Mit der Ausstellung „Die große Zeit ist aus dem Ruder gelaufen“, die einen umfassenden Prozess der Transformation, Reorganisation und Neuordnung ihrer Sammlungen zum Abschluss brachte, wurde ein neues Kapitel in der Geschichte der Nationalgalerie für moderne und zeitgenössische Kunst aufgeschlagen. Die noch öffentlich zugängliche Ausstellung hat im Laufe der Zeit eine Reihe von Veränderungen erfahren (Varianten, Ergänzungen und Ersetzungen von Werken), die durch Änderung der Morphologie der Ausstellung ein Projekt ans Licht gebracht haben, das seitdem von Anfang an konzipiert wurde kontinuierliche Modulation. In der bevorstehenden Veröffentlichung der Publikation „Time is Out of Joint“ (die durch die gleichnamige Ausstellung „Après Coup“ die fruchtbare Arbeit der Transformation von Raum und Sammlung begründet) wird das neue Projekt „Joint is Out of Time“ wiedereröffnet.

Die in verschiedenen Räumen der Galerie verbreiteten Werke von E lena Damiani, Fernanda Fragateiro, Francesco Gennari, Roni Horn, Giulio Paolini und Jan Vercruysse sind in die bereits existierende Darstellung der Entstehung einer beispiellosen Konstellation eingelegt, deren Design sich einschreiben zu können scheint Das Korpus der Zeit ist nicht mehr gemeinsam. Das Ziel des neuen Projekts, das im engen Dialog mit den eingeladenen Künstlern durchgeführt wird, ist es, eine „Ausstellung“ in der bereits gebauten Lesbarkeit als eine Art Variation im Verlauf der Arbeit zu erstellen und in einen Kontext zu passen und ihn zu gestalten. “ Resonanz ‚, verschiedene und komplementäre Farben und Schattierungen hinzufügen. Daher die Besonderheit eines Ausstellungsformats, das paradoxerweise seinen Wert aus der Verschmelzung mit dem Layout zieht, in dem es sich befindet.

Die komplexe Operation, die Time is Out of Joint mit Joint is Out of Time verbindet und explizit durch die Umkehrung der im Titel ausgedrückten Begriffe unterstrichen wird, führt (durch eine Art Doppelbindung) dazu, dass eine disjunktive Beziehung zwischen zwei Projekten hergestellt wird, die das gebührende Proportionen werden als autonome, aber untrennbare Momente eines einzelnen Prozesses konfiguriert: zwei gleichzeitige Momente einer Operation, die darauf abzielen, auf einer Seite die Reserve der Zukunft hervorzuheben, die von der prestigeträchtigen Sammlung der Galerie und auf der einen Seite bewacht wird andere die tiefgreifende Wirkung der Erinnerung an die Kunstgeschichte, die die neuen ausgestellten Werke belebt.

Dank der Zusammenarbeit mit der Akademie der bildenden Künste in Rom werden im Rahmen eines Kulturvermittlungsprojekts Studenten in den Ausstellungsräumen der Galerie anwesend sein, um die öffentlichen Führungen und Informationen zur Ausstellung für die Dauer des Joint in Out of Time anzubieten.

Raum 8
Gärtnerzimmer
Der Raum ist impressionistischen Künstlern und jenen Malern gewidmet, die mit dem Namen der Pariser Schule versehen werden können. Daher gehören auch die Italiener dazu, die Ende des Jahrhunderts nach Paris gezogen sind und heute als Welthauptstadt der Kunst gelten.

Der Impressionismus basiert auf der Möglichkeit, durch die Farbe die Eindrücke aus der Realität zu machen, wobei die Landschaft bevorzugt wird; Aus diesem Grund malen sie lieber im Freien und fixieren die durch die Realität von Lichtern und Farben hervorgerufenen Eindrücke mit schnellen Pinselstrichen auf der Leinwand, ohne einem vorher festgelegten und zuvor gezeichneten Design zu folgen.

