Romantische Musik ist eine Zeit der westlichen klassischen Musik, die im späten 18. oder frühen 19. Jahrhundert begann. Es ist verwandt mit der Romantik, der europäischen künstlerischen und literarischen Bewegung, die in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts entstand, und insbesondere romantische Musik dominierte die romantische Bewegung in Deutschland.
In der Romantik wurde die Musik expressiver und programmatischer und beschäftigte sich mit den literarischen, künstlerischen und philosophischen Themen der Zeit. Berühmte Komponisten der frühen Romantik sind Beethoven (dessen Werke sowohl diese Periode als auch die vorausgegangene klassische Periode umfassen), Schubert, Schumann, Chopin, Mendelssohn, Bellini und Berlioz. Im späten 19. Jahrhundert kam es zu einer dramatischen Erweiterung der Orchestergröße und der Dynamik und Vielfalt der Instrumente dieses Ensembles. Auch öffentliche Konzerte wurden zu einem wichtigen Bestandteil der städtischen Mittelstandsgesellschaft, im Gegensatz zu früheren Perioden, in denen Konzerte hauptsächlich von Aristokraten bezahlt und aufgeführt wurden. Berühmte Komponisten aus der zweiten Hälfte des Jahrhunderts sind Bruckner, Johann Strauß II, Brahms, Liszt, Tschaikowsky, Dvořák, Verdi und Wagner. Zwischen 1890 und 1910 baute eine dritte Welle von Komponisten wie Mahler, Richard Strauss, Puccini und Sibelius auf den Werken der Komponisten der mittleren Romantik auf, um noch komplexere – und oft viel längere – musikalische Werke zu schaffen. Ein markantes Kennzeichen der Musik des späten 19. Jahrhunderts ist ihre nationalistische Inbrunst, wie sie beispielsweise von Dvořák, Sibelius und Grieg dargestellt wird. Weitere prominente Persönlichkeiten des späten Jahrhunderts sind Saint-Saëns, Fauré, Rachmaninoff und Franck.
Romantische Musik wurde oft zwischen verschiedenen Stilen geteilt, oft kontrastierend. Von Anfang an gab es eine Trennung zwischen dem neuen deutschen und dem klassischen Teil. Der neue deutsche Stil war geprägt von einem klaren Bruch mit der bisherigen Musik. Es war emotionaler im Ausdruck, und oft gekennzeichnet durch so genannte Programmmusik, das heißt, die Musik folgte einem Programm oder wurde von einem literarischen Werk oder Kunstwerk inspiriert. Der entgegengesetzte Stil war eher klassisch orientiert, was bedeutet, dass, obwohl es eine romantische Richtung war, man Inspiration von Mozart, Beethoven, Haydn und der älteren Wache hören konnte. Es hatte normalerweise mehr absolute Musik, das heißt, die Musik selbst war vorne und sollte nicht mit anderen Kunstformen gemischt werden.
Eine weitere Auszeichnung ging an die Oper. Am Anfang wurde die Oper entweder von den Nachkommen Gioachino Rossinis geprägt, wo hübsche Arien oft die komischen Opern dominierten, oder die große Oper, die gegen natürliche oder soziale Kräfte, Kontraste und Stimmungen ankämpften. Außerdem hatte sich die deutsche Oper bereits ab den Jegerbrüden 1821 in einer stark romantischen Richtung entwickelt, in der übernatürliche Wesen, der Kampf gegen das Böse, mittelalterlicher Fokus und deutsche Sagen und öffentliche Zeitungen dominierten. Dies nahm Richard Wagner auf. Er schuf auch die Idee des Gesamtkunstwerks, die alle Teile der Oper, von Sängern über Orchester über Libretto bis hin zu Inszenierung und Choreographie, die Zusammenarbeit zu einer starken Botschaft vermittelte. Wagner benutzte das Orchester in viel größerem Maße als frühere Opern und schrieb die Geschichten selbst, so dass er am besten zu allem passen konnte. Sein klares Gegenüber war Giuseppe Verdi, der Opern nach berühmten Stücken, Gedichten oder Romanen schuf und sich auf eine einfachere Orchestrierung konzentrierte, die sich immer noch auf Lieder und gute Melodien konzentrierte. Verdi wurde jedoch auch von der Bedeutung des Dramas beeinflusst, obwohl er Wagners Opern auf Distanz hielt. Gegen Ende der Romanze kam die veritable Oper, weit realistischere Opern über die Gegenwart und ihre Herausforderungen, vor allem mit Giacomo Puccini als Meister. Dies war eine Synergie von Wagners und Verdis Ideen über die Oper.
