Die 56. Internationale Kunstausstellung mit dem Titel All the World’s Futures ist vom 9. Mai bis 22. November 2015 in den Giardini della Biennale und im Arsenale für die Öffentlichkeit zugänglich. Anlässlich des 120-jährigen Jubiläums bildet die Ausstellung einen einheitlichen Weg, der am Zentralpavillon (Giardini) beginnt und im Arsenale fortgesetzt wird. Die Biennale baut auf ihrer eigenen Geschichte auf und bewegt sich Jahr für Jahr weiter, die aus vielen Erinnerungen, aber insbesondere einer langen Abfolge unterschiedlicher Perspektiven besteht, um das Phänomen zeitgenössischen künstlerischen Schaffens zu beobachten.

Kuratiert von Okwui Enwezor und organisiert von der Biennale di Venezia unter dem Vorsitz von Paolo Baratta, stellte art Participations in den historischen Pavillons der Giardini, im Arsenale und in der Stadt Venedig aus. Mit über 136 Künstlern aus 53 Ländern. Von den ausgestellten Werken werden 159 ausdrücklich für die diesjährige Ausgabe realisiert. Die erstmals an der Ausstellung teilnehmenden Länder sind Grenada, Mauritius, Mongolei, Republik Mosambik und Republik Seychellen. Weitere Länder nehmen nach Jahren der Abwesenheit in diesem Jahr teil: Ecuador, die Philippinen und Guatemala.

44 Begleitveranstaltungen, die vom Kurator der Internationalen Ausstellung genehmigt und von gemeinnützigen nationalen und internationalen Institutionen gefördert werden, präsentieren ihre Ausstellungen und Initiativen an verschiedenen Orten in der Stadt Venedig.

Die Zukunft der ganzen Welt
Die Biennale beobachtet die Beziehung zwischen Kunst und der Entwicklung der menschlichen, sozialen und politischen Welt, da äußere Kräfte und Phänomene groß auf ihr aufragen. All the World’s Futures untersucht, wie die Spannungen der Außenwelt auf die Befindlichkeiten und Lebens- und Ausdrucksenergien von Künstlern, auf ihre Sehnsüchte und ihren inneren Gesang wirken. Die Welt vor uns weist heute tiefe Spaltungen und Wunden, ausgeprägte Ungleichheiten und Zukunftsunsicherheiten auf. Trotz des großen Wissens- und Technologiefortschritts verhandeln wir derzeit über ein „Zeitalter der Angst“.

Die zentrale Frage der Ausstellung lautet: Wie können Künstler durch Bilder, Objekte, Worte, Bewegungen, Aktionen, Texte und Klänge das Publikum im Akt des Zuhörens, Reagierens, Mitmachens und Sprechens zu dem Ziel versammeln, Sinn für die Umbrüche dieser Zeit? Kurz gesagt: Wie reagiert die Kunst auf den aktuellen Stand der Dinge?

Diese Biennale geht daher von der Dringlichkeit aus, eine Bestandsaufnahme des „Standes der Dinge“ vorzunehmen. Die aktuelle Komplexität erkennend, ein allumfassendes Thema und eine Ausstellung vorschlagen, die eine Vielzahl von Inhalten sowohl aus zeitlicher Sicht – mit Werken aus Vergangenheit und Gegenwart, von denen viele für diesen Anlass in Auftrag gegeben wurden – als auch Sprache zusammenführt . Das Herzstück dieser Vision ist der Raum der Arena im Zentralpavillon, der Schauplatz von Lesungen, Performances, Konzerten und Theaterstücken war, die synchrone und diachrone Visionen der zeitgenössischen Gesellschaft bieten.

Alles wird vor dem Hintergrund der 120-jährigen Geschichte der Biennale ausgestellt. Fragmente der Vergangenheit finden sich an jeder Ecke, auch weil die Biennale in den Bereichen Kunst, Architektur, Tanz, Theater, Musik und Kino aktiv ist. Es ist die facettenreiche, komplexe Realität, die der Ausstellung hilft, solche Gefahren zu vermeiden. Der große Berg der Bruchstücke unserer Geschichte wächst von Jahr zu Jahr. Gegenüber steht der noch größere Berg von allem, was in vergangenen Biennalen nicht gezeigt wurde.

Nationale Pavillons

Albanien-Pavillon: Albanische Trilogie: Eine Reihe hinterhältiger Strategien
Armando Lulajs „Albanian Trilogy: A Series of Devious Stratagems“ von Armando Lulaj aus Tirana schickt Sie zurück, um nach vorne zu schauen. Lulaj, der auf der Biennale von Venedig kein Unbekannter ist und bereits in der Ausgabe 2007 ausgestellt hat, nutzt seinen vielfältigen Hintergrund als Dramatiker, Autor und Videoregisseur, um Konfliktregionen und bedrohte Gebiete zu untersuchen. Seiner Ansicht nach drohen das kollektive Gedächtnis und die kulturellen Traditionen Albaniens verloren zu gehen. Eine Reflexion über die albanische Sozialgeschichte, ein einziges Erzählkorpus, das sich über drei verschiedene Momente hinweg artikuliert: Die albanische Trilogie ist eine Art Zeitkapsel der Vergangenheit mit seltsamen Erinnerungsstücken und Trophäen, die gleichzeitig fiktionales und dokumentarisches Material präsentiert. Evokation und Dokumentation kombinieren,Das Projekt konzentriert sich auf eine historisch-politische Phase, die für den Aufbau einer nicht nur albanischen, sondern auch internationalen Identität von großer Bedeutung war.

Für die Biennale treffen Lulajs visuelle Ausdrucksformen der Zeit des Kalten Krieges in seinem Heimatland den Puls einer bewegten Vergangenheit und überarbeiten eine eingebettete Erzählung, um die albanische Geschichte in die Gegenwart zu bringen. Die dreiteilige Serie beginnt mit It Wears as It Grows (2011), gefolgt vom beliebten NEVER (2012) und endet mit Recapitulation (2015), die eigens für die Biennale kreiert wurde. Zu sehen sind drei Videos und Archivalien sowie ein riesiges Walskelett, das zugleich Protagonist und stummer Zeuge ist, eine Inkarnation des Riesen-Leviathan, des Hobbesschen Souveränitätsprinzips. Für Armando Lulaj stellt die albanische Trilogie den Abschluss langjähriger Forschungen zur Zeit des Kalten Krieges in Albanien und insbesondere zu den relativen Themen kollektiver Erinnerung und historischer Erfahrung dar,in einer Filmtrilogie vereint, in der drei mythische Fetische Meer, Luft und Land symbolisieren.

Andorra Pavillon: Innere Landschaften. Konfrontationen
Angesichts der Tyrannei eines gigantischen numerischen Gedächtnisses, das durch die vertikale Softpower der großen Internetfirmen aufgezwungen wird, oder wo Amnesie völlig unmöglich ist, weil alle Daten gespeichert sind, ist die Privatsphäre von einer Milliarde Menschen verschwunden. Die Installation der Malerin Joan Xandri, etwa zwanzig Bilder präsentiert als langer Bug eines Schiffes, aufrecht auf dem Boden und ungeordnet, oft zurück zur Schrift, auch Teile angrenzender Werke verdeckend, lädt uns ein, über die Grenzen nachzudenken und zu begreifen, die wir alle müssen jetzt davon ausgehen, unsere Privatsphäre oder sogar unsere Seelen zu schützen. Auf diese Weise führt er uns auch in einen ungewöhnlichen Raum, in dem der Betrachter von seiner Vorstellungskraft in eine zweite Visualisierung gezogen wird, in der der Fluss seine Inspiration aus einer Arbeit bezieht, die die traditionellen Codes der Malerei bewusst verwischt.

Das Werk des Bildhauers Agustí Roqué ist wie eine feine Landschaft zu betrachten, die zur Horizontalen tendiert, ohne wirklichen Brennpunkt oder Symmetriezentrum, die Grundlage postmoderner Stillleben, die ihre Betrachter für eine Begegnung mit dem Unbekannt durch eine Konfrontation mit sich selbst und einen Raum, mit dem sie mentale Spiele spielen können. Agustí Roqué bewegt sich mit Leichtigkeit in einer Postmoderne, in der er ein Werk mit völliger Autonomie errichtet hat, das sich zwar vollständig mit den vielfältigen Möglichkeiten eines präzisen Produktionssystems identifiziert, aber seine Freiheit bewahrt. Drei Werke, die unter dem stimmungsvollen Label Inside-Inside zusammengefasst sind, das im Bedarfsfall die wunderbare Arbeit über den Raum verdeutlichen, der er seit langem seine ganze schöpferische Energie widmet,der Skulptur den zusätzlichen Gegenstand eines Raum-Zeit-Ereignisses zu geben.

Angola-Pavillon: Auf Wegen des Reisens
„Auf Wegen des Reisens“. Zeitgleich mit 40 Jahren Unabhängigkeit seit Portugal im Jahr 1975 begibt sich diese Gemeinschaftsausstellung auf eine Reise durch die nationale Geschichte, um gangbare Wege für die kommenden Jahre zu eröffnen. Beherbergt im Palazzo Pisani, der im 15. und 17. Jahrhundert erbaut wurde, einer Zeit, in der riesige Seemächte ihre Überseeimperien ausbauten und Portugal sich ein halbes Jahrtausend in Angola niederließ. Wie in „On Ways of Travelling“ angedeutet, sind die Auswirkungen der Besatzung im zeitgenössischen Angola immer noch lebendig, insbesondere wenn es um Fragen wie die Vereinbarkeit von Tradition und Moderne geht. Die jüngsten Bürgerkriege haben die fragile Konstruktion eines angolanischen Selbst weiter zerstreut Nach einer traumatischen Vergangenheit wehen Winde der Hoffnung.Die Werkauswahl versammelt aufstrebende Künstler um Antonio Ole, dieser Generationendialog bietet einen erfrischenden Blick auf die gesellschaftlichen und kulturellen Entwicklungen eines neuen Angola.

Es gibt einen starken Druck auf die jüngere Generation, die Bemühungen um eine bessere Zukunft zu übernehmen. Als Symbol des angolanischen Widerstands ist die Machete Träger einer bemerkenswerten bildlichen Darstellung; Délio Jasse präsentiert in fotografischer Form eine Studie über das Gedächtnis, seine Sedimentation und den Grund des Vergessens; Nelo Teixeira folgt mit einer Arbeit, in der Holz die Grundstruktur bildet und in der die Einbindung des Objekts trouvé parallele Erzählungen akzentuiert; und schließlich präsentiert Binelde Hyrcan, ein sehr vielseitiger Künstler in seinen ästhetischen Entscheidungen, Videos und Installationen seiner neuesten Forschungen. Oles zentrales Stück besteht aus zwei Metallblechwänden, einem Material, das in Baugruben am Rande afrikanischer Ballungszentren verwendet wird. Menschlicher Widerstand und Überleben ist ein zentrales Thema seines Schaffens. Boden,leere Glasflaschen und aus Angola importierte zerrissene Stoffstücke werden in eingebauten Vitrinen gestapelt, was auf die Anwesenheit solcher provisorischen Gebäudebewohner hindeutet. In der Nähe fordern zwei monumentale Skulpturen aus gestapelten Plastikeimern die Gesetze der Schwerkraft heraus.

Argentinien-Pavillon: Der Aufstand der Form
Die Ausstellung mit dem Titel „Die Rebellion der Form“ erinnert an die preisgekrönten Künstler verschiedener Biennalen – Julio Le Park, Antonio Berni und León Ferrari. Die Ausstellung reflektiert den menschlichen Zustand, in dem der Körper / die Körper ein privilegiertes Erfahrungsgebiet sind, Figuren, die entkommen oder sich in Spannungen und Stürze drängen, indem sie ihr Verhältnis zu Raum und Materie verändern. Alle anderen der 23 ausgestellten Stücke sind in Farbe und mit diesem speziellen und umhüllenden Harz versehen, das seine Werke einzukapseln scheint. Der Tod hat eine Uhr und obendrauf Gravuren, Notizen zu Artikel 59, die sexuelle Dienste anbieten: Es ist das Wunder der griechischen Kunst, das in einen Transvestiten des 21. Jahrhunderts verpflanzt wurde. Am Eingang des Pavillons haben die Skulpturen den gleichen Abstand zum menschlichen Auge, weil ihnen Sockel fehlen,die einen sehr starken Dialog mit den Menschen erzeugt. Die Arbeiten von Juan Carlos Distéfano gehen über die lokale Ebene hinaus. sich im Panorama der universellen Kunst zu erheben, die physische und zeitliche Grenzen ignoriert.

‚Mischievous Emma‘ ist eine Hommage an Spilimbergo aus der Serie einer Prostituierten, die diesen Namen trägt, eine großartige, aber schreckliche Skulptur, es geht um die Figur einer Transvestiten, die einen Pantoffel zu Tode trägt, der ihren blanken Hals und schwarz lutscht, und darunter befindet sich ein Boden, der ebenfalls ein Schachbrettmuster in diesen beiden Farben ist. ‚Los enluminados‘, das stark auf Gewalt anspielt, wo die verschiedenen Machtebenen mit auf den Knien gefalteten Händen in einer Gebetshaltung und zurückgeworfenen Köpfen zur Seite schauen und die absolute Gleichgültigkeit eines ganzen Sektors zeigen Macht in Bezug auf das, was während der Militärdiktatur geschah. Distéfamos Skulptur zeigt einen Arbeiter, der einen Drachen sieht, der sich verheddert und an einem Laternenpfahl befestigt und mit einer Zange das Kabel durchtrennt.Er möchte, dass der Drachen wieder auffliegt, auf die Gefahr hin, einen Stromschlag zu erleiden, in einer Metapher des Mannes, der sich zum Wohle anderer opfert.

Armenien-Pavillon
Gewinner des Golden Lion Award
Armenischer Pavillon erinnert an 100 Jahre seit dem Völkermord an mehr als einer Million Armeniern durch osmanische Türken während des Ersten Weltkriegs. Die Ausstellung überdenkt den Begriff der „Armenie“ und erweitert diese Reflexion auf die Konzepte von Identität und Erinnerung, Gerechtigkeit und Versöhnung, in deren Namen noch immer viele zeitgenössische Kämpfe stattfinden. Zu sehen ist eine Sammlung von Arbeiten von Künstlern, die mit die Diaspora aus verschiedenen Ländern Europas, Amerikas und des Nahen Ostens. Die Installation selbst findet im armenischen Mechitaristenkloster auf einer kleinen Insel südöstlich von Venedig statt, die mit dem Vaporetto erreichbar ist. Viele wichtige Werke der europäischen Literatur und religiösen Texte wurden zuerst auf dieser malerischen Insel ins Armenische übersetzt.In seiner dreihundertjährigen Geschichte hat das Kloster San Lazzaro mit seinen Gärten, der ehemaligen Druckerei, dem Kreuzgang, dem Museum und der Bibliothek dazu beigetragen, das einzigartige kulturelle Erbe Armeniens zu bewahren

„Armenity“, eine komplexe und unregelmäßig konstruierte Selbstidentität der vertriebenen Diaspora von Überlebenden des Völkermords und ihrer Vorfahren. Beispielhafte Beiträge zum Pavillon sind die von Nina Katchadourian und Aram Jibilian. In Accent Elimination (2005) untersucht Katchadourian die Psychologie hinter elektiver Assimilation, indem sie die Dienste von Akzenttrainern kauft (die in diasporischen Gemeinschaften stark werben) und dann ihren Eltern beibringt, „natürliches“ Englisch zu sprechen. Jibilian, Fotograf und Sozialarbeiter in New York, präsentiert eine Reihe von Arbeiten aus den Jahren 2008–15, die das vielseitige Erbe des berühmten armenischen Malers Arshile Gorky untersuchen: In sorgfältig arrangierten Bildern bewohnen Jibilian und seine Familie symbolträchtige Räume, während sie Masken tragen, die aussehen, als ob sie aussehen wie Gorki,Offenlegung der Selbstauslöschung und Verkleidung, die von Überlebenden des Völkermords erforderlich ist, und Hinterfragen des Erbes vergangener Tragödien auf die Kunstwerke zukünftiger Generationen.

Australien Pavillon: Fiona Hall: Wrong Way Time Way
„Wrong Way Time“ konzentriert sich auf den „Wahnsinn, die Schlechtigkeit und die Traurigkeit“ von drei Hauptbereichen: globale Streitigkeiten, Finanzen und Umwelt. „Wrong Way Time“ betrat einen dunklen Raum, in dem beleuchtete Objekte aus den Schatten traten, gemalte Uhren tickten und aus der Zeit kuckuckten; verkohlte Schränke waren gefüllt mit Sammlungen von Banknoten, Zeitungen und Atlanten; komplizierte gehämmerte Zinnskulpturen krochen aus Sardinenbüchsen; und geformte Vogelnester wurden aus zerfetzten Banknoten hergestellt. Die Ausstellung vereint Tausende von Elementen zu den Themen „Wahnsinn, Schlechtigkeit und Traurigkeit“. Fiona Hall erklärt ihre Ausstellung als „einen persönlichen Versuch, einen Zustand von Düsterheit und Chaos mit Neugier und Zuneigung für den Ort, an dem wir alle leben, zu verbinden“.

