Die ersten vier Jahrzehnte des 20. Jahrhunderts bildeten eine außergewöhnliche Periode des künstlerischen Ferments und der Revolution. Avantgardistische Bewegungen entwickelten sich rasch und überschnitten sich zu einer nichtfigurativen, totalen Abstraktion. Das Stillleben und andere gegenständliche Kunst entwickelten sich bis zur Mitte des Jahrhunderts weiter, als die totale Abstraktion, wie sie von Jackson Pollocks Drip Paintings veranschaulicht wurde, alle erkennbaren Inhalte eliminierte.

Das Jahrhundert begann mit mehreren Trends in der Kunst. 1901 malte Paul Gauguin das Stillleben mit Sonnenblumen, eine Hommage an seinen elf Jahre zuvor verstorbenen Freund Van Gogh. Die Gruppe, bekannt als Les Nabis, einschließlich Pierre Bonnard und Édouard Vuillard, griff Gauguins harmonische Theorien auf und fügte Elemente, die von japanischen Holzschnitten inspiriert waren, ihren Stillleben hinzu. Der französische Künstler Odilon Redon malte auch bemerkenswertes Stilleben während dieser Zeit, vor allem Blumen.

Henri Matisse reduzierte die Wiedergabe von Still-Life-Objekten noch weiter auf wenig mehr als kühne, flache Umrisse voller heller Farben. Er vereinfachte auch die Perspektive und führte mehrfarbige Hintergründe ein. In einigen seiner Stillleben, wie Stillleben mit Auberginen, ist sein Tisch voller Objekte fast verloren, während die anderen bunten Muster den Rest des Raumes ausfüllen. Andere Vertreter des Fauvismus, wie Maurice de Vlaminck und André Derain, erforschten in ihrem Stilleben die reine Farbe und Abstraktion.

Paul Cézanne fand im Stilleben das perfekte Vehikel für seine revolutionären Erkundungen in der geometrischen Raumorganisation. Für Cézanne war das Stillleben ein primäres Mittel, um die Malerei von einer illustrativen oder mimetischen Funktion zu einer, die unabhängig die Elemente von Farbe, Form und Linie darstellt, einen großen Schritt zur abstrakten Kunst zu machen. Darüber hinaus können Cézannes Experimente direkt zu der Entwicklung des kubistischen Stillebens im frühen 20. Jahrhundert führen.

Cézannes Verschiebung von Ebenen und Äxten adaptierend, dämpften die Kubisten die Farbpalette der Fauves und konzentrierten sich stattdessen auf die Dekonstruktion von Objekten in reine geometrische Formen und Ebenen. Zwischen 1910 und 1920 malten kubistische Künstler wie Pablo Picasso, Georges Braque und Juan Gris viele Stilleben-Kompositionen, oft auch Musikinstrumente, die fast zum ersten Mal das Leben an vorderster Front der künstlerischen Innovation brachten. Stilleben war auch Thema in den ersten Kolumnen des Synthetischen Kubismus, etwa in Picassos ovalem „Still Life with Chair Caning“ (1912). In diesen Arbeiten überlagern und vermischen sich Still-Life-Objekte, erhalten kaum identifizierbare zweidimensionale Formen, verlieren ihre individuelle Oberflächenstruktur und verschmelzen mit den Zielen des Hintergrunds, die fast denen des traditionellen Stillebens entgegengesetzt sind. Fernand Légers Stillleben führte die Verwendung von reichlich weißem Raum und farbigen, scharf definierten, überlappenden geometrischen Formen ein, um eine mechanischere Wirkung zu erzielen.

Kubus, Marcel Duchamp und andere Mitglieder der Dada-Bewegung lehnten die Verflachung des Raums ab und gingen in eine radikal andere Richtung, indem sie 3D-Ready-Made-Stillebenskulpturen schufen. Die Futuristen und Surrealisten stellten in ihren Traumlandschaften wieder erkennbare Stillebenobjekte her, um dem Stillleben eine symbolische Bedeutung zu verleihen. In Joan Mirós Stilllebenbildern erscheinen Objekte schwerelos und schweben in einem leicht vorstellbaren zweidimensionalen Raum, und sogar Berge sind als einfache Linien gezeichnet. In Italien war Giorgio Morandi in dieser Zeit der bedeutendste Stilllebenmaler und erforschte eine Vielzahl von Ansätzen, um alltägliche Flaschen und Küchengeräte darzustellen. Der niederländische Künstler MC Escher, bekannt für seine detaillierte, aber mehrdeutige Grafik, schuf Still Life and Street (1937), seine aktualisierte Version des traditionellen niederländischen Tischstilllebens. In England verwendete Eliot Hodgkin Tempera für seine detailreichen Stilllebenbilder.

Als amerikanische Künstler des 20. Jahrhunderts sich der europäischen Moderne bewusst wurden, begannen sie, Stilleben mit einer Kombination aus amerikanischem Realismus und kubistisch inspirierter Abstraktion zu interpretieren. Typisch für die amerikanischen Stilleben dieser Zeit sind die Gemälde von Georgia O’Keeffe, Stuart Davis und Marsden Hartley sowie die Fotografien von Edward Weston. O’Keeffes ultra-closeup Blumenbilder zeigen auf beispiellose Weise sowohl die physische Struktur als auch den emotionalen Subtext von Blütenblättern und Blättern.

In Mexiko haben Frida Kahlo und andere Künstler in den 1930er Jahren eine eigene Marke des Surrealismus kreiert, die in ihren Stillleben Bilder von einheimischen Lebensmitteln und kulturellen Motiven zeigt.