Auch innerhalb der Sinfonien gab es eine klare Unterscheidung zwischen den von Hector Berlioz und Franz Liszt inspirierten und deren programmatischen Musik (Bedřich Smetana, Anton Bruckner und Pjotr Tsjajkovsky) einerseits und Mendelssohn – und Schumann – Anhängern, die sich auf absolute Musik konzentrierten (John Brahms) , Antonín Dvořák und Gustav Mahler). Die Symphonien wurden auch teilweise in Wagners Ideen der Musik einbezogen. Die Fans der Programmmusik wurden häufiger von Wagner inspiriert, während die Anhänger der absoluten Musik viel skeptischer waren.
Romantische Musik war auch eine Entwicklung im Ballett, neue Stile als Operette erschienen, das Wiener Tal wurde allemannseie und viele Virtuosen traten auf und erhöhten das Niveau von Konzertspielen. Die Orchester wuchsen und der Dirigent wurde wichtiger. Das Klavier, das in der vorhergehenden Periode bereits fortgeschritten war, wurde in vielen Häusern und als Hauptinstrument für verschiedene Konzerte und Aufführungen von Liederzyklen dominant.
Züge
Eigenschaften, die oft der Romantik zugeschrieben werden:
eine neue Beschäftigung mit der Natur und ihre Hingabe an die Natur;
eine Faszination für die Vergangenheit, insbesondere das Mittelalter und die Legenden des mittelalterlichen Rittertums;
eine Hinwendung zum Mystischen und Übernatürlichen, sowohl religiös als auch nur gruselig;
eine Sehnsucht nach dem Unendlichen;
geheimnisvolle Konnotationen der Abgelegenheit, das Ungewöhnliche und Fabelhafte, das Seltsame und Überraschende;
ein Fokus auf das nächtliche, das gespenstische, das schreckliche und erschreckende;
fantastisches Sehen und spirituelle Erfahrungen;
eine neue Aufmerksamkeit für die nationale Identität;
Betonung des extremen Subjektivismus;
Interesse am autobiographischen;
Unzufriedenheit mit musikalischen Formeln und Konventionen.
Solche Listen wuchsen jedoch im Laufe der Zeit, was zu einem „Chaos antithetischer Phänomene“ führte, die wegen ihrer Oberflächlichkeit kritisiert wurden und so viele verschiedene Dinge bedeuteten, dass es keine zentrale Bedeutung mehr gab. Die Attribute wurden auch dafür kritisiert, zu vage zu sein. Zum Beispiel könnten Merkmale des „gespenstischen und übernatürlichen“ gleichermaßen für Mozarts Don Giovanni von 1787 und Strawinskys The Rake’s Progress von 1951 gelten (Kravitt 1992, 93-95).
In der Musik gibt es nach dem Tod Beethovens eine relativ klare Trennlinie zwischen musikalischer Struktur und Form. Ob nun Beethoven als „romantischer“ Komponist zählt oder nicht, die Breite und Kraft seines Werkes ließ das Gefühl aufkommen, dass die klassische Sonatenform und auch die Struktur der Symphonie, Sonate und des Streichquartetts erschöpft waren. Schumann, Schubert, Berlioz und andere frühromantische Komponisten neigten dazu, in andere Richtungen zu blicken. Einige Eigenschaften der romantischen Musik umfassen:
Die Verwendung neuer oder früher nicht so gebräuchlicher musikalischer Strukturen wie Liederzyklus, Nocturne, Konzert-Etüde, Arabeske und Rhapsodie neben den klassischen klassischen Genres. Programmmusik wurde etwas häufiger;
Eine harmonische Struktur, die auf der Bewegung von tonischen zu subdominanten oder alternativen Tonarten statt auf der traditionellen Dominante basiert, und die Verwendung von komplizierteren harmonischen Progressionen (Wagner und Liszt sind für ihre experimentellen Progressionen bekannt);
Eine größere Betonung der Melodie, um musikalisches Interesse zu erhalten. Die klassische Periode verwendete häufig kurzes, sogar fragmentarisches, thematisches Material, während die romantische Periode dazu tendierte, längere, vollständig definierte und befriedigendere Themen stärker zu nutzen;
Die Verwendung eines breiteren Dynamikbereichs, zum Beispiel von ppp zu fff, unterstützt durch große Orchestrierung;
Verwendung eines größeren Tonumfangs (exp. Mit den tiefsten und höchsten Noten des Klaviers);
Die Formen der romantischen Musik
Symphonie
Die von Ludwig van Beethoven höchstpersönlich getragene Symphonie wurde zur angesehensten Form, der sich viele Komponisten verschrieben haben. Der konservativste Respekt des Beethoven-Modells: Franz Schubert, Felix Mendelssohn, Robert Schumann oder Johannes Brahms. Andere zeigen eine Phantasie, die über diesen Rahmen hinaus geht, in Form oder im Geiste: der kühnste von ihnen ist Hector Berlioz.
