Skandinavisches Design

Skandinavisches Design ist eine Designbewegung, die sich durch Einfachheit, Minimalismus und Funktionalität auszeichnet, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts entstanden und in den fünfziger Jahren in den fünf nordischen Ländern Dänemark, Finnland, Island, Norwegen und Schweden florierten.

Überblick
Im Jahr 1914 lancierte die dänische Selskabet für Dekorativ Kunst das Magazin Skønvirke (da). Sein Titel wurde zum Namen eines neuen dänischen Kunststils, der mit Jugendstil und Jugendstil konkurrieren sollte.

Ab den 1930er Jahren Designer wie Alvar Aalto (Möbel, Textilien), Arne Jacobsen (Stühle), Borge Mogensen (Möbel), Hans J. Wegner (Stühle), Verner Panton (Plastikstühle), Poul Henningsen (Lampen) und Maija Isola (bedruckte Textilien) hat dazu beigetragen, ein „goldenes Zeitalter des skandinavischen Designs“ zu schaffen.

Der Linning-Preis, der zwischen 1951 und 1970 an herausragende skandinavische Designer verliehen wurde, trug wesentlich dazu bei, skandinavisches Design zu einem anerkannten Gebrauchsgegenstand zu machen und sein Profil zu definieren.

1954 veranstaltete das Brooklyn Museum seine Ausstellung „Design in Scandinavia“, und in Amerika begann eine Mode für „Scandinavian Modern“ Möbel. Skandinavisches Design ist keineswegs auf Möbel und Haushaltswaren beschränkt. Es wurde auf Industriedesign, wie von Unterhaltungselektronik, Mobiltelefonen und Autos angewendet.

Das Konzept des skandinavischen Designs ist seit den 1950er Jahren Gegenstand wissenschaftlicher Debatten, Ausstellungen und Marketing-Agenden. Viele betonen die demokratischen Designideale, die ein zentrales Thema der Bewegung waren und sich in der Rhetorik um das zeitgenössische skandinavische und internationale Design widerspiegeln. Andere hingegen haben die Rezeption des skandinavischen Designs im Ausland analysiert und darin eine Form von Mythenbildung und Rassenpolitik gesehen.

In den skandinavischen Ländern

Dänemark-Design
Danish Design ist ein Stil des funktionalistischen Designs und der Architektur, der Mitte des 20. Jahrhunderts entwickelt wurde. Beeinflusst von der deutschen Bauhausschule nutzten viele dänische Designer die neuen industriellen Technologien, kombiniert mit Ideen der Einfachheit und des Funktionalismus, um Gebäude, Möbel und Haushaltsgegenstände zu entwerfen, von denen viele ikonisch geworden sind und noch immer in Gebrauch und Produktion sind, wie Arne Jacobsens 1958 Egg Chair und Poul Henningsens 1926 PH-Lampen. Nach dem Zweiten Weltkrieg waren die Bedingungen in Dänemark ideal für den Erfolg im Design. Der Schwerpunkt lag auf Möbeln, aber auch Architektur, Silber, Keramik, Glas und Textilien profitierten vom Trend. Die späte Industrialisierung Dänemarks in Verbindung mit einer Tradition hochwertigen Handwerks bildete die Grundlage für den allmählichen Fortschritt der industriellen Produktion.

Der Ausgangspunkt dieser Richtung des Designs ist traditionell mit der mittelalterlichen Tradition verbunden – die grundlegenden Institutionen wurden im XVI Jahrhundert gebildet, als die grundlegenden Handwerkszünfte geschaffen wurden. Nichtsdestotrotz wurden die wichtigsten Gestaltungsmerkmale in Dänemark durch die neue künstlerische Tradition des 20. Jahrhunderts beeinflusst: der modernistische Stil und dann – Funktionalismus, internationaler Stil, Modernismus und die Bauhaus-Tradition. Das dänische Design, dessen direkte Referenz als Tätigkeit der 1775 gegründeten Königlichen Porzellanmanufaktur Royal Copenhagen gilt, erfuhr einen starken Einfluss der neoklassizistischen und romantischen Tradition. Die Bewegung des Kunsthandwerks stand auch in enger Verbindung mit der dänischen künstlerischen Idee, ihren ideologischen und alltäglichen Traditionen.

