtung der Art und Weise, wie entfernte Dinge vom Licht beeinflusst werden.

Giotto verwendet ein paar Felsen, um den Eindruck einer Bergkulisse zu vermitteln.
Paolo Uccello hat eine detaillierte und surreale Kulisse als Bühne für viele kleine Szenen geschaffen.
In Carpaccios Ablagerung des Leibes Christi spiegelt die trostlose Felslandschaft die Tragik der Szene wider.
Mantegnas Landschaft hat eine skulpturale, dreidimensionale Qualität, die an einen realen physischen Raum erinnert. Die Details der Gesteine, ihre Schichten und Brüche deuten darauf hin, dass er die geologischen Formationen des roten Kalksteins, der in Gebieten Norditaliens vorherrscht, untersucht hat.
Antonello da Messina stellt die grimmige Szene der Kreuzigung in Kontrast zu der friedlichen Landschaft, die in die weite Ferne rollt und dabei blasser und blauer wird.
Giovanni Bellini hat eine detaillierte Landschaft mit einer pastoralen Szene zwischen den Vordergrund- und Hintergrundbergen geschaffen. In dieser Landschaft gibt es zahlreiche Ebenen, die Ghirlandaios komplexes Stadtbild (oben) entsprechen.
Perugino hat die Anbetung der Könige gegen die vertraute Hügellandschaft Umbriens gestellt.
Leonardo da Vinci, zeigt eine theatralische Nutzung der atmosphärischen Perspektive in seinem Blick auf die steilen Berge rund um den Gardasee am Fuße der Alpen in Norditalien.

Licht
Licht und Schatten existieren in einem Gemälde in zwei Formen. Ton ist einfach die Helligkeit und Dunkelheit von Bildbereichen, die von weiß bis schwarz abgestuft sind. Tonale Anordnung ist ein sehr wichtiges Merkmal einiger Gemälde. Chiaroscuro ist die Modellierung von scheinbaren Oberflächen innerhalb eines Bildes durch die Suggestion von Licht und Schatten. Während Ton war ein wichtiges Merkmal der Gemälde des Mittelalters, Chiaroscuro war nicht. Für Maler des 15. Jahrhunderts wurde es immer wichtiger, die Darstellung des dreidimensionalen Raums zu transformieren.

Taddeo Gaddis Verkündigung an die Hirten ist das erste bekannte große Gemälde einer Nachtszene. Die innere Lichtquelle des Bildes ist der Engel.
In Fra Angelicos Gemälde beleuchtet das Tageslicht, das aus dem eigentlichen Fenster der Klosterzelle zu stammen scheint, die dieses Fresko ziert, sanft die Figuren und definiert die Architektur.
In seinem Kaisers Traum greift Piero della Francesca das Thema der von einem Engel beleuchteten Nachtszene auf und setzt sein wissenschaftliches Wissen über die Lichtstreuung um. Das so entstandene tonale Muster ist ein wesentliches Element in der Komposition des Gemäldes.
In seinem Agonie im Garten nutzt Giovanni Bellini den verblassenden Sonnenuntergang an einem wolkigen Abend, um eine Atmosphäre von Spannung und drohender Tragödie zu schaffen.
In Domenico Venezianos formalem Porträt ist die Verwendung von Helldunkel zur Modellierung der Form gering. Das Gemälde beruht jedoch stark auf den tonalen Kontrasten des blassen Gesichts, des Mitteltonhintergrunds und des dunklen Gewands mit gemustertem Mieder für den Effekt.
Botticelli verwendet Chiaroscuro, um das Gesicht des Modells zu modellieren und die Details seines einfachen Kleidungsstücks zu definieren. Das Licht und der Schatten am Rand des Fensters definieren den Winkel des Lichts.
Die vorgeschlagene Autorschaft dieses frühen 16. Jahrhunderts Porträt umfasst Ridolfo del Ghirlandaio, Mariotto Albertinelli und Giuliano Bugiardini. Das Gemälde kombiniert viele der Lichteffekte der anderen Werke in dieser Galerie. Die Form wird durch das Licht und den Schatten modelliert, wie durch eine untergehende Sonne, die ein Element der Dramatik gibt, verstärkt durch die Landschaft. Das tonale Muster, das durch das dunkle Gewand, das weiße Leinen und die Position der Hand entsteht, ist ein kompositorisches Merkmal des Gemäldes.
In Leonardo da Vincis Johannes dem Täufer sind die Elemente des Gemäldes, einschließlich der Augen- und Mundwinkel des Modells, durch den Schatten getarnt, was eine Atmosphäre der Mehrdeutigkeit und des Geheimnisses schafft.

