Raum von Lucio Fontana, Museum des 20. Jahrhunderts

Die oberste Etage des Museums ist ganz Lucio Fontana gewidmet. Die Fontana-Halle wurde als Immersionsarbeit für die Umwelt konzipiert. Die Protagonisten sind das Wahrzeichen der Decke von 1956, das ursprünglich für den Speisesaal des Hotels del Golfo auf der Insel Elba geschaffen und vom Ministerium für kulturelles Erbe und Aktivitäten bewilligt wurde. das Neon der Fondazione Fontana; und die räumlichen Konzepte aus den 1950er Jahren.

Biografie
Lucio Fontana (19. Februar 1899 – 7. September 1968) war ein argentinisch-italienischer Maler, Bildhauer und Theoretiker. Er ist vor allem als Begründer des Spatialismus bekannt.

Als Sohn des italienischen Bildhauers Luigi Fontana (1865 – 1946) und einer argentinischen Mutter begann er seine künstlerische Tätigkeit 1921 in der Skulpturenwerkstatt seines Vaters und Kollegen und Freundes seines Vaters Giovanni Scarabelli. Er wurde dann ein Anhänger von Adolfo Wildt. Seit 1949 überwindet er die traditionelle Unterscheidung zwischen Malerei und Skulptur, indem er die Leinwand mit Löchern und Schnitten bricht. Der Raum hört nach den herkömmlichen Perspektivregeln auf, Gegenstand der Repräsentation zu sein. Die Oberfläche der Leinwand selbst, die sich in Reliefs und Vertiefungen unterbricht, geht eine direkte Beziehung zum realen Raum und Licht ein. Ende der 1940er Jahre arbeitete er mit Fontana Arte bei der Herstellung von Keramiksockeln für Tische und Kaffeetische (nach dem Entwurf des Architekten Roberto Menghi) und mit der Firma Borsani zusammen.

Lucio wurde aus einer Beziehung zwischen Lucia Bottini, der Tochter des Schweizer Kupferstechers Jean, geboren, die später Juan Pablo Maroni heiraten wird, und dem Vater Luigi, der seinen Sohn bei sich behalten und später Anita Campiglio heiraten wird, die Fontana immer als echt ansieht Mutter. Die Familie Fontana fühlte sich sehr wohl, so dass der junge Lucio nach Italien geschickt wurde, um zuerst an wichtigen Hochschulen und dann am Carlo Cattaneo Technical Institute und an der Brera Artistic High School zu studieren. 1917 meldete er sich freiwillig zur Armee. Nach dem Diplom eines Baufachmanns kehrte er 1921 nach Argentinien zurück. Nachdem er mit seinem Vater zusammengearbeitet hatte, eröffnete er 1924 sein Atelier in Rosario, wobei er den realistischen Stil seines Vaters aufgab und stattdessen die kubistischen Wege von Aleksandr Archipenko wie in Nude (1926) und in La mujer y la balde (1927) betrachtete.

Arbeit
1927 kehrte er nach Mailand zurück, schrieb sich an der Brera-Akademie ein und machte 1930 seinen Abschluss. Er wurde von seinem Professor Adolfo Wildt beeinflusst.

Er wird 1963 sagen: “Ich hatte einen großartigen Lehrer als Führer: Wildt, ich wurde als der beste Schüler des Kurses angesehen. In der Tat hatte Wildt mir mehrmals gesagt, dass ich ein Fortsetzer seiner Kunst werde. Stattdessen, sobald ich Ich verließ die Akademie, nahm eine Masse Gips, gab ihr eine ungefähr figurative Struktur eines sitzenden Mannes und warf Teer auf sie. Also für eine heftige Reaktion. Wildt beschwerte sich, und was konnte ich ihm sagen? Ich hatte großen Respekt vor ihm. Ich war ihm dankbar, aber ich war daran interessiert, einen neuen Weg zu finden, einen Weg, der ganz mir gehörte. “Eines der wichtigsten Werke von Fontanas erster Periode wurde geboren: Der Schwarze Mann (1930 – jetzt verloren). Er erinnert sich an Werke von Archipenko und Zadkine und versucht, zu den Ursprüngen der Form zurückzukehren. Der schwarze Teer und die fast formlose Masse stehen im Gegensatz zur Wiederherstellung der römischen und etruskischen Formen von Arturo Martini und Marino Marini. Zusammen mit Renato Birolli und Aligi Sassu betrachtet er den Expressionismus als Alternative zur Mode des 20. Jahrhunderts wie beim Olympiasieger (oder anhängigen Meister) (1932).

