Spanische barocke ephemere Architektur

Die ephemere Architektur hatte eine besondere Bedeutung im spanischen Barock, indem sie so viel ästhetische Funktionen erfüllte wie politisch, religiös und sozial. Auf der einen Seite war es ein unentbehrlicher Bestandteil der Unterstützung für architektonische Realisierungen, die in vergänglicher und vergänglicher Weise ausgeführt wurden, was eine Reduzierung der Materialkosten ermöglichte und eine Möglichkeit bot, neue Designs und kühnere und originelle Lösungen des Neuen einzufangen Barockstil., Die in herkömmlichen Konstruktionen nicht möglich waren. Auf der anderen Seite hat seine Vielseitigkeit den Ausdruck einer breiten Palette von Produktionen ermöglicht, die nach ihrer unterschiedlichen Funktionalität gestaltet wurden: Triumphbögen für die Aufnahme von Königen und Aristokraten, Katafalken für religiöse Zeremonien, Grabhügel und verschiedene Szenarien für soziale oder religiöse Handlungen wie das Fest des Corpus oder der Karwoche.

Diese Realisierungen waren früher reich verziert und entwickelten ein ikonographisches Programm, das die Macht der herrschenden Klassen der Zeit, sowohl politischer als auch religiöser Art, betonte: im politischen Bereich hob sie die allmächtige Macht der absolutistischen Monarchie hervor, während die Ordensbrüder in der Religion lobten Dominanz geistig der Gegenreformationskirche. Sie hatten eine hohe Propaganda-Komponente, als Mittel der Prahlerei dieser herrschenden Klassen, so dass sie hauptsächlich auf die Menschen gerichtet waren, die die Empfänger dieser großartigen Zeremonien und Shows waren.

Obwohl es keine materiellen Spuren dieser Art von Arbeiten gab, sind sie dank Zeichnungen und Stichen bekannt, ebenso wie literarische Berichte der Zeit, die sie sehr detailliert beschrieben. Viele Schriftsteller und Chronisten widmeten sich dieser Art von Beschreibungen und entwickelten sogar eine neue literarische Gattung, die „Relationen“.

Der Barock: eine Kultur des Bildes
Die Architektur ist die Kunst und Technik, Gebäude zu bauen, Räume und Volumen mit einem zweckmäßigen Zweck zu entwerfen, hauptsächlich Wohnungen, aber auch verschiedene Konstruktionen von sozialen Zeichen, oder bürgerlichen oder religiösen. Der vom Menschen veränderte Raum wird transmutiert, erschafft einen neuen Sinn, eine neue Wahrnehmung, mit der er eine kulturelle Dimension erhält, während er eine ästhetische Bedeutung erhält, weil er auf intellektuelle und künstlerische Weise wahrgenommen wird Ausdruck der soziokulturellen Werte, die jedem Volk und jeder Kultur innewohnen. Dieser ästhetische Charakter kann Raum eine ephemere Komponente geben, die bei öffentlichen Veranstaltungen und Feiern, Ritualen, Partys, Märkten, Shows, Gottesdiensten, offiziellen Veranstaltungen, politischen Ereignissen usw. verwendet werden kann.

Im Barock gelangten die Künste zu einem Gesamtkunstwerk mit einer theatralischen, szenografischen Ästhetik, die den Glanz der herrschenden Macht (Kirche oder Staat) unterstrich. Das Zusammenwirken aller Künste drückte den Gebrauch der Bildsprache als Mittel der Massenkommunikation aus, verkörpert in einer dynamischen Auffassung von Natur und umgebendem Raum, in einer Bildkultur.