Anatomie
Während das Wissen um die Anatomie weitgehend von der topographischen Beobachtung abhängig war, wurde es durch Leonardo da Vincis sorgfältige Präparation von 30 Leichen vorangetrieben. Leonardo hat den Studenten unter anderem die Notwendigkeit der genauen Beobachtung des Lebens aufgezeigt und das Zeichnen von lebenden Modellen zu einem wesentlichen Bestandteil des formalen Studiums der Malerei gemacht.

Cimabues Kreuzigung, die 1966 von der Flut weitgehend zerstört wurde, zeigt die formale Anordnung, mit geschwungenem Körper und herabhängenden Kopf, der in der Kunst des Spätmittelalters weit verbreitet war. Die Anatomie ist stark stilisiert, um der traditionellen ikonischen Formel zu entsprechen.
Giotto gab die traditionelle Formel auf und malte aus Beobachtungen.
Massacios Christusfigur ist perspektivisch verkürzt wie von unten betrachtet und zeigt den Oberkörper angespannt wie mit der Anstrengung des Atmens.
In Giovanni Bellinis Ablagerung hat der Künstler, obwohl er nicht versucht, die brutale Realität der Kreuzigung vorzuschlagen, versucht, den Eindruck des Todes zu erwecken.
In der Taufe von Piero della Francesca ist die robuste Figur Jesu mit einer Einfachheit und einem Mangel an scharf definierter Muskelkraft gemalt, die ihren Naturalismus widerlegt.
Die Figur von Jesus in diesem Gemälde, das das Werk von Verrocchio und dem jungen Leonardo ist, wurde höchstwahrscheinlich von Verrocchio entworfen. Die Konturen behalten die etwas verzerrte Linearität der gotischen Kunst. Ein großer Teil des Torsos wurde jedoch von Leonardo gemalt und zeigt eine starke Kenntnis der anatomischen Form.
Leonardos Bild des hl. Hieronymus zeigt die Ergebnisse detaillierter Untersuchungen des Schultergürtels, die auf einer Seite der Zeichnungen bekannt sind.
Michelangelo nutzte die menschliche Anatomie zu einem großen Ausdruck. Er war bekannt für seine Fähigkeit, expressive Posen zu schaffen und wurde von vielen anderen Malern und Bildhauern nachgeahmt.

Realismus
Die Beobachtung der Natur bedeutete, dass Formen und symbolische Gesten, die in der mittelalterlichen Kunst und insbesondere im byzantinischen Stil, die in weiten Teilen Italiens vorherrschten, verwendet wurden, um Bedeutung zu vermitteln, durch die Darstellung menschlicher Emotionen ersetzt wurden, wie sie von einer Reihe von Individuen dargestellt werden.

In dieser Auferstehung zeigt Giotto die schlafenden Soldaten mit von Helmen verdeckten oder verkürzten Gesichtern, um die entspannte Haltung zu betonen.
Im Gegensatz dazu hat Andrea Castagno ein lebensgroßes Bild des Condotierre, Pippo Spano, gemalt und mit den Füßen über den Rand der bemalten Nische, die ihn einrahmt.
Filippo Lippi zeigt in diesem frühen Werk eine sehr naturalistische Gruppe von Kindern, die sich um die Jungfrau Maria drängen, aber mit unschuldiger Neugier auf den Betrachter blicken. Eines der Kinder hat Down-Syndrom.
Masaccio schildert die Trauer, die sich aus dem Verlust der Unschuld ergibt, wenn Adam und Eva aus der Gegenwart Gottes vertrieben werden.
Antonello da Messina malte verschiedene Versionen von Ecce Homo, dem gequälten Christus, wie er vom römischen Gouverneur dem Volk präsentiert wurde. Solche Bilder zeigen Christus in der Regel in einer tragischen, aber heroischen Rolle und minimieren die Darstellung von Leiden. Antonellos Darstellungen sind äußerst realistisch.
In seinem Wehklage über den toten Christus hat Mantegna hier den toten Körper Jesu mit kühner Verkürzung dargestellt, als ob der Betrachter am Ende der Platte stehen würde.
In diesem Detail von einem größeren Gemälde zeigt Mantegna ein kleines Kind, das einen Bauchbinder und löchrige Hausschuhe trägt, sich umdreht und an den Fingern kaut, während der kleine Christus beschnitten wird.
Giorgione malt ein natürliches und unglamorisiertes Porträt einer alten Frau, ungewöhnlich in ihrer Darstellung ihrer ungepflegten Haare und offenen Mund mit schiefen Zähnen.