Er schafft auch zahlreiche Keramiken mit leuchtenden Farben. Er kennt die Mailänder Architekturavantgarde: Figini und Pollini und die BBPR-Gruppe, das heißt: Belgioioso, Banfi, Peressutti, Rogers. Er erhielt die Lektion von Le Corbusier. Die Nähe zur Architektur ist deutlich sichtbar im Denkmal für Giuseppe Grandi (Der große Bildhauer der lombardischen “Scapigliatura”), das leider nie (1931) hergestellt und zusammen mit seinem Cousin-Architekten Bruno Fontana und dem Ingenieur Alcide Rizzardi entworfen wurde. Das Projekt umfasst einen umgekehrten Kegel und Kristalle. Beachten Sie die Ableitung von konstruktivistischen und rationalistischen Werken: siehe Melnikov (Columbus Lighthouse 1929) und Tatlin (Denkmal für die III. Internationale). In den 1930er Jahren war Fontana immer im Gleichgewicht zwischen expressionistischer Figuration und der Verdünnung von Form und Zweidimensionalität.

1937 ging er zur Weltausstellung nach Paris. Er kennt Tristan Tzara und Costantin Brancusi und sieht die Werke von Picasso. Besuchen Sie die Keramikwerkstätten von Sèvres und stellen Sie neue Keramiken her. Von 1940 bis 1947 lebte er in Argentinien und schrieb zusammen mit anderen abstrakten Künstlern Il manifestiesto blanco: Eine Veränderung von Wesen und Form ist erforderlich. Es erfordert die Überwindung von Malerei, Skulptur, Poesie und Musik. Größere Kunst wird entsprechend den Bedürfnissen des neuen Geistes benötigt.

1940 kehrte er nach Argentinien zurück. In Buenos Aires (1946) gründete er zusammen mit einigen seiner Studenten die Altamira-Akademie und veröffentlichte das Weiße Manifest, in dem es heißt: “Materie, Farbe und Klang in Bewegung sind die Phänomene, deren gleichzeitige Entwicklung die neue Kunst ausmacht.” . In dem Text, den Fontana nicht unterschrieb, zu dem er aber aktiv beitrug, begann er, die Theorien, die er als Spazialismo oder Spatialism erweitern sollte, in fünf Manifesten von 1947 bis 1952 zu formulieren. Nach seiner Rückkehr aus Argentinien im Jahr 1947 er unterstützte zusammen mit Schriftstellern und Philosophen das erste Manifest des Räumlichkeits (Spazialismo) **. Fontana hatte sein Atelier und seine Werke bei den Bombenangriffen der Alliierten in Mailand vollständig zerstört gefunden, nahm jedoch bald seine Keramikarbeiten in Albisola wieder auf. In Mailand,

Nach seiner Rückkehr nach Italien im Jahr 1948 stellte Fontana in der Galleria del Naviglio in Mailand seine erste Ambiente spaziale a luce nera (‘Raumumgebung’) (1949) aus, eine temporäre Installation, die aus einer riesigen amöbenartigen Form besteht, die in der Leere in einem Raum aufgehängt ist abgedunkelter Raum und von Neonlicht beleuchtet. Ab 1949 startete er die sogenannte Spatial Concept- oder Slash-Serie, die aus Löchern oder Schrägstrichen auf der Oberfläche monochromer Gemälde bestand und ein Zeichen für das zeichnete, was er “eine Kunst für das Weltraumzeitalter” nannte. Für diese Werke entwarf er den generischen Titel Concetto spaziale („Raumkonzept“) und verwendete ihn für fast alle seine späteren Gemälde. Diese lassen sich in große Kategorien einteilen: die Buchi (“Löcher”) ab 1949 und die Tagli (“Schrägstriche”), die er Mitte der 1950er Jahre einführte.