Eine der Haupteigenschaften der barocken Kunst ist ihre illusorische und künstliche Natur: „Einfallsreichtum und Design sind die magische Kunst, durch die man das Auge betrügt, bis man erstaunt ist“ (Gian Lorenzo Bernini). Das Visuelle und Ephemere wurde besonders geschätzt, so dass das Theater und die verschiedenen Genres der darstellenden Künste und Shows Popularität erlangten: Tanz, Pantomime, Musikdrama (Oratorium und Melodram), Puppentheater, Akrobatik, Zirkus, usw. Es gab ein Gefühl, dass die Welt ist ein Theater (theatrum mundi) und das Leben eine theatralische Funktion: „Die ganze Welt ist eine Bühne, und alle Männer und Frauen sind bloße Schauspieler“ (wie es Ihnen gefällt, William Shakespeare, 1599). 3 Auch die anderen Künste, besonders die Architektur, tendierten dazu, dramatisiert zu werden. Es war eine Kunst, die auf der Umkehrung der Wirklichkeit beruhte: in der „Simulation“, indem das Falsche in das Wahre und in die „Verstellung“ verwandelt wurde, das Wahre für das Falsche. Sie zeigen die Dinge nicht so, wie sie sind, aber wie sie es gerne hätten, besonders in der katholischen Welt, wo die Gegenreformation einen geringen Erfolg hatte, da halb Europa an den Protestantismus überging. In der Literatur manifestierte sie sich darin, dem rhetorischen Kunstgriff freien Lauf zu lassen, als ein Mittel propagandistischen Ausdrucks, in dem die Pracht der Sprache die Realität versüßt und auf rhetorische Figuren wie Metapher, Paradox, Hyperbol, Antithese, Hyperbaton, Ellipse zurückgreifen wollte usw. Diese Transposition der Realität, die verzerrt und vergrößert ist, in ihren Proportionen verändert und dem subjektiven Kriterium der Fiktion unterworfen ist, ist auch in das Feld der Malerei übergegangen, wo Verkürzung und illusionistische Perspektive wegen größerer, auffallender Wirkungen missbraucht wird und erstaunlich.

Die barocke Kunst suchte die Schaffung einer alternativen Realität durch Fiktion und Illusion. Diese Tendenz hatte ihren höchsten Ausdruck in der Party und der verspielten Feier: Gebäude wie Kirchen oder Paläste oder ein Viertel oder eine ganze Stadt wurden zu Theatern des Lebens, in Szenarien, in denen Realität und Illusion vermischt waren, wo die Sinne getäuscht wurden Kunstgriff. In diesem Aspekt hatte die Gegenreformationskirche eine besondere Rolle, die durch Pomp und Prunk ihre Überlegenheit gegenüber den protestantischen Kirchen durch Handlungen wie feierliche Messen, Heiligsprechungen, Jubiläen, Prozessionen oder päpstliche Investitur beweisen wollte. Aber ebenso reich waren die Feierlichkeiten der Monarchie und der Aristokratie, mit Ereignissen wie Krönungen, Hochzeiten und königlichen Geburten, Beerdigungen, militärischen Siegen, Besuchen von Botschaftern oder jedem Ereignis, das dem Monarchen erlauben würde, seine Macht einzusetzen, um das Volk zu bewundern. Barocke Partys bedeuteten eine Konjugation aller Künste, von Architektur und plastischen Künsten bis hin zu Poesie, Musik, Tanz, Theater, Pyrotechnik, Blumenarrangements, Wasserspielen usw. Architekten wie Bernini oder Pietro da Cortona oder Alonso Cano und Sebastián Herrera Barnuevoin Spanien Sie trugen ihr Talent zu solchen Veranstaltungen bei und entwarfen Strukturen, Choreographien, Illuminationen und andere Elemente, die oft als Testfeld für ernstere zukünftige Errungenschaften dienten.

Während des Barock zeigte der ornamentale, reich verzierte und verzierte Charakter der Kunst dieser Zeit einen flüchtigen Lebenssinn, der mit dem Memento Mori, dem vergänglichen Wert des Reichtums angesichts der Unausweichlichkeit des Todes, parallel zur Bildgattung der die Vanitas. Dieses Gefühl führte uns dazu, die Vergänglichkeit des Augenblicks auf vitalistische Weise zu schätzen, die leichten Momente der Erholung zu genießen, die das Leben gibt, oder Feiern und feierliche Handlungen. So wurden Geburten, Hochzeiten, Todesfälle, religiöse Handlungen oder königliche Krönungen und andere verspielte oder zeremonielle Handlungen mit einem Pomp und einem Kunstgriff theatralischen Charakters überzogen, wo große Versammlungen ausgearbeitet wurden, die Architektur und Dekorationen vereinigten, um eine eloquente Großartigkeit zu bieten jede Feier, die zu einer Show von fast kathartischem Charakter wurde, wo das illusorische Element, die Abschwächung der Grenze zwischen Realität und Fantasie, besondere Bedeutung erlangte.