Figurenzusammensetzung
Zu den Hauptaufgaben der Künstler, die mit großen Arbeiten mit mehreren Figuren beauftragt wurden, gehörte die Frage, wie man das normalerweise narrative, vom Betrachter selbstverständliche und im Bildraum gut komponierte und gut komponierte Subjekt zum Lesen bringen kann.

Giotto kombiniert drei separate Erzählelemente in dieser dramatischen Szene, die den entmenschlichenden Helmen der Wachen gegenübersteht. Judas verrät Jesus zu den Soldaten, indem er ihn küsst. Der Hohepriester signalisiert einem Wächter, ihn zu ergreifen. Peter schneidet dem Diener des Hohenpriesters das Ohr ab, als er nach vorne tritt, um Jesus die Hände zu übergeben. Fünf Figuren dominieren den Vordergrund und umgeben Jesus so, dass nur sein Kopf sichtbar ist. Doch durch geschickte Farbgestaltung und Gestik der Männer macht Giotto das Gesicht Jesu zum Mittelpunkt des Bildes.
Im Tod Adams hat Piero della Francesca den sterbenden Patriarchen so eingestellt, dass er gegen das schwarze Gewand seiner Familie erleichtert wird. Seine Bedeutung für die Geschichte wird durch den um ihn herum gebildeten Bogen der Figuren und die Diagonalen der Arme, die alle zu seinem Kopf führen, noch unterstrichen. p
Die Auferstehung des Sohnes des Theophilus ist ein bemerkenswert zusammenhängendes Ganzes, wenn man bedenkt, dass es von Masaccio begonnen, unvollendet, vandalisiert und schließlich von Filippino Lippi vollendet wurde. Masaccio malte den Mittelteil.
In diesem stark systematisierten Gemälde hat Pollaiuolo den von den Bogenschützen verwendeten Querbogen als kompositorische Struktur in den Vordergrund gestellt. In dieser großen, vertikal geteilten Dreiecksform hat er die Figuren zwischen Vorder- und Rückansicht abgewechselt.
Botticellis langes, schmales Bild von Mars und Venus basiert auf einem W mit spiegelbildlichen Figuren. Die Liebenden, die kurz zuvor vereint waren, sind jetzt durch Schlaf getrennt. Die drei kleinen Kälber, die das Gemälde durchziehen, halten die Komposition zusammen.
Michelangelos Meisterschaft der komplexen Figurenkomposition, wie sie in seiner Entombment, viele Künstler seit Jahrhunderten inspirieren sollte. In diesem Tafelbild ist die Figur Christi, obwohl vertikal, zusammengesunken und ein totes Gewicht in der Mitte des Bildes, während diejenigen, die versuchen, den Körper zu tragen, sich nach außen neigen, um ihn zu stützen.
Auf den ersten Blick ist Signorellis Fall of the Damned ein entsetzliches und gewalttätiges Durcheinander von Körpern, aber durch die gekonnte Platzierung der Figuren, so dass die Linien, anstatt sich zu schneiden, in einem wellenförmigen Verlauf durch das Bild fließen, ist die Komposition sowohl einheitlich als auch aufgelöst in eine große Anzahl von separaten Aktionen. Die Farben der Teufel dienen auch dazu, das Bild in die Peiniger und Gequälten zu unterteilen.
Die Schlacht von Ostia wurde von Raffaels Assistenten ausgeführt, wahrscheinlich nach seinem Entwurf. Der Vordergrund des Gemäldes ist in zwei sich überschneidenden Bogenformen organisiert, wobei die größeren, gefangen gehaltenen Menschen gedämpft sind, während sie links und leicht hinten vor dem Papst niederknien. Während sich der Papst über die zweite Gruppe erhebt und diese dominiert, wird die erste Gruppe von einem Soldaten beherrscht, dessen Farbe und prachtvoller Kopfschmuck dem Papst als visuelles Sprungbrett dienen. An den Rändern dieser Gruppe spiegeln sich zwei gebückte Figuren, die eine Spannung erzeugen, in der man sich von der Bildkante wegdrückt und die andere in ihrem Zentrum nach oben zieht.

