In der Kunst ist eine Studie eine Zeichnung, eine Skizze oder ein Gemälde, die in Vorbereitung auf ein fertiges Stück oder als visuelle Notizen gemacht werden. Studien werden oft verwendet, um die Probleme zu verstehen, die mit der Wiedergabe von Objekten verbunden sind, und um die Elemente zu planen, die in fertigen Arbeiten verwendet werden, wie Licht, Farbe, Form, Perspektive und Komposition. Studien können aufgrund der frischen Einsichten, die der Künstler beim Erkunden des Themas gewinnt, mehr bewirken als aufwändig geplante Arbeiten. Die Aufregung der Entdeckung kann eine Studienvitalität geben. Auch wenn sich die Schichten des Werkes verändern, je mehr der Künstler verstanden hat, desto mehr teilt der Betrachter seine Entdeckung. Geschriebene Notizen neben visuellen Bildern tragen zum Import des Stücks bei, da sie dem Betrachter ermöglichen, den Prozess des Künstlers kennenzulernen.

Studien inspirierten einige der konzeptuellen Kunst des ersten Jahrhunderts, wobei der kreative Prozess selbst zum Gegenstand des Stücks wurde. Da in Studien und Konzeptkunst der Prozess so wichtig ist, bleibt dem Betrachter kein materieller Gegenstand der Kunst.

Studieren heißt die vorbereitende Skizze eines Bildwerks (in diesem Fall wird es auch „Skizze“ genannt) oder die visuelle Notiz des Malers (in diesem Fall wird es auch „Note“ genannt). eine Zeichnung als eine komplexere Arbeit mit jeder Art von Technik (Öl-Studie).

Maler führen Studien durch, um die von einer Arbeit aufgeworfenen Probleme zu verstehen und die Elemente zu planen, die sie schließlich bilden werden, in Aspekten wie Licht, Farbe, Form, Perspektive und Zusammensetzung.

In einigen Fällen erreicht die Studie eine größere Wirkung als die fertige Arbeit, weil die Arbeit des Künstlers während der Erforschung des Themas eine frische Note hat. Die Aufregung der Entdeckung kann einer Studie Vitalität verleihen, die den Veränderungen und dem Bedauern des Künstlers helfen kann. Manchmal stellt oder überlagert der Maler Variationen derselben oder verschiedener Themen oder fügt schriftliche Notizen hinzu, behält oder verändert die Vertikalität oder nutzt Bereiche aus, die in einer früheren Studie (einschließlich der Rückseite) leer gelassen wurden; All dies ermöglicht es, den Prozess seiner Bildarbeit besser zu verstehen.

Die Konzeptkunst des 20. Jahrhunderts, in der der Schaffensprozess selbst das Thema der Arbeit ist, beseitigt den Unterschied zwischen Studium und fertiger Arbeit, der kein materielles Objekt sein muss.

Sie haben Bildstudien der großen Meister der italienischen Renaissanceplatte bewahrt; wie zum Beispiel einige von Miguel Ángel. In einem von ihnen, für die libysche Sibylle von der Decke der Sixtinischen Kapelle, kann man sehen, dass die endgültige Komposition ursprünglich auf einem männlichen Modell basierte; in einem anderen, für die Absetzung, dass eine weibliche Figur zuerst als ein nackter Jugendlicher konzipiert wurde. Von Leonardo gibt es zahlreiche Studien, größtenteils gebunden, zusammen mit allen Arten von Anmerkungen und Beobachtungen (Atlantischer Codex, Codices Madrid I-II, Codex Hammer, Codex über den Vogelflug, Codex Trivulzianus, Codex Arundel); unter anderem gibt es einige, die zeigen, wie er Variationen in der Position der Hände von La Gioconda oder der Bewegung der Pferde der Schlacht von Anghiari studierte. Von Raphael hat eine große Reihe von vorbereitenden Studien und Kartons erhalten, die Rebuild ermöglichen Ihre Techniken und kreativen Prozesse.

Studien können sogar schon in der italienischen Renaissance zurückverfolgt werden, von der Kunsthistoriker einige von Michelangelos Studien beibehalten haben. Einer davon, sein Arbeitszimmer für die libysche Sibylle an der Decke der Sixtinischen Kapelle, basiert auf einem männlichen Modell, obwohl das fertige Gemälde von einer Frau ist. Solche Details helfen, die Denkprozesse und Techniken vieler Künstler zu enthüllen.