Fontana zeichnete die Rückseite seiner Leinwände oft mit schwarzer Gaze aus, damit die Dunkelheit hinter den offenen Schnitten schimmerte und ein mysteriöses Gefühl von Illusion und Tiefe erzeugte. Für die Triennale in Mailand schuf er 1951 eine aufwendige Neondecke namens “Luce spaziale”. In seiner wichtigen Serie von Concetto spaziale, La Fine di Dio (1963–64), verwendet Fontana die Eiform. Mit seiner 1952 begonnenen Serie Pietre (Steine) verschmolz Fontana die Skulptur mit der Malerei, indem er die Oberflächen seiner Leinwände mit schwerem pastosem und farbigem Glas verkrustete. In seinem Buchi-Zyklus (Löcher), der zwischen 1949 und 1950 begann, durchbohrte er die Oberfläche seiner Leinwände und brach die zweidimensionale Membran, um den Raum hinter dem Bild hervorzuheben. Ab 1958 reinigte er seine Bilder, indem er matte, monochrome Oberflächen schuf und so den Betrachter fokussierte. s Aufmerksamkeit auf die Scheiben, die die Haut der Leinwand zerreißen. 1959 stellte Fontana abgeschnittene Gemälde mit mehreren kombinierbaren Elementen aus (er nannte die Mengen Quanten) und begann mit Nature, einer Reihe von Skulpturen, die durch Schneiden einer Schnittwunde über eine Kugel aus Terrakottaton hergestellt und anschließend in Bronze gegossen wurden.

Fontana beteiligte sich an vielen Kooperationsprojekten mit den wichtigsten Architekten des Tages, insbesondere mit Luciano Baldessari, der seine Forschungen zur räumlichen Lichtstruktur in Neon (1951) auf der 9. Triennale teilte und unterstützte und ihn unter anderem beauftragte Entwerfen Sie die Decke des Kinos im Sidercomit-Pavillon auf der 21. Mailänder Messe 1953.

Um 1960 begann Fontana, die Schnitte und Einstiche, die seinen bis dahin sehr persönlichen Stil geprägt hatten, neu zu erfinden, indem er Leinwände mit Schichten dicker Ölfarbe bedeckte, die von Hand und Pinsel aufgetragen wurden, und mit einem Skalpell oder Stanley-Messer große Risse in ihrer Oberfläche erzeugte . Auf Einladung von Künstlern wie Dub Dubetet, Mark Rothko, Sam Francis und anderen an einer Ausstellung zeitgenössischer Malerei mit dem Titel “Kunst und Kontemplation” im Palazzo Grassi in Venedig schuf er 1961 eine Reihe von 22 Werken in die Lagunenstadt. Er manipulierte die Farbe mit seinen Fingern und verschiedenen Instrumenten, um Furchen herzustellen, manchmal einschließlich verstreuter Fragmente von Muranoglas. Anschließend wurde Fontana von Michel Tapié eingeladen, die Werke in der Martha Jackson Gallery in New York auszustellen.

Zu Fontanas letzten Werken gehört eine Reihe von Teatrini (“kleinen Theatern”), in denen er zu einer im Wesentlichen flachen Sprache zurückkehrte, indem er Rückentücher verwendete, die in Flügeln eingeschlossen waren, die einem Rahmen ähnelten; Der Bezug zum Theater betont den Akt des Schauens, während im Vordergrund eine Reihe unregelmäßiger Kugeln oder oszillierender, welliger Silhouetten ein lebendiges Schattenspiel erzeugt. Eine andere Arbeit aus dieser Zeit, Trinità (Trinity) (1966), besteht aus drei großen weißen Leinwänden, die von Lochlinien unterbrochen werden und in einer Theaterkulisse aus ultramarinen Plastikfolien, die vage Flügeln ähneln, umgeben sind.

In den letzten Jahren seiner Karriere interessierte sich Fontana zunehmend für die Inszenierung seiner Arbeiten in den vielen Ausstellungen, die ihn weltweit auszeichneten, sowie für die Idee der Reinheit, die in seinen letzten weißen Leinwänden erreicht wurde. Diese Bedenken wurden auf der Biennale von Venedig 1966 deutlich, für die er die Umgebung für seine Arbeit entwarf. Auf der Documenta IV in Kassel im Jahr 1968 positionierte er einen großen Gipsschnitt als Zentrum eines völlig weißen Labyrinths einschließlich Decke und Boden (Ambiente spaziale bianco).