Das Geburtsdatum ist der 15. April 1874, wenn Monet, Renoir, Sisley, Degas, Morisot und andere vom Fotografen Nadar ausstellen. Es handelte sich um Gemälde im Freien, die an den Ufern der Seine ausgeführt wurden, unterstützt durch die Fortschritte in der Chemie, die die Ölfarben in Röhren hervorgebracht hatten, die außerhalb des Ateliers leicht zu verwenden waren. Die Ausstellung war ein völliger Misserfolg der Kritik. Impressionismus war der Begriff, den ein Kritiker vor Claude Monets Gemälde schuf: „Impression: Soleil Levante“, um seine Mängel, seine Kompositionsstörung hervorzuheben.

Traditionell ist Claude Monet der initiierende Künstler, während Paul Cézanne seine Erfahrung mit der Erschließung neuer Wege abschließt. In diesem Raum befinden sich die drei Gemälde im Zentrum eines sensationellen Diebstahls, der im Mai 1998 in der Galerie stattfand: Am Abend des 19. „Il Gardener“ und „L’Arlesiana“ von Vincent van Gogh und „Le Cabanon de Jourdan“ wurden Paul Cézanne gestohlen. Die Geschichte des Raubüberfalls wird ausführlich in dem von Francesco Pellegrino signierten Buch „22 Uhr, Diebstahl in der Galerie“ und mit der Einführung von Walter Veltroni beschrieben.

Raum 9
Halle von Giordano Bruno
Die Halle öffnet den Teil der Galerie, der der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts gewidmet ist, oder vielmehr den Werken, die nach 1883, dem Gründungsjahr des Museums, entstanden sind.

Der Salon möchte das Epos des Risorgimento mit den großen Gemälden von Fattori und Cammarano über die vom jungen Einheitsstaat in Auftrag gegebenen Schlachten feiern und mit der Leinwand auf Dogali über die kolonialen Ambitionen Italiens der damaligen Zeit sprechen, während er mit den Emigranten malt von Adolfo Tommasi sehen sich Künstler auch mit den neuen sozialen Problemen konfrontiert, die in diesen Jahren auftreten. Im Zentrum möchte die Besetzung der Statue von Giordano Bruno von Ettore Ferrari der radikalsten Komponente unseres Risorgimento huldigen.

Raum 10
Mutterzimmer
Der Raum ist den Toskanern in der Zeit nach den Macchiaioli gewidmet. Es hat seinen Namen von der Statue in der Mitte, die das Werk eines theoretischen Künstlers der gerade erwähnten Bewegung ist.

Raum 11
Abstimmungsraum
Der Raum hat seinen Namen von der großen Leinwand von: Francesco Paolo Michetti, The Vow, 1883.

Es stellt das Fest von San Pantaleone dar, dem Schutzpatron von Miglianico (in den Abruzzen), das zwischen 1881 und 1883 erbaut wurde. Es wurde zur großen Attraktion der Internationalen Ausstellung von Rom im Jahr 1887 und löste eine lebhafte Debatte aus, insbesondere wegen des rohen Realismus, der sehr weit von seinem entfernt war frühere Fächer. Die Leinwand ist ein origineller Ausdruck der realistischen Bewegung, die sich in jenen Jahren auch im literarischen Bereich mit I Malavoglia di Verga (1881) manifestierte.

Francesco Paolo Michetti (Tocco Causaria, Pescara 1851 – Francavilla al Mare, Chieti 1929) wurde in Neapel an der Accademia bei Morelli und Filippo Palizzi ausgebildet, die ihn ermutigten, aus dem Leben in den Abruzzen zu arbeiten. Er lernte D’Annunzio kennen und studierte eingehend die Umwelt und die Bräuche der Abruzzen. Michettis Arbeit, die einst ein Thema unverhältnismäßiger Begeisterung war, wurde bald wieder an die Grenzen gebracht, die durch üppigen und oberflächlichen Deskriptivismus gekennzeichnet waren. Aus der Encyclopaedia dell’Arte, 2002 Garzanti.
Als die Sammlungen der Galerie 1915 in das Gebäude der Viale delle Belle Arti transportiert wurden, wurde sie von einer Kommission aus Michetti, Bistolfi und Ojetti nach Regionen bestellt. Aus: Bucarelli, Galerie für moderne Kunst, 1973 State Printing Institute