Schließlich erzählen einige mehr als nur eine Geschichte in ihren Symphonien; Wie Franz Liszt werden sie die symphonische Dichtung schaffen, eine neue musikalische Gattung, die gewöhnlich aus einem einzigen Satz besteht und von einem Thema, einer Figur oder einem literarischen Text inspiriert ist. Da sich die symphonische Dichtung um ein Leitmotiv artikuliert (musikalisches Motiv, das es erlaubt, einen Charakter, zum Beispiel den Helden, zu identifizieren), soll es der Musik mit symphonischem Programm näher gebracht werden.
Lied
Dieses Musikgenre trat mit der Entwicklung des Klaviers in der romantischen Periode in Richtung Klavier auf. Das Lied ist eine Vokalmusik, die hauptsächlich von diesem Instrument begleitet wird. Das Lied ist von romantischen Gedichten gezeichnet und dieser Stil erlaubt es, die Stimme der Gefühle so nah wie möglich zu bringen. Einer der ersten und berühmtesten Liedkomponisten ist Franz Schubert, mit dem König der Alder haben sich jedoch viele andere romantische Komponisten dem Genre des Liedes wie Robert Schumann, Johannes Brahms, Hugo Wolf oder Gustav Mahler hingegeben.
Konzert
Es war Beethoven, der mit seinen fünf Klavierkonzerten (vor allem dem fünften) und seinem Violinkonzert das Concerto romantic einweihte. Seinem Beispiel folgen viele Komponisten: Das Konzert konkurriert mit der Symphonie im Repertoire der großen Orchesterformationen.
Schließlich wird das Konzert den Instrumentalkomponisten erlauben, ihre Virtuosität zu zeigen, wie Niccolò Paganini an der Violine und Frédéric Chopin oder Franz Liszt am Klavier.
Das stimmliche Element in der romantischen Musik
Die Romantik war nicht länger ein Jahrhundert großer Vokalkompositionen. Es existierte noch eine Reihe von A-cappella-Komponisten, exquisit und raffiniert, wie Mendelssohn und Brahms, die im 16. Jahrhundert, dem blühenden Zeitalter des A-cappella-Stils, unfassbare Harmonie und chromatische Effekte erzielten. Vor allem in Deutschland waren die Chorkompositionen für Männer die Mittel, um diese Verfeinerung zu erreichen, die ihren Impuls jedoch nicht rein künstlerischen Gründen verdankten, da sie zum Ausdruck von Nationalismus oder Partisanenaktivitäten wurden, während der Rest von Gesangsdemonstrationen fiel in Vergessenheit. Die großen Vorkämpfer der Romantik haben nicht einen Moment lang daran gedacht, Werke für die Kirche zu komponieren und damit zum Hören der Bibelverse beizutragen.
Oratorien wurden geschrieben, wie El paraíso y la peri, von Schumann. Brahms schrieb ein deutsches Requiem, ein religiöses Werk mit ausschließlich deutschem Text. Messen und andere religiöse Werke wurden ebenfalls geschrieben. Das Ave Maria von Schubert, ist ein Lied für Gesang und Klavier.
Instrumentierung und Skalierung
Wie zu anderen Zeiten wurde die Instrumentierung an die musikalischen Anforderungen der Zeit angepasst. Komponisten wie Hector Berlioz inszenierten ihre Werke auf eine nie zuvor gehörte Weise und verliehen den Bläsern eine neue Prominenz. Die Größe des Standardorchesters nahm zu und es wurden Instrumente wie Piccolo und Englischhorn aufgenommen, die früher sehr selten verwendet wurden. Mahler schrieb seine achte Sinfonie, bekannt als die „Symphonie der Tausend“, durch die Orchester- und Chormasse, die sie interpretieren muss.