Eines der Gestaltungsmerkmale der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts in Dänemark ist die Kombination der Tradition des Klassizismus, der Bewegung des Kunsthandwerks, der Moderne und der Moderne. Eines der Beispiele für diese Richtung ist die Arbeit von George Jensen. Die Entwicklung neuer Formen und eines neuen Stils im dänischen Design ist mit der Tätigkeit der Zeitschrift Kritisk Revy verbunden, die zur Verbreitung von Ideen der Moderne, des Konstruktivismus und des Bauhauses beitrug.

Das Design der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts ist mit einer konsequenten Integration in das internationale System verbunden. Die dänische Tradition der 1950er bis 1970er Jahre ist die Verwendung von stromlinienförmigen Formen (Arne Jacobsen), neuen Materialien (Werner Penton) und neuen technologischen Systemen (Bang & Olufsen). Wie viele Anhänger des internationalen Stils haben Vertreter des dänischen Designs das Objekt und die Sache als die Quintessenz des Konzepts und der Idee wahrgenommen. Eines der Hauptmerkmale des dänischen Designs kann die aufmerksame Einstellung zu Materialien und der Wunsch sein, ihre physischen Eigenschaften zu demonstrieren (zum Beispiel der Sessel von Ant Arne Jacobsen). Diese Tradition des Materialempfindens in der Mitte des 20. Jahrhunderts wurde auf neue Objekte und Texturen übertragen, insbesondere auf Kunststoff, Glas und Metall.

Kai Boyesen
Hans Wegner
Nils Gammelgard
Nanna Dietzel
Georg Jensen
Kaare Clint
Arnold Krogh
Borghe Mogensen
Werner Panton
Paul Henningsen
Fritz Hansen
Alfred Homann
Finn Jul
Arne Jacobsen
Bang & Olufsen
BoConcept
Royal Kopenhagen

Finnland Design
Finnisches Design umfasst Kleidung, Design, Möbel, Glas, Beleuchtung, Textilien und Haushaltsprodukte. Die Marke „Design from Finland“ wurde 2011 ins Leben gerufen. Das finnische Design Museum (ehemals Museum für Kunst und Design) hat eine Sammlung, die 1873 gegründet wurde, während die 1871 gegründete Universität für Kunst und Design Helsinkis Teil der Aalto Universität ist .

Der Ursprung und Aufstieg des finnischen Designs ist mit dem Phänomen der Nationalromantik verbunden, das sich in den XIX – frühen XX Jahrhunderten entwickelte. Die Veröffentlichung von Kalevala durch Elias Lennrot im Jahr 1835, der Einfluss der schwedischen Architektur in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts und die Erlangung der Unabhängigkeit im Jahr 1917 schuf die Voraussetzungen für die Bildung einer nationalen Kunstschule im Bereich des Designs. Die Besonderheit der finnischen Schule ist die Kombination der nationalen Tradition und der Prinzipien der internationalen Architekturlehre. In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts wurde das finnische Design von den Ideen der Moderne geprägt. Insbesondere Alvar Aaltos Arbeiten nahmen an der wegweisenden Ausstellung „Modern Architecture: International Exhibition“ teil, die 1932 im New Yorker Museum of Modern Art stattfand und in der Tat der Entwicklung des internationalen Stils Auftrieb gab. Finnland hat sich sowohl hinsichtlich der Verbreitung des internationalen Stils als auch hinsichtlich der Entwicklung des Designs im Allgemeinen zu einem der wichtigsten Länder entwickelt. Klassisches finnisches Design kombiniert Elemente der traditionellen Kultur (Timo Sarpaneva), natürliche Motive (Tapio Virkkala) und Prinzipien des internationalen funktionalen und minimalistischen Designs (Alvar Aalto).

In der Nachkriegszeit war die Entwicklung des Designs in Finnland Teil eines groß angelegten staatlichen Programms zur Unterstützung und Förderung der nationalen Kultur. 1951 gilt als das Jahr des sogenannten „Milan Miracle“: Das finnische Design wurde bei der 9. Mailänder Triennale und führenden Designausstellungen umfassend präsentiert. Auf der zehnten Triennale in Mailand wurde der finnische Stand 1954 von Tapio Virkkala entworfen, der eine breite Palette von Werken aus einer Vielzahl von Materialien zeigte und sich auf den „skulpturalen“ Charakter des finnischen Designs konzentrierte. Vor allem finnische Glasmacher-Designer haben viel für Glasbläsereien in Murano gearbeitet. Angewandtes und häusliches finnisches Design beanspruchte den Status eines künstlerischen Objekts. Jedes Thema wurde nicht einfach als ein zweckmäßiges Objekt von Utensilien betrachtet, sondern als eine Verkörperung einer künstlerischen Idee. Die Periode 1960-1970-er gilt als das „goldene Zeitalter“ des finnischen Designs.