Spanische Barockarchitektur
In Spanien warf die Architektur der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts dem Erbe der Herrscher eine strenge und geometrisch einfache, aber unwillkürliche Wirkung vor. Das Barock wurde nach und nach vor allem in der reich verzierten Innenausstattung von Kirchen und Palästen eingeführt, wo sich die Altarbilder zu immer höheren Prachtniveaus entwickelten. In dieser Zeit war Juan Gómez de Mora die herausragendste Figur, mit Errungenschaften wie der Klerus von Salamanca (1617), das Rathaus (1644-1702) und der Plaza Mayor von Madrid (1617-1619). Andere Architekten dieser Zeit waren Alonso Carbonel, Autor des Buen Retiro Palace (1630-1640) oder Pedro Sánchez und Francisco Bautista, Autoren der San Isidro Stiftskirche von Madrid (1620-1664).

In der Mitte des Jahrhunderts gewannen die reichsten Formen und die freiesten und dynamischsten Bände an Boden, mit naturalistischen Dekorationen (Kränze, vegetabile Klammern) oder abstrakten Formen (Formteile und ausgeschnittene Badetöne, meist in einer mixillinearen Form). Zu dieser Zeit lohnt es sich, an die Namen von Pedro de la Torre, José de Villarreal, José del Olmo, Sebastián Herrera Barnuevo und vor allem Alonso Cano, Autor der Fassade der Kathedrale von Granada (1667), zu erinnern.

Zwischen dem Ende des Jahrhunderts und dem Anfang des 18. Jahrhunderts wurde der Churrigueresque-Stil (von den Gebrüdern Churriguera), der sich durch seinen üppigen Dekorativismus und die Verwendung von Solomonischen Säulen auszeichnete, gegeben: José Benito Churriguera war der Autor des Hauptaltars von San Esteban de Salamanca (1692) und die Fassade der Palastkirche von Nuevo Baztán in Madrid (1709-1722); Alberto Churriguera projiziert die Plaza Mayor von Salamanca (1728-1735); und Joaquín Churriguera war der Autor des Colegio de Calatrava (1717) und des Klosters von San Bartolomé (1715) in Salamanca, von plateresken Einfluss. Andere Figuren der Zeit waren: Teodoro Ardemans, Autor der Fassade des Stadtrates von Madrid und das erste Projekt für den Königspalast von La Granja de San Ildefonso (1718-1726); Pedro de Ribera, Autor der Toledo Brücke (1718-1732), der Cuartel del Conde-Duque (1717) und der Fassade der Kirche Nuestra Señora de Montserrat in Madrid (1720); Narciso Tomé, Autor des Transparenten der Kathedrale von Toledo (1721-1734); der deutsche Konrad Rudolf, Autor der Fassade der Kathedrale von Valencia (1703); Jaime Bort, Architekt der Fassade der Kathedrale von Murcia (1736-1753); Vicente Acero, der die Kathedrale von Cádiz (1722-1762) entworfen hat; und Fernando de Casas Novoa, Autor der Fassade des Obradoiro der Kathedrale von Santiago de Compostela (1739-1750).

Das Ephemere in der spanischen barocken Architektur
Die Pracht der ephemeren Architektur fand in der Moderne, in der Renaissance und vor allem in den barocken Epochen der Festigung der absoluten Monarchie statt, als die europäischen Monarchen versuchten, ihre Figur über die ihrer Untertanen zu erheben und auf alle Arten zurückzugreifen von propagandistischen und exaltierenden Akten seiner Macht, in politischen und religiösen Zeremonien oder Feiern von spielerischer Natur, die die Großartigkeit seiner Regierung zeigten.

Es sollte bemerkt werden, dass, obwohl diese Periode ein bestimmter politischer und wirtschaftlicher Niedergang war, im kulturellen Bereich eine große Pracht, das so genannte Goldene Zeitalter, mit einer großartigen Blüte der Literatur und der Künste war. Auf der anderen Seite, obwohl die Monarchie auf dem politischen Gebiet entschieden autoritär war, zeigte die Regierungsform eine starke populistische Komponente; während im religiösen Bereich strenger Glaube mit einer Weltanschauung von realistischer und kritischer Natur kombiniert wurde. Diese Elemente trugen zum Willen einer volksnahen Kunst bei, die auf einfache und direkte Weise die moralischen und ideologischen Aspekte zeigte, die die herrschenden Klassen ihren Untertanen vermitteln wollten. So wurde nach dem Historiker José Antonio Maravall Baroque Kunst und Kultur „geleitet“, da ihr Ziel die Kommunikation war; «Massive», seit es an die Stadt gerichtet war; und „konservativ“, da es versuchte, traditionelle Werte zu verewigen.