Der neue australische Pavillon wurde auf der 56. Internationalen Kunstausstellung der Biennale von Venedig wiedereröffnet. Dieses neue elegante Gebäude stellt ein ehrgeiziges Kapitel der australischen Kunst auf internationaler Ebene dar, respektiert die Bedeutung des Erbes Venedigs und präsentiert das Beste der australischen Kunst und Architektur für zukünftige Generationen auf der internationalen Bühne. Die Begleitausstellung Country präsentierte die Arbeit von 30 Künstlern der Aborigines und der Torres Strait Islander aus einer Reihe von Outback-Gebieten in ganz Australien. Die Ausstellung war das Ergebnis des eineinhalbjährigen Australien-Aufenthalts der italienischen Künstlerin Giorgia Severi mit Zwischenstopps in Kunsträumen auf dem ganzen Kontinent. Country befasste sich mit dem „Melting Pot verschiedener Kulturen in australischen Gemeinden“ und untersuchte die Verbindungen zwischen Erinnerung und Tradition.

Österreich Pavillon: Heimo Zobernig
Zobernig erforschte diese Themen in Malerei, Video und Installation. Neben der Ausstellung freistehender Werke hat Zobernig den Pavillon selbst verändert, um der besonderen Herausforderung Rechnung zu tragen, Kunst in einem inhärent nationalistischen und wettbewerbsorientierten Raum zu schaffen. Ausgangspunkt für die Überlegungen von Heimo Zobernig: Wie kann man adäquat zu einem auf nationalstaatlicher Repräsentativität basierenden Umfeld beitragen, in dem einzelne Stimmen ständig um maximale Aufmerksamkeit konkurrieren? Welche Phänomene sind in einem solchen Kontext sinnvoll? Und genau für solche Zwecke bietet der Österreichische Pavillon mit seiner klassischen wie seiner modernen Formensprache einen idealen Ausstellungsraum.

Der von Josef Hoffmann und Robert Kramreiter entworfene und 1934 erbaute Österreichische Pavillon mit seinen klassischen Rundbögen und majestätischen Blickachsen einerseits und seinen klaren rationalen Formen und modernen Materialien andererseits bewegt sich zwischen Historizität und Moderne . Mit einem schwarzen Monolithen, der unter der Decke zu schweben scheint und die gesamte Grundfläche des Pavillons verschattend, und einer schwarzen Bodenkonstruktion, die die unterschiedlichen Ebenen des Pavillons aufhebt, entzieht Zobernig die historisierenden architektonischen Elemente des Gebäudes. Zobernigs komplexe Intervention relativiert die Grenzen zwischen architektonischem Raum und Natur, innen und außen. Seine architektonische Intervention, deren isometrische Pläne an Mies van der Rohes Nationalgalerie in Berlin erinnern,bildet zusammen mit Garten und Hofrückwand einen geschlossenen Ort zum Verweilen und Reflektieren über die Präsentationsweisen der Kunst und die menschliche Präsenz im Raum.

Aserbaidschan-Pavillon: Jenseits der Linie
Vita Vitale und Beyond the Line bringen internationale zeitgenössische Künstler zusammen, deren Werke Besorgnis über das Schicksal unseres Planeten zum Ausdruck bringen. Die Ausstellung präsentiert erstmals die Originalkunst der aserbaidschanischen Avantgarde des letzten Jahrhunderts einem breiten Fachpublikum. Die Isolation der offiziell nicht anerkannten Künstler in Aserbaidschan zur Zeit der Sowjetunion war total. Die Künstler mussten nach Inspiration tief in sich graben, fanden sie aber auch in der jahrhundertealten aserbaidschanischen Tradition des Kunsthandwerks und der Teppichherstellung. Tofik Javadov, Javad Mirjavadov, Ashraf Murad, Rasim Babayev und Fazil Najafov sind alle Meister einzigartiger Talente, von denen jeder seine eigene unverwechselbare Kunstpraxis pflegte. Sie sind durch eine Bildsprache verbunden, die ihre tiefen kulturellen Einflüsse ausdrückt,eine symbolische Bildsprache und die Verwendung von National- und Volksstilen des Nahen Ostens von bemerkenswerter Raffinesse.

Die beiden Ausstellungen zeigen ein Land, das über seine Vergangenheit und seine Zukunft nachdenkt, sowie die Auswirkungen der sozialen und industriellen Transformationen des 20. Jahrhunderts auf seinen eigenen Boden und den der Welt. Beyond the Line greift einen entscheidenden Moment in der Geschichte Aserbaidschans auf und gibt ihre Stimme an die Künstler der Mitte des Jahrhunderts des Landes zurück, die unter der sowjetischen Herrschaft zum Schweigen gebracht oder ignoriert wurden. Mit Vita Vitale blickt Aserbaidschan nach vorne und über seine geografischen Grenzen hinaus und bietet eine Plattform für internationale Künstler und Wissenschaftler, die sich mit den ökologischen Herausforderungen auseinandersetzen, denen wir heute und morgen aufgrund unseres technologischen Fortschritts und des daraus resultierenden Konsums global gegenüberstehen. Beide Ausstellungen zeigen die Ernsthaftigkeit der Stimme des Künstlers zu den sozialen und ökologischen Themen, die nicht nur die Vergangenheit, Gegenwart,und Zukunft Aserbaidschans, sondern des Planeten.

Belarus-Pavillon: Archiv der Kriegszeugen
War Witness Archive ist ein künstlerisches Inventar der Erinnerung an Weltkriege. Das Projekt konzentriert sich auf eine Person – ein Zeuge von Krieg, Konflikt, Schmerz eines anderen Menschen, Leiden, Angst vor der Zukunft. „Der Kommunikationsraum“ entsteht mit Hilfe der Fotoarchive der Wendepunkte des 20. Jahrhunderts, des Ersten und Zweiten Weltkriegs. Das Projekt begann mit der Recherche von Fotoarchiven im Zusammenhang mit der Geschichte des Ersten Weltkriegs und entwickelt sich nun im Gegensatz zum Fotoarchiv des Zweiten Weltkriegs. Das Archiv bildet seinen Körper, der Zeugnisse über vergangene Ereignisse sammelt, die im Gedächtnis der Zeitgenossen gespeichert sind. Die Ausstellung im Museum für zeitgenössische Kunst im Jahr 2014 ist die erste Verkörperung des WWA. Das Projekt setzt seinen Lebenszyklus fort, in dem ein traditionelles Fotoarchiv einen neuen Zustand erhält,ein Zustand des Metaarchivs.

Belgien Pavillon:
„Personne et les autres“ zeigte Einzel- oder Duoausstellungen belgischer Künstler. Es stellt den Begriff der nationalen Repräsentation in Frage, indem es sich vom traditionellen Format einer Einzelausstellung abwendet und sich öffnet, um mehrere Positionen und Standpunkte einzubeziehen. Die Ausstellung untersucht die Folgen politischer, historischer, kultureller und künstlerischer Interaktionen zwischen Europa und Afrika in der Zeit der kolonialen Moderne und in deren Nachwirkungen. Es untersucht unbekannte oder übersehene Mikrogeschichten, macht alternative Versionen der Moderne sichtbar, die als Ergebnis kolonialer Begegnungen entstanden sind, und erzählt Geschichten, die sich außerhalb und als Reaktion auf akzeptierte koloniale Hierarchien entfalteten. Ziel des Projekts ist es, Einblicke in die vielfältigen Formen – ob künstlerische, kulturelle oder intellektuelle – zu geben, die in dieser Zeit entstanden sind.

In „Personne et les autres“ werfen der belgische Künstler Vincent Meessen und eine Gruppe internationaler Künstler, die er als seine Mitarbeiter auswählte, einen Blick auf die koloniale Vergangenheit Belgiens und die von ihr geprägte Zukunft. Die Ausstellung, benannt nach einem verschollenen Theaterskript von André Frankin, einem belgischen Kunstkritiker und frühen Mitglied der Situationistischen Internationale (einer radikalen Gruppe von Künstlern und Philosophen, die die kongolesische Revolution beeinflusst haben sollen) weist auf die Notwendigkeit eines neuen Verständnisses von Die Auswirkungen des Kolonialismus auf Kunst und Arbeit. Es hinterfragt die eurozentrische Idee der Moderne, indem es ein gemeinsames avantgardistisches Erbe untersucht, das von einer künstlerischen und intellektuellen gegenseitigen Befruchtung zwischen Europa und Afrika geprägt ist und pluralistische sogenannte „Gegenmodernen“ hervorgebracht hat.

Brasilien-Pavillon: So viel, dass es hier nicht reinpasst
„So sehr, dass es hier nicht passt“, rekontextualisiert der Aktivismus des Landes der 1960er und 1970er Jahre in die fragmentierte soziale Realität des heutigen Brasiliens. In den 1970er Jahren durchzogen Antonio Manuels Interventionen surreale Schlagzeilen und manipulierte Bilder mit authentischen Artikeln, die für ihre Sensationalität kuratiert wurden. Manuel repräsentiert eine Generation brasilianischer Künstler, die von Autoritarismus getrieben sind und sich mit Themen wie Gewalt, Instabilität und Körper auseinandersetzen. André Komatsu und Berna Reale machen beide Arbeiten, die auf Manuels ausgewählte Motive zurückgreifen. Komatsu macht aus dem Schutt des Spätkapitalismus fertige Skulpturen: zerbrochene Ziegel und Betonblöcke; verschüttete Farbe und verlassene Wände; Elektrowerkzeuge, die beim Abriss eingefroren sind. Anders als die Städter Manuel und Komatsu,Reale kommt aus dem abgelegeneren nördlichen Bundesstaat Pará, wo sie eine alternative Karriere als Kriminalexpertin unterhält. Ihre beruflichen Erfahrungen fließen in ihre Performances und Installationen ein, die mit einer disruptiven Präsentation des Körpers die in der heutigen brasilianischen Gesellschaft endemischen Probleme von Kriminalität, Gewalt und sozialer Heterogenität ansprechen.

Kanada Pavillon: Canadassimo
Die riesige immersive Installation mit dem Titel Canadassimo bietet einen seltsamen Weg durch den komplett umgestalteten Canada Pavilion. Unter dem Gerüst, das die Fassade des Gebäudes teilweise verdeckt und den Eindruck erweckt, dass die Ausstellung noch im Bau ist, befindet sich der Eingang zu einem Dépanneur, einem der kleinen Nachbarschaftsläden in ganz Quebec, die Konserven und andere Haushaltsartikel verkaufen. Hinter diesem typisch chaotischen und schäbigen Laden befindet sich ein loftartiger Wohnraum: Obwohl viel organisierter, ist dieser Bereich offensichtlich einem Recycling-Enthusiasten vorbehalten. Als nächstes kommt das, was BGL „das Studio“ genannt hat, ein Ort voller unzähliger Objekte aller Art, darunter Stapel von Blechdosen, die mit Farbtropfen bedeckt sind.Nach dem Weg durch dieses bizarre Wohn- und Arbeitsgebiet können sich die Zuschauer auf einer Terrasse mit herrlichem Blick über die Giardini verweilen.

BGL, ein kanadisches Kollektiv, das für immersive Installationen und öffentliche Interventionen bekannt ist. Die oft als provokativ und kritisch beschriebene Praxis von BGL setzt Humor und Extravaganz ein, um die Welt der Objekte zu erkunden und gleichzeitig soziale und politische Fragen in Bezug auf Natur, zeitgenössische Lebensstile, Ökonomie und das Kunstsystem aufzuwerfen. Zu den Arbeiten des Kollektivs gehören neben Skulpturen und Performances auch riesige Installationen, die den Betrachter in unerwartete Situationen stürzen und ihn dazu anregen, sein eigenes Verhalten zu hinterfragen und seinen Blick auf die Realität zu revidieren. BGL ist fasziniert von einer marginalen Ästhetik und von marginalisierten Menschen, die abseits des Mainstreams leben, dem Bricoleur, dem Collectionneur. Nicht nur Recycling, sondern Wiederverwendung und Umwandlung des Alltagsgegenstandes in etwas anderes. In einer KonsumgesellschaftRecycling wird zu einem Weg, die Gesellschaft zu hinterfragen.

Chile-Pavillon:
„Poéticas de la Disidencia“ (Poetik des Widerspruchs) versammelt Arbeiten zweier chilenischer Künstler, des Fotografen Paz Errázuriz und der Performance- und Videokünstlerin Lotty Rosenfeld. Inspiriert von Chiles neuerer politischer Geschichte repräsentieren die drei Frauen eine Generation chilenischer Aktivisten, die sich in den politisch turbulenten 1970er Jahren entwickelt hat, einem Jahrzehnt, in dem General Augusto Pinochet Salvador Allendes demokratische Regierung in einem blutigen Staatsstreich stürzte und seine eigene fast 20-jährige jahrelange Militärdiktatur. „Poéticas de la Disidencia“ konzentriert sich jedoch auf das heutige Chile und untersucht seinen Übergang von einer Diktatur zurück zu einer demokratischen Regierung.

Der Fotograf Paz Errázuriz durchquerte das Santiago der 1980er Jahre, um Leben am Rande von Pinochets strenger Gesellschaft einzufangen. Ihr epischer Fotoessay La manzana de Adán präsentierte Porträts und Biografien von unterirdischen Transvestiten, männlichen Prostituierten, einer Gemeinschaft, die durch offizielle Missachtung und staatliche Gewalt existenziellem Druck ausgesetzt ist. Die Kuratorin des Pavillons, Nelly Richard, ist eine prominente Kulturkritikerin derselben Generation; der gemeinsame Fokus dieser drei Denker zeigt Chiles Engagement, die Probleme seiner jüngsten Geschichte anzugehen. Die Ausstellung zeigt ein anhaltendes Interesse an Fragen autoritärer Herrschaft: Macht, Reichtum, Geschlecht und Freiheit.

China-Pavillon: Andere Zukunft
Die „Zivile Zukunft“ drückt ein Verständnis aus, die „Andere Zukunft“, alles ist unter den Menschen und weist in die Zukunft. Die Ordnung der Welt sollte nicht von wenigen bestimmt werden. Im Laufe der Zeit schafft das Verhalten der Massen in einer scheinbar unbewussten Bewegung Ordnung, Richtung und Zukunft. Die Entwicklungen der Digital- und Medientechnik erleichtern diesen Prozess zunehmend. Der Einfluss, den jeder Einzelne auf die Zukunft der Welt haben kann, wird immer deutlicher. Wenn einige Straßen auf jungfräulichem Land erscheinen sollen, sind sie weniger wahrscheinlich das Ergebnis der Planung von Stadtplanern und des Baus von Arbeitern; im Gegenteil, sie bilden sich eher in einem langen Prozess des spontanen Auftretens der Massen auf scheinbar ungeordnete Weise.Die Massen sind nicht nur Passanten, die blindlings vorgehen. Sie sind weise, aktiv und spontan.

Xu Bing, Qiu Zhijie, Ji Dachun und Cao Fei präsentieren ihre Arbeiten derzeit an verschiedenen Orten dieser Biennale. Xu Bing ist einer der führenden chinesischen zeitgenössischen Künstler der Avantgarde-Bewegung der späten 1980er Jahre. Xu schuf zwei beeindruckende riesige und prächtige Skulpturen, das „Phoenix Project 2015“ aus den Trümmern von Baustellen in ganz China. Qiu Zhijie gehört zu einer jüngeren Generation, die sich mit Video und Fotografie als neuem Medium beschäftigt. Sein Projekt trägt den Titel „The Historical Circular“ und spricht darüber, wie Geschichte von Zeit zu Zeit in Umlauf gebracht wird. Das Display wirkt sehr überfüllt, schwer verständlich, aber ästhetisch ausgewogen. Ji Dachun zeigt in seinen acht Gemälden die facettenreiche Beziehung zwischen Ost- und Westgesichtern Chinas, während Cao Fei,die jüngste Künstlerin dieser Ausstellung ist, präsentiert ihre Videoarbeit „La Town“. Cao ist international bekannt für ihre multimedialen Kunstwerke als Versuch, ihre sozialen und politischen Fragen zu China zu stellen.

Kroatien-Pavillon: Studien über Zittern: Der dritte Abschluss
Der Pavillon Kroatiens erweitert die Poetik der letzten beiden Filme von Damir Očko, TK (2014) und The Third Degree (2015). Beide Filme hinterfragen die gesellschaftlichen Zwänge, die dem Körper als physisches und soziales Wesen auferlegt werden, und fragen gleichzeitig nach den zugrunde liegenden Normen unserer Gesellschaften. In The Third Degree kann man eine Nahaufnahme von Hautnarben sehen, die von Verbrennungen dritten Grades herrühren, umgeben von einem mikrotonalen Klang einer kristallklaren Note. Gefilmt durch eine Installation von zerbrochenen Spiegeln, die auch die Dreharbeiten der Crew widerspiegeln, wird die Textur der Haut fast zu einem abstrakten Element. Durch die Einbeziehung des Kontextes des Filmsets enthüllt The Third Degree, was sonst den Blicken verborgen bleibt und bindet so den Betrachter in die künstlerische Entwicklung ein.

