Stillleben im neunzehnten Jahrhundert

Mit dem Aufstieg der europäischen Akademien, allen voran der Académie française, die eine zentrale Rolle in der akademischen Kunst spielte, begann das Stillleben zu fallen. Die Akademien lehrten die Lehre von der „Hierarchie der Genres“ (oder „Hierarchie der Materie“), die festhielt, dass das künstlerische Verdienst eines Gemäldes in erster Linie auf seinem Thema basierte. Im akademischen System bestand die höchste Form der Malerei aus Bildern von historischer, biblischer oder mythologischer Bedeutung, wobei Stilleben in die niedrigste Reihenfolge künstlerischer Anerkennung verbannt waren. Anstatt Stillleben zu verwenden, um die Natur zu verherrlichen, haben einige Künstler, wie John Constable und Camille Corot, Landschaften gewählt, um diesem Zweck zu dienen.

Vincent van Gogh (1853-1890), Sonnenblumen oder Vase mit fünfzehn Sonnenblumen (1888), National Gallery (London)

Als in den 1830er Jahren der Neoklassizismus abnahm, rückte die Genre- und Porträtszene in den Fokus der realistischen und romantischen künstlerischen Revolutionen. Viele der großen Künstler dieser Zeit enthalten Stillleben in ihrem Werk. Die Stilllebengemälde von Francisco Goya, Gustave Courbet und Eugène Delacroix vermitteln eine starke emotionale Strömung und sind weniger auf Genauigkeit und mehr auf Stimmung bedacht. Die Stilllebengemälde von Édouard Manet, die sich an den frühen Stilleben von Chardin orientieren, sind stark tonal und gehen deutlich auf den Impressionismus zu. Henri Fantin-Latour, mit einer traditionelleren Technik, war berühmt für seine exquisiten Blumenbilder und lebte fast ausschließlich Stillleben für Sammler.

Aber erst mit dem endgültigen Niedergang der akademischen Hierarchie in Europa und dem Aufstieg der impressionistischen und postimpressionistischen Maler gelang es, Technik und Farbharmonie über das Thema zu triumphieren, und das Stillleben wurde von den Künstlern noch einmal eifrig praktiziert. In seinem frühen Stilleben zeigt Claude Monet den Einfluss von Fantin-Latour, bricht aber als einer der Ersten die Tradition des dunklen Hintergrunds, den Pierre-Auguste Renoir auch in Stillleben mit Blumenstrauß und Fächer (1871) mit ablegt sein leuchtend orange Hintergrund. Mit dem impressionistischen Stilleben fehlen allegorische und mythologische Inhalte ebenso wie akribisch detaillierte Pinselarbeiten. Impressionisten konzentrierten sich stattdessen auf das Experimentieren mit breiten, abtupfenden Pinselstrichen, Tonwerten und Farbplatzierungen. Die Impressionisten und Post-Impressionisten ließen sich von den Farben der Natur inspirieren, interpretierten aber die Natur mit ihren eigenen Farbharmonien neu, was sich manchmal als überraschend unnatürlich erwies. Wie Gauguin sagte, „Farben haben ihre eigenen Bedeutungen.“ Variationen in der Perspektive sind auch versucht, wie die Verwendung von engen Zuschnitt und hohe Winkel, wie bei Fruit Displayed auf einem Stand von Gustave Caillebotte, ein Gemälde, das zu der Zeit als verspottet wurde Anzeige von Früchten in der Vogelperspektive. “

Hügel der Butter von Antoine Vollon, 1875-85

Vincent van Goghs Gemälde „Sunflowers“ gehören zu den bekanntesten Gemälden des 19. Jahrhunderts. Van Gogh verwendet hauptsächlich gelbe Töne und eher flache Wiedergabe, um einen unvergesslichen Beitrag zur Stilllebengeschichte zu leisten. Sein Still Life with Drawing Board (1889) ist ein Selbstporträt in Stillleben. Van Gogh zeigt viele Gegenstände seines persönlichen Lebens, darunter seine Pfeife, einfaches Essen (Zwiebeln), ein inspirierendes Buch und einen Brief von ihm Bruder, alle auf seinem Tisch ausgebreitet, ohne sein eigenes Bild anwesend. Er malte auch seine eigene Version eines Vanitas-Gemäldes Stillleben mit offener Bibel, Kerze und Buch (1885).

In den Vereinigten Staaten wendeten amerikanische Künstler, die im Ausland ausgebildet wurden, europäische Stile für amerikanische Porträtmalerei und Stillleben an. Charles Willson Peale gründete eine Familie von prominenten amerikanischen Malern und gründete als Hauptführer der amerikanischen Kunstszene eine Gesellschaft zur Ausbildung von Künstlern sowie ein berühmtes Museum für Naturalien. Sein Sohn Raphaelle Peale gehörte zu einer Gruppe von frühen amerikanischen Stilllebenkünstlern, zu der auch John F. Francis, Charles Bird King und John Johnston gehörten. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts führte Martin Johnson Heade die amerikanische Version des Habitat- oder Biotopbildes ein, das Blumen und Vögel in simulierten Außenumgebungen platzierte. Die amerikanischen Trompe-l’œil-Gemälde blühten in dieser Zeit ebenfalls auf, die von John Haberle, William Michael Harnett und John Frederick Peto geschaffen wurden. Peto hat sich auf die nostalgische Wandregalmalerei spezialisiert, während Harnett in seinen Bildfeiern des amerikanischen Lebens durch vertraute Objekte den höchsten Grad an Hyperrealismus erreichte.