Hauptarbeiten

Altarstücke
Während der Renaissance hatte das große Altarbild einen einzigartigen Status als Kommission. Ein Altarbild sollte nicht nur im religiösen Gebäude, sondern auch in der Andacht der Gläubigen eine zentrale Rolle spielen. Leonardo da Vincis Madonna of the Rocks, heute in der National Gallery in London, aber zuvor in einer Mailänder Kapelle, ist eines von vielen Bildern, das bei der Petition der Seligen Jungfrau Maria gegen die Pest verwendet wurde. Die Bedeutung dieser Bilder für diejenigen, die sie in Auftrag gegeben haben, die an ihrem Ort angebetet haben und sie geschaffen haben, geht verloren, wenn sie in einer Kunstgalerie betrachtet werden.

Die beiden Thronenden Madonnen von Cimabue und Duccio di Buoninsegna zeigen die Variationen eines formalisierten und von der Tradition geprägten Themas. Obwohl die Positionen der Madonna und des Kindes sehr ähnlich sind, haben die Künstler die meisten Merkmale unterschiedlich behandelt. Cimabues Thron ist frontal und nutzt die Perspektive, um seine Festigkeit zu beweisen. Die Engel, ihre Gesichter, Flügel und Halos sind so angeordnet, dass sie ein reiches Muster bilden. Die Blattgoldverzierung des Madonnenkleides hebt die Falten in einem feinen Netz hervor. Das Kind sitzt majestätisch, mit den Füßen im gleichen Winkel wie die seiner Mutter.
In Duccios Rucellai-Madonna, der größten seiner Art in 4,50 Metern Höhe, ist der Thron diagonal gesetzt und das Kind, trotz seiner Geste noch viel mehr ein Baby, sitzt diagonal gegenüber seiner Mutter. Während die Positionierung der knienden Engel recht einfach ist, haben sie in ihren wiederholten Positionen einen Naturalismus und werden durch die schönen Farbkombinationen ihrer Roben variiert. Auf der Madonnenrobe bildet die goldene Grenze eine mäandrierende Linie, die Form und Konturen definiert und die gesamte Komposition mit einem einzigen dekorativen Detail belebt.
Giottos Ognissanti-Madonna befindet sich heute in demselben Raum der Uffizien wie Cimabues und Duccios, wo die Fortschritte, die er sowohl aus der Beobachtung der Natur als auch aus der Perspektive machte, leicht mit den früheren Meistern verglichen werden können. Während das Gemälde dem Modell eines Altarbildes entspricht, folgen die Figuren nicht der traditionellen Formel. Die Madonna und das Kind sind fest dreidimensional. Diese Qualität wird durch den überdachten Thron verstärkt, der das Hauptdekorelement trägt, während die Goldränder minimiert sind. Die Engel, die sich spiegeln, haben jeweils ganz individuelle Draperien.
Hundert Jahre später, Masaccio, immer noch innerhalb der Grenzen des formalen Altars, schafft er selbstbewusst eine dreidimensionale Gestalt in schweren Gewändern, ihre mollig Christ Child an seinen Fingern saugen. Die Lauten der kleinen Engel sind beide stark verkürzt.