Raum 12
Venezianer Zimmer
Der Raum wird so genannt, weil er venezianischen Malern gewidmet ist, die von der Tradition der venezianischen Schule beeinflusst sind, die durch die Helligkeit der Gemälde gekennzeichnet ist, wie es die repräsentativsten Künstler dieser Schule in Tizian und Tintoretto waren. Der vielleicht wichtigste Künstler dieses Gemäldes im neunzehnten Jahrhundert ist Giacomo Favretto (Venedig 1842 – 1917). Er widmete sich der Landschaftsmalerei, die der Poetik der Macchiaioli nach der der Costa und der neapolitanischen Maler folgte. Zurück in Venedig gelang es ihm, die neuen Bildakquisitionen zur Wiederherstellung der venezianischen Landschaftstradition des 18. Jahrhunderts mit einer Sprache feinfühliger Verfeinerung zusammenzuführen, die eine klare naturalistische Transkription nicht ausschloss. Zu seinen bekanntesten Werken gehören: „Mattino alla Giudecca“ 1892, Triest, Museo Revoltella.

Raum 13
Halle von Stanga
Der Raum ist norditalienischen Malern aus der Zeit bis zum Ende des 19. Jahrhunderts gewidmet. Der Raum hat seinen Namen von der größten Arbeit in der Mitte:

Giovanni Segantini, Alla stanga, 1886. Das Gemälde befindet sich in einem Alpental, der Valsassina, den Ausläufern von Brianza. Im Vordergrund eine Gruppe von Ochsen, die abends an die Stanga gebunden sind, wenn die Schatten länger werden, die Entfernung zu den schneebedeckten Bergen. Menschen und Tiere leben mitten in der Natur, ein großes Gefühl des Friedens scheint durch dieses Bild.

Giovanni Segantini (Arco, Trient 1858 – Schafberg, Grigioni 1899) ist der berühmteste der Divisionisten. „Er versöhnte die theoretischen Prinzipien der Bewegung mit einer neuen und intensiven Vision der Natur, insbesondere der alpinen Landschaft. Das Bild ist vor der Einführung des Divisionismus“ (aus: Palma Bucarelli, Nationalgalerie für moderne Kunst, Staatliches Polygraphisches Institut 1973) , S. 40). Nach einer schwierigen Kindheit besuchte er nach dem Verlassen der Mailänder Reformschule die Brera-Akademie (1857-79), wo er die Erfahrungen des lombardischen Naturalismus aufnahm. Er zog sich nach Pusiano in Brianza zurück und vertiefte seine Forschungen in Richtung Naturalismus. Anschließend zog er nach Savorgnino in Graubünden und begann, der Technik des Divisionismus zu folgen (eine Definition dieser Bewegung finden Sie im Previati-Raum). Aus: Encyclopedia of Art,

Raum 14
Previati Raum
Der Raum ist Gaetano Previati gewidmet. Nach Segantinis Tod wurde er der Verfechter des Divisionismus in Italien. Die Spaltung ist in Italien im vorletzten Jahrzehnt des neunzehnten Jahrhunderts eine trendkünstlerische Art und bis etwa 1915 aktiv. Die Maler der Divisionisten setzten sich ab der ersten Triennale 1891 der Öffentlichkeit und den Kritikern auf. Dem Divisionismus geht in Frankreich der Pointillismus von Georges Seurat und Paul Signac voraus, die das Prinzip der Farbzerlegung mit einer den Italienern unbekannten Strenge übernommen hatten.

Segantini, Previati und Morbelli assoziierten eine sentimentale Komponente mit einem naturalistischen Bild, das sich in einer filamentösen Struktur des Pinselstrichs (Previati) oder des Materials (Segantini) oder Helldunkel (Morbelli) niederschlägt. Positivismus beeinflusste diesen künstlerischen Trend. Der Positivismus war eine europäische philosophische Bewegung des späten neunzehnten Jahrhunderts, die dem französischen Auguste Comte den Namen und die theoretische Enthüllung zu verdanken hatte. Er stellte sich dem romantischen Ideal mit der Positivität einer Methode entgegen, die auf wissenschaftlichen Fakten und einem Konzept der Philosophie als Synthese der Wissenschaften beruhte.

Raum 15
Veranda Sartorio
Der Raum war ursprünglich eine Veranda zum Garten mit Blick auf die Via Aldrovandi. Anschließend wurde beschlossen, ihn mit großen Fenstern zu schließen, um die Ausstellungsfläche zu vergrößern. Auf der Veranda arbeitet Sartorio Symbolist auf Leinwand der römischen Schule des Ende des Jahrhunderts mit Sartorio, De Carolis, Nino Costa und anderen.