In diesem Raum ohne Titel wird ein Ensemble von 16 Zeichnungen präsentiert, die von einem der Hauptprotagonisten des Films TK, einem an Parkinson erkrankten alten Mann, angefertigt wurden. Jede dieser Zeichnungen liest den Anfang eines Satzes aus einem Gedicht von Damir Očko, das mit den Worten „In Tranquility…“ beginnt damit sie sich ihrer Rolle im künstlerischen Prozess bewusst werden. Denn wenn der Kontext informiert, transformiert er sich auch, indem er semantische Verschiebungen vornimmt und interne Strukturen des Kunstschaffens aufzeigt, um eine neue Art von Rhetorik zu schaffen, einen Mechanismus, der unsere Position als Zeugen und Akteure der heutigen komplexen Welt stärkt.

Kuba-Pavillon: El artista entre la individualidad y el contexto
Der Kuba-Pavillon unterstreicht die imaginäre und reflexive Bandbreite des Künstlers, die zwischen den ausgeprägten Polen der Individualität und dem Kontext, in dem sie gerade arbeiten, prekär ausbalanciert ist. Der Pavillon unterstreicht die Fähigkeit der Künstler, einer dialogischen und narrativen Struktur Leben einzuhauchen, die ausgehend vom eidetischen und identifizierenden Gepäck des Einzelnen zu einer Erfahrung führt, die sich der Welt und dem Lebendigen sowie dem sozialen und kulturellen Kontext öffnet, die politisches Feld und normalisierte Sphären. Die Ausstellung unterstreicht die Vorstellungs- und Reflexionsfähigkeit des Künstlers zwischen den unterschiedlichen Individualitäten und Kontexten, in denen er/sie lebt und arbeitet. El artista entre la individualidad y el contexto lässt uns nicht nur über Mikrosysteme und den kubanischen Kontext nachdenken, sondern auch über den globalen Raum,das digitale Netzwerk, globale Wirtschaftsprozesse und der anthropologische und ontologische Interessenbereich in geografischen Gebieten.

Die vier kubanischen Künstler Luis Gómez Armenteros, Susana Pilar Delahante Matienzo, Grethell Rasúa und Celia-Yunior sowie die vier internationalen Künstlerinnen Lida Abdul, Olga Chernysheva, Lin Yilin und Giuseppe Stampone repräsentieren symbolisch einen mittleren Raum, einen endlos verletzlichen Bereich, in dem wir uns befinden zu einer Reise ermutigt. Diese Reise liegt in der substantiellen Veränderung unserer Wahrnehmungssysteme, in der Kontamination kreativer Prozesse mit dem städtischen Gefüge, dem Design und der technologischen Erneuerung – alles nur entfernte Systeme der Realität in Kuba. Dieses Projekt präsentiert eine Auswahl der künstlerischen Praktiken einer Generation, die einerseits die Kraft der eigenen Archive, ihre intrinsischen revolutionären ideologischen Spuren, Intimität und Subjektivität als unendliche Inputquelle aufnimmt und andererseitsdurchquert die soziale Realität und überspannt ethische und ästhetische Transformation.

Zypern-Pavillon: Zwei Tage nach der Ewigkeit
„Two Days After Forever“ nimmt als Ausgangspunkt die Erfindung der Archäologie und ihre maßgebliche Rolle bei der Entstehung der Meistererzählung der Geschichte. Um darüber nachzudenken, was es bedeutet, eine Geschichte zu choreografieren, ihre multiplen Pole zu navigieren und in einer Gegenwart zu existieren, die so von der Last umstrittener Ideologien belastet ist. Die 1960er und 70er Jahre waren eine wichtige Übergangszeit für die Republik Zypern. Christodoulos Panayiotou untersucht und eignet sich Archivmaterial aus dieser Zeit in der Geschichte seines Landes an und konzentriert sich dabei auf die offiziellen und zufälligen Konstruktionen nationaler Identität – insbesondere durch die Linse kultureller Zeremonien und Spektakel.

Panayiotou nutzt eine Vielfalt von Strategien und hinterfragt, wie Tradition geformt und Autorschaft und Authentizität gesteuert werden. Durch eine akribische Inszenierung kritisiert die Künstlerin das hyperbolische und aufstrebende Gefüge der Moderne und ihre inkonsistente Vorstellung von Fortschritt. Antike Mosaiksteine, die dem Archäologischen Museum in Nikosia entlehnt wurden, werden als ephemere Kunstwerke neu zusammengesetzt, bevor sie in ihre Heimat auf Zypern zurückgebracht werden, wo sie am Ende der Ausstellung zu ihrem früheren Status als anonyme Ruinen zurückkehren. Two Days After Forever nimmt eine Vielzahl von Modi an, es ist eine Ausstellung, die schläft, aufwacht und unterschiedliche Zeitlichkeiten verkörpert. Als solche manifestiert es sich als Anthropologie der Bewegung im Pavillon und darüber hinaus und beschäftigt sich mit verschiedenen Öffentlichkeiten rund um das Mittelmeer.Im Mittelpunkt dieser Choreografie steht Panayiotous Variation von La Bayadères Tod von Nikiya, die Archäologie und die ultimative balletische Position der Arabesque durch eine fortlaufende Performance, die Biografie mit historischen Imaginationen verschmilzt, in direktes Gespräch bringt.

Tschechischer und slowakischer Pavillon: Apotheose
„Apotheose“ nach dem monumentalen Gemälde Apotheose der Slawen: Slawen für die Menschheit des tschechischen Sezessionisten Alphonse Mucha. David nähert sich Muchas Malerei aus der Position einer zeitgenössischen Künstlergeste der Aneignung und Neuinterpretation von Muchas Werk, repräsentiert durch eine Schwarz-Weiß-Überarbeitung des Originalbildes, stellt gleichzeitig einen Akt der Dekonstruktion dar, der durch seinen subtilen Eingriff in die einzelnen Teile der Komposition verstärkt wird in Form von Apokryphen. Im Mittelpunkt der Installation mit intertextuellen Übergängen steht der aktive Zuschauer, mit einer ganzen Reihe interessanter mentaler, emotionaler und visueller Erfahrungen durch die Teilnahme an einem leeren Raum und einem beengten mit dem zentralen Mittelpunkt eines Korridors,die den Zuschauer vor die Herausforderung stellt, in die „Archäologie des Wissens und der Erinnerung“ einzutauchen. Der Betrachter/Teilnehmer begegnet der neu interpretierten Apotheose, gespiegelt in einer Spiegelwand gleicher Dimensionen und wird zu einem ephemeren Teil davon.

Der Spiegel ist im Kontext dieser Arbeit eine wichtige Metapher, denn er bietet dem Betrachter die Möglichkeit der Selbstreflexion und Introspektion. Die auf Meditation und Verspieltheit basierende Installation motiviert die Rezipientinnen und Rezipienten, sich in einem Zeitstrahl von mehr als einem Jahrhundert geopolitischen und soziokulturellen Fragen zu stellen und stellt Fragen zur Neubewertung von Begriffen wie Heimat, Land, Nation, Staat, die Geschichte der Tschechen und der slawischen Volksgruppe. Auf diese Weise wird Apotheosis auch zu einer zeitspezifischen Installation, die zum kritischen Nachdenken über eine Reihe schwerwiegender politischer, wirtschaftlicher, soziokultureller, philosophischer und soziologischer Fragen anregt, die sich in den breiteren Beziehungen auf die Vergangenheit und Gegenwart der Welt beziehen in denen sich lokale und globale Themen überschneiden.

Ecuador-Pavillon: Gold Water: Apokalyptische schwarze Spiegel
„Gold Water: Apocalyptic Black Mirrors“, ein wahres Manifest für Leben und Kunst. Maria Veronica schafft mit ihren neuen Video-Audio-Polyptychon-Installationen eine multimediale Landschaft, die Zeichnungen, Video, Fotografie, Objekte und Sound als miteinander verknüpfte visuelle Techniken einbezieht, die sich, wie sie sagt, in einem „Techno-Theater“ zeigen, in dem das Wasserelement als Lebensbrunnen verkündet einen neuen Geisteszustand. Ihre Videos schaffen neue Erfahrungen durch die Beziehung zwischen dem Schock des Betrachters und ungewöhnlichen Projektionen, und mit der Art und Weise, wie die Botschaft der Erfahrung mit dem Unerwarteten auf mysteriöse Weise eingeschrieben ist, schaffen sie Realitäten, die die Natur des Objekts verändern, um es in ein Unbekanntes zu versetzen Kontext, der ihm eine neue Identität verleiht. Der Künstler beklagt die Exzesse, Übertreibungen,Rausch und Industriedriften, die bis ins Herz der Natur vordringen und die „Wasserschwingungsenergie“ und die „symbolische, historische und kulturelle Bedeutung des Goldes“ verändern.

Das Projekt ist um ein starkes Symbol herum gebaut: den Kamin, der als Spitzenküche in Würfelform gestaltet ist, jedoch mit einer neuen Identität. Die Relevanz dieser realistischen Struktur liegt in ihrer Universalität, die es dem Künstler ermöglicht, ein originelles Werk zu schaffen, das metaphorisch die Menschheit im Prozess des Selbstvergessens evoziert. Eine Wand aus einer Reihe von Mikrowellen, die in Schienen eingelassen sind, zeigt die Bilder eines verlorenen Paradieses, die an die Wände von Platons Höhle erinnern. Mehrere Videos zeigen die Bilder einer Wasserabfüllanlage: Geschlurfte Rhythmen auf Metalluntergrund lassen Sterne entstehen, die sich öffnen und sich wie neue Galaxien verwandeln. Ein weiteres Video zeigt virtuelles und glühendes Gold im ewigen Kampf gegen Wasser und ruft Chaos hervor. Gold als Wirtschaftsindex wird zum Schönheitsversprechen.

Ägypten-Pavillon: Können Sie sehen?
„Can You See?“ fordert den Betrachter heraus: Die Künstler haben eine klare Botschaft versteckt. Das Wort PEACE wird in fünf dreidimensionalen, grasbewachsenen Strukturen geschrieben, die die menschliche Lesbarkeit überfordern. Beim Navigieren in diesem unsicheren Textraum wird der Betrachter weiterhin mit einer „Augmented Reality“ konfrontiert, die über die Schnittstelle von angebrachten Tablets über dem Galerieraum liegt. Diese virtuelle Interaktion bietet dem Zuschauer die Möglichkeit, zwei sich verzweigende Erzählungen zu wählen, entweder positiv oder negativ, die sich im Raum abspielen und das Wort PEACE in unterschiedliche und manchmal widersprüchliche Szenen verwandeln.

Ein schmaler Pfad aus weißem MDF und mit Kunstrasen bedeckt windet sich um den Raum und schafft Rampen, steile Abhänge und Durchgänge. Eine Handvoll Samsung-Tablets wurden auf Ständen im gesamten Raum so aufgestellt, dass sie die visuellen Hinweise einer ziemlich lahmen, von Unternehmen gesponserten „Kunst“ -Show haben. Ein Soundtrack, der auf Muzak den Titel „Meadow in Springtime“ annehmen könnte. Die Kameras der Tablets sind auf ein Logo gerichtet, das auf das falsche Gras geklebt ist und das „PEACE“ sowohl in lateinischer als auch in arabischer Schrift buchstabiert. Wie sich herausstellt, erzeugen auch die Rampen und Wege von oben betrachtet dieselben Insignien.

Estland-Pavillon: Nicht für die Arbeit geeignet. Die Geschichte eines Vorsitzenden
„Nicht geeignet für die Arbeit. A Chairman’s Tale“, Die Ausstellung ist als fragmentierte fiktive Oper eine multimediale Installation mit Videos und Fundstücken, die neben Archivalien gezeigt werden. A Chairman’s Tale ist eine fragmentierte fiktive Oper, die einem sowjetischen estnischen Kolchosvorsitzenden folgt, der in den 1960er Jahren wegen Homosexualität vor Gericht gestellt wurde. Die Ausstellung vereint Archivmaterialien aus dem sowjetischen Estland und die elegante Ästhetik der Oper.

Samma verfolgt eine ähnliche Strategie, die durch den aus dem Internet-Slang 3 entnommenen und auf Chairman’s Tale übertragenen Titel Not Geeignet für Arbeit hervorgehoben wird, um die prekäre berufliche und soziale Position aller Personen hervorzuheben, die der Kontrolle der Macht ausgesetzt sind. Darüber hinaus verweist die Computerterminologie auf die Durchdringung der Mediengesellschaft, die uns zu passiven Zeugen der Geschichte und ihrer Diskriminierungen, Zwietracht und Widersprüche macht. Die gesellschaftliche Debatte über die Rechte von LGBTI-Personen greift das umfassendere Problem der Verletzung grundlegender Menschenrechte auf, die in der Vergangenheit und in der heutigen Zeit so weit verbreitet war. In diesem Sinne wird die Geschichte des Vorsitzenden zur Spitze des Eisbergs für eine umfassendere Anklage gegen alle Arten von Diskriminierung: kulturelle, soziale, politische, religiöse, sexuelle und rassische. Deshalb,noch einmal, um uns daran zu erinnern, dass Kunst immer für das Nebeneinander von Unterschieden steht.

Finnland-Pavillon: Stunden, Jahre, Äonen
IC-98 verwandeln den Pavillon in eine Kammer, die den Betrachter auf einer anderen Zeitebene in die Giardini führt: Die tiefe Zeit beginnt durch flüchtige Lebenszyklen zu schwingen, und der Raum erscheint als unendliche dunkle Materie. Der Garten als Mikrokosmos des Wissens und der kolonialen Macht über die Welt der kulturellen Vielfalt sowie der Biodiversität erscheint nun als ein Reich der Transformationen, die nur ein Baum durchleben kann. Wie die Verschränkung unterschiedlicher Zeitskalen und Kausalbeziehungen in der Arbeit von IC-98 nahelegt, versagt uns die Teleologie hier und zukünftige Horizonte geraten ins Wanken. Bäume mögen zwar das Land erben, aber was für ein Land müssen wir fragen.

Animationen und Installationen, die metaphorisch aufgeladene Reiche ungewisser Koordinaten schaffen, diese Landschaften sind geprägt von verschränkten Kräften von Natur und Technik, Navigation und Ausbeutung, Klima und Migration. Der Betrachter ist eingeladen, diese Welt zu betreten. Die neue Mixed-Media-Installation von IC-98 setzt ihren Werkzyklus Abendland fort, der nach eigenen Worten darauf abzielt, „eine Welt ohne Menschen zu zeigen, die neue mutierte Landschaft, die auf den Überresten menschlicher Zivilisation gebaut ist Paradies, keine wiedergewonnene pastorale Existenz. Hours, Years, Aeons fasst die langjährigen kritischen Untersuchungen der Künstlerinnen – von den Sitzungssälen der Macht und den Grenzen des öffentlichen Raums bis hin zu ökologischen Grenzen – zu einem epischen neuen Werk zusammen, in dem Materie und Mythos im Gesicht verschmelzen der heutigen seismischen Verschiebungen.Das bedeutet es, sich mit den Endergebnissen des Anthropozäns auseinanderzusetzen.

Frankreich-Pavillon: Revolutionen
„Rêvolutions“, als experimentelles Ökosystem, das den sich ständig weiterentwickelnden Zustand der Natur durch Klang, Licht und Bewegung offenbart. Céleste Boursier-Mougenot verwandelt den französischen Pavillon von einem riesigen, gewölbten Raum in eine kinetische Waldoase, die zum Nachdenken und Rückzug dient. Durch das Zusammenspiel von Kunstfertigkeit und organischer Form verwandelt sich der Pavillon in ein surreales Ökosystem aus Poesie und meditativer Erfahrung. Boursier-Mougenots Arbeiten nutzen häufig technologische Eingriffe, um multisensorische Umgebungen zu schaffen, die den Betrachter in direkten Kontakt mit einer Erfahrungswelt bringen, die der Künstler als ein Phänomen beschreibt, wie einen lebenden Organismus, untrennbar mit den Bedingungen seiner Entstehung und den Umständen der Gegenwart.

Die Besucher werden von drei unheimlichen, zitternden künstlichen Bäumen in und durch den Raum geleitet, die größere choreografierte Bewegungsmuster bilden und ihr eigenes Dröhnen erzeugen. Auf den ersten Blick erkennt man nicht, dass sich der Baum, der mitten im luftigen Pavillon Frankreichs liegt, bewegt. Nur wenn man aus den Nebenräumen des Pavillons genau auf diese imposante Waldkiefer schaut, nimmt man ihren „Tanz“ wahr. Céleste Boursier-Mougenot, Künstlerin und Musikerin, hat durch die Kombination von Natur und Technologie eine Installation (die auch eine Choreografie ist) konzipiert, die von den „wunderbaren Dingen“ der manieristischen Gärten inspiriert ist. Der Baum bewegt sich um den Pavillon herum, abhängig von seinem Stoffwechsel, seinem Saftfluss und den Licht- und Schattenschwankungen in der Umgebung.Gestaltungselemente und Einrichtungsgegenstände innerhalb des Pavillons bieten variable Bezugspunkte für die Zuschauer, und die Struktur selbst ist teilweise mit einem Kunstschaum umhüllt, der für eine frühere Serie entworfen wurde und sich als Reaktion auf die Klänge der Installation ausdehnt.