Zusätzlich zu einem größeren Orchester wurden die Werke der Romantik länger. Eine typische Symphonie von Haydn oder Mozart, Komponisten des Klassizismus, kann etwa zwanzig oder fünfundzwanzig Minuten dauern. Schon die dritte Sinfonie Beethovens, die gewöhnlich als die Anfangsromantik gilt, dauert ungefähr fünfundvierzig Minuten. Und diese Tendenz weitete sich besonders in den Symphonien Anton Bruckners aus und erreichte bei Mahler seine Höchststände, mit Sinfonien, die wie beim ersten und vierten eine Stunde dauern bis zu mehr als einer Stunde dauernden Sinfonien und a halb (wie der dritte oder der achte).
Auf der anderen Seite wuchs in der Romantik die Bedeutung des virtuosen Instrumentalisten. Der Violinist Niccolò Paganini war einer der musikalischen Stars des frühen neunzehnten Jahrhunderts. Liszt war nicht nur ein bemerkenswerter Komponist, sondern auch ein Klaviervirtuose, sehr populär. Während der Auftritte der Virtuosen standen sie mehr heraus als die Musik, die sie spielten.
Dies sind einige der Instrumente, die in der Romantik erscheinen:
Wind
Contrafagot: Arten von Fagott von großer Dimension, deren Töne zum Oktavgrab des gewöhnlichen Fagotts erzeugt werden.
Saxophon: Blasinstrument bestehend aus einem konischen Rohr aus gebogenem Metall U-Form, mit mehreren Tasten und einer Holz-Rohr-Düse. Es gibt verschiedene Größen.
Englisch Horn: Blasinstrument, größer und schwerer als die Oboe.
Tuba: Blasinstrument von großen Proportionen und voluminöser und ernster Klangfülle.
Tastatur
Klavier: Obwohl es bereits im Klassizismus existierte, ist das Klavier das große Instrument der Romantik. Sie ermöglicht den Komponisten, die oft Virtuosen dieses Instruments sind, die größte Ausdruckskraft.
Kurze Chronologie
Die klassischen Wurzeln der Romantik (1780-1815)
In der Literatur wird oft gesagt, dass die Romantik in den 1770er oder 1780er Jahren mit der deutschen Bewegung Sturm und Drang begann. Es wurde hauptsächlich von Shakespeare, Volkssagen, echt oder erfunden, und von Homers Poesie beeinflusst. Schriftsteller wie Goethe oder Schiller änderten radikal ihre Praktiken, während in Schottland Robert Burn die Poesie populärer Lieder übertrug. Diese literarische Bewegung spiegelte sich in der Musik der Klassik in vielfältiger Weise wider, darunter das Werk von Mozart in der deutschen Oper, die Auswahl von Liedern und Melodien, die in kommerziellen Werken verwendet werden sollten, und die allmähliche Zunahme von Gewalt im künstlerischen Ausdruck. Die Fähigkeit oder das Interesse der meisten Komponisten, an der „Romantik und der Revolution“ festzuhalten, wurde jedoch durch ihre Abhängigkeit von den königlichen Höfen begrenzt. Ein Beispiel dafür ist die Geschichte der Premiere von Le nozze di Figaro von Mozart, die als revolutionär zensiert wurde.
Auch rein musikalisch hat die Romantik ihre Grundsubstanz aus der Struktur der klassischen Praxis übernommen. In dieser Zeit wurden die Standards für Komposition und Interpretation erhöht und Standardformen und Ensembles von Musikern geschaffen. Ohne den Grund zu verpassen, nannte ETA Hoffmann „drei romantische Komponisten“ für Haydn, Mozart und Beethoven. Eine der wichtigsten inneren Strömungen des Klassizismus ist die Rolle der Chromatik und der harmonischen Ambiguität. Alle wichtigen klassischen Komponisten verwendeten die harmonische Zweideutigkeit und die Technik, sich schnell zwischen verschiedenen Tonalitäten zu bewegen, ohne eine echte Tonalität zu etablieren. Eines der bekanntesten Beispiele für dieses harmonische Chaos ist zu Beginn der Schöpfung von Haydn. Bei all diesen Exkursionen beruhte die Spannung jedoch auf gegliederten Abschnitten, einer Bewegung auf das dominante oder das relative Dur und auf einer Transparenz der Textur.