Vorraum Eva
Auch in diesem kleinen, aber hellen Raum befinden sich die Paneele von Paolo Gaidano (siehe Veranda Sartorio).

Der Raum ist der Skulptur des späten 19. Jahrhunderts gewidmet, die keine besondere Originalität oder Elemente der Innovation aufweist. In der Mitte des Raumes befindet sich die Skulptur:

Vorraum der Wiedergeburt
In dem kleinen und hellen Raum befinden sich die Tafeln von Paolo Gaidano, von denen auf der Veranda von Sartorio gesagt wurde, in der Mitte die Bronzeskulptur: Ettore Ximenes, Rebirth, 1895.

Es stellt eine junge Frau dar, Spring, gesehen nach Michelangelos Kanonen. Als Beispiel für den typischsten Blumen- oder Freiheitsstil lebte das Werk des Bildhauers und Illustrators von Palermo hauptsächlich in Rom (1855 – 1926). 1880 stellte er erfolgreich das Modell für Ciceruacchio aus (später aus Bronze gefertigt und an der Ripetta-Promenade platziert), im folgenden Jahr in Paris wurde er für seine „Nanà“ geschätzt. Er machte die Bronzequadriga auf dem Justizpalast in Rom. Das Ximenes Cottage auf der Piazza Galeno in Rom wurde im typischsten Freiheitsstil für sich gebaut.

Nationalgalerie für moderne und zeitgenössische Kunst in Rom
Die Nationalgalerie für moderne und zeitgenössische Kunst, auch bekannt als La Galleria Nazionale, ist eine Kunstgalerie in Rom, Italien. Es wurde 1883 auf Initiative des damaligen Ministers Guido Baccelli gegründet und widmet sich der modernen und zeitgenössischen Kunst.

Es beherbergt die umfassendste Sammlung italienischer und ausländischer Kunst vom 19. Jahrhundert bis heute. Unter Gemälden, Zeichnungen, Skulpturen und Installationen sind die fast 20.000 Werke der Sammlung Ausdruck der wichtigsten künstlerischen Strömungen der letzten zwei Jahrhunderte, vom Neoklassizismus bis zum Impressionismus, vom Divisionismus bis zu den historischen Avantgarden des frühen 20. Jahrhunderts Futurismus und Surrealismus, der auffälligste Kern italienischer Kunst zwischen den 1920er und 1940er Jahren, von der Bewegung des 20. Jahrhunderts bis zur sogenannten römischen Schule.

Die Nationalgalerie für moderne und zeitgenössische Kunst bewahrt die gesamte Sammlung internationaler und italienischer Kunst vom 19. bis zum 21. Jahrhundert auf, die aus 20.000 Kunstwerken besteht, darunter Gemälde, Zeichnungen, Skulpturen und Installationen, und repräsentiert die wichtigsten künstlerischen Bewegungen der letzten zwei Jahrhunderte . Vom Neoklassizismus bis zum Impressionismus, Divisionismus und historischen Avantgarden des frühen 20. Jahrhunderts, Futurismus, Surrealismus, die bemerkenswerteste Werkgruppe der 20er bis 40er Jahre, von der Novecento-Bewegung bis zur sogenannten Scuola Romana, vom Pop Kunst für Arte Povera, zeitgenössische Kunst und Künstler aus unserer Zeit und mehr sind in der Sammlung und im Raum der La Galleria Nazionale vertreten und ausgestellt.

Das neue Galerielayout wurde im Oktober 2016 auf der Grundlage eines Originalprojekts eingeweiht, das durch die Reduzierung der Anzahl der ausgestellten Werke den nicht chronologischen Leseschlüssel für die Hauptausstellung „Time is out of Joint“ einführt. Neben der neuen Raumaufteilung werden der Zugangsbereich zu den als „Begrüßungsbereich“ bezeichneten Dienstleistungen, die Bibliothek und die Sala delle Colonne neu definiert. Unter Beibehaltung des institutionellen Namens der Nationalgalerie für moderne und zeitgenössische Kunst erhält die Galerie in ihrer Mitteilung einen neuen Namen: „The National Gallery“.