In Fra Angelicos Malerei fehlt den Massen die Masaccio-Masse. Angelico war berühmt für seine Delikatesse in der Darstellung der Madonna. Die Anziehungskraft solcher Gemälde zeigt sich in der Art und Weise, in der sich die anbetenden Engel gruppieren. Wie in Masaccios Gemälde ist der Heiligenschein der Madonna mit einer pseudo-kufischen Schrift geschmückt, wahrscheinlich um auf ihre Herkunft aus dem Nahen Osten hinzuweisen.
In den Händen von Piero della Francesca wird der formale Goldrahmen in eine klassische Nische verwandelt, in perfekter linearer Perspektive gezeichnet und vom Tageslicht bestimmt. Die verschiedenen Heiligen gruppieren sich auf natürliche Weise, während die Madonna auf einem kleinen, von einem orientalischen Teppich bedeckten Podium auf einem realistischen Thron sitzt, während die Stifterin Federico da Montefeltro zu ihren Füßen kniet. Ein Zugeständnis an die Tradition ist, dass die Madonna in einem größeren Maßstab als die anderen Figuren ist.
In Bellinis Malerei, während einerseits die Figuren und das Setting einen großen Realismus bewirken, zeigt sich Bellinis Interesse an byzantinischen Ikonen in der hierarchischen Inthronisierung und Haltung der Madonna.
Der Mailänder Maler Bergognone hat Aspekte des Werkes Mantegnas und Bellinis zu diesem Gemälde herangezogen, in dem das rote Gewand und das goldene Haar von Katharina von Alexandria durch das kontrastierende Schwarz-Weiß von Katharina von Siena effektvoll ausbalanciert und von einem Rustikum umrahmt werden Bogen aus zerbrochenen Ziegeln.
In Andrea Mantegnas Madonna della Vittoria kann die Madonna die zentrale Position einnehmen, eingerahmt von ihrem mit Girlanden geschmückten Pavillon, aber im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit steht Francesco II Gonzaga, dessen Leistungen nicht nur von der Madonna und dem Christuskind, sondern auch von den heroischen Heiligen Michael und George.
Leonardo da Vinci gab jede Art von formalem Baldachin auf und umgab die Madonna und das Kind mit der Großartigkeit der Natur, in die er die Figuren in einer sorgfältig ausbalancierten und doch scheinbar informellen Trapezkomposition einfügte.
Die Sixtinische Madonna von Raffael verwendet die Formel nicht von einem Altar, sondern das formale Porträt, mit einem Rahmen aus grünen Vorhängen, durch den eine Vision gesehen werden kann, bezeugt von Papst Sixtus II, für den das Werk benannt ist. Die Wolken um die Jungfrau bestehen aus cherubischen Gesichtern, während die zwei Engel, die im Stil des späten 20. Jahrhunderts so beliebt sind, sich auf der Schwelle niederlassen. Diese Arbeit wurde zum Vorbild für Murillo und viele andere Maler.
Andrea del Sarto verzichtet bei der Verwendung von Figuren auf eine sehr natürliche und lebensechte Wirkung in der praktischen Realität der Madonna der Harpyien, indem sie die Madonna auf einen klassischen Sockel setzt, als wäre sie eine Statue. Jede Figur befindet sich in einem Zustand der Instabilität, gekennzeichnet durch den Vorwärtsdrang des Madonnenknies, gegen den sie ein Buch ausbalanciert. Dieses Gemälde zeigt die Trends, die in der manieristischen Malerei entwickelt werden sollten.