Diese Ablenkungen halfen der Bevölkerung, ihre Schwierigkeiten zu bewältigen: Jerónimo de Barrionuevo zufolge „sind diese Divertimentos notwendig, um so viele Widrigkeiten ertragen zu können“. Diese Umgehung der Realität führt Antonio Bonet Correa dazu, diese Periode als „utopischen Raum und Zeit“ zu bezeichnen, da es nicht aufhört, eine vorübergehende Erleichterung für die harte Realität der Mehrheit der Bevölkerung zu sein, die in Elend versunken ist.

Die ephemere Architektur wurde in der Regel mit armen und verderblichen Materialien wie Holz, Pappe, Stoff, Stuck, Zuckerrohr, Papier, Werg, Kalk oder Gips hergestellt, die jedoch durch die Monumentalität der Werke und ihre originellen und phantasievollen Entwürfe, wie z sowie für die Pracht der ornamentalen Dekoration. Sie waren Werke, an denen sowohl Architektur und Bildhauerei, als auch Malerei und dekorative Kunst teilnahmen, und wo die Szenografie besonders wichtig war. Sie konnte sowohl in Gebäuden – allgemein religiösen Tempeln – als auch in den Straßen von Städten durch zahlreiche Bautypologien durchgeführt werden wie Triumphbögen, Schlösser, Säulengänge, Tempel, Katafalk, Pavillons, Galerien, Kolonnaden, Logen, Ädikula, Pyramiden, Obelisken, Sockel, Baldaquinos, Tramoyas, Altäre, Vordächer usw. 16Wichtig waren auch die Skulpturen, Wandteppiche, Stoffe und Gemälde; Letztere stellten oft vorgetäuschte Architekturen oder Landschaften dar, mit der üblichen Darstellung von „Parnassianern“, Reittieren mit Vegetation, Flüssen und Brunnen, in denen Götter, Musen und historische Persönlichkeiten figurierten. Andere dekorative Elemente waren Schüsseln, florale Wandteppiche, Girlanden, Füllhörner, Spiegel, Leuchter, Schilde und Fahnen. Darüber hinaus müssen wir mobile Elemente wie Kutschen oder Schritte von Prozessionen, Entouragen und Comitivas, Maskeraden, Mojigangas, Canes und Autos de fe, sowie andere Elemente wie Feuerwerk, Stierkämpfe, Naumaquias, Turnier- und Kriegssimulationen, Musik, Tanz, Theater und andere Genres der Show.

Das vielleicht emblematischste Element der barocken ephemeren Architektur war der Grabhügel, denn er bedeutete mehr als alles andere die Vorstellung des Vergänglichen, die Vergänglichkeit des Lebens, die sich in die Flüchtigkeit der Partei, der vergänglichen Feierlichkeit verwandelt. Die Beerdigungsblasen stellen ebenso wie die vergängliche Architektur den Zufall, die Leere, die flüchtige Natur der Existenz, die kontrastierende körperliche Zeitlichkeit mit der Unsterblichkeit der Seele dar. Sie sind deshalb häufig in der Dekoration von Hügeln und Katafalk-Verweisen auf den Tod, durch Skelette, Totenköpfe, Sanduhren, Kerzen und andere Elemente, die auf das Ende der menschlichen Existenz hinweisen. Die typologische Entwicklung der Grabhügel wurde von den Katafalk-Denkmälern abgeleitet, die vom manieristischen Renaissancestil zum Katafalk des barocken Plenums mit einem turriformen Grundriss und einem kuppelförmigen Tempel übergegangen sind, der gegen Ende des Barocks in einen Katafalk überging ; bereits am Ende des 18. Jahrhunderts entwickelten sie sich zum Obeliskenkatafalken im neoklassizistischen Stil. Es ist anzumerken, dass die Grabhügel der königlichen Familie vorbehalten waren, bis 1696 Karl II. Seine Öffnung für Mitglieder der Aristokratie und der kirchlichen Hierarchie genehmigte.