Georgia-Pavillon: Kriechende Grenze
„Crawling Border“ ist die Realität, mit der Georgien und andere postsowjetische Länder konfrontiert sind und die ihre Existenz der geopolitischen Lage des Landes verdankt wichtigsten Plattformen für zeitgenössische Kunst. Es dient als politische und soziale Botschaft, die eine Art Dissonanz in die aktuelle politische Landschaft Europas bringt. Das Hauptkonzept ist eine als DNA-Kettenanalogie strukturierte Erzählung von Ereignissen, die in ihrer üblichen Umgebung existiert und oft unbemerkt bleibt, bevor sie von . beeinflusst wird externe Faktoren provozieren.Crawling Border wird in erster Linie mit dem heimlichen Ziehen von Grenzen in Verbindung gebracht, und die persönliche Tragödie vieler Menschen dahinter entgeht unserer Aufmerksamkeit oft.

Der Pavillon Georgiens hat die Form einer Kamikaze-Loggia mit einer Ausstellung der Bouillon-Gruppe, Thea Djordjadze, Nikoloz Lutidze, Gela Patashuri mit Ei Arakawa und Sergei Tcherepnin und Gio Sumbadze. Die Ausstellung befasst sich mit der Schaffung einer solchen informellen Architektur, einer Manifestation der Ablehnung dominanter Strukturen, um provisorische Freiheit, lokale Selbstbestimmung und zeitgemäße Aneignung des infrastrukturellen Erbes sowjetischer Masterpläne zu integrieren. Ziel der Ausstellung ist es, die außergewöhnliche Bandbreite an Informalität, Bottom-up-Lösungen und das Konzept der Selbstorganisation in der georgischen Kunst und Architektur zu präsentieren.

Deutschland Pavillon: Fabrik
Fabrik, spielt auf eine Fabrik an, in der nicht Waren, sondern Bilder produziert werden. Daher übernehmen die sechs im Pavillon ausgestellten Werke die Metapher der Bilder, um die Verbindungen und die Zirkulation von Menschen, Ideen und Gütern in der zeitgenössischen, globalisierten und digitalen Welt auszudrücken. „Fabrik“ präsentiert vier künstlerische Antworten auf die Themen Arbeit, Migration und Revolte, wobei jedes Projekt innerhalb des voluminösen Gebäudes vom Keller bis zum Dach seine eigene Bühne erhält. Der Deutsche Pavillon fungiert als dynamische Kunst- und Ideenfabrik und setzt die historische Nutzung des hohen Ausstellungsraums als Spiegel von Geschichte, Erinnerung und Identität fort. Diese verschiedenen Ansätze des Kunstschaffens zu vereinen,Der Deutsche Pavillon soll beleuchten, wie visuelle Medien Realität in Fiktion umwandeln, um den notwendigen gesellschaftlichen Kommentar anzuregen.

Olaf Nicolai besetzt die Dachfläche für eine siebenmonatige Ausstellungsveranstaltung, bei der Schauspieler in einer mysteriösen Produktionskette choreografiert wurden. Er aktiviert das Dach als „Heterotopie“ potentieller Freiheit. Hito Steyerls Videoinstallation Factory of the Sun (2015) ist typisch zwischen dokumentarischer und virtueller Imagination konstruiert, wie es für ihren engagierten, theoretischen Ansatz typisch ist. Reale politische Interessen werden durch eine fiktive Linse kanalisiert, um über die Zukunft der visuellen Kultur und der Bildzirkulation nachzudenken. Tobias Zielony setzt seine Arbeit einer gesteigerten Dokumentation von Menschen am Rande der Gesellschaft fort, die Fotografien afrikanischer Flüchtlinge in Berlin und Hamburg zu einer Erzählung über Migration collagiert. Asmina Metwaly und Philip Rizks Film Out on the Street (2015) ist ein „experimentelles Kammerspiel“ in einer Arbeitergemeinschaft in Ägypten, wo die beiden seit 2011 Unruhen dokumentieren. Dieser Fall von Machtdynamiken in einer privatisierten Fabrik wirft weltweit relevante Bedenken hinsichtlich Ausbeutung und kapitalistischer Herrschaft auf.

Großbritannien Pavillon: Sarah Lucas
„I Scream Daddio“, Einzelausstellung von Sarah Lucas, wiederholt und erfindet die Themen, die ihre kraftvoll respektlose Kunst, Gender, Tod, Sex und die Anspielungen in Alltagsgegenständen definieren, neu. Beim Humor geht es darum, die durch Konventionen aufgeworfenen Widersprüche auszuhandeln. Humor und Ernsthaftigkeit sind gewissermaßen austauschbar. Sonst wäre es nicht lustig. Oder verheerend. In dieser neuesten Werkgruppe bleibt der Körper – sexuell, komödiantisch, majestätisch – ein entscheidender Rückkehrpunkt, während Lucas‘ Werk weiterhin große Themen mit einem unverwechselbaren Witz konfrontiert. Diese derben, ermächtigten Musen bilden einen Chor, der die traditionelle Objektivierung der weiblichen Form in der männlichen Kunstgeschichte auf den Kopf stellt und gleichzeitig an die unvollständigen Körperformen erinnert, die Lucas im Laufe ihrer Karriere geschaffen hat.wie You Know What (1998) oder CNUT (2004).

Zu den Werken der Ausstellung gehört Maradona, eine grandiose Figur in freudiger Ruhe, teils Mensch, teils Maibaum, teils Gottesanbeterin, die in zweifacher Ausfertigung im Zentrum der Ausstellung steht. Benannt nach dem legendären argentinischen Fußballspieler, hockt die Figur auf dem Boden. Der weibliche Körper kommt buchstäblich in einer Reihe von Gipsskulpturen aus fragmentarischen Beinpaaren vor, die durch ihre Kombination mit den gewöhnlichen Wohnmöbeln, die seit Lucas‘ frühesten Installationen zu sehen sind, anmutig animiert werden. Andere Werke sind in Umfang und Thema eher heimisch. Lucas‘ Tit Cat-Skulpturen – wiederum abgeleitet von Modellen aus Stoffstrumpfhosen – kombinieren die drahtigen Formen von Katzen mit abgebundenen, hängenden Kugeln. Wölbend und tänzelnd, ihre Schwänze hängend und aufbäumend,Diese seltsamen metamorphen Kreaturen verkörpern die Art und Weise, wie Lucas‘ Kunst zwischen realen und surrealen Registern gleitet.

Griechenland-Pavillon: Warum Tiere anschauen? Agrimika.
Die Installation mit dem Titel „Why Look at Animals?“ einen Laden für Tierhäute und Leder aus der zentralgriechischen Stadt Volos im neoklassizistischen Gebäude nachbauen. AGRIMIKÁ schlägt vor, dass der Anthropozentrismus des Menschen, der uns dazu führt, uns als „nicht wild und anders als alle anderen Tiere“ zu definieren, eine Reihe von Bedenken auslöst, die von Politik und Geschichte bis hin zu Wirtschaft und Traditionen reichen. Die AGRIMIKÁ von Papadimitriou, zusammen mit dem Laden in Volos, sind die Tiere, die sich der Domestikation hartnäckig widersetzen. Sie koexistieren mit Menschen in einem Zustand, in dem die Rollen von Beute und Räuber ständig wechseln – aber der menschliche Jäger setzt sich normalerweise mit der tierischen Beute als Trophäe durch. Nichtsdestotrotz sind dies die Tiere, die in den meisten grundlegenden Kosmologien und Mythologien vorkommen.

Der kleine Laden in Volos ist ein „objet trouvé“ im griechischen Pavillon. Die Realität des Ladens ist Ausdruck und Dokumentation der einzigartigen Persönlichkeit seines Besitzers, der einen großen Teil der Geschichte des modernen Griechenlands miterlebt und ihr gegenüber eine kritische Haltung bewahrt hat. Der nach Zeit und Ort unverändert erscheinende Agrimiká-Laden ist analog zum umgebenden Raum des neoklassizistischen Pavillons, ebenfalls unverändert. Der Pavillon schafft den Kontext, der dieses räumliche „objet trouvé“ auflädt und enthüllt versucht, unseren instinktiven Widerstand gegen die uns umgebende Dekadenz zu entfachen.Diese Darstellung der Beziehung von Mensch und Tier löst eine Reihe von Anliegen aus, die von Politik und Geschichte über Wirtschaft und Traditionen, Ethik und Ästhetik, die Angst vor dem Fremden und Unverständlichen bis hin zu unserem tiefen Anthropozentrismus reichen, der es uns ermöglicht, uns als nicht-wild anders als alle anderen Tiere.

Guatemala-Pavillon: Süßer Tod
„Sweet Death“ präsentiert die Dekadenz der zeitgenössischen Gesellschaft in ihren unterschiedlichen Ausprägungen treffend ins Herz. Die Ausstellung ist ein bemerkenswerter Ausdruck der zeitgenössischen Gesellschaft. Die Künstler haben nicht nur die Essenz der Dekadenz eingefangen, die verschiedene Umgebungen unserer Gesellschaft beeinflusst, sondern diesen langsamen und unaufhaltsamen Tod mit Ironie ausgedrückt. „Der Traum der Italiener“, der die von Garullo&Ottocento geschaffene Leiche von Berlusconi mit einem Ausdruck von Glückseligkeit in einem Sarg aus klarem Glas darstellt, wie eine Art Schneewittchen, das jeden Moment aufwachen kann, schafft einen Kontrast zwischen der angeblichen Heiligkeit dieser of Mann und die unbestreitbare Wahrheit der italienischen Politikdekadenz. Die Todesdekadenz in Italien trifft auch die Kinoindustrie,vertreten durch die Luchino Visconti und seinen Tod in Venedig gewidmete Skulptur in Erinnerung an eine alte und verlorene Eleganz der italienischen Filmproduktion.

Der dramatischste Teil der Ausstellung ist den Werken guatemaltekischer Künstler gewidmet. Testiculos qui non habet, Papa Esse non posset (dh ohne Hoden kann man kein Papst sein) von Mariadolores Castellanos und zeigt die emblematische und mythische Figur der weiblichen Päpstin Johanna, Symbol der Ketzerei und Schwäche eines religiösen Glaubens, der jahrhundertelang nur von Männern regiert wurde. Dekadenz und Tod sind das, was die Darstellung einer verzerrten und verlorenen Kindheit zeigt, in der Disney-Figuren, Barbie und Puppen eine negative Bedeutung annehmen. Von großer Bedeutung ist der riesige und schwarze Schädel von Sabrina Bertolelli, der den Raum von Memento Mori und Vanitas dominiert, gefolgt von der letzten Ausstellung, die sich dem kulinarischen Tod widmet. Die Künstler der Gruppe „La Grande Bouffe“ machen sich über neue Kochtrends lustig,wie die Molekularküche. Eine der Hauptarbeiten ist die von Luigi Citatella vorgeschlagene und zeigt ein Kind vor einem dünnen Gericht als Symbol für eine beeindruckende Ernährungslücke zwischen Ländern wie Guatemala und Italien.

Pavillon des Heiligen Stuhls: In Principio… la parola si fece carne
„Am Anfang… wurde das Wort Fleisch“, strukturiert um zwei Pole: Das transzendente Wort, das die kommunikative Natur des Gottes Jesu Christi offenbart; und das fleischgewordene Wort bringt die Gegenwart Gottes in die Menschheit, besonders wenn sie verletzt und leidend erscheint. Ihre untrennbare Einheit erzeugt eine dialektische Dynamik, unregelmäßig, elliptisch, abrupt beschleunigend, steil verlangsamen, um in den Künstlern wie im Publikum eine Reflexion über eine Verbindung zu erbitten, die an der Wurzel der Menschheit selbst liegt. Angesichts der Übereinstimmung ihrer aktuellen Forschungsreise mit dem gewählten Thema, der Vielfalt der verwendeten Techniken und ihrer geografischen und kulturellen Herkunft bringen drei junge Künstler, die für die Ausstellung ausgewählt wurden, Einflüsse aus unterschiedlichen Hintergründen, mit unterschiedlichen Erfahrungen und Visionen ein ,Ethik und Ästhetik.

Ungarn-Pavillon: Nachhaltige Identitäten
„Sustainable Identities“ reflektiert, wie die Schlüsselbegriffe unserer Welt auf einprägsame Slogans reduziert wurden. Das kuratorische Konzept baut auf dem Raum des ungarischen Pavillons in Venedig und Csekes mobilen Objekten auf. Im Mittelpunkt der Installation steht der durch Bewegung und Elektronik geschaffene kognitive Raum. Die Installation mit einem leuchtenden, kinetischen Netzwerk aus sich kreuzenden PVC-Folienröhren hängt über den Köpfen der Betrachter. Diese durchscheinenden Kanäle enthalten weiße Kugeln, die von Fans durch die Wege geschoben werden. Manchmal treffen und kollidieren die Bälle und ahmen menschliche Migrationsmuster und die Konflikte nach, die sie manchmal anzetteln. Ein großes Folienkissen, das sich wie beim Atmen auf- und entleeren lässt, erdet die Installation in einem Stall,organische Masse und dient als ausgleichender Kontrapunkt zum darüber liegenden frenetischen Bewegungssystem. Ein Klangstück, das in Zusammenarbeit von Cseke und Ábris Gryllus entstanden ist, ergänzt die Installation.

Indonesien Pavillon: Voyage Trokomod
Die Ausstellung mit dem Titel „Trokomod“ umfasst eine ortsspezifische, reisebezogene Arbeit, die Heri Dono zusammen mit lokalen Architekten und Kunsthandwerkern aus Bandung, West-Java und Yogyakarta entwickelt hat. Das Herzstück der Show, eine Verschmelzung des griechischen Trojanischen Pferdes und eines indonesischen Komodowarans, ist ein großes Boot in Form von Indonesiens einheimischem Reptil, dessen angelaufene Metallhaut einen Kommentar zum kolonialen Goldabbau darstellt. Die Zuschauer konnten den Drachen betreten, um durch Periskope westliche Artefakte zu betrachten, wie eine Statue eines Mannes mit einer weißen, lockigen Rosshaarperücke, die die traditionelle Ostrichtung des exotischen Blicks änderte.

Iran-Pavillon: Iranische Highlights
Der Pavillon des Iran trägt den Titel „The Great Game“ und ist mit Werken von Künstlern aus dem gesamten Nahen Osten und Südostasien gefüllt. Die Ausstellung nimmt die historischen, politischen, wirtschaftlichen, religiösen und sozialen Verwicklungen der Region als Inspiration und präsentiert eine Gruppe von Künstlern, die bestrebt sind, auf ihre alltägliche Realität zu reagieren. Iran, Indien, Pakistan, Afghanistan, Irak, Zentralasiatische Republiken, Kurdische Region, eine Überlegung, dass das geografische Gebiet dieser Länder tatsächlich ein historisch einzigartiges Territorium ist, dessen Schicksal durch seine historische und kulturelle Situation untrennbar verbunden ist: um diese Dort fand und findet das statt, was seit dem 19. Jahrhundert als „The Great Game“ um die Vorherrschaft in Asien bekannt ist. Ein Gewirr von politischen, wirtschaftlichen, religiösen,und sozialen Situationen findet auch in der an diesen Orten produzierten Kunst Ausdruck und Interpretation.

Die Ausstellung möchte durch die Arbeit von rund vierzig Künstlern zeigen, die in der Region arbeiten und sich besonders für gesellschaftspolitische Fragen bewusst sind. Die Ausstellung zeigt, wie zentral diese Fragestellung ist und wie sie durch die Sprache der zeitgenössischen Kunst von einem internationalen Publikum wahrgenommen und neu etabliert wird; es wurde bereits in großen internationalen Shows zum Ausdruck gebracht, aber es wird immer noch durch die echten existenziellen Schwierigkeiten derer behindert, die ein Gewirr von Widersprüchen aus erster Hand erfahren: ein genaues Spiegelbild dessen, was das sprachliche Ergebnis der Globalisierung sein könnte. Es handelt sich also nicht um einen Überblick über die Kunst dieser Länder – die zumindest einigen von ihnen mittlerweile bekannt ist -, sondern um einen echten konzeptionellen „Schub“in einen der Orte, der alltäglich und vordergründig als Protagonist der Medien gilt. Das gewählte Thema der Ausstellung impliziert offensichtlich, dass diese Arbeiten unter denen ausgewählt wurden, die sich den zu analysierenden Problemen am sinnvollsten nähern.

Irak-Pavillon: Unsichtbare Schönheit
„Invisible Beauty“ zeigt fünf zeitgenössische Künstler aus dem ganzen Irak und der Diaspora. Die Künstlerinnen und Künstler arbeiten in unterschiedlichen Medien und der Pavillon umfasst sowohl neue Werke, die eigens für die Ausstellung produziert wurden, als auch Werke, die nach längerer Unaufmerksamkeit wiederentdeckt wurden. Begleitet wurde die Ausstellung von einer Ausstellung von über 500 Zeichnungen von Flüchtlingen im Nordirak. Der weltberühmte Künstler Ai Weiwei hat eine Reihe dieser Zeichnungen für eine große Publikation ausgewählt, die auf der Biennale erscheint. „Invisible Beauty“ ist wie eine fragile Membran, die die Schwingungen einer künstlerischen Praxis registriert, die vom aktuellen Zustand des Landes und dem Stand der Künste durchdrungen ist.