Kurz vor seinem Tod war er bei der Demonstration “Destruction Art, Destroy to Create” im Finch College Museum in New York anwesend. Dann verließ er sein Haus in Mailand und ging nach Comabbio (in der Provinz Varese, Italien), der Mutterstadt seiner Familie, wo er 1968 starb.

Fontana schuf eine Vielzahl grafischer Arbeiten mit abstrakten Motiven sowie Figuren, die in der Kunstwelt wenig bekannt sind, während er gleichzeitig seine abstrakten perforierten Werke produzierte. Er war auch der Bildhauer der Büste von Ovidio Lagos, dem Gründer der Zeitung La Capital, aus Carrara-Marmor.

Ausstellungen
Fontana hatte 1931 seine ersten Einzelausstellungen in der Galleria del Milione in Mailand. 1961 organisierte Michel Tapié seine erste Ausstellung in den USA, eine Ausstellung der Venedig-Reihe, in der Martha Jackson Gallery in New York. Seine erste Einzelausstellung in einem amerikanischen Museum fand 1966 im Walker Art Center in Minneapolis statt. Er nahm an der Biennale von São Paulo und an zahlreichen Ausstellungen auf der ganzen Welt teil. Wichtige Retrospektiven wurden unter anderem von der Peggy Guggenheim Collection, Venedig (2006), der Hayward Gallery, London (1999), der Fondazione Lucio Fontana (1999) und dem Centre Georges Pompidou (1987; Reise nach La Fundación ‘la Caixa’ organisiert. Barcelona, ​​Stedelijk Museum, Amsterdam, Whitechapel Gallery, London). Seit 1930 wurde Fontanas Werk regelmäßig auf der Biennale in Venedig ausgestellt. und er vertrat Argentinien verschiedene Male; 1966 wurde er auf der Biennale in Venedig mit dem Hauptpreis für Malerei ausgezeichnet. 2014 widmet das Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris dem Künstler eine Retrospektive. Die Kunst von Tornabuoni zeigte eine parallele Ausstellung in der Galerie der Avenue Matignon Paris.

Sammlungen
Fontanas Werke befinden sich in den ständigen Sammlungen von mehr als hundert Museen auf der ganzen Welt. Beispiele aus der Pietre-Reihe sind insbesondere im Stedelijk-Museum in Amsterdam, im Centre Pompidou in Paris, im Museum für moderne Kunst in New York, in der Galleria Nazionale d’Arte Moderna in Rom und im Museum für zeitgenössische Kunst in Villa Croce untergebracht Genua und das van Abbemuseum, Eindhoven. Fontanas Schmuck befindet sich in der ständigen Sammlung des Museum of Fine Arts in Boston.

Kunstmarkt
Der italienische Gelehrte Enrico Crispolti hat 2006 ein zweibändiges Werkverzeichnis von Fontanas Gemälden, Skulpturen und Umgebungen herausgegeben. 2013 veröffentlichten Luca Massimo Barbero, Nina Ardemagni Laurini und Silvia Ardemagni ein dreibändiges Werkverzeichnis von Fontanas Werken auf Papier, darunter mehr als 5.500 Werke in chronologischer Reihenfolge.

Ein seltenes, großes purpurrotes Werk mit einem einzigen Schrägstrich, das Fontana seiner Frau widmete und das immer als Teresita bekannt war, erzielte 2008 bei Christie’s London 6,7 Millionen Pfund (11,6 Millionen US-Dollar) und war dann ein Auktionsrekord für den Künstler. Fontanas Concetto Spaziale, Attese (1965) aus der Sammlung von Anna-Stina Malmborg Hoglund und Gunnar Hoglund stellte 2015 bei Sotheby’s London einen neuen Rekord für ein Schrägstrichgemälde von 8,4 Millionen Pfund auf. Noch beliebter sind Fontanas ovale Leinwände. Sotheby’s verkaufte 2008 ein Werk mit dem Titel Concetto spaziale, la fine di dio (1963) für 10,32 Millionen Pfund. Als Teil von Fontanas Kreis in Venedig wurde das Festival am Canal Grande 2008 bei Christie’s in New York für 7 Millionen Dollar verkauft.