Viele Architekten nutzten die ephemere Architektur als Prüfstand für originelle und kühnere Formeln und Lösungen als in der konventionellen Architektur, die sie dann auf stabilen Erkenntnissen testeten, mit denen diese Modalität dem Fortschritt der spanischen Architektur kraftvoll half. Einige der renommiertesten Architekten, wie Juan Gómez de Mora, Pedro de la Torre, José Benito Churriguera, Alonso Cano, José del Olmo und Sebastián Herrera Barnuevo, führten diese Arbeiten durch. Auch bekannte Künstler, wie El Greco, griffen bei der Gestaltung des Grabhügels von Margarete von Österreich-Steiermark (1612) ein; Rubens am Eingang des Kardinalinfanten Ferdinand von Österreich in Antwerpen 1635; Velázquez, in der Dekoration der Hochzeit von Ludwig XIV. Und Maria Theresia von Österreich, auf der Insel der Fasane (1660); oder Murillo, bei der Feier der Unbefleckten Empfängnis in Sevilla (1665).

Jedes Ereignis eignete sich für die kurzlebige Feier: Die Monarchen feierten in jedem ihrer Leben, wie Geburten, Taufen, Onomastik, Hochzeiten, Inthronisierungszeremonien, Städtebesuche, militärische Siege, diplomatische Abmachungen, Beerdigungen usw., in verschwenderischer Weise. In Bezug auf religiöse Feiern, Fronleichnam und Karwoche, mit Prozessionen, Viacrucis, Rogativas, Messen und sakramentalen Autos gefeiert, wo sie große Bühnen für die Feierlichkeiten zu montierten, und zusammen mit den religiösen Prozessionen wurden folklorische Elemente wie Masken hinzugefügt, Mojigones, Fanfaren, Riesen und große Köpfe. Andere Feierlichkeiten wurden durch pünktliche Akte, in der Regel Heiligsprechungen, wie Luis Bertrán 1608, Francisco Javier, Ignacio de Loyola, Isidro Labrador und Teresa de Jesus 1622, Tomás de Villanueva 1658, Francisco de Borja 1671 oder Pascual Baylón 1690 motiviert ; oder Päpstliche Dekrete, wie die Anweisung von Alexander VII, in dem er die Unbefleckte Empfängnis der Jungfrau (1662) anerkannte. Eine besondere Bedeutung hatte die Heiligsprechung von Fernando IIIin 1671, da sie im gleichen Interesse für Kirche und Monarchie agglutinierte und die Werte der herrschenden Klassen des alten Regimes verband.

Die Kommission der Monarchie und der Kirche brachte eine gewisse Unterstützung für die Fachleute der Architektur, der plastischen und dekorativen Künste und des Handwerks mit sich, die in einer Zeit der Wirtschaftskrise, in der es wenig Arbeit auf der bürgerlichen Ebene gab, Arbeitsaufträge erhielten. 28 Auf der anderen Seite erreichte die ephemere Architektur einen Grad an Popularität, der dem Profi, der sie geschaffen hatte, großes Prestige eintrug: So wurde 1689 der Preis für das Begräbnis von Maria Luisa de Orleans verliehen, das ein Fremder bis dahin von José gewann Benito de Churriguera, diente dazu, mit großem Erfolg seine berufliche Karriere zu starten.

Es sollte bemerkt werden, dass von diesen ephemeren Realisierungen keine materiellen Überreste, und sie sind nur durch Stiche und Zeichnungen, und durch schriftliche Rechnungen bekannt sind, die ausführlich alle Details dieser Feiern beschrieben haben. Aus diesen Geschichten entstand ein neues literarisches Genre, die „Relationen“, die Juan Calvete de Estrella, Autor des kaiserlichen Tumulus, mit Geschichten und Zeichen und Epitaphien in Prosa und lateinischen Versen (1559) als Hauptbezugspunkt haben. Diese Literatur war reich an detaillierten Beschreibungen der Ereignisse, die von der Monarchie und der Kirche gefeiert wurden, unter besonderer Betonung der symbolischen Elemente, oft verkörpert in Hieroglyphen und Schilden, deren Mottos, gewöhnlich in Lateinamerika, ins Spanische übersetzt wurden. Auf der anderen Seite hörten diese Chroniken nicht auf, die politischen, sozialen und moralischen Werte zu zeigen, die die mächtigen Charaktere, die diese Pracht förderten, verfochten.

Im achtzehnten Jahrhundert folgten die gleichen festlichen Typologien, da die Bourbonen die gleichen Protokolle und Repertoires von Feiern und Feierlichkeiten pflegten. Die Entwicklung der ephemeren Architekturen war hauptsächlich stilistisch, besonders seit dem ersten Drittel des Jahrhunderts, als die Förderung der Akademie der Schönen Künste von San Fernando die klassizistischen Linien förderte, in einer Bewegung, die als Neoklassizismus getauft werden sollte. Auf der anderen Seite führte der Aufstieg der Aufklärung zur Reduktion des großen religiösen Pomps des gegenreformistischen Zeichens. Die neuen Ereignisse hatten einen didaktischeren Charakter, mit einer klareren Unterscheidung zwischen dem Heiligen und dem Profanen, und Musik und Oper wurden relevanter.