In den 1810er Jahren wurde der Gebrauch von Chromatik und Molltonalität kombiniert, der Wunsch, zu mehr Tonalität zu wechseln, um ein breiteres Spektrum an Musik zu erreichen, und die Notwendigkeit für größere Opernreichweite. Während Beethoven später als zentrale Figur der Bewegung galt, repräsentierten Komponisten wie Muzio Clementi oder Louis Spohrthey den Geschmack der Zeit, um mehr chromatische Noten in ihr thematisches Material zu integrieren. Die Spannung zwischen dem Wunsch nach mehr Farbe und dem klassischen Wunsch, die Struktur zu erhalten, führte zu einer musikalischen Krise. Eine Antwort war, in Richtung der Oper zu gehen, wo der Text eine Struktur gewähren konnte, selbst wenn es keine formellen Modelle gab. ETA Hoffman, heute eher für seine Musikkritik bekannt, präsentierte mit seiner Oper Undinae (1814) eine radikale musikalische Neuerung. (Nicht zu verwechseln mit Tschaikowskys 1869). Eine weitere Reaktion auf diese Krise wurde durch die Verwendung kürzerer Formen erreicht, darunter einige neue wie das Nocturne, bei denen die harmonische Intensität an sich ausreichte, um die Musik vorwärts zu bewegen.
Erste romantische Komponisten von Joseph Villegas (1815-1850)
In der zweiten Dekade des 19. Jahrhunderts führte der Wechsel zu neuen Quellen für Musik, zusammen mit einer verstärkten Verwendung von Chromatik in Melodien und der Notwendigkeit für mehr harmonischen Ausdruck, zu einem spürbaren Stilwechsel. Die Gründe, die zu dieser Veränderung geführt haben, waren nicht nur musikalische, sondern auch wirtschaftliche, politische und soziale Gründe. Die Bühne war für eine neue Generation von Komponisten geschaffen, die mit der neuen postnapoleonischen europäischen Umwelt sprechen konnten.
In der ersten Komponistengruppe gruppieren sich meist Beethoven, Louis Spohr, ETA Hoffmann, Carl Maria von Weber und Franz Schubert. Diese Komponisten sind mitten in der dramatischen Expansion des Konzertlebens des späten 18. und frühen 19. Jahrhunderts aufgewachsen, was ihre Stile und Erwartungen geprägt hat. Viele grüßten Beethoven als Vorbild, dem er folgen oder zumindest streben sollte. Die chromatischen Melodien von Muzio Clementi und die Opern von Rossini, Cherubini, Spontini und Mehul übten ebenfalls einen gewissen Einfluss aus. Zur gleichen Zeit war die Komposition von Gesängen für Gesang und Klavier in populären Gedichten, um die Nachfrage eines wachsenden Marktes von Häusern der Mittelschicht zu befriedigen, eine neue und wichtige Quelle für wirtschaftliche Beiträge für Komponisten.
Die wichtigsten Werke dieser Welle von romantischen Komponisten waren vielleicht die Liederzyklen und die Symphonien von Schubert, die Opern von Weber, besonders Oberon, Der Freischütz und Euryanthe. Für die Zeit wurden die Werke von Schubert nur vor begrenzter Zuhörerschaft interpretiert und konnten nur allmählich eine spürbare Wirkung entfalten. Im Gegenteil, die Werke von John Field trafen sich schnell, zum Teil, weil er kleine und „charakteristische“ Werke für Klavier und Tänze komponieren konnte.
Die nächste Kohorte romantischer Komponisten umfasst Franz Liszt, Felix Mendelssohn, Frédéric Chopin und Hector Berlioz. Sie wurden im neunzehnten Jahrhundert geboren und begannen bald mit der Produktion von Kompositionen von großem Wert. Mendelssohn war besonders frühreif, schrieb seine ersten Quartette, ein Oktett für Streicher und Orchestermusik, bevor er zwanzig wurde. Chopin widmete sich der Klaviermusik, einschließlich Etüden (Studien) und zwei Klavierkonzerten. Berlioz komponierte die erste bemerkenswerte Symphonie nach dem Tod Beethovens, der bereits erwähnten Fantastischen Symphonie. Liszt komponierte Orchestermusik, ist aber bekannt für seine innovativen Klaviertechniken. Seine transzendentalen Studien gehören zu den Werken, die mehr Virtuosität erfordern.