Alvar Aalto
Aino Aalto
Eero Aarnio
Tapio Virkkala
Maria Izola
Inkeri Leio
Antti Nurmesniemi
Eliel Saarinen
Timo Sarpaniewa
Ilmari Tapiovaara
Oywa Toikka
Kai Frank
Klaus Haapaniemi
Kurt Ekholm
Wütende Vögel
Arabien
Artek
Fiskars
Iittala
Marimekko
Nokia

Island Design
Design in Island ist eine relativ junge Tradition, die in den 1950er Jahren begann, aber jetzt schnell wächst. Die begrenzten Möglichkeiten des Landes für die Herstellung und die beschränkte Auswahl an Materialien haben die Designer dazu gezwungen, innovativ zu sein, obwohl Wolle ein Stapelmaterial bleibt, egal ob gefilzt oder gestrickt. Islands Museum für Design und angewandte Kunst mit dem Ziel, isländisches Design ab 1900 aufzuzeichnen, wurde 1998 eröffnet. Die isländische Kunstakademie wurde 1998 gegründet, bald darauf folgte die Fakultät für Architektur und Design, die einen unverwechselbaren isländischen Charakter förderte im Design der Nation.

Die Besonderheit des isländischen Designs liegt in seiner späten Entwicklung. Island hat praktisch nicht an der Bildung von künstlerischen Ideen des frühen zwanzigsten Jahrhunderts teilgenommen. Aufgrund der Tatsache, dass das Land eine der isoliertesten Positionen unter allen skandinavischen Ländern einnimmt, hat es praktisch nicht am konsistenten künstlerischen Prozess der kontinentalen Staaten teilgenommen. Bis zur Mitte des zwanzigsten Jahrhunderts blieb Island Teil Dänemarks und erlangte erst 1944 die Unabhängigkeit. Von grundlegender Bedeutung für die Entwicklung des Designs in Island war die Eröffnung der Kunstgewerbeschule in Reykjavik im Jahr 1939. Die Besonderheit des isländischen Designs ist seine spezifische Haltung gegenüber der Moderne. Elemente der neuen Richtung erschienen in Island zu einer Zeit, als der internationale Stil tatsächlich schon ein etabliertes Phänomen war. Die Bekanntschaft mit der Moderne fiel mit dem Erreichen der Unabhängigkeit zusammen. Teilweise wurde der Modernismus in Island daher als Symbol nationaler Freiheit und Identität wahrgenommen und nicht als Zeichen kosmopolitischer Kunstdoktrin.

Die Besonderheit des isländischen Designs ist der Mangel und die begrenzte Verwendung neuer Materialien (wie Glas, Plastik, Stahl) und ein gesteigertes Interesse an natürlichen Rohstoffen: vulkanisches Glas, gefrorene Lava, roher Stein. Im Hinblick auf die Unterstützung und Entwicklung der nationalen angewandten Schule in den 1950er und 1960er Jahren wurden Möbelimporte auf der Insel verboten. Seit den 1990er Jahren liegt der Schwerpunkt auf der Entwicklung von Grafik- und Computerdesign.

Ludwig Gudmundsson
Einar Jounsson
Gunnar Magnusson
Jonas Solmundsson
Helgi Halgrimsson
Valdis Harrisdottir

Norwegen Design
Norwegisches Design hat eine starke minimalistische Ästhetik. Entworfene Gegenstände umfassen Lampen und Möbel. Zu den hervorgehobenen Eigenschaften gehören Haltbarkeit, Schönheit, Funktionalität, Einfachheit und natürliche Formen.

Das norwegische Zentrum für Design und Architektur, „DogA“, ist in einem ehemaligen Umspannwerk in Oslo untergebracht. Norwegen veranstaltet jährlich eine Designausstellung mit dem Titel „100% Norway“ auf der London Design Fair.