„Invisible Beauty“ bezieht sich sowohl auf die ungewöhnlichen oder unerwarteten Sujets der ausgestellten Werke als auch auf die unvermeidliche Unsichtbarkeit irakischer Künstler auf der internationalen Bühne. Die Beziehung von Kunst zum Überleben, Aufzeichnungen, Therapie und Schönheit gehören zu den vielen Themen, die die Ausstellung aufwirft. Der endlos interpretierbare Titel soll die vielfältigen Herangehensweisen an die Kunst eines Landes aufzeigen, das von Krieg, Völkermord, Menschenrechtsverletzungen und im letzten Jahr dem Aufstieg der Isis betroffen ist. Die systematische Zerstörung des kulturellen Erbes des Irak durch die Isis, die kürzlich in der Zerstörung jahrhundertealter historischer Stätten in Hatra, Nimrud und Ninive und den Ereignissen im Mossul-Museum zu sehen war, hat es wichtiger denn je gemacht, sich auf Künstler zu konzentrieren, die weiterhin im Irak arbeiten.

Irland-Pavillon: Abenteuer: Hauptstadt
Unter dem Titel „Abenteuer: Kapital, das eine Reise vom Mythos zum Minimalismus durch Irland und Großbritannien nachzeichnet“. Adventure: Capital kombiniert skulpturale, Video- und Archivelemente und war Lynchs bisher ehrgeizigstes Projekt, das Banknoten-Flussgötter, öffentliche Kunst auf regionalen Flughäfen, verlassene Steinbrüche, ein Feld in Cork und einen Kreisverkehr in Wexford auf einer Erzählreise zusammenführt, die Vorstellungen erforscht des Wertes und des Kapitalflusses durch eine anthropologische Linse.

Sean Lynchs multimediale Praxis positioniert ihn irgendwo zwischen Künstler und Geschichtenerzähler. Ähnlich einem Historiker oder Ethnograph legt er ungeschriebene Geschichten und vergessene Geschichten offen und extrahiert durch seine Werke alternative Lesarten von Orten, Ereignissen und Artefakten. Lynchs Projektionen, Fotografien und skulpturale Installationen verweisen auf eine zeitgenössische Form der irischen Bardentradition; verloren gegangene Erzählungen des irischen sozialen und kulturellen Erbes werden durch seine künstlerische Praxis wiederbelebt und in neue Form gebracht.

Israelischer Pavillon: Tsibi Geva | Archäologie der Gegenwart
Der israelische Pavillon, eine ortsspezifische Installation, umfasst mit Fensterläden verkleidete Wände und eine großformatige Arbeit aus gefundenen Haushaltsgegenständen, die in einer Ecke hinter Glaswänden verpackt sind. Tsibi Geva wickelte das Gebäude in alte Autoreifen und füllte es mit einer Mischung aus gefundenen Architektur- und Haushaltsgegenständen. Das Äußere des Pavillons ist mit einem Gitter aus über 1.000 aus Israel importierten gebrauchten Autoreifen bedeckt und zusammengebunden, um eine Schutzschicht zu bilden, die die Wände des Gebäudes einschließlich der Fenster bedeckt und nur den Eingang freilässt.

Indem Geva direkt in die Struktur der Galerie eingreift, untergräbt Geva in ähnlicher Weise die bequemen Kategorien der traditionellen Erfahrung von Kunst, „innen“ und „außen“, „Kunstwerk“ und „Galeriewand“. Der so entstandene Raum mit dem Titel „Archäologie der Gegenwart“ bündelt die vielen Mehrdeutigkeiten – politisch, formal, existentiell, räumlich – in Gevas Oeuvre zu einem einzigartigen Ort visueller Stimulation. Gemälde mit Terrazzo-Bodenfliesen, Kettengliedern, Fenstern und Gitterwerk sowie eine Modifikation der Pavillonstruktur mit gefundenen und wiederverwendeten Baumaterialien wie Reifen und Zementblöcken, die sich von Innen- bis Außenflächen erstrecken und die ausschließenden Qualitäten des Physischen beunruhigen Wand. Auf den oberen Ebenen,Geva hat großformatige Gemälde und weitere Fundstückskulpturen installiert, die eine Reihe von Artefakten in Metallkäfigen mit dreieckigem Profil enthalten. Jedes von ihnen weist ein anderes Muster im Metallgitter auf, wobei einige Ziegelmauerwerk nachahmen und andere abstrakter erscheinen.

Italien-Pavillon: Codice Italia
Die Ausstellung mit dem Titel „Codice Italia“ ist eine Reise durch die zeitgenössische Kunst Italiens und zeigt einige Konstanten auf, die einen gemeinsamen „genetischen Code“ aufweisen. Die Künstler von Codice Italia wollen Medien neu erfinden, gleichzeitig greifen sie auf problematische Weise auf vorhandenes ikonografisches und kulturelles Material zurück. Obwohl die Arbeit dieser Künstler den kühnsten Ergebnissen der internationalen künstlerischen Forschung entspricht, vermeiden sie die Diktatur der Gegenwart. Die Ausstellung verleiht der Arbeit jedes Künstlers Autonomie und ist in „Räume“ organisiert, von denen jeder ein Kunstwerk und ein Erinnerungsarchiv beherbergt. Neben den Arbeiten der eingeladenen Künstler zeigt die Ausstellung einige Hommagen von Peter Greenaway,William Kentridge und Jean-Marie Straub und eine Videoinstallation von Davide Ferrario, die einen Einblick in die Erinnerung von Umberto Eco gibt.

Japan-Pavillon: Der Schlüssel in der Hand
Die Installation mit dem Titel „The Key in the Hand“, eine Installation von Chiharu Shiota, bestehend aus zwei Booten, rotem Garn und einer riesigen Anzahl von Schlüsseln, aus einem Netz tiefroten Garns, wobei jeder Faden an einem Schlüssel befestigt ist – aus dem Decke. Die immense Ansammlung ineinander verschlungener Schlüssel, die von internationalen Spendern auf der Website des Künstlers angefordert wurden, erfüllt den Raum mit psychischer Energie und bündelt individuelle Erinnerungen zu einer Art globaler gemeinsamer Erinnerung. Die reiche Symbolik des Schlüssels inspiriert den Betrachter außerdem dazu, Shiotas konzeptionellem Weg zu folgen, der aus kollektiven Tragödien und persönlichen Dramen in eine unbekannte, optimistische Zukunft neuartiger Verbindungen und ungeahnter Möglichkeiten auftaucht.

Schlüssel sind vertraute und sehr wertvolle Dinge, die wichtige Menschen und Räume in unserem Leben schützen. Sie inspirieren uns auch, die Tür zu unbekannten Welten zu öffnen. Chiharu Shiota verwendet Schlüssel, die von der Öffentlichkeit zur Verfügung gestellt werden und die von verschiedenen Erinnerungen und Erinnerungen durchdrungen sind, die sich über einen langen Zeitraum des täglichen Gebrauchs angesammelt haben. Während ich die Arbeit im Raum erschaffe, überlappen sich die Erinnerungen aller, die Chiharu Shiota ihre Schlüssel zur Verfügung gestellt haben, zum ersten Mal mit meinen eigenen Erinnerungen. Diese sich überschneidenden Erinnerungen verbinden sich wiederum mit denen der Menschen aus aller Welt, die zur Biennale kommen, und geben ihnen die Möglichkeit, auf neue Weise zu kommunizieren und die Gefühle des anderen besser zu verstehen.

Korea-Pavillon: Die Möglichkeiten, Raum und Fliegen zu falten
„The Ways of Folding Space & Flying“ erforscht die Rolle des Künstlers in einer sich schnell verändernden Gesellschaft. Die Künstler Moon Kyungwon und Jeon Joonho präsentieren diese neue ortsspezifische Arbeit, eine komplexe Architektur mit einer von Kim Seok-chul und Franco Mancuso in Korea entworfenen Glaswand und haben ein Video über ein postapokalyptisches Universum gedreht. Die Arbeit bezieht sich auf die taoistischen Konzepte der physischen Distanz und der übernatürlichen Fähigkeit, sich zwischen Zeit und Raum zu bewegen. Eine Arbeit über das Bedürfnis des Menschen, Hindernisse und Physiologie zu überwinden, so wie Künstler sich körperliche Einschränkungen vorstellen und herausfordern.

Der Titel leitet sich von den koreanischen Wörtern chukjibeop und bihaengsul ab. In der östlichen Kultur wurden diese Begriffe nicht nur als Medien der meditativen Praxis erforscht, sondern auch als Mittel, um einen Zustand der vollständigen Befreiung von Körper und Geist vom Körper zu erreichen Grenzen und Naturkräfte. Die Ausstellung reflektiert den menschlichen Wunsch, die physischen und wahrgenommenen Barrieren und Strukturen, die uns verbinden, trotz der Absurdität solcher Vorstellungen zu überwinden. Während einige wissenschaftliche Theorien und Hypothesen tatsächlich die Möglichkeit unterstützt haben, diese scheinbar weit hergeholten Vorstellungen zu verwirklichen, bleiben sie weitgehend im Bereich von Gleichnissen und Fantasie und verkörpern so unser intrinsisches Verlangen, die Welt um uns herum zu verändern.

Kosovo-Pavillon: Spekulationen ins Blaue
„Speculating on the Blue“, Einzelpräsentation von Flaka Haliti, die über die Bedeutung von Grenzen, Demokratie, Freiheit und Mobilität nachdenkt“. Ihr Ansatz ist eine Rekontextualisierung der globalen Politik durch die Abkopplung von ihrem Erscheinungsregime. Die Metapher des Horizonts zugleich Das Emblem der Möglichkeit und das Rätsel unserer Begrenzungen ist in das Gewebe unserer Vergangenheit und Gegenwart eingewoben.Indem die Künstlerin die universelle Bedeutung dieser Metapher aufgreift, löst die Künstlerin die Bildökonomie des Horizonts aus jedem spezifischen räumlich-zeitlichen Kontext und spekuliert auf ihre Gültigkeit als ewige Wahrheit: Flaka Haliti positioniert den Betrachter mit Speculating on the Blue in einem Zwischenraum, der zwischen Ausdehnung und Enge, Nähe und Distanz oszilliert;ein Raum, der gleichzeitig mehrere zeitliche Dimensionen erschließt und dadurch als Werk ständiger Aktualisierung erlebt wird.

Die den Ausstellungsraum besetzenden Skelette von barriereartigen Objekten verweisen auf die Ästhetik der Betonwände, die zwischen Nationen und Regionen als Materialisierung von Konflikten errichtet werden. Halitis Installation zielt darauf ab, dieses spezifische ästhetische Regime zu entmilitarisieren und zu dekontextualisieren, indem sie die Säulen auf ihre materielle Essenz reduziert und ihnen Elemente gegenüberstellt, die von Natur aus gegen das Konzept von Grenzen resistent sind. Horizont und blauer Bildgrund bilden in diesem Szenario ein Gegenbild zum Konzept der Grenzen und fungieren als Werkzeug, um neue Perspektiven zu eröffnen. Das Zusammenspiel der Elemente und der unterschiedlichen Bilder, die sie erzeugen, ist die Methode der Künstlerin, einen Zwischenraum zu schaffen, der die subjektive Erfahrung des Betrachters ermöglicht, sich mit ihrer Arbeit auseinanderzusetzen.

Lettland Pavillon: Achselhöhle
Lettischer Pavillon innovative Formen des täglichen Lebens. In Garagen wie Heimlaboratorien und Werkstätten auf dem Land beweisen diese Männer, dass unsere Haltung gegenüber Technologien und der Welt der industriell gefertigten Produkte nicht die des passiven Konsums sein darf. „ARMPIT“, eine multimediale Kunstinstallation von Katrīna Neiburga und Andris Eglītis. Es ist ein skulpturales System von Baukonstruktionen, verwoben mit Videogeschichten über ein eigentümliches lokales Phänomen, die „Garagenelfen“, die ihre Freizeit damit verbringen, in eigens für dieses Hobby eingerichteten Werkstätten an verschiedenen Mechanismen herumzubasteln.

Andris Eglītis hat eine improvisierte Besetzung des eigentümlichen Mikrokosmos der Garagengemeinschaften geschaffen. Es handelt sich um ein kaleidoskopisches System skulpturaler Baukonstruktionen, die aus vorgefertigten Baumaterialien der volkstümlichen Slumviertel-Architektur bestehen. Die Gebäudestruktur ist mit den Videoerzählungen von Katrīna Neiburga verwoben. Ihre Porträts der Mitglieder von Garagengemeinschaften residieren als imaginierte Bewohner des neu errichteten Wohnhauses, das an eine Mischung aus Kloster und Sweatshop erinnert. Katrīna Neiburga arbeitet in der Regel mit zeitbasierten Medien und verwendet diese in ihrer sozialanthropologischen Untersuchungskunst, multimedialen Installationen und Szenografie. Andris Eglītis tendiert in seiner Medienwahl zum Traditionellen;sein Wunsch, mit Malerei und neuartigen skulpturalen Formen zu experimentieren, hat ihn dazu veranlasst, sich architektonischen Übungen als körperlich erlebte Praxis gegenüber konzeptbasierter Kunst zuzuwenden.

Litauen Pavillon: Museum
Unter dem Titel „Museum“ dekonstruiert ein Projekt die Mythen der litauischen Kunstgeschichte, die während der sowjetischen Besatzung an Boden gewannen. Die Geschichte „Museum“ ist eine hypertextuelle Ich-Erzählung von Dainius Liškevičius, die durch logische, konzeptionelle und formale Verbindungen, in der Ausstellung präsentierte Formen des politischen Protests aus der Sowjetzeit, die historischen Persönlichkeiten, die diese Formen repräsentieren, und kulturelle Artefakte mit Stücken aus der Karriere des Künstlers und seiner Kunst.

Luxemburg-Pavillon: Paradiso Lussemburgo. Filip Markiewicz
Ein Werk mit dem Titel „Paradiso Lussemburgo“ nimmt die Form eines riesigen Gesamttheaters an, das sechs Räume des Pavillons vollständig einnimmt. Filip Markiewicz präsentiert ein mentales Bild von Luxemburg kombiniert mit einer Reflexion über die zeitgenössische Identität. Die verschiedenen Einwanderungswellen in Luxemburg seit Beginn des 20. Jahrhunderts haben dazu geführt, dass das Land als eine Art Integrationshafen gilt. Auch hier gibt es eine starke Anspielung auf das Bild von Luxemburg, das von einigen ausländischen Medien als Steueroase vermittelt wird, ein Thema, das hier direkt, aber auch mit einer gewissen Ironie behandelt wird.

Das Paradiso Lussemburgo ist zugleich Museum, Kreativlabor, Ort kultureller Unterhaltung, das Tanz, Performance, DJing, Lesung, Architektur und Musik verbindet, präsentiert Luxemburg im europäischen und globalen Kontext als nationales Sample, in dem die verschiedenen Nationalitäten und Kulturen, die die gleiche Identität, kombiniert werden. Es ist eine Reise zu den äußeren Grenzen einer pluralen und komplexen Identität auf eine kritische, politische und phantastische Weise.

Mazedonien-Pavillon: Wir sind alle allein dabei
Unter dem Titel „We Are All In This Alone“ thematisieren Hristina Ivanoska und Yane Calovski den Glaubensbegriff unter den gleichzeitigen und vielfältigen gesellschaftspolitischen Bedingungen von heute. Das Projekt verweist auf eine Reihe komplizierter Quellen: ein Freskogemälde aus der Kirche St. Gjorgi in Kurbinovo, das im 12. Jahrhundert von einem unbekannten Autor gemalt wurde, sowie Schriften von Simone Weil, Luce Irigaray und persönliche Notizen von Paul Thek aus den 1970er Jahren. Auf der Suche nach politischen Werten in den Darstellungen formalästhetischer und literarischer Quellen ist das Werk von besonderer Dringlichkeit, die Art und Weise zu artikulieren, wie wir uns kontinuierlich mit der Vergangenheit und der Gegenwart auseinandersetzen und gleichzeitig den Glaubensbegriff hinterfragen.

Auf der Suche nach politischen Werten in den Darstellungen formalästhetischer und literarischer Quellen ist das Werk von besonderer Dringlichkeit, die Art und Weise zu artikulieren, wie wir uns kontinuierlich mit der Vergangenheit und der Gegenwart auseinandersetzen und gleichzeitig den Begriff des Glaubens hinterfragen. Yane Calovskis Zeichnungen und Collagen beziehen sich auf kürzlich entdeckte Korrespondenzen von Paul Thek in der Sammlung Marzona in Berlin, thematisieren die Schwierigkeit, beim Schaffen, Produzieren und Pflegen der eigenen Arbeit zu überleben und dem Idealismus der kollaborativen Produktion zu glauben. Darüber hinaus thematisiert Calovski den Wert versteckter Poetik in den Details, die weit über die banalen Klischees des eigenen Sprachbedürfnisses hinausgehen, und malt buchstäblich unsichtbare Ikonen, die durch die physische Entsorgung des Bildes als religiöses Symbol gewonnen werden.