Francisco Goya, Stillleben mit Früchten, Flaschen, Brot (1824-1826)

Gemälde des 19. Jahrhunderts

Eugène Delacroix,Stillleben mit Hummer und Trophäen der Jagd und Fischerei (1826-1827), Louvre

Gustave Caillebotte, (1848-1894), Gelbe Rosen in einer Vase (1882), Dallas Museum of Art

Henri Fantin-Latour, (1836-1904), Weiße Rosen, Chrysanthemen in einer Vase, Pfirsiche und Trauben auf einem Tisch mit weißer Tischdecke (1867)

Paul Cézanne (1839-1906), Die schwarze Marmoruhr (1869-1871), Privatsammlung

Mary Cassatt, (1844-1926), Flieder in einem Fenster (1880)

Claude Monet (1840-1926),Stilleben mit Äpfeln und Trauben (1880), Art Institute of Chicago

Édouard Manet (1832-1883), Nelken und Clematis in einer Kristallvase(1883), Musée d’Orsay, Paris

Paul Gauguin, Stillleben mit Äpfeln, eine Birne und ein Keramik-Porträt-Krug (1889), Fogg Museum, Cambridge, Massachusetts

William Harnett (1848-1892), Nach der Jagd(1883)

William Harnett (1848-1892), Stilleben Violine und Musik (1888), Metropolitan Museum of Art, New York City

Darius Cobb (1834-1919), eine Trompe-l’oeil-Komposition aus dem Bürgerkrieg, hier in einem Chromolithographie-Druck

Paul Cézanne, Stillleben mit Cherub (1895), Courtauld Institute Galleries, London

Ein Stilleben (Plural: Stillleben) ist ein Kunstwerk, das hauptsächlich leblose Gegenstände darstellt, typischerweise alltägliche Gegenstände, die entweder natürlich sind (Nahrung, Blumen, tote Tiere, Pflanzen, Steine, Muscheln, etc.) oder von Menschen gemacht (trinkend Gläser, Bücher, Vasen, Schmuck, Münzen, Pfeifen usw.).

Mit Ursprüngen aus dem Mittelalter und der antiken griechisch-römischen Kunst entwickelte sich die Stillebenmalerei bis Ende des 16. Jahrhunderts zu einer eigenständigen Gattung und professionellen Spezialisierung in der westlichen Malerei und ist seither bedeutend geblieben. Eine Stilleben-Form gibt dem Künstler mehr Freiheit in der Anordnung von Elementen innerhalb einer Komposition als Gemälde anderer Sujets wie Landschaft oder Porträt. Das Stilleben als ein bestimmtes Genre begann mit der niederländischen Malerei des 16. und 17. Jahrhunderts, und das englische Wort Still Life leitet sich vom niederländischen Wort stilleven ab. Frühe Stillleben, besonders vor 1700, enthielten oft religiöse und allegorische Symbolik in Bezug auf die abgebildeten Objekte. Einige moderne Still-Life-Arbeiten durchbrechen die zweidimensionale Barriere und setzen dreidimensionale Mischmedien ein und nutzen Fundstücke, Fotografie, Computergrafik sowie Video und Sound.

Der Begriff umfasst das Malen von toten Tieren, insbesondere Wild. Lebendige gelten als Tierkunst, obwohl sie in der Praxis oft aus toten Modellen gemalt wurden.Die Still-Life-Kategorie teilt auch Gemeinsamkeiten mit zoologischen und vor allem botanischen Illustrationen, wo es erhebliche Überschneidungen zwischen Künstlern gab. Im Allgemeinen umfasst ein Stillleben einen vollständig dargestellten Hintergrund und stellt eher ästhetische als illustrative Anliegen in den Vordergrund.

Das Stilleben war die unterste Stufe in der Hierarchie der Genres, war aber bei Käufern äußerst beliebt. Die Stillebenmalerei umfasst neben dem eigenständigen Stilleben auch andere Malereiformen mit prominenten Stillebenselementen, meist symbolischer Natur, und „Bildern, die sich auf eine Vielzahl von Stillebenselementen stützen, um angeblich ein Stück Leben zu reproduzieren „“. Das Trompe-l’œil-Gemälde, das den Betrachter dazu verleiten soll, zu denken, dass die Szene real ist, ist eine spezialisierte Art des Stillebens, das normalerweise unbelebte und relativ flache Objekte zeigt.