Zur gleichen Zeit wurde die heute als „romantische Oper“ bekannte Stadt mit einer starken Verbindung zwischen Paris und Norditalien gegründet. Die Kombination aus französischer Orchestervirtuosität, italienischen Gesangslinien und dramatischer Kraft, zusammen mit auf populärer Literatur beruhenden Libretten, etablierte die Normen, die weiterhin die Opernszene dominieren. Die Werke von Vincenzo Bellini und Gaetano Donizetti waren zu dieser Zeit sehr beliebt.
Ein wichtiger Aspekt dieses Teils der Romantik war die weit verbreitete Popularität von Klavierkonzerten (oder „Recitals“, wie Franz Liszt sie nannte), die Improvisationen von populären Themen, kurze Stücke und längere, wie die Sonaten von Beethoven oder Mozart enthalten. Einer der bemerkenswertesten Vertreter von Beethovens Werken war Clara Wieck, die später Robert Schumann heiraten würde. Die neuen Reiseeinrichtungen, die damals angeboten wurden, dank dem Zug und dann dem Dampf, ließen internationale Gruppen von Fans von tugendhaften Pianisten wie Liszt, Chopin und Thalberg entstehen. Diese Konzerte wurden von selbst in Veranstaltungen umgewandelt. Niccolò Paganini, berühmter Violinvirtuose, war ein Pionier dieses Phänomens.
Zwischen Ende der 1830er und 1840er Jahre wurden die Früchte dieser Generation der Öffentlichkeit präsentiert, wie die Werke von Robert Schumann, Giacomo Meyerbeer und dem jungen Giuseppe Verdi. Es ist wichtig anzumerken, dass die Romantik nicht die einzige und nicht einmal die wichtigste musikalische Gattung der Zeit war, da die Konzertprogramme größtenteils von einem postklassischen Genre, wie dem Pariser Conservatoire, und der Hofmusik dominiert wurden. Dies änderte sich mit dem Aufstieg gewisser Institutionen, wie etwa Symphonieorchestern mit regelmäßigen Saisons, eine Modeerscheinung, die von Felix Mendelssohn selbst gefördert wurde.
Zu dieser Zeit produzierte Richard Wagner seine erste erfolgreiche Oper und begann seine Suche nach neuen Wegen, das Konzept der „musikalischen Dramen“ zu erweitern. Wagner nannte sich gern einen Revolutionär und hatte ständig Probleme mit seinen Geldverleihern und den Behörden; Gleichzeitig umgab er sich mit einem Kreis von Musikern mit ähnlichen Ideen, wie Franz Liszt, mit dem er sich der Schaffung der „Musik der Zukunft“ widmete.
Es wird gewöhnlich darauf hingewiesen, dass die literarische Romantik 1848 mit den Revolutionen endete, die in jenem Jahr stattfanden und die einen Meilenstein in der Geschichte Europas oder zumindest in der Wahrnehmung der Grenzen von Kunst und Musik darstellten. Mit dem Aufkommen der „realistischen“ Ideologie und dem Tod von Persönlichkeiten wie Paganini, Mendelssohn und Schumann und Liszts Rücktritt von der Bühne erschien eine neue Generation von Musikern. Einige argumentieren, dass diese Generation eher viktorianisch als romantisch genannt werden sollte. Tatsächlich werden die letzten Jahre des 19. Jahrhunderts oft als Spätromantik bezeichnet.
Spätromantik (1850-1870)
In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts wurden viele der sozialen, politischen und wirtschaftlichen Veränderungen, die in der Zeit nach der napoleonischen Ära einsetzten, bestätigt. Der Telegraf und die Eisenbahn vereinigten Europa viel mehr. Der Nationalismus, der zu Beginn des Jahrhunderts eine der wichtigsten Quellen war, wurde zu politischen und linguistischen Elementen formalisiert. Die Literatur, die als Publikum den Mittelstand hatte, wurde das Hauptziel der Veröffentlichung von Büchern, einschließlich des Aufstiegs des Romans als die wichtigste literarische Form.