Mauritius-Pavillon: Von einem Bürger sammeln Sie eine Idee
Der Mauritius-Pavillon, der auf einem Dialog zwischen mauritischen und europäischen Künstlern basiert, ist nicht nur ein Ausschnitt der mauritischen Kunstszene, sondern auch eine Interpretation westlicher Konventionen in der Bewertung der „Kunst jetzt“. , die Kunsttheorie und -praxis, koloniales Erbe und postkoloniale Beziehungen, Bildung und Politisierung von Kultur diskutiert. Mit diesem indirekten Ansatz zur Idee von Inklusivität und Differenz, der von den Arbeiten von dreizehn prominenten Künstlern in ihren jeweiligen Ländern durchgeführt wird, zielt der Pavillon von Mauritius der globalen Kunstwelt „die Temperatur zu messen“ und möglicherweise neben vielen Fragen auch einige Antworten zu geben.

Mexiko-Pavillon: Die Natur besitzen
„Possessing Nature“ untersucht das Verhältnis von Architektur, Infrastruktur und globaler Macht. „Possessing Nature“ begann von mehreren Untersuchungspunkten, Parallelitäten, Absichten, Dringlichkeiten und Reflexionsakten. Als evozierender Ingenieurapparat konzipiert, präsentiert sich Possessing Nature als monumentale Skulptur, hydraulisches System, Resonanzraum, Spiegel und Kanal. Als (Gegen-)Infrastruktur betont sie zwei Momente der Moderne: Materialität und Dynamik, aber auch ihre Arroganz und die Grenzen ihrer Träume. Es ist eindrucksvoll, weil es die Natur ist, die schwankt, die fließt, fällt, badet und überläuft.

Als monumentale Skulptur erzeugt sie eine Spannung im Ausstellungsraum, die ihn verdrängt. Als hydraulisches System nutzt es den Druck des Wassers aus der Lagune, um im Inneren des Denkmals Turbulenzen zu erzeugen und so das Wasser an seiner Mündung zu beruhigen. Dieser Wasserspiegel empfängt und bricht dann die Bilder, die auf seine Oberfläche projiziert werden. Die zwischen Spiegel und Projektion erzeugte „Wasserhaftigkeit“ erzeugt wiederum eine Besorgnis in der Textur des Bildes, die schließlich ihren eigenen spektralen Charakter gewaltsam entlädt. Die Skulptur ist Teil des „Drainage-Systems“, als Monument, Ruine und Gespenst, aber auch „Drainage“ als symbolische Aktion, die zyklisch und zeitlos jeden natürlichen, vitalen Strom in einen Besitz ableitet, also enteignet. So,Die Natur zu besitzen ist eine Wunde, ein Kanal, ein Graben: ein Entwässerungssystem im militärischen Herzen einer im Wasser liegenden Stadt.

Mongolei-Pavillon: Anderes Zuhause
Der Mongolei-Pavillon präsentiert mit Unen Enkh und Enkhbold Togmidshiirev zwei Künstler, die mit organischen Materialien aus dem mongolischen Nomadenleben arbeiten und Fragen zu den globalen Problemen kultureller Andersartigkeit und moderner Naturentfremdung aufwerfen. Aufbauend auf dem historischen Erbe der Beziehungen Venedigs zu Nomaden und Mongolen besteht der Mongolei-Pavillon aus zwei Arten von Kunstpräsentationen: einem sesshaften Pavillonraum im Palazzo Mora und einem Nomadenpavillon. Die neue Ära der Globalisierung ist charakteristisch für Hochtechnologie und Mobilität zwischen den Kontinenten, die oft Fragen der Zugehörigkeit zur Folge haben. Der Mongolei-Pavillon antwortet auf das globale Vertreibungsproblem durch eine facettenreiche Vorstellung von „Heimat“als Ort für den Austausch von Energien zwischen Völkern und Kulturen in jedem Teil der globalen Welt.

Mosambik-Pavillon: Koexistenz von Tradition und Moderne im zeitgenössischen Mosambik
Der Pavillon von Mosambik, einem Land heterogener Kultur. Die Ausstellung zeitgenössischer Kunstproduktion konzentriert sich auf traditionelle und moderne Objekte, um die Beziehungen von Kunst und Spiritualität zu erläutern. Die Ausstellung umfasst kulturelle Produkte wie Kopfstützen, Keramik, Masken, Perlenstickerei, Skulpturen, Statuen, Körbe und Körperskarifikationen, die verwendet werden, um kulturelle Identität, Schönheit und den sozialen Status von Mitgliedern der Gemeinschaft auszudrücken; und vor allem Gegenstände, die für Wahrsagerituale verwendet werden. Es wird vorgeschlagen, dass diese Ausstellung darauf abzielt, die Bedeutung und anhaltende Relevanz traditioneller Kunst in der Gegenwart hervorzuheben und ihre Rolle in aktuellen kulturellen Entwicklungen zu untersuchen. Bei dieser Analyse traditioneller Gegenstände ist es wichtig, die Rolle der Wahrsagerei und ihren zentralen Platz in der Gesellschaft zu klären.

Der spirituelle Wert und der Zweck eines Objekts beeinflusst seinen ästhetischen Wert für Afrikaner. Diese Objekte können für Menschen wichtig sein, weil sie Familienerbstücke sind, die das Individuum mit den Vorfahren verbinden, oder weil sie eine historische Bedeutung haben. Objekte sind auch deshalb wichtig, weil sie nicht nur Spiritualität vermitteln, sondern auch das Individuum mit einer kulturellen Vergangenheit verbinden. Eine der größten Herausforderungen ist die Tatsache, dass die traditionelle Kunst als wichtiger Bestandteil der modernen Kunst sowie des täglichen Lebens ihren Platz im Mainstream-Kunstbegriff weltweit einnimmt, beeinflusst von künstlerischen Bewegungen, von denen die kreative Jugend an prominenter Stelle für die Zukunft der Menschheit

Niederlande-Pavillon: herman de vries – alle Arten zu sein
Das Projekt mit dem Titel „to be all way to be“, Verwendung organischer Materialien und neu gestalteter niederländischer Pavillon, Erdpigmente, in die Giardini und weiter zu mehreren Orten in der Lagune. Darstellung der Natur konzipiert von Herman de Vries. Neben aktuellen Kunstwerken des niederländischen Künstlers beherbergt der Pavillon Werke, die speziell für die Stadt Venedig geschaffen wurden, die als Lebensraum, als Ökosystem zum Erkunden analysiert wurde. Natura mater befindet sich am Lazzaretto Vecchio. Die heute unbewohnte Insel beherbergte einst einen Quarantänebereich für diejenigen, von denen angenommen wird, dass sie an der Pest oder nachfolgenden Ausbrüchen von Infektionskrankheiten leiden, geschmückt mit Rosenknospen, Sumpfpflanzen.

Neuseeland-Pavillon: Geheime Macht
Simon Dennys Projekt für den neuseeländischen Pavillon war auf zwei Räume aufgeteilt – die Ankunftsbereiche des Flughafens Marco Polo und die Monumental Rooms der Biblioteca Nazionale Marciana auf der Piazzetta San Marco. Die Installation am Flughafen befindet sich im luftseitigen Bereich. Secret Power befasst sich mit der Schnittstelle von Wissen und Geographie in der Post-Snowden-Ära. Es untersucht aktuelle und veraltete Sprachen zur Beschreibung des geopolitischen Raums und konzentriert sich auf die Rolle von Technologie und Design. Die Kontexte und Geschichten beider Orte bieten hochproduktive Rahmenbedingungen für Secret Power und wurden durch die Arbeit direkt miteinbezogen.

Simon Denny ist der erste Biennale-Künstler, der das Terminal des Flughafens Marco Polo nutzt. Dennys Installation operiert zwischen nationalen Grenzen und vermischt die Sprachen der kommerziellen Darstellung, zeitgenössischer Flughafen-Innenarchitektur und historischer Darstellungen des Wertes von Wissen. Denny hat zwei fotografische Reproduktionen in Originalgröße des dekorierten Innenraums der Bibliothek über den Boden und die Wände der Ankunftshalle „gezogen“ und die Grenze zwischen Schengen- und Nicht-Schengen-Raum überquert. In der Marciana-Bibliothek wurde die Ausstellung teilweise veranlasst von die Auswirkungen von NSA-Whistleblower Edward Snowden, die seit 2013 PowerPoint-Folien mit streng geheimen US-Telekommunikationsüberwachungsprogrammen an die Weltmedien weitergegeben haben. Diese Folien unterstrichen die Rolle Neuseelands in der US-Geheimdienstarbeit,als Mitglied der von den USA geführten Five Eyes-Allianz.

Nordischer Pavillon Pavillon: Entrückung
„Rapture“, als eine Reihe von Aufführungen von Musikern und Sängern zu bestimmten Zeiten; und eine dreiteilige Veröffentlichung, die die Beziehung zwischen dem menschlichen Körper und dem Klang durch den visuellen, klanglichen und architektonischen Körper erforscht , durchdringt auch unsichtbare Grenzen. Im Laufe der Geschichte wurde Angst mit den paradoxen Wirkungen von Musik auf Körper und Geist und ihrer Macht als belohnende Dezentralisierung der Kontrolle in Verbindung gebracht. Camille Norment arbeitet mit der Glasharmonika, die erschafft ätherische musik aus der berührung von finger auf glas und wasser – und ein chor aus 12 frauenstimmen verwebt diese elemente im pavillon selbst und schafft einen immersiven, multisensorischen raum, der die geschichte des klangs, zeitgenössische konzepte von Konsonanz und Dissonanz,und das Wasser, Glas und Licht von Venedig.

Antoinette, die Glasharmonika, wurde anfangs dafür gefeiert, Menschen mit ihrer hinreißenden Musik zu heilen, später wurde sie jedoch verboten, weil man annahm, dass sie bei Frauen Ekstase und sexuelle Erregung auslöste. Anerkannt in der Lage, Zustände wie Sex und Drogen hervorzurufen, wird Musik von vielen Menschen auf der Welt immer noch als eine Erfahrung angesehen, die es zu kontrollieren gilt, insbesondere in Bezug auf den weiblichen Körper, und dennoch wird sie zunehmend auch als Instrument der Kontrolle verwendet. vor allem unter kriegsrechtlichen Gründen. In einem zeitgenössischen Kontext erforscht Norment die Spannungen, die diese Musik heute auslöst, indem er einen multisensorischen Raum schafft, der die Geschichte des Klangs, zeitgenössische Konzepte von Konsonanz und Dissonanz sowie Wasser, Glas und Licht von Venedig reflektiert.Die Künstlerin komponiert einen Stimmenchor, der den unaufgelösten Tönen des viel zensierten „Teufels“-Tritonus und der Glasharmonika entspricht und den Besucher in „Rapture“ eintauchen lässt.

Peru-Pavillon: Verlegte Ruinen
Mit dem Titel „Misplaced Ruins“ von Gilda Mantilla und Raimond Chaves geht es um die Probleme der Einbeziehung kultureller Unterschiede und beschwört die translationalen und transnationalen Verhandlungen herauf, die für internationale Mobilität und soziale, kulturelle, ideologische und sprachliche „Zugehörigkeit“ erforderlich sind. Es gibt viele Anspielungen auf Peru: präkolumbianische Architektur, Zersiedelung, Boulevardjournalismus, Underground-Wirtschaft, Ereignisse in der jüngeren Geschichte, traditionelle Musik, die mit Werbetafeln übersäten Autobahnen und sogar lokale Wetterbedingungen (Limas normalerweise bedeckter Himmel). Doch diese von den Künstlern übersetzten Anspielungen werden zu mehrdeutigen Zitaten: Der kulturspezifische Bezug wird durch die blinden Flecken seiner Übersetzung verraten: politische Agenden, Eigeninteressen, Zweideutigkeiten.Mantilla und Chaves weisen darauf hin, dass das, was verschiedene Gruppen von Menschen als „ihr Eigenes“ betrachten könnten: Kultur, Geschichte, Traditionen, immer ein Ort des Kampfes ist.

Philippinen Pavillon: Binden Sie eine Schnur um die Welt
Der philippinische Pavillon im Palazzo Mora zeigt Manuel Condes Film Dschingis Khan aus dem Jahr 1950 neben Werken zeitgenössischer Künstler wie dem Medienkünstler Jose Tence Ruiz und dem Filmemacher Mariano Montelibano III. Die Ausstellung verspricht einen Dialog über die „Geschichte des Meeres und seine Beziehung zur heutigen Welt, den Anspruch auf das Erbe und den Kampf der Nationalstaaten um die weite und heftig umkämpfte Natur“.

In Tangente zu Dschingis Khan bezieht sich die Arbeit von Jose Tence Ruiz in der Arbeit Shoal auf die Sierra Madre. Ruiz evoziert das spektrale Schiff als ambivalente Silhouette einer Untiefe durch eine Assemblage aus Metall, Samt und Holz. Manny Montelibano präsentiert das Mehrkanal-Videostück A Dasshed State on the West Philippine Sea. Es verweilt beim Klang von Epen und Radiofrequenzen, die die Weite und die Vignetten scheinbar ereignisloser Lebenswege auf den Inseln durchqueren. Vom Aussichtspunkt Palawan, der Schwelle zu Borneo und dem Südchinesischen Meer, filmt er die Bedingungen des Unmöglichen: Was ein gemeinsames Meer ausmacht und wo Grenzen und Ränder liegen, Melancholie und Migration.

Polen-Pavillon: Halka/Haiti. 18°48’05″N 72°23’01″W
Eine Beschäftigung mit multikulturellen Themen, geprägt von Joanna Malinowska und Christian Tomaszewski, beschloss, seinen verrückten Plan zu überdenken, die Oper in die Tropen zu bringen. Als Oper entschied man sich für die Aufführung von Stanisław Moniuszkos Halka, einer tragischen Liebesgeschichte, die durch Klassenunterschiede zerstört wurde und seit ihrer Warschauer Premiere im Jahr 1858 als Polens „Nationaloper“ gilt. Der historische Hintergrund dieser Oper war, dass Napoleon Anfang des 19. Truppen in das koloniale Haiti ein, um einen Aufstand von Sklaven zu unterdrücken. Eine polnische Legion, die sich mit Frankreich gegen seine eigenen Besatzer Preußen und Österreich verbünden wollte, trat der Armee bei; Als die polnischen Soldaten erkannten, dass die Haitianer für ihre Freiheit kämpften, wandten sie sich gegen die Franzosen und halfen bei der Revolution.

In einem Versuch, Fitzcarraldos Kolonialromantik zu untergraben, beschließen sie, sich einer Reihe besonderer historischer und gesellschaftspolitischer Realitäten zu stellen, indem sie „Halka“ inszenieren, die als Polens „Nationaloper“ gilt, im scheinbar unwahrscheinlichen Ort Cazale, Haiti, einem Dorf, das von die Nachkommen. Am 7. Februar 2015 wurde auf einem kurvenreichen Feldweg eine einmalige Aufführung von „Halka“ einem begeisterten lokalen Publikum präsentiert. Die Veranstaltung, eine Zusammenarbeit polnischer und haitianischer Künstler, wurde in einer Einstellung gefilmt und später als großformatiges projiziertes Panorama im polnischen Pavillon der Biennale in Venedig präsentiert.

Portugal Pavillon: Ich war dein Spiegel / Gedichte und Probleme
Das Projekt „I’ll Be Your Mirror“ von João Louro entlehnt den Titel eines Songs aus dem Velvet Underground. Die eigens für den portugiesischen Pavillon geschaffenen und außergewöhnlich gut an den Raum in jedem Raum der Bibliothek des Palazzo Loredan angepassten Werke unterstreichen die Besorgnis, die João Louro immer gezeigt hat, neue semantische Aspekte zu generieren und Zweifel an von unseren visuellen Normen akzeptierten Normen zu wecken Kultur, als auch die Rolle des Zuschauers in die eines Teilnehmers zu verwandeln, erfundene Orte zu schaffen und Szenen und bewohnende Worte zu imaginieren, die es uns ermöglichen, unsere tiefsten Wünsche und Bestrebungen zu kultivieren. Louro betont in diesen Kreationen die Bildsprache und ihre Ausdrucksmethoden und betrachtet die Interpretation als eine Form der Kommunikation zwischen dem Kunstwerk und dem Betrachter,versuchen, neue Denksphären zu konstituieren, um zu fühlen, zu reflektieren und auszutauschen.

Louro gibt einen Überblick über seinen Werdegang, seine künstlerischen und kulturellen Überzeugungen, seine Anliegen und ästhetischen und soziologischen Entscheidungen. Mit Elementen aus dem Minimalismus und der Konzeptkunst baut Louro seine eigene Welt nach den Spuren, die seine Lesungen, Musik und das Kino auf seinem Weg hinterlassen haben; aus diesen spuren baut er eine art autobiografie, ein persönliches tagebuch, in dem die texte oder ereignisse mit bedeutungen aufgeladen werden. Er wiederholt seine Frage nach der Bedeutung und symbolischen Effizienz von Bild und Sprache, indem er Unsichtbarkeit oder Auslöschung als Strategien nutzt, um uns daran zu erinnern, dass uns der Zugang verwehrt ist und der Betrachter immer ein Teil des Werkes ist: Das Werk steht als Spiegel, dem Zuschauer die Hauptrolle zuweisen. João Louro’Seine konzeptionelle Arbeit ist eine Frage nach den Grenzen und der Ausdrucksfähigkeit des Bildes, die über den schmalen Rand des Kunstwerks selbst hinaus reflektiert.