Fresko-Zyklen
Die größte, zeitaufwendigste bezahlte Arbeit, die ein Künstler tun konnte, war ein Freskenplan für eine Kirche, einen privaten Palast oder ein Gemeindehaus. Von diesen ist das größte einheitliche Schema in Italien, das mehr oder weniger intakt bleibt, jenes, das am Ende des Mittelalters von verschiedenen Künstlern in der Basilika des hl. Franz von Assisi geschaffen wurde. Es folgte Giottos Proto-Renaissance-Schema in Padua und viele andere, von Benozzo Gozzoli’s Magi-Kapelle für die Medici bis zu Michelangelos höchster Leistung für Papst Julius II. In der Sixtinischen Kapelle.

Giotto malte die große, freistehende Scrovegni-Kapelle in Padua mit dem Leben der Jungfrau und dem Leben Christi. Es bricht aus der mittelalterlichen Tradition und setzt einen Maßstab für Naturalismus.
Die beiden großen Fresken Allegorien der guten und bösen Regierung, die Ambrogio Lorenzetti für die Gemeinde Siena gemalt hat, sind vollkommen weltlich und zeigen detaillierte Ansichten eines Stadtbildes mit Bürgern, wobei sie die Wichtigkeit der Bürgerordnung hervorheben.
Im Gegensatz dazu, Andrea di Bonaiuto, Malerei für die Dominikaner in der neuen Kirche Santa Maria Novella, ein riesiges Fresko des Triumphes der Kirche, die die Rolle der Kirche in der Arbeit der Erlösung, und insbesondere die Rolle zeigt von den Dominikanern, die auch symbolisch als die Hunde des Himmels erscheinen und das Volk Gottes führen. Das Gemälde enthält einen Blick auf die Kathedrale von Florenz.
Masaccio und Masolino arbeiteten am Freskenzyklus der Brancacci-Kapelle mit, der vor allem für Masaccios lebensechte Innovationen bekannt ist. Masolinos eleganterer Stil ist in diesem Stadtbild zu sehen, das gekonnt zwei Episoden des Lebens von St. Peter kombiniert.
Der Freskenzyklus von Piero della Francesca in der Kirche San Francesco in Arezzo folgt genau der Legende des wahren Kreuzes, die Jacopo da Varagine in der Goldenen Legende geschrieben hat. Die Bilder zeigen seine Studien von Licht und Perspektive, und die Figuren haben eine fast monolithische Solidität.
Benzozzo Gozzolis Freskenzyklus für die Privatkapelle des Medici-Palastes ist ein Spätwerk im internationalen Gotikstil, eine phantasievolle und reich ornamentale Darstellung der Medici mit ihrem Gefolge als Drei Weisen.
Der kunstvolle Zyklus für den Palazzo Schifanoia von Ferrari in Ferrara, der teilweise von Francesco del Cossa ausgeführt wurde, war auch phantasievoll in seinen Darstellungen der klassischen Gottheiten und Zodialzeichen, die mit Szenen aus dem Leben der Familie verbunden sind.
Mantegnas Gemälde für die Gonzaga zeigen ebenfalls das Familienleben, haben aber ein Übergewicht an höchst realistischen Elementen und nutzen gekonnt die reale Architektur des von ihnen dekorierten Raumes. Der Sockel bildet einen Sockel für die Figuren und die realen Deckenpendenzen werden scheinbar auf bemalten Pilastern getragen.
Während in der Brancacci-Kapelle Historiker versuchen, die Gesichter von Masaccio, Masolino und vielleicht Donatello unter den Aposteln zu identifizieren, unternimmt Domenico Ghirlandaio in der Sassetti-Kapelle keinen Versuch, seine Modelle zu verschleiern. Jedes Fresko in diesem religiösen Zyklus hat zwei Gruppen von Figuren: diejenigen, die die Geschichte erzählen, und diejenigen, die davon Zeugnis geben. In dieser Szene der Geburt der Jungfrau Maria sind einige der edlen Florentiner Frauen gekommen, um der neuen Mutter zu gratulieren.
Die Bestrafung der Söhne von Korah durch Botticelli ist eine der Episoden der Reihe „Das Leben von Moses“, die zusammen mit „Das Leben Christi“ in den 1480er Jahren als Dekoration für die Sixtinische Kapelle in Auftrag gegeben wurde. Die Künstler Perugino, Domenico Ghirlandaio und Cosimo Rosselli arbeiteten an dem sorgfältig entworfenen und harmonischen Schema.
Michelangelos Gemälde der Decke der Sixtinischen Kapelle, die er allein über einen Zeitraum von fünf Jahren mit Erzählungen aus der Genesis, prophetischen Figuren und den Ahnen Christi schuf, sollte zu einem der berühmtesten Kunstwerke der Welt werden.
Gleichzeitig malten Raphael und einige seiner Assistenten die päpstlichen Kammern, die Raphael Rooms genannt wurden. In der Schule von Athen schildert Raphael berühmte Persönlichkeiten seiner Zeit, darunter Leonardo, Michelangelo, Bramante und sich selbst, als Philosophen des antiken Athen.

Fächer
Andachtsbilder der Madonna und des Kindes wurden in sehr großen Stückzahlen produziert, oft für Privatkunden. Szenen aus dem Leben Christi, dem Leben der Jungfrau Maria oder dem Leben der Heiligen wurden ebenfalls in großer Zahl für die Kirchen angefertigt, insbesondere für Szenen, die mit der Geburt Christi und der Passion Christi verbunden sind. Das Abendmahl wurde gewöhnlich in religiösen Refektorien dargestellt.

Während der Renaissance hatten sich immer mehr Gönner der Farbe in der Nachwelt verpflichtet. Aus diesem Grund gibt es eine große Anzahl von Renaissanceportraits, für die der Name des Modells unbekannt ist. Wohlhabende Privatmäzene gaben Kunstwerke als Dekoration für ihre Häuser mit zunehmend weltlichen Inhalten in Auftrag.

Andachtsbilder

Die Madonna
Diese kleinen intimen Bilder, die heute fast ausschließlich in Museen zu finden sind, wurden meistens für Privateigentum gemacht, könnten aber gelegentlich einen kleinen Altar in einer Kapelle zieren.