Die Besonderheit des norwegischen Designs ist eine ungewöhnliche Position sowohl in Bezug auf internationale künstlerische Tendenzen als auch auf die lokale Kunsttradition. Das norwegische System setzte das Leben von großen Gehöften voraus, die von der Außenwelt isoliert und gleichzeitig mit allem Notwendigen versorgt waren. Die Besonderheit Norwegens ist eine Kombination aus harten Lebensbedingungen und Komfort, die die nationale Tradition mit den Prinzipien des internationalen Designs verbindet.

Die Besonderheit der norwegischen Kultur ist die fortwährende Aufmerksamkeit für die Bewegung von Kunst und Handwerk, verbunden mit den Ideen der Nationalromantik, sowie das stete Interesse am modernistischen Stil, der in Norwegen Ähnlichkeiten mit dem mittelalterlichen „Tierstil“ (dem so „Norwegischer“ Drachenstil „).

Wichtig für die spezifische Entwicklung des norwegischen Designs wurde 1918 von der Norwegischen Designers Union (LNB) gegründet, die die Tradition des nationalen Handwerks und nicht die Prinzipien des internationalen Stils unterstützte und entwickelte. Die Aktivitäten der Gewerkschaft prägten das gesamte System der Designschule in Norwegen, das sich auf die Bewahrung traditioneller Formen konzentrierte und nicht auf die Pflege und Entwicklung des internationalen Designkonzepts.

David Andersen
Gustav Gaudernak
Willie Johansson
Gerhard Munthe
Peter Opsvik
Greta Pritz
Frida Hansen
Tias Eckhoff
Hadeland
Porsgrund

Schweden Design
Schwedisches Design gilt als minimalistisch, mit einem Schwerpunkt auf Funktionalität und einfachen, klaren Linien. Dies gilt insbesondere für Möbel. Schweden ist bekannt für traditionelles Handwerk einschließlich Glas und Sami Handwerk. Das schwedische Design wurde von Anders Beckman (Grafik), Bruno Mathsson (Möbel), Märta Måås-Fjetterström und Astrid Sippe (Textil) und Sixten Sason (Industrie) entwickelt. Organisationen, die Design in Schweden fördern, sind Svensk Form, die schwedische Gesellschaft für Kunsthandwerk und Design, gegründet 1845; die schwedische Stiftung für Industriedesign, bekannt als SVID; der schwedische Arts Council; und das schwedische Zentrum für Architektur und Design (bekannt als ArkDes) auf der Insel Skeppsholmen in Stockholm, neben dem Museum für moderne Kunst.

Die Ideen des schwedischen Designs sind mit dem von Max Weber formulierten Konzept der protestantischen Ethik verbunden. Diese ideologische Doktrin setzt Strenge, Zurückhaltung voraus und betrachtet ehrliche und würdige bezahlte Arbeit als Teil der religiösen Identifikation. Der Ausgangspunkt des schwedischen Designs ist die Zeit der Symbolik und Modernität, als sich in Schweden eine eigene künstlerische Sprache unter dem Einfluss der nationalen Schule des Klassizismus, der Romantik, der Sentimentalität, des Impressionismus und der schwedischen Symboltradition bildete. Der bedeutendste und einflussreichste Künstler dieser Zeit kann Karl Larsson sein.

Das schwedische Design geht von den Vorteilen eines sicheren, nachhaltigen, aber nicht provozierenden Lebensstandards aus. Die Designtradition Schwedens im zwanzigsten Jahrhundert ist die Kombination von Ideen der Bewegung von Kunst und Handwerk mit seiner Idee von Wohnkomfort und einer radikalen minimalistischen Tradition der Moderne. Für Schweden ist Design zu einer Form der nationalen Identität geworden, eine Art, einen nationalen Charakter zu schaffen und zum Ausdruck zu bringen, der seine eigenen Besonderheiten aufweist und gleichzeitig im System der europäischen Werte enthalten ist.

Gunnar Asplund
Gunnar Wennerberg
Björn Dahlström
Karl Larsson
Ingeborg Lundin
Bruno Matsson
Sigurd Persson
Ingaherd Raman
Sixten Sason
A & E Design
Ericsson
Electrolux
Gustavsberg
Hasselblad
IKEA
Volvo