Romani-Pavillon: Adrian Ghenie: Darwins Zimmer
„Darwin’s Room“, eine Ausstellung neuerer Gemälde von Adrian Ghenie. Adrian Ghenie ist bekannt für stimmungsvolle Gemälde, oft Porträts oder Interieurs, die er mit Pinselstrichen schmückt. Ghenie befasst sich mit dem Charakter von Charles Darwin und der Entwicklung und den nachfolgenden Perversionen seiner krönenden Hypothese, der Evolution, im 20. Jahrhundert. Die dreiteilige Ausstellung umfasst mehrere Jahre von Ghenies jüngstem Schaffen, darunter eine Reihe von Selbstporträts, die der Künstler als Darwin geschaffen hat. In seinen Gemälden entkleidet der Künstler bedeutende historische Persönlichkeiten ihrer Bedeutung und damit die eigene Brauchbarkeit der Geschichte als bestimmende und leitende Erzählung.

Der Titel „Darwin’s Room“ bezieht sich nicht nur auf eine Reihe von Porträts (und Selbstporträts in Gestalt) des großen britischen Naturforschers, sondern auch auf Ghenies Auseinandersetzung mit der Geschichte des 20 bahnbrechende Ideen, die um Überleben und Herrschaft kämpfen, als Teil einer allegorischen Verflechtung von Vergangenheit und Zukunft. Das konzeptionelle Konstrukt der gesamten Ausstellung basiert auf der Vision des Künstlers der zeitgenössischen Welt, die von Erinnerung und Sehnsucht, Umbruch und Spektakel geprägt ist.

Russland-Pavillon: Der Grüne Pavillon
The Russian Pavilion präsentiert Irina Nakhovas The Green Pavilion.
Die Malerin und Installationskünstlerin Irina Nakhova hat zur Entwicklung des Moskauer (oder russischen) Konzeptualismus beigetragen, einer Bewegung, die versuchte, die sozialistische Ideologie und Bildsprache zu untergraben. Nakhova beschreibt die Umgebungen als „eine Gesamtinstallation in „Zusammenarbeit“ mit Shchusev.“ Das grün gestrichene Äußere des Pavillons bezieht sich auf Kabakovs Roten Pavillon (1993), dessen lebendige Fassade und leerer Innenraum während der 45 Bedeutung der Farbe für die russische Postmoderne sowie das Konzept der Leere, „wie etwas, das in der Luft hängt“, das für die Moskauer Konzeptualisten von zentraler Bedeutung war.

Shchusevs Aufteilung des Russischen Pavillons in fünf diskrete Räume veranlasste Nakhova, ihre Serie Rooms aus den 1980er Jahren erneut aufzugreifen, in der der Betrachter aktiv an einem künstlerischen Experiment beteiligt war. Nakhova verwendet entschlossen die „Supremastisten“-Farben Grün, leuchtendes Rot und Schwarz; ein erfinderischer Einsatz von Videos, wie für den beeindruckenden „Pilotenkopf“ in Raum 1; und eine überraschende Manipulation der Pavillonarchitektur, ein rhythmisches Öffnen eines Oberlichts, um eine rhythmische Verbindung zwischen den verschiedenen Ebenen des Pavillons und gleichzeitig zwischen den Besuchern herzustellen, um beispielsweise ein wirklich immersives, fast physisches Erlebnis für die Öffentlichkeit. Wie Kabakovs für die Biennale, um russische zeitgenössische Kunst zu zeigen, die sich vom Lokalismus in die internationale Kunstszene bewegt, ist Nakhovas „Der Grüne Pavillon“ blickt erneut auf den globalen Platz russischer Künstler in der postsowjetischen Ära.

San-Marino-Pavillon:
Unter dem Titel „Friendship Project: Sculpture and Architecture of Art“ zeigte der Pavillon der Republik San Marino 10 Skulpturen in der Halle des Ateneo Veneto. Die Strukturen sind in weißen Stoffen dargestellt, die vom Boden abgehängt sind und in die Platten eingravierte Adern aufweisen. Enrico Muscioni und Massimiliano Raggi arbeiteten mit den chinesischen Bildhauern Fan Haimin, Fu Yuxiang, Min Yiming, Nie Jingzhu, Wu Wei, Wang Yi, Shen Jingdong, Zhang Hongmei, Zhang Zhaohong und Zhu Shangxi sowie einer Studiengruppe von Professoren und Studenten der Universität San Marino.

Serbien-Pavillon: Vereinte tote Nationen
Die Installation mit dem Titel „United Dead Nations“ zielt darauf ab, einen Dialog darüber herzustellen, was der Begriff der Nation in unserer postglobalen Zeit repräsentiert, indem sie die Nationen in den Mittelpunkt stellt, die als solche nicht mehr existieren, aber deren Geister immer noch die Geo : Österreich-Ungarisches Reich, Osmanisches Reich, Sowjetunion, Deutsche Demokratische Republik, Jugoslawien, etc. Dabei wird das facettenreiche Spektrum der Wünsche und Konflikte, das der Begriff der Nation verkörpert, berücksichtigt und die Fragen nach Natur und Dauerhaftigkeit von heutigen Nationen werden aufgezwungen. United Dead Nations reproduzieren ein abwesendes Politisches und ermöglichen sein alternatives Leben im ästhetischen Regime der Kunst, indem sie neue Repräsentationsbeziehungen im Bereich des Visuellen eröffnen – dem Raum, in dem die soziale Realität in Formen und Bilder übersetzt wird.

Ivan Grubanov legt den Schwerpunkt auf den Prozess der Bildherstellung, indem er die toten Fahnen als Modell, Mittel und Material in sein Malritual einbezieht. Die Intention des Künstlers liegt in der Schaffung eines neuen symbolischen Feldes, das die Werterahmen der Kunst hinterfragt und gleichzeitig den wiederhergestellten Autoritäten toter Nationen den Wettbewerb im Bereich des Sichtbaren ermöglicht. Die Erinnerung an Kulturen, die im 20. Jahrhundert durch gesellschaftliche und politische Umwälzungen verloren gegangen sind. Vermutlich inspiriert von der Umbenennung seines Heimatlandes von Jugoslawien in „Serbien“ erforscht Grubanov die jüngere Geschichte einer Nation, von der Auflösung bis zur Gründung. Grubanov erforscht das Erbe kürzlich aufgelöster Nationen in einer Installation, die ihre Flaggen vereint. Verschmutzt und übereinander auf dem Pavillonboden zerknüllt,der stapel veralteter nationaler symbole erkundet die ephemere natur der identität angesichts politischer unruhen.

Seychellen-Pavillon: Ein Uhrwerk-Sonnenuntergang
Der Pavillon der Seychellen sagt der internationalen Gemeinschaft, dass sie mehr sind als die perfekte Postkarte mit Sandstränden, Palmen und türkisfarbenem Wasser. Die Seychellen sind eine reiche und komplexe Kultur, deren Geschichten von ihren Künstlern erzählt werden. George Camille verwendet eine Vielzahl dicker Industriekabel. Jedes Kabel wird abisoliert und die interne Verkabelung wird dann aus seinem dunklen Gehäuse gezogen und zu Blättern geformt. Diese multimediale Arbeit verwendet Materialien, die stillgelegt, aufgearbeitet und lokal auf den Seychellen beschafft wurden. Leon Wilma Lois Radegondes Werk besteht aus verwitterten Leinwänden, ‚objets trouves‘, auf denen er seine Spuren von Petroleumflecken, Sonnenbleiche und verrottender Erde hinterlässt, alles beschriftet, genäht und angesengt. Um über seine Zukunft zu spekulieren, muss man seine Geschichte verstehen .Die Identität der Seychellen wird mit großer Geschwindigkeit neu definiert. Die oft gedämpften Stimmen ihrer Künstler werfen ein neues Licht auf den Reichtum und die Komplexität ihrer Kultur.

Singapur Pavillon: Sea State
Sea State ist ein 2005 vom Künstler und ehemaligen Olympiasegler Charles Lim initiiertes Projekt, das Singapurs Beziehung zum Meer anhand von Film-, Foto- und Archivmaterial untersucht. Wenn wir uns eine Nation als etwas Physisches vorstellen, stellen wir uns eine Landmasse vor. Doch die wahre Grenze eines jeden Landes, das das Meer berührt, ist nicht der Rand des Landes, sondern draußen im Wasser. Die tatsächliche Grenze und die imaginäre Grenze sind sehr unterschiedlich, insbesondere für eine Insel wie Singapur. Sea State macht diese Grenze sichtbar. Es hebt das hervor, was normalerweise im Hintergrund bleibt, die wahren Tiefen des Meeres und unser unruhiges maritimes Unbewusstes.

Die Struktur des Projekts ist vom Code der Weltorganisation für Meteorologie zur Messung der Seebedingungen inspiriert, der die unterschiedlichen Zustände von ruhig über mäßig bis hin zu phänomenal nummeriert. Es versucht, Singapurs Verständnis seiner Land- und Seegrenzen und das Bestreben des Landes, die Kontrolle über seine Umwelt zurückzugewinnen, zu hinterfragen und neu zu definieren. Charles Lims Praxis entspringt einer intimen Auseinandersetzung mit der Natur, vermittelt und informiert durch Feldforschung und Experimente, Performance, Zeichnung, Fotografie und Video. Seine Arbeiten machen eine dynamische Küstenökologie sichtbar und zeigen, wie die Infrastrukturen des globalen Kapitalismus die maritime Umwelt nicht ersetzen, sondern bewohnen und verändern. In einer Ära des schnellen globalen Austauschs ist der komplexe,transnationale räume des meeres beherbergen ein dynamisches wechselspiel zwischen natur und kultur, das viele der zentralen ängste unserer zeit umrahmt. Der Singapur-Pavillon führt uns mit seinen unterschiedlichen Medien und Disziplinen an Orte, die bis vor kurzem nur Traumtheorie waren.

Slowenien-Pavillon: UTTER / die gewaltsame Notwendigkeit der verkörperten Präsenz der Hoffnung
Das Projekt mit dem Titel „UTTER / Die gewaltsame Notwendigkeit der verkörperten Präsenz der Hoffnung“ umfasst den Kern von Jašas Ziel, ein Kunstwerk sowohl als poetische Haltung als auch als dynamische, politisierte Präsenz zu schaffen. Die Arbeit ist als räumliche Installation und Performance vor Ort konzipiert, die den Künstler, seine Mitarbeiter und das Publikum miteinander verbindet. Das Projekt besteht aus einer Installation, einer architektonischen Zeichnung, die aktiviert wird, um Gedanken zu reflektieren, und einer Dauerperformance, die die Notwendigkeit ausdrückt, als verkörperte Form (re) zu agieren. Diese Elemente koexistieren und verflechten sich, um das ganzheitliche Erlebnis des Kunstwerks zu bilden. Das Projekt konzentriert sich auf drei große Themen: Widerstand, Zusammenarbeit und Hoffnung. Die energetische Haltung jedes Themas wurde teilweise aufgelöst,über eine langfristige Koexistenz eines performativen Körpers innerhalb einer architektonischen Hülle, die Ko-Kreation repetitiver performativer Aktionen und die Produktion harmonischer Momente. Eine polyphone Situation aus Bild, Ton und Performance wurde einem strengen wöchentlichen Skript unterzogen.

JAŠA ist einer der produktivsten und von der Kritik anerkannten zeitgenössischen Künstler Sloweniens und wird von seinen rhapsodischen Interpretationen von Situation, Erzählung, Skulptur und Performance angetrieben. Durch seine alchemistische Verbindung mit Material und Inhalt verwandelt JAŠA Räume in Erfahrungen und treibt sie zu ihren poetischen und ekstatischen Potenzialen. In seiner Kreation, einer ortsspezifischen Installation, ergänzt eine auf der Ideologie des Miteinanders basierende Dauerperformance seinen Reaktionsdrang und formuliert eine Vision einer gemeinschaftlichen Erfahrung von Kunst als Realität. Angesichts der Anforderungen und Ekstasen repetitiver Dauerleistung ist das Projekt ein strukturierter Akt der Disziplin. Es ist ein Aufruf zur kollektiven Sensibilität. Durch kontinuierliche, sich wiederholende Handlungen, Wissen, Gesten und die Umwandlung dieser Gesten in Rituale,die Performergruppe beschwört eine rebellische Kraft, die durch die Kraft der Poesie zu einer pandemischen Verwirklichung der Idee von Gemeinschaft und Vereinigung aufruft.

Spanien-Pavillon: Die Themen
Der Spanische Pavillon erforscht das Dalí der Interviews und Worte, das Thema Dalí. Kollektives Projekt, bei dem Dalí als Subjekt präsent war, jedoch nicht durch seine Arbeit vertreten war. Es offenbart Dalí durch andere Stimmen, die von Künstlern, die konzeptionell mit ihm und miteinander verbunden sind. Ausgehend von der Sinnlichkeit des Persona-Subjekts erkundet die Ausstellung weitere Themen, die sich ebenfalls außergewöhnlich interpretieren lassen. Als Hommage an die „Persistenz der Erinnerung“ inspirieren seine Worte und Interviews eher als sein Oeuvre drei Projekte im spanischen Pavillon. Dalí wird zu einem Konzept, auf dem Salazar, Cabello/Carceller und Ruiz mit Filmen, Comics und Objekten die private und öffentliche Sphäre einer Ikone neu erfinden. Wie der Titel des Pavillons vermuten lässt, sind die „Themen“reflektieren nicht nur die soziale Konzeptualisierung von Dalí, sondern brechen auch die Mittel, mit denen die Gesellschaft Identität schafft.

Cabello/Carceller haben einen künstlerischen Vorschlag entworfen, der sich um die Idee multipler Identitäten und der Möglichkeit der Nicht-Definition dreht. Ihre Performance-, Film- und Installationsarbeiten, die in feministischen Positionen und Queer-Theorie verwurzelt sind, bieten einen kritischen Einblick in die Definition von Identität und den politischen Kampf des Individuums. Der Geist von Dalí ist auch in der eigenen Zeitung des legendären Künstlers präsent. Im spanischen Pavillon präsentiert Pepo Salazar ein Werk, das seiner besonderen Arbeitsweise entspricht, eine atomisierte Kreation, die Momente und Typen vermischt und einen Rahmen schafft, in dem alle Optionen möglich sind. Wie Dalí erweitert Pepo Salazar den künstlerischen Handlungsspielraum, indem er Konventionen missachtet und ein profundes Wissen um die künstlerische Arbeit kultiviert. Salazar’Das Projekt für den Pavillon knüpft an Salvador Dalís Erklärung der Unabhängigkeit der Phantasie und der Rechte des Menschen auf seinen eigenen Wahnsinn an.

Südafrika-Pavillon: Was bleibt, ist morgen
Der Pavillon von Südafrika mit dem Titel „Was bleibt, ist morgen“ präsentiert eine Reihe von Werken von Künstlern, die tief in lokale Iterationen von Macht, Freiheit und bürgerlicher Freiheit investiert sind. Das Projekt möchte nicht nur aktuelle, wichtige Arbeiten aus Südafrika repräsentieren, sondern auch eine komplexe und dynamische Debatte über das Verhältnis zwischen dem gegenwärtigen Moment und den Erzählungen der Vergangenheit in Gang setzen. Das Projekt wollte nicht nur Werke präsentieren, die unserer Gesellschaft einen Spiegel vorhalten oder eine Litanei von Unrecht und Unrecht bieten, um einem internationalen Publikum den lokalen Zeitgeist näher zu bringen. In einigen Bereichen haben wir uns einzeln und gemeinsam mit der Vergangenheit beschäftigt, zum Beispiel der öffentliche Sektor, das Museumsdesign und die Museumsverwaltung, die Architekturpraxis, die uns gelegentlich gezwungen haben, in der Vergangenheit zu leben.

Um den Weg der Zukunft zu erkunden, müssen Sie ein klares Verständnis und tiefes Nachdenken über die Vergangenheit haben. Die Vergangenheit Südafrikas war kompliziert. Sie verbinden uns mit einem Konglomerat von Beziehungen, die nicht nur aus der Vergangenheit (aus Imperialismus und Kolonialismus) hervorgegangen sind, sondern auch etwas abseits von den großen Erzählungen der Geschichte stehen, die die Vorstellungen von Nation und Staat hervorbringen. Auf dieses Terrain wagen sich die Künstler, deren Werke hier präsentiert werden. Sie bestreiten tiefsitzende Annahmen darüber, wer drin ist und wer draußen ist. Sie haben das Gefühl, dass es eine Erzählung der Zugehörigkeit gibt, die befragt werden muss. „langsamere“ Formen der Gewalt, die uns von innen heraus auffressen. Das hat uns vor Nostalgie und den Gefahren eines mythologisierenden, museologischen Zugangs zur Geschichte misstrauisch gemacht.Wir haben die Vorstellung nicht aufgegeben, dass die Vergangenheit ein wichtiger Bezugspunkt ist, der Schlüssel zum Wissen, was zu tun ist, auch wenn wir als Menschen anscheinend nicht in der Lage sind, aus unseren Fehlern zu lernen.