Die Madonna, die das Christuskind mit zwei Engeln verehrt, war immer besonders beliebt wegen des ausdrucksstarken Engels, der das Christuskind unterstützt. Malereien von Filippo Lippi wie diese sollten Botticelli besonders beeinflussen.
Verrocchio trennt die Madonna und das Christuskind vom Betrachter durch eine Steinbank, die auch in vielen Porträts verwendet wird. Die Rose und die Kirschen stehen für spirituelle Liebe und Opferliebe.
Antonello da Messinas Madonna und Kind ist oberflächlich sehr ähnlich wie Verrocchio, aber es ist weniger formell und sowohl die Mutter als auch das Kind scheinen sich eher zu bewegen, als sich für den Maler auszugeben. Der verkürzte Ellenbogen des Kindes, wie er nach der Brust seiner Mutter greift, tritt in Raphaels Arbeit auf und kann in Michelangelos Doni Tondo in anderer Form gesehen werden.
Die gegensätzlichen Diagonalen der frühen Madonna mit Kind von Leonardo da Vinci waren ein kompositorisches Thema, das in vielen seiner Werke wiederkehren und von seinen Schülern und Raffael imitiert werden sollte.
Giovanni Bellini wurde von griechisch-orthodoxen Ikonen beeinflusst. Das Goldtuch in diesem Gemälde ersetzt den Blattgoldhintergrund. Die Anordnung ist formal, doch geben die Gesten und insbesondere der anbetende Blick der Mutter diesem Bild eine menschliche Wärme.
Die Madonna mit Kind von Vittore Carpaccio zeigt sehr ungewöhnlich, dass das Christuskind ein Kleinkind ist, das vollständig in moderne Kleidung gekleidet ist. Die minutiösen Details und die häusliche Atmosphäre zeugen von der frühen niederländischen Malerei.
Michelangelos Doni Tondo ist das größte dieser Werke, war aber eine private Kommission. Die höchst ungewöhnliche Komposition, die verzerrte Form der Madonna, die drei Köpfe in der Nähe des Bildes und die radikale Verkürzung waren allesamt herausfordernde Züge, und Agnolo Doni war sich nicht sicher, ob er dafür bezahlen wollte.
Raphael hat gekonnt Gegenkräfte ins Spiel gebracht und vereint Madonna und Kind mit einem liebevollen Blick.

Weltliche Malerei

Porträts
Während der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts gab es eine Vielzahl von Porträts. Obwohl die Themen einiger von ihnen später für ihre Errungenschaften oder ihre edle Abstammung in Erinnerung blieben, sind die Identitäten vieler verloren gegangen, und selbst das berühmteste Porträt aller Zeiten, Leonardo da Vincis Mona Lisa, ist offen für Spekulationen und Kontroversen.

Der Vorteil eines Profilporträts wie Piero della Francescas Porträt von Sigismondo Pandolfo Malatesta ist, dass es das Subjekt wie eine Gesichtssignatur identifiziert. Die Proportionen des Gesichts, die jeweiligen Winkel der Stirn, der Nase und der Stirn, die Position und Form des Auges und die Anordnung der Kiefer bleiben im Leben erkennbar. Sobald ein Profilbildnis erstellt wurde, kann es darüber hinaus verwendet werden, um eine Medaille zu werfen oder ein Reliefbild zu formen.
Pollaiuolo hat sich an die Formel angepasst und betont das Profil dieser jungen Frau mit einer feinen Linie, die auch die zarte Form ihrer Nasenlöcher und ihrer Mundwinkel definiert. Aber er hat eine dreidimensionale Qualität durch den subtilen Gebrauch von Helldunkel und die Behandlung des reichen florentinischen Brokates ihres Ärmels hinzugefügt.
Alesso Baldovinetti hingegen hat das Profil dieses starken Mädchens genutzt, um ein markantes Muster einer hervorgehobenen Kontur vor dem dunkleren Hintergrund zu erzeugen. Der Hintergrund ist eine lebendige Form, die zur kompositorischen Struktur des Gemäldes beiträgt. Das kleine schwarze Filet auf ihrer Stirn reagiert auf das dynamische Muster des bestickten Ärmels.
Botticellis Porträt, obwohl in Dreiviertelansicht mit starker tonaler Modellierung gedreht, hat viel mit Baldovinettis Malerei zu tun, in ihrer markanten Anordnung von Formen im roten Gewand, dem Hut und dem dunklen Haar und dem Muster, das sie vor dem Hintergrund bilden.
Antonello da Messinas Porträt, einige Jahre früher als Botticelli, trägt eine vorübergehende Ähnlichkeit. Aber dieses Gemälde ist nicht stark auf die geschickte Anordnung klar konturierter Formen angewiesen. Antonello hat die Vorteile der Ölfarbe gegenüber Botticellis Tempera genutzt, um eine subtile und detaillierte Ähnlichkeit zu erreichen, in der die buschigen Augenbrauen, die Unvollkommenheiten der Haut und der Schatten des Bartes mit fotografischer Präzision wiedergegeben werden.