Viele der Figuren der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts waren in den Ruhestand getreten oder gestorben. Viele andere folgten anderen Wegen und nutzten eine größere Regelmäßigkeit im Konzertleben sowie verfügbare finanzielle und technische Ressourcen. In den vergangenen fünfzig Jahren wurden viele Neuerungen in der Instrumentierung, einschließlich Piano-Action-Dual-Auspuff (Double Escarpment), Blasinstrumente mit Ventilen und Bordstein (Kinnstütze) der Violinen und Bratschen, von etwas Neuem zum Standard. Die Zunahme der Musikausbildung diente dazu, ein breiteres Publikum für Klaviermusik und anspruchsvollere Musikkonzerte zu schaffen. Mit der Gründung von Konservatorien und Universitäten wurde den Musikern die Möglichkeit eröffnet, als Professoren eine stabile Karriere zu machen, statt selbstständig Unternehmer zu sein. Die Summe dieser Veränderungen zeigt sich in der gigantischen Welle von Symphonien, Konzerten und symphonischen Dichtungen, die in vielen Städten und Ländern wie Paris, London oder Italien entstanden sind.
In der Spätromantik entstanden auch so genannte „nationalistische“ Genres, die mit volkstümlicher (folkloristischer) Musik und der Poesie bestimmter Länder in Verbindung gebracht wurden. Der Begriff der deutschen oder italienischen Musik war bereits in der Musikgeschichte weit verbreitet, aber seit dem Ende des 19. Jahrhunderts entstanden die russischen Subgenres (Michail Glinka, Musorgski, Rimski-Korsakow, Tschaikowsky und Borodin); Tschechisch, Finnisch und Französisch. Viele Komponisten waren in ihren Zielen explizit nationalistisch und versuchten, Oper oder Musik mit der Sprache und Kultur ihrer Heimatländer zu komponieren.
Post-Romantik (1870-1949)
Es kann als eine Bewegung des späten neunzehnten und frühen zwanzigsten Jahrhunderts angesehen werden, die sich durch orchestrale Ausgelassenheit und Missverhältnis in den sinfonischen Entwicklungen von der Romantik unterscheidet, sie zeichnet sich auch durch einen intensiven Chromatismus aus, der Richard Wagner übertrifft. In post-romantischen Komponisten wird die Melancholie beobachtet, die den Verlust der romantischen Kultur bewirkt.
Die repräsentativsten Komponisten dieses Stils waren Anton Bruckner, Erik Satie, Gustav Mahler und Richard Strauss.
Der romantische Musiker
Durch die Einstellung gegenüber der Gesellschaft und der Welt wurde Beethoven zum Vorbild der romantischen Bewegung, die zugleich ein gefährliches Vorbild war. Es war sicherlich die Figur, die der Romantik das Paradigma für sein Konzept des „Künstlers“ gab. Das ließ die Idee des „Musikers“, der der Gesellschaft einen direkten Dienst verlieh, nicht verschwinden, das heißt, das Lied, Organist der Kirche, Sänger des Chors, Direktor des Orchesters des Theaters und eine lange und so weiter.
Klar ist, dass die romantische Bühne die Konfrontation zwischen dem „Künstler“ und dem „Philister“ hervorgebracht hat, wie Robert Schumann in seinem Werk Carnival musikalisch sagte. Mit Beethoven begann eine Zeit, in der die Symphonien, Oratorien, Kammermusik, Chor und Lyrik aller Art und sogar die Opern komponiert wurden, ohne dass jemand sie in Auftrag gab, für ein imaginäres Publikum, für die Zukunft und für die Ewigkeit.
Die Isolation des romantischen Musikers geschah nicht rückwirkend auf seine Persönlichkeit und auf den Charakter seiner Arbeit. Vor 1800 mussten alle Zusammensetzungen für sofortige Bewertung empfänglich sein; wenn die Abweichung der alten Bräuche, der Tradition, übertrieben war, war sie nicht frei von Gefahren, da mehr als ein Komponist die Gelegenheit hatte, aus seinen eigenen Erfahrungen zu lernen. Dies war unter anderem bei Monteverdi, Gluck oder Haydn der Fall.
Auf der anderen Seite war Wettbewerb in Originalität eher die Ausnahme als die Regel. Also, die Generationen folgten einander. Romantische Musiker setzten sich gegen die Tradition durch, und sie hörten nicht nur auf, der Originalität zu entgehen, sondern sie verfolgten sie, und je freier vorgefasste Ideen ein Werk war, desto größer die Schätzung, die es hervorrief.
Die romantische Musik, die Musik des neunzehnten Jahrhunderts, erscheint voll von einer Abfolge von Persönlichkeiten verschiedenster Art, mit einer Reihe von Profilen, viel ausgeprägter und differenzierter als in früheren Jahrhunderten, und es ist eine sehr schwierige Aufgabe, den Verlauf ihres Evolution.