Haupterfolge
Einzug Philipps III. In Lissabon (1619): wurde mit dem Bau von dreizehn von den Zünften der Stadt finanzierten Triumphbögen geehrt, geschmückt mit Göttern und mythologischen Helden, allegorischen Figuren und literarischen Referenzen von klassischen Autoren wie Ovid oder Virgil, oder von Dante und biblischen Texten, zusätzlich zu Schildern und Emblemen symbolischer Natur. Die Bögen zeigten einen architektonischen Stil von manieristischen Reminiszenzen, inspiriert von den Werken von Serlio und Vignola.

Eingang von Mariana von Österreich in Madrid (1649): Es wurde von Alonso Cano geplant, der vier Triumphbögen baute, die den vier Hauptkontinenten und den vier Elementen in dieser Beziehung gewidmet waren: Europa-Luft, Asien-Erde, Afrika-Feuer und Amerika-Wasser. Er baute auch eine edle Fassade in Buen Retiro, auf Sockeln aus Berroque-Stein, mit sechs Säulen der dorischen Ordnung und Gesimse mit Schlössern und Löwen geschmückt. Neben diesem Deckel, auf dem Olivo Brunnen des Alten Prado von San Jerónimo, stieg ein Parnassus Berg mit zwei Gipfeln, einer von Herkules-Sol und einer anderen von Pegasus, mit Apoloin das Zentrum und neun Statuen, die den Musen und Spanische Dichter.

Anerkennung der Unbefleckten Empfängnis in Valencia (1662): Es wurde ein halbes Jahr lang mit Maskeraden und Kavalkaden gefeiert, und überall in der Stadt wurden zeitweilige Altäre errichtet, einige mit Handstäben, die Baumwollflocken nachahmen, die Schnee simulieren und auf die Reinheit der Jungfrau anspielen . Eine der aufwendigsten war die Fakultät für Philosophie, mit Tapisserien und Seiden- und Goldstickereien bedeckt, gekrönt von einer Allegorie des Triumphes der Kirche, flankiert von Papst Alexander VII. Und dem Erzbischof von Valencia, Martín López de Ontiveros.

Feier der Unbefleckten Empfängnis in Sevilla (1665): Es wurde von Bartolomé Esteban Murillo entworfen und in der Kirche Santa María la Blanca gefeiert, an deren Außenseite zwei Triumphbögen angebracht wurden, von denen einer dem Geheimnis der Unbefleckten Empfängnis gewidmet war und ein anderer zum Triumph der Eucharistie, neben einem begrenzten Umfang, der mit Markisen bedeckt ist und von mit marianischen Themen geschmückten Altären besetzt ist. Ein großes Gemälde der Jungfrau von Juan Valdés Leal wurde an die Tür der Kirche gelegt.

Heiligsprechung von Fernando III. (1671): Es wurde in Sevilla gefeiert, eine Stadt, die vom heiligen König zurückerobert wurde, deren Kathedrale von verschiedenen Monumenten und Emblemen von Bernardo Simón de Pineda in Zusammenarbeit mit dem Maler Juan Valdés Leal und dem Bildhauer Pedro Roldán geschmückt wurde . Der gesamte Komplex der Kathedrale von Sevilla wurde mit bemalten Leinwänden dekoriert, darunter die Giralda und der Patio de los Naranjos; alle Kapellen waren verziert, und im Trascoro wurde ein Triumphbogen mit dem Bildnis des Verehrten in der Krone, umgeben von allegorischen Figuren, errichtet; Im Altarbild des Tabernakels befand sich außerdem eine Bühne mit einem Gemälde von Murillo. Diese Denkmälergruppe beeinflusste die Architektur der Zeit, die bis zur Regierungszeit Felipe V. dauerte, als Ausdruck eines ausgesprochen spanischen Barocks mit dynamischen und üppig dekorativen Formen. Es sollte bemerkt werden, dass die Entwürfe für dieses Ereignis in einer „Beziehung“ gedruckt wurden, die von Fernando de la Torre Farfán geschrieben wurde, das als das schönste im spanischen Barock gedruckte Buch betrachtet wird.