Die Ausstellung
Der in Argentinien geborene Lucio Fontana lebte ab den 1920er Jahren in Mailand und richtete dort sein Studio ein. Im Laufe seiner künstlerischen Karriere schuf Lucio Fontana eine Vielzahl von Werken, die von Keramikschnitzereien über Gemälde bis hin zu Skulpturen und räumlichen Umgebungen reichten.

Die zwanziger und dreißiger Jahre
In den zwanziger Jahren drehte sich seine damals noch figurative Arbeit um die Schaffung von Skulpturen für Privatkunden (“Busto femminile”, 1931). Diese Werke waren daher eher klein, obwohl er sich in dieser Zeit auch mit komplexeren und experimentelleren Stücken befasste und an öffentlichen Wettbewerben mit Werken wie “Signorina Seduta” (Young Woman Seated, 1934) teilnahm.

Busto femminile (1931)
Signorina seduta (1934)

Räumliche Umgebungen
Seine intensive Zusammenarbeit mit Architekten in den Zwischenkriegsjahren hatte einen kritischen und prägenden Einfluss auf den Künstler und veranlasste ihn, nach dem Zweiten Weltkrieg mit der Gestaltung “räumlicher Umgebungen” zu beginnen. Beispiele hierfür sind “Struttura al Neon” (Struktur in Neon), die 1951 für die 9. Mailänder Triennale eingeweiht wurde, und “Soffitto Spaziale” (Raumdecke) für das Hotel del Golfo in Procchio im Jahr 1956.

Struttura al neon per IX Triennale di Milano (1951)

Concetti spaziali
In seinen berühmten “Concetti spaziali” (Raumkonzepte), monochromen Leinwänden, auf denen der Künstler eine Reihe von Löchern und sauberen Schnitten machte, öffnete sich Fontana einer unendlichen räumlichen Dimension, die über die Grenzen eines traditionellen Gemäldes hinausging.

Concetto spaziale, Attesa (1960)
Concetto spaziale (1956)
Concetto spaziale, La bara del marinaio (1957)
Concetto spaziale (La notte) (1956)
Concetto spaziale, Attese (1959)

Museum des 20. Jahrhunderts in Mailand
Das Museo del Novecento in Mailand ist eine Dauerausstellung von Kunstwerken des 20. Jahrhunderts im Palazzo dell’Arengario und im angrenzenden Königspalast in Mailand. Das Museum nahm die Sammlungen des früheren CIMAC (Civic Museum of Contemporary Art) auf, das sich im zweiten Stock des Königspalastes befand und 1998 geschlossen wurde.

Das Museo del Novecento im Palazzo dell’Arengario auf der Piazza del Duomo beherbergt eine Sammlung von über viertausend Werken, die die Entwicklung der italienischen Kunst des 20. Jahrhunderts katalysieren.

Das Museo del Novecento wurde am 6. Dezember 2010 mit dem Ziel gegründet, das Wissen über die Kunst des 20. Jahrhunderts zu verbreiten und einen umfassenderen Einblick in die Sammlungen zu bieten, die die Stadt Mailand im Laufe der Zeit geerbt hat. Neben seiner Hauptausstellungstätigkeit befasst sich das Museum mit der Erhaltung, Untersuchung und Förderung des italienischen kulturellen und künstlerischen Erbes des 20. Jahrhunderts mit dem Ziel, ein immer breiteres Publikum zu erreichen.

Abgesehen von einem einzigen Raum, in dem Werke ausländischer Künstler wie Braque, Kandinsky, Klee, Léger, Matisse, Mondrian und Picasso ausgestellt sind, stammen die meisten im Museum ausgestellten Werke italienischer Künstler. Ein großer Teil ist den italienischen Futuristen gewidmet, mit Werken von Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Fortunato Depero, Luigi Russolo, Gino Severini, Mario Sironi und Ardengo Soffici. Giuseppe Pellizza da Volpedos große Leinwand Il Quarto Stato (1902) wird ebenfalls in einem eigenen Raum ausgestellt.

Andere Bereiche des Museums sind einzelnen Künstlern wie Giorgio de Chirico, Lucio Fontana und Morandi gewidmet. Es gibt auch Abschnitte, die Kunstbewegungen des 20. Jahrhunderts gewidmet sind, darunter Abstraktionismus, Arte Povera, Novecento Italiano, Postimpressionismus und Realismus sowie Genres wie Landschafts- und Monumentalkunst.