Romantik im 20. Jahrhundert (ab 1901)
Viele der Komponisten, die im 19. Jahrhundert geboren wurden und bis ins 20. Jahrhundert komponierten, verwendeten Formen, die in klarem Zusammenhang mit der vorherigen Musikzeit standen, darunter Sergei Rachmaninoff, Giacomo Puccini, Richard Strauss und Kurt Atterberg. Auf der anderen Seite schrieben viele der Komponisten, die später als Modernisten identifiziert wurden, in ihren frühen Werken mit einem ausgeprägten romantischen Stil, wie Igor Strawinsky (sein Ballett Der Feuervogel ist bemerkenswert), Arnold Schönberg (Gurrelieder) und Béla Bartók ( Das Blaue Bartschloss). Aber das Vokabular und die musikalische Struktur des späten 19. Jahrhunderts hörten nicht auf; Ralph Vaughan Williams, Erich Korngold, Berthold Goldschmidt und Sergéi Prokófiev setzten dieses Genre der Komposition nach 1950 fort.
Obwohl einige neue Tendenzen, wie der Neoklassizismus oder die atonale Musik, die Vorrangstellung des romantischen Genres in Frage stellten, blieb das Interesse an der Verwendung eines auf die Tonalität ausgerichteten chromatischen Vokabulars in den wichtigsten Werken präsent. Samuel Barber, Benjamin Britten, Gustav Holst, Dmitri Schostakowitsch, Malcolm Arnold und Arnold Bax, obwohl sie sich als moderne und zeitgenössische Komponisten betrachteten, zeigten oft romantische Tendenzen in ihren Werken.
Die Romantik erreichte um 1960 einen rhetorischen und künstlerischen Tiefpunkt: Alles deutete darauf hin, dass die Zukunft von Genres avantgardistischer Komposition oder mit einer Art neoklassischer Elemente geprägt sein würde. Während Hindemith in ihren romantischen Wurzeln zu wiedererkennbaren Stilen zurückkehrte, bewegten sich viele Komponisten in andere Richtungen. Es schien, dass nur in der UdSSR oder China, wo es eine konservative akademische Hierarchie gab, die Romantik einen Platz hatte. In den späten 1960er Jahren begann jedoch ein Wiederaufleben von Musik, die eine romantische Oberfläche hatte. Komponisten wie George Rochberg gingen von seriellen Musik zu Modellen auf der Grundlage von Gustav Mahler, ein Projekt, in dem er von anderen wie Nicholas Maw und David Del Tredici begleitet wurde. Diese Bewegung wird oft als Neoromantik bezeichnet und umfasst Werke wie die Erste Symphonie von John Corigliano.
Ein anderer Bereich, in dem das romantische Genre überlebt hat und sogar gediehen ist, ist in den Soundtracks. Viele der ersten Emigranten, die aus Nazi-Deutschland geflohen waren, waren jüdische Komponisten, die bei Mahler oder seinen Schülern in Wien studiert hatten. Die Partitur des Films Gone With the Wind des Komponisten Max Steiner ist ein Beispiel für die Verwendung von Wagner-Leitmotiven und Mahler-Orchestrierung. Die Musik der Filme des Goldenen Zeitalters von Hollywood wurde größtenteils von Korngold und Steiner, sowie von Franz Waxman und Alfred Newman komponiert. Die nächste Generation von Komponisten für das Kino, die von Alexander North, John Williams und Elmer Bernstein komponiert wurde, griff auf diese Tradition in der Komposition von Orchestermusik für ein vertrauteres Kino am Ende des 20. Jahrhunderts zurück.
Musikalische Formen der Romantik
Die musikalische Romantik dauerte von 1770 bis 1910, so war das am häufigsten verwendete Instrument das Klavier. Im Bereich der Instrumentalmusik war sein Hauptgut die Sonate, die in Beethovens Symphonien ihren stärksten Ausdruck und ihre universelle Bedeutung gefunden hatte.
Der Weg in der romantischen Symphonie
Von Anfang an nahmen die Romantiker eine entspannte Haltung gegenüber der symphonischen Form ein.
Zu dieser Zeit war es bereits veröffentlicht und bearbeitet die Eroica, das Modell der höchsten Schwere, die wie ein Hymnus der reinsten Struktur klingt. Diese Komposition, in der sich kein Instrument innerhalb der Gruppe aufdrängt und wo jeder zum globalen symphonischen Ziel beiträgt.