Eintritt von Maria Luisa de Orleans in Madrid (1680): Es wurde von Claudio Coello und José Jiménez Donoso mit Hilfe von Matías de Torres und Francisco Solís unter anderen Malern, José Ratés und José Acedo in der Architektur und Pedro Alonso de los Ríos organisiert , Enrique von Cardona und Mateo Rodríguez, verantwortlich für Bildhauerarbeiten, unter vielen anderen Künstlern. Fünf Triumphbögen wurden in der Straße des Prado, Italienisch, Puerta del Sol, Puerta de Guadalajara und Santa María, zusammen mit Porticos, Brunnen und dekorativen Skulpturen im Retiro, San Felipe, Plaza de la Villa und Plaza de Palacio errichtet. Alle Elemente waren sehr ornamental verziert, in einer Apotheose des dekorativsten Barocks mit vielen Pflanzen- und Steinmotiven.

Catafalque von Maria Luisa de Orleans in Madrid (1689): Werk von José Benito de Churriguera, dessen Entwurf bis ins 18. Jahrhundert als Vorbild für Grabhügel diente. Es befand sich in der Kirche des Real Monasterio de la Encarnación in Madrid, und es wurde von einer hohen Plattform mit vier Stufen gebildet, auf der sich zwei Körper mit einem üppigen Dekor aus Leisten, Blattwerk, Teer und Stielen, sowie als diverse Skulpturen von allegorischen Figuren und Bildern von Verstorbenen.

Catafalco von Carlos II in Barcelona (1700): Werk von Josep Vives, war ein turriforme Hügel mit einer Ochavada Basis mit Schilden von Adlern und Löwen, auf denen stieg eine abgestufte Pyramide mit Schädeln und Schriftrollen geschmückt und gekrönt von einem Baldachin mit sechseckigen die echten Embleme. Das ikonographische Programm bestand aus Allegorien der hispanischen Königreiche (Kastilien, Aragonien, Katalonien, Indien, Mailand, Neapel, Sizilien, Flandern), den vier Kontinenten (Europa, Amerika, Afrika, Asien), den vier Hauptflüssen der Iberischen Halbinsel ( Ebro, Duero, Tajo, Guadalquivir), die theologischen Tugenden (Faith, Hope, Charity) und Kardinäle (Prudence, Justice, Fortitude, Temperance), der Victoria and the Phoenix Bird.

Tumulus von Luis XIV in Barcelona (1715): Werk von Josep Vives, hatte quadratische Pflanze mit Sockeln in den Winkeln, gekrönt mit Statuen, Schriftrollen und Blütchen, die Tugenden mit Engeln darstellend, die ein Porträt des Verstorbenen trugen, alle von einem Baldachin gekrönt mit der Königskrone.

Einzug von Felipe V. in Sevilla (1729): feierte die Ankunft des Monarchen, der die andalusische Stadt fünf Jahre lang zum Sitz des Hofes machte. Die Stadt war mit Wandbehängen, Gemälden und Wandteppichen und verschiedenen Gebäuden wie Pyramiden und Triumphbögen, Statuen mythologischer Helden, Säulen des Herkules mit einem Löwen, der Wasser durch den Mund warf, und einem Koloss von Rhodos, an dem er vorbeikam, geschmückt ein Boot.

Die Ernennung des Kardinals Luis de Borbón (1742) durch den Erzbischof fand in Sevilla statt, wo eine Maskerade und eine Parade geschmückter Wagen organisiert wurden, sowie ein Feuerwerk, die Erleuchtung der Giralda und das Austreiben von Wein aus den Palastbrunnen für drei Tage bischöflich.

Catafalque von Felipe V in Madrid (1746): Werk von Juan Bautista Sacchetti, präsentiert einen Keller mit zwei Treppen mit Balustraden, die die Figuren von Neptun und Kybele darstellen, auf denen ein Tempel von Luft und durchsichtiger Aspekt, mit Skeletten geschmückt stand. Inspiriert von den Arbeiten der italienischen Familie der Bühnenbildner Galli Bibbiena, ist sein Stil in eine klassischere barocke und internationale Filiation eingebettet, die sich vom hispanischen Barock des vorigen Jahrhunderts ablöst.