In der Mona Lisa verwendete Leonardo die Technik des Sfumato, fein abgestuftes Helldunkel, das die Oberflächenkonturen modelliert, während Details im Schatten verschwinden. Die Technik verleiht diesem Gemälde eine geheimnisvolle Atmosphäre, die es nachhaltig berühmt gemacht hat. Die schönen Hände werden fast zu einem dekorativen Element.
Giovanni Bellinis Porträt des gewählten Herzogs von Venedig hat offiziellen Charakter und könnte kaum formeller sein. Doch das Gesicht ist geprägt von dem, was man im Dogen erwarten kann, Weisheit, Humor und Entschlossenheit. Obwohl es ein kunstvolleres Gemälde ist, hat es viel mit Baldovinettis Sinn für Design gemein.
Das Thema von Tizians Porträt ist unbekannt, und sein beträchtlicher Ruhm beruht einzig und allein auf seiner Schönheit und ungewöhnlichen Komposition, in der das Gesicht durch den großen blauen Ärmel aus gestepptem Satin unterstützt und ausgeglichen wird. Die Hülle hat fast die gleiche Farbe wie der Hintergrund; seine reiche Tonalität gibt ihm Form. Das weiße Leinen des Hemdes belebt die Komposition, während die Augen des Mannes mit durchdringender Leuchtkraft die Farbe des Ärmels aufgreifen.

Der Akt
Diese vier berühmten Gemälde demonstrieren das Aufkommen und Akzeptieren des Aktes als eigenständiges Thema für den Künstler.

In Botticellis Geburt der Venus ist die Aktfigur, obwohl sie für das Gemälde zentral ist, nicht das Thema. Das Thema des Gemäldes ist eine Geschichte aus der klassischen Mythologie. Die Tatsache, dass die Göttin Venus nackt aus dem Meer aufstieg, gibt dem Nacktstudium, das den Mittelpunkt des Werkes dominiert, Rechtfertigung.
Dreißig Jahre später ist die genaue Bedeutung von Giovanni Bellinis Bild unklar. Wäre das Motiv von einem impressionistischen Maler gemalt worden, wäre es unnötig, eine Bedeutung zu benennen. Aber in dieser Renaissance-Arbeit gibt es die Anwesenheit eines Spiegels, eines Objekts, das normalerweise symbolisch ist und eine Allegorie vorschlägt.Die Nacktheit der jungen Dame ist nicht so sehr ein Zeichen von Verführung, sondern von Unschuld und Verletzlichkeit. Sie schmückt sich jedoch in einem extrem reichen Kopfschmuck, der mit Perlen bestickt ist und nicht nur einen, sondern zwei Spiegel hat, sieht nur sich selbst endlos reflektiert. Der Spiegel, oft ein Symbol der Prophezeiung, wird hier zum Objekt der Eitelkeit, mit der jungen Frau in der Rolle des Narziss.
Möglicherweise ist Giorgiones Gemälde zehn Jahre älter als Bellini. Es war immer bekannt als die schlafende Venus, aber es gibt nichts auf dem Gemälde, das bestätigen könnte, dass es tatsächlich Venus ist. Das Gemälde zeichnet sich durch seinen Mangel an Symbolik und die Betonung des Körpers als Objekt der Schönheit aus. Es wird angenommen, dass es von Tizian vervollständigt wurde.

Klassische Mythologie
Gemälde der klassischen Mythologie wurden für die wichtigen Salons in den Häusern der privaten Gönner ausnahmslos angefertigt. Botticellis berühmteste Werke sind für die Medici, Raffael malte Galatea für Agostino Chigi und Bellinis Götterfest war mit mehreren Werken Tizians im Hause von Alfonso I. d’Este

Pollaiuolos Herkules und die Hydra typisch für viele Gemälde mythologischer Themen haben sich der Deutung bedient, die sowohl humanistisch als auch christlich war. In dieser Arbeit überwindet das Gute das Böse, und der Mut wird verherrlicht. Die Figur des Herkules hat Resonanzen mit dem biblischen Charakter von Samson, der auch für seine Stärke bekannt war und einen Löwen erschlug.
In Botticellis Pallas und dem Kentaur führt die von Athene verkörperte Weisheit den kauernden Zentaur an der Stirn, so dass Lernen und Raffinesse in der Lage sind, den brutalen Instinkt zu überwinden, was die Eigenschaft ist, die der Zentaur symbolisiert.
Raphaels Galatea, obwohl klassisch, hat eine spezifisch christliche Resonanz, die von denen erkannt worden wäre, die mit der Geschichte vertraut waren. Es geht um die Natur der Liebe. Während alles um sie herum die irdische Liebe anstrebt und den Pfeilen unterliegt, die von den drei Amoretten geschossen wurden, hat Galatea die spirituelle Liebe gewählt und wendet ihre Augen dem Himmel zu.