Ab den 1930er Jahren reduzierte der abstrakte Expressionismus das Stillleben stark auf rohe Darstellungen von Form und Farbe, bis in den 1950er Jahren die totale Abstraktion die Kunst dominierte. Pop Art in den 1960er und 1970er Jahren kehrte jedoch den Trend um und schuf eine neue Form des Stilleben. Viel Pop Art (wie Andy Warhols „Campbell’s Soup Cans“) basiert auf dem Stillleben, aber sein wahres Subjekt ist meistens das kommerzialisierte Bild des kommerziellen Produkts, das dargestellt wird, und nicht das physische Stillebenobjekt selbst. Roy Lichtensteins Still Life with Goldfish Bowl (1972) kombiniert die reinen Farben von Matisse mit der Pop-Ikonographie von Warhol. Wayne Thiebauds Lunch Table (1964) zeigt nicht das Mittagessen einer einzelnen Familie, sondern ein Fließband aus standardisierten amerikanischen Lebensmitteln.

Die Neo-Dada-Bewegung, einschließlich Jasper Johns, kehrte zu Duchamps dreidimensionaler Darstellung alltäglicher Haushaltsgegenstände zurück, um ihre eigene Art Stillleben zu schaffen, wie in Johns Painted Bronze (1960) und Fool’s House (1962). Avigdor Arikha, der als Abstraktionist begann, integrierte die Lehren von Piet Mondrian in seine Stilleben wie in sein anderes Werk; Während er sich wieder mit alten Meistertraditionen verband, erreichte er einen modernistischen Formalismus, der in einer Sitzung und im natürlichen Licht arbeitete, wodurch die Thematik oft in einer überraschenden Perspektive auftauchte.

Einen bedeutenden Beitrag zur Entwicklung der Stillebenmalerei im 20. Jahrhundert lieferten russische Künstler, darunter Sergei Ocipov, Viktor Teterin, Evgenia Antipova, Gevork Kotiantz, Sergei Zakharov, Taisia ​​Afonina, Maya Kopitseva und andere.

Im Gegensatz dazu bekräftigte der Aufstieg des Fotorealismus in den 1970er Jahren illusionistische Repräsentation, während Pops Botschaft von der Verschmelzung von Objekt, Bild und kommerzieller Ware beibehalten wurde. Typisch sind in diesem Zusammenhang die Gemälde von Don Eddy und Ralph Goings.

Gemälde des 20. Jahrhunderts

Henri Matisse (1869-1954),Geschirr und Obst (1901), Eremitage, St. Petersburg, Russland	Odilon Redon (1840-1916), Blumen (1903)	Georges Braque (1882-1963), Violine und Kerzenständer (1910), San Francisco Museum of Modern Art	Juan Gris (1887-1927),Nature morte (1913), Museo Thyssen Bornemisza
Marsden Hartley (1877-1943),hübsche Getränke (c. 1916), Brooklyn Museum	Fernand Léger (1881-1955), Stillleben mit einem Bierkrug (1921), Tate	Pablo Picasso, Compotier avec Früchte, Violon et verre (1912)

Ein Stilleben (Plural: Stillleben) ist ein Kunstwerk, das hauptsächlich leblose Gegenstände darstellt, typischerweise alltägliche Gegenstände, die entweder natürlich sind (Nahrung, Blumen, tote Tiere, Pflanzen, Steine, Muscheln, etc.) oder von Menschen gemacht (trinkend Gläser, Bücher, Vasen, Schmuck, Münzen, Pfeifen usw.).

Mit Ursprüngen aus dem Mittelalter und der antiken griechisch-römischen Kunst entwickelte sich die Stillebenmalerei bis Ende des 16. Jahrhunderts zu einer eigenständigen Gattung und professionellen Spezialisierung in der westlichen Malerei und ist seither bedeutend geblieben. Eine Stilleben-Form gibt dem Künstler mehr Freiheit in der Anordnung von Elementen innerhalb einer Komposition als Gemälde anderer Sujets wie Landschaft oder Porträt. Das Stilleben als ein bestimmtes Genre begann mit der niederländischen Malerei des 16. und 17. Jahrhunderts, und das englische Wort Still Life leitet sich vom niederländischen Wort stilleven ab. Frühe Stillleben, besonders vor 1700, enthielten oft religiöse und allegorische Symbolik in Bezug auf die abgebildeten Objekte. Einige moderne Still-Life-Arbeiten durchbrechen die zweidimensionale Barriere und setzen dreidimensionale Mischmedien ein und nutzen Fundstücke, Fotografie, Computergrafik sowie Video und Sound.

Der Begriff umfasst das Malen von toten Tieren, insbesondere Wild. Lebendige gelten als Tierkunst, obwohl sie in der Praxis oft aus toten Modellen gemalt wurden.Die Still-Life-Kategorie teilt auch Gemeinsamkeiten mit zoologischen und vor allem botanischen Illustrationen, wo es erhebliche Überschneidungen zwischen Künstlern gab. Im Allgemeinen umfasst ein Stillleben einen vollständig dargestellten Hintergrund und stellt eher ästhetische als illustrative Anliegen in den Vordergrund.

Das Stilleben war die unterste Stufe in der Hierarchie der Genres, war aber bei Käufern äußerst beliebt. Die Stillebenmalerei umfasst neben dem eigenständigen Stilleben auch andere Malereiformen mit prominenten Stillebenselementen, meist symbolischer Natur, und „Bildern, die sich auf eine Vielzahl von Stillebenselementen stützen, um angeblich ein Stück Leben zu reproduzieren „“. Das Trompe-l’œil-Gemälde, das den Betrachter dazu verleiten soll, zu denken, dass die Szene real ist, ist eine spezialisierte Art des Stillebens, das normalerweise unbelebte und relativ flache Objekte zeigt.