Grab von Felipe V in Cervera (1746): Werk von Pere Costa, wurde in der Kapelle der Universität von Cervera errichtet. Es hatte eine achteckige Basis, an deren Seiten einige Pyramiden mit Allegorien der Theologie, des Kirchenrechts, der Philosophie und der Mathematik standen; auf dem Gesims waren Zivilrecht, Medizin, Poesie und Rhetorik vertreten; in der Krönung gab es eine Gestalt des Todes, der Kronen und Zepter bekämpfte, und ein Schild mit der Inschrift Philippi quod potui rapui, anklingend für diesen Tod, ergriff seine Sterblichkeit, aber nicht seine unsterblichen Taten.

Proklamation von Fernando VI. In Sevilla (1747): Es wurde mit einer Prozession von acht geschmückten Kutschen gefeiert, die aus Holz gefertigt und mit Stuck bedeckt und in hellen Farben dekoriert waren. Das erste Auto war die Proklamation der Maske, gefolgt von der gemeinsamen Freude, vier den vier Elementen gewidmet, dem Apollo und dem der Könige, die die Porträts der neuen Monarchen trugen.

Ankunft von Carlos III in Barcelona (1759): Für die Ankunft im Hafen wurden eine Brücke, eine Treppe und ein Triumphbogen mit Figuren der Meeresmythologie und astrologischen Allegorien errichtet. Dann gab es mehrere Bögen mit Darstellungen der Geschichte der Stadt, die von Herkules auf seine mythische Grundlage anspielten. In der Lonja de Mar wurde ein großer Bildschirm aufgestellt, der das Sonnensystem darstellt und den König zum Zentrum des Universums machte. Es gab auch eine Maskerade und eine Prozession von fünf Autos, die für drei Nächte die Stadt bereisten und mit einer Rokokoästhetik geschmückt waren.

Ankunft von Carlos III in Madrid (1759): Verschiedene Bauten wurden vom damaligen Modeschöpfer Ventura Rodríguez in Zusammenarbeit mit dem Bildhauer Felipe de Castro gebaut; Die Inschriften der Schmuckstoffe stammen von Pedro Rodríguez de Campomanes und Vicente Antonio García de la Huerta. Die Straßen Madrids waren mit Wandteppichen und Wandbehängen geschmückt, mit leuchtenden Farben wie Gold, Pastellblau und Lapislazuli; in der Puerta del Sol wurde ein Rotondo-Tempel (Tholos) errichtet, mit Nachbildungen von Jaspis für die Säulen, aus Bronze in Sockeln und Kapitellen und aus Marmor in Gesimsen und Sockeln; In der Carretas-Straße wurde ein Triumphbogen errichtet, der mit Reliefs und Trophäen geschmückt war; Ein weiterer Bogen wurde in der Hauptstraße aufgestellt, mit Darstellungen, die auf die Frömmigkeit und Freigebigkeit des Königs anspielten, neben einer doppelten Galerie zusammengesetzter Ordnung, die dem neuen Monarchen für die Aussetzung der Steuerschulden dankte. Alle diese Ornamente wurden in einem nüchterneren Stil als gewöhnlich entworfen und weisen jetzt auf den Neoklassizismus des Endes des Jahrhunderts hin, obwohl seine Konzeption noch im Grunde Barock war.

Grabmal der Königin Maria Amalia von Sachsen in Barcelona (1761): in der Kathedrale gefertigt, war es das Werk von Manuel und Francesc Tramulles. An der Fassade wurde ein barockes Portal mit Totenkopfzeichen und Symbolen angebracht, sowie eine Allegorie von Katalonien in Trauer. Im Inneren wurden Schilde der Königreiche der hispanischen Monarchie, Sachsen und der vier Kontinente gelegt. Im Trascoro wurde ein Portal mit einer Allegorie von Barcelona in Form einer weinenden Nymphe aufgestellt. Schließlich wurde zwischen dem Chor und dem Presbyterium ein Mausoleum errichtet, das einen niedrigen Körper mit Allegorien von Tarragona, Tortosa, Lleida, Gerona, Vich, Manresa, Mataró und Cervera zeigte; in den Intercolumniums waren Skulpturen von Schmerz, Liebe, Loyalität und Dankbarkeit und in der Mitte der königliche Sarg mit Zepter und Krone; im zweiten Körper saßen Skulpturen von Großzügigkeit, Beständigkeit, Intelligenz und Gehorsam; im Oberkörper, Nächstenliebe, Religion, Demut, Gebet und, in der Mitte, Barcelona; schließlich, in der Krönung, Ewiges Glück.