Pavillon der Arabischen Republik Syrien: Origini della Civiltà
Die Ausstellung „Origins of Civilization“ bekräftigt ihre Unterstützung für die Entwicklung eines Dialogs zwischen freien ästhetischen Ausdrucksformen, die das sich verändernde, vielfältige Erscheinungsbild der Gegenwart repräsentieren. Um diesem Thema gerecht zu werden, präsentiert der Pavillon die Arbeiten von Künstlern aus Syrien Narine Ali, Ehsan Alar, Fouad Dahdouh und Nassouh Zaghlouleh, Italien Aldo Damioli, Mauro Reggio und Andrea Zucchi, China Liu Shuishi, Spanien Felipe Cardeña, Albanien Helidon Xhixha , und Ukrain Svitlana Grebenyuk, die sich auf eine stilistische Physiognomie konzentrieren, die unter sehr unterschiedlichen Umwelt- und historischen Umständen gereift ist, aber nationale Grenzen überwinden kann.

Helidon Xhixha hat auch einen Eisberg von venezianischen Gewässern umgeben, die durch die Meeresflut zu versinken drohen. Aus spiegelglänzendem Edelstahl gefertigt, spiegelt es die Stadt und ihre wässrige Umgebung wider. Xhixhas Eisberg (2015) bewegt sich mit der Bewegung der Strömungen und des Windes. Diese Bewegung, zusammen mit wechselndem Licht und Wetter und dem Vorbeiströmen von Booten und Menschen, bewirken, dass sich die spiegelnde Oberfläche des Eisbergs ebenso kontinuierlich verschiebt wie die Welt, die er spiegelt. Doch während diese Visionen das Auge erfreuen, dient diese Arbeit auch als Mahnung und Mahnung. Es war schließlich das Schmelzen der Gletscher, das die Landstriche im Wasser bildete, auf denen Venedig gegründet wurde. Und jetzt, dank der steigenden Temperaturen, die durch unsere Umweltzerstörung verursacht werden,es ist das Schmelzen der Gletscher (unter anderem), das die Stadt und ihre künstlerischen und historischen Schätze von der Landkarte zu tilgen droht.

Schweden-Pavillon: Lina Selander. Ausgrabung des Bildes: Abdruck, Schatten, Gespenst, Gedanke
Titel „Ausgrabung des Bildes: Abdruck, Schattengespenst, Gedanke.“ Selanders Filminstallationen greifen oft auf historische Ereignisse zurück, und sie nutzt sowohl essayistische als auch archäologische Ansätze, um aufzudecken, wie private wie öffentliche Bilder Erinnerung oder Geschichte definieren. Selander präsentiert ihre Einzelarbeiten in einer Art übergreifender Metamontage, die gut zur Form der einzelnen Arbeiten passt, nicht zuletzt weil es Bezüge, Themen, ja sogar Bilder gibt, die sie gemeinsam haben.

Alle Arbeiten kreisen auf die eine oder andere Weise um den Status des Bildes, als Repräsentation, Erinnerung, Objekt, Abdruck oder Oberfläche, und unsere Beziehungen dazu. Sie untersuchen die offiziellen Darstellungen historischer Ereignisse sowie die sie erzeugenden Bildsprachen und -apparate und unterstreichen, dass Geschichte in vielerlei Hinsicht die Geschichte der Aufzeichnungsgeräte und -technologien ist. Auch haben die Arbeiten einen Bezug zu den Sehnsüchten und Misserfolgen der Moderne, etwa durch die Katastrophen von Tschernobyl und Hiroshima, die Naturbildern gegenübergestellt werden und die visuellen Auswirkungen fotografischer, geologischer und nuklearer Prozesse querverweisen, um neue Sedimentationen zu erzeugen von Bedeutung.

Schweiz Pavillon: Unser Produkt
Die immersive Installation mit dem Titel „Unser Produkt“ aktiviert das Wissen, das in der technologischen, wissenschaftlichen und konzeptionellen Entwicklung von Produkten mobilisiert wird, und untergräbt die kulturell konsolidierten Bedeutungen der Kunst. Das Projekt setzt sich aus immateriellen Elementen wie Licht, Farbe, Duft, Klang und organischen Bestandteilen wie Hormonen und sogar Bakterien zusammen. Von Pamela Rosenkranz ausgewählte Materialien, zum Beispiel Bionin, Evian, Nekrion, Neoten, Silikon… Die Menschen kennen die physikalischen Substanzen, aus denen sie tatsächlich bestehen, besser. ihre scheinbar reinen und zeitlosen ästhetischen Qualitäten, die sie ausstrahlen, haben jedoch eine biologische Grundlage. Abeel, Abeen, Aben, Afriam, Afrim, Afristil, Albatom…. sind die Bestandteile unseres Produkts, imaginäre chemische und biotechnologische Produkte,von einer hochentwickelten Industrie geschaffen, um Empfindungen, lebenswichtige Funktionen und sogar Linderung unserer Schmerzen zu vermitteln. Ihre wissenschaftlichen und industriellen Namen werden endlos deklamiert.

Rosenkranz isoliert die Innenräume des Schweizer Pavillons mit Kunststoffen und füllt ihn mit einer monochromen Flüssigkeitsmasse, die Farbe wird heute in der Werbebranche als bewährtes Mittel zur körperlichen Aufmerksamkeitssteigerung eingesetzt. Die eurozentrische Hautfarbe, die sich aus einer breiteren Naturgeschichte mit Migration, Sonneneinstrahlung und Ernährung ableitet, wird von einer grünen Beschichtung kontrastiert, die den Mantel des Gebäudes bedeckt. die Außenterrasse wird durch künstliches grünes Licht beleuchtet, das den Unterschied zwischen Innen- und Außenbereich entzerrt; eine biologisch anziehende Wandfarbe löst diese Trennung zwischen Kultur und Natur weiter auf.

Thailand Pavillon: Erde, Luft, Feuer & Wasser Fire
In vielen klassischen Weltanschauungen werden vier Grundelemente als die wesentlichen Bestandteile angesehen, aus denen alles besteht. Erde, Luft, Feuer & Wasser. Tasnanchalees Konzept war, dass unabhängig davon, wie weit die Welt fortgeschritten ist und unabhängig davon, welche Wege „All the World’s Futures“ nehmen mag, die grundlegenden Bestandteile des Lebens ewig sind. Nachdem er die Bildsprache seines Konzepts durch Mixed-Media-Malereien entwickelt hat, verwandelt Tasnanchalee seine Symbole für Erde, Luft, Feuer und Wasser in große, hydro- und lasergeschnittene Edelstahl-, Aluminium- und Neonlichtskulpturen. Licht und Schatten spielen in diesen Arbeiten eine zentrale Rolle. Beleuchtet mit Umgebungslicht und getönten, geformten Neonlichtern werden die Laser- und Hydrocut-Kompositionen elementarer Symbole in die projizierten und gegossenen Metallplatten eingestrahlt.Die großen Skulpturen, die im thailändischen Nationalpavillon präsentiert werden, sind Metaphern für Zeit und Welt. Die klassischen Elemente beziehen sich auf antike philosophische Konzepte, die heute meist mit den zeitgenössischen „Aggregatzuständen“ verglichen werden. Fester, gasförmiger, Plasma- und flüssiger Zustand.

Türkei-Pavillon: Respiro
Die Ausstellung mit dem Titel „Respiro“ (auf Italienisch „Atem“) füllt den Sale d’Armi des Arsenale mit multimedialen Werken, die das allgemein anerkannte Symbol eines Regenbogens verwenden, um Konzepte der Transformation und der gemeinsamen menschlichen Erfahrung zu erforschen. Zwei großformatige, ortsspezifische Neonregenbögen aus zerbrechlichen, schwankenden Farblinien beleuchten eine Reihe von 36 Buntglasscheiben, die Bilder in Bezug auf Natur, Spiritualität und das Erhabene darstellen. „Respiro reicht über die Geopolitik hinaus in einen weitläufigeren Kontext von mehr als einer Million Jahren, geht zurück zur Erschaffung des Universums und den Anfängen der Zeit, zurück zum allerersten Regenbogen, dem allerersten magischen Bruchpunkt des Lichts. A meditative Klanglandschaft,arrangiert von Jacopo Baboni-Schilingi und inspiriert von einer Zeichnung von Sarkis, die die Farben des Regenbogens als „System von Trennwänden“ illustriert, spielen Tag und Nacht über die Installation.

Tuvalu-Pavillon: Die Flut überqueren
Mit dem Titel „Crossing the Tide“ greift das Plädoyer kleiner Inselstaaten auf, die sich den Auswirkungen des globalen Klimawandels stellen. Dies äußert sich in steigenden Meeresspiegeln und zunehmenden schweren Stürmen, die Überschwemmungen verursachen, und bedroht letztendlich die Zukunft dieser kleinen Inselstaaten wie Tuvalu im Pazifischen Ozean. Das Projekt verfügt über einen überfluteten Pavillon. Es verbindet die Überschwemmung des Tuvalu mit der Überschwemmung von Venedig. Überquert man die Flut im Tuvalu-Pavillon über leicht unter Wasser liegende Stege, befindet sich der Besucher in einem imaginären Raum, einer Traumlandschaft, die nur aus Himmel und Wasser besteht.

Der Tuvalu-Pavillon stellt eine natürliche Umgebung dar, die jedoch im Wesentlichen von Menschenhand geschaffen wurde und das Werk des chinesisch-taiwanesischen Künstlers Vincent JF Huang ist. Das Projekt enthüllt eine Welt, die nur aus Himmel und Wasser besteht. Das erste Kapitel des alten chinesischen Buches Zhuangzi, „Free and Easy Wandering“, beschreibt eine solche Welt in der Geschichte eines riesigen Fisches namens Kun, der sich in einen riesigen Vogel namens Peng verwandelt. Wenn Peng mit den Flügeln schlägt, rauscht das Meer. Peng erhebt sich zu enormer Höhe. Der Himmel ist blau, und wenn der Vogel nach unten schaut, ist auch alles blau. Das Buch Zhuangzi ist einer der Grundlagentexte der daoistischen Philosophie. Es betrachtet Wege für die Menschheit, Glück und Freiheit durch ein Leben in Harmonie mit der natürlichen Welt zu erlangen und „freies und leichtes Wandern“ zu werden.Aber die Wahrheit ist, dass wir nicht mehr im Einklang mit der Natur leben, sondern mit vielen Umweltkatastrophen konfrontiert sind.

Pavillon der Ukraine: Hoffnung!
Unter dem Titel „Hope!“, optimistische Erklärung des UkrainePavillons über die Zukunft dieses unsicheren Landes inmitten eines innenpolitischen Kampfes. Dieser Optimismus und die dramatische Transparenz der Glaspavillonstruktur werden jedoch durch die moralischen Nuancen der darin ausgestellten Werke problematisiert. Zeigen Sie durch die Hervorhebung der Arbeit junger Künstler eine kritische und unparteiische Haltung gegenüber dem Konflikt, die von einem tiefen persönlichen Engagement und einer Solidarität mit der Ukraine geprägt ist. Anstatt die Erzählung von der Ideologie bestimmen zu lassen, mobilisiert der ukrainische Pavillon die Kunst als kritische Kraft und bringt eine radikale Nachdenklichkeit in eine von Reaktion verzehrte Nation.

Pavillon der Vereinigten Arabischen Emirate: 1980 – Heute: Ausstellungen in den Vereinigten Arabischen Emiraten
Der Pavillon der Vereinigten Arabischen Emirate reicht zurück und zeigt 100 Gemälde, Skulpturen, Fotos und andere Kunstobjekte, die in den letzten vier Jahrzehnten von 15 emiratischen Künstlern geschaffen wurden. Hassan Sharif eignete sich seine eigenen Tropen, Konzepte und Materialien aus den Bewegungen des Fluxus und des britischen Konstruktionismus an und machte sie. Die Arbeiten verwenden reichlich buntes kommerzielles Plastik und andere Fundstücke. Al Saadis Skulpturen sind wie Tiere geformt, die Skulpturen hier sind aus Holz und Tierknochen gefertigt, die er auf seinen Reisen durch die Vereinigten Arabischen Emirate gefunden hat. Seine bunten Halsketten in einer angrenzenden Vitrine bestehen aus Holz, Knochen, Tonscherben und handelsüblichen Kunststoffen. Mohammed Abdullah Bulhiahs Skulpturen aus Metall, Fels und Holz, von denen einige an die elegante Schlichtheit erinnern.Alle sind auf dem 250 Quadratmeter großen Raum als dicht gedrängte Werksammlung im Gespräch und nicht in didaktischer Chronologie installiert.

Pavillon der Vereinigten Staaten von Amerika: Joan Jonas: Sie kommen ohne ein Wort zu uns
Die Installation mit dem Titel „sie kommen ohne ein Wort zu uns“ der wegweisenden Video- und Performancekünstlerin Joan Jonas, die versucht, die Zerbrechlichkeit der Natur in einer sich schnell verändernden Situation durch eine Videoinstallation mit Zeichnungen und skulpturalen Elementen zu evozieren. Teilweise beeinflusst von den Schriften des isländischen Autors Halldór laxness und seiner poetischen Darstellung der Natur, beschäftigt sich jede der Galerien des US-Pavillons mit einem bestimmten Naturthema wie Bienen oder Fischen und ist durch Fragmente von Geistergeschichten verbunden, die von eine mündliche tradition in kap breton, nova scotia, die eine nichtlineare erzählung bildet, die eine galerie mit der nächsten verbindet. In jedem Raum stehen zwei Videoprojektionen im Dialog miteinander, eine, die das Hauptmotiv des Raumes darstellt,und das andere als Geistererzählung, wodurch ein durchgehender visueller Faden entsteht.

In jedem Raum befinden sich freistehende, geriffelte Spiegel, die von Jonas entworfen und eigens für diese Ausstellung aus Murano gefertigt wurden; neben den unverwechselbaren Zeichnungen und Drachen der Künstlerin und einer kuratierten Auswahl von Objekten, die in ihren Videos als Requisiten verwendet wurden. diese organisation verschiedener elemente erzeugt das gefühl einer bühne. Auch die Rotunde des Pavillons wird von ähnlichen Spiegeln gesäumt, an einer kronleuchterartigen Struktur hängen alte venezianische Kristallperlen in der Mitte der Decke. Die Gesamtatmosphäre spiegelt den Betrachter und das Äußere des US-Pavillons im Kontext der Giardini Pubblici wider, durchzogen von bewegten Bildern. Im Projekt geht es um die Frage, wie sich die Welt so schnell und radikal verändert, ohne das Thema direkt oder didaktisch aufzugreifen,Die Ideen werden poetisch durch Ton, Licht und die Gegenüberstellung von Bildern von Kindern, Tieren und Landschaften impliziert.

Uruguay-Pavillon: Global Myopia II (Bleistift & Papier)
Unter dem Titel „Global Myopia“ (Bleistift & Papier), eine ortsspezifische Installation aus Papier, Stickern und Bleistiften. Marco Maggis Zeichnungen, Skulpturen und Installationen kodieren die Welt. Aus linearen Mustern zusammengesetzt, die an Leiterplatten, Luftaufnahmen unmöglicher Städte, Gentechnik oder Nervensysteme erinnern, sind seine Zeichnungen ein Thesaurus des Unendlich Kleinen und des Unentzifferbaren. Marco Maggis abstrakte Sprache bezieht sich auf die Art und Weise, wie Informationen in einer globalen Ära verarbeitet werden, und seine Arbeit hinterfragt den Begriff der Zeichnung selbst. Die Diminutivpapiere werden nach den spezifischen Verkehrsregeln und der Syntax, die durch jede Ansammlung von Sedimenten diktiert wird, verbreitet oder verbunden.

Eine Papierhaut ohne Buchstaben oder Handschrift, frei von Botschaften, zeigte sich langsam, ohne vorherige Planung, an den Wänden des uruguayischen Pavillons. Die Papierkolonien an den Wänden treten in Dialog mit einer individuellen Lichtschiene von Erco. Myriaden von High-Definition-Schatten und winzigen Glühlampenprojektionen zielen darauf ab, den Betrachter zu verlangsamen. Das Projekt gliedert den Akt des Zeichnens in zwei Phasen. Erstens durch das Schneiden eines Alphabets aus 10.000 Elementen im Laufe des Jahres 2014 in New York und zweitens durch die Verwendung der vorgeschnittenen Elemente, um im Frühjahr 2015 an den Pavillonwänden zu schreiben. Ebenso trennt das Projekt die beiden Schlüsselelemente von elements Zeichnung, Bleistift und Papier, in zwei Räume – Papierzeichnungen im Hauptraum und eine Bleistiftinstallation im ersten Raum.

Simbabwe Pavilion: Pixels of Ubuntu/Unhu: Erkundung all der verschiedenen Facetten sozialer, physischer und kultureller Identitäten unserer zeitgenössischen Gesellschaften aus Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft
Mit dem Titel „Pixels of Ubuntu/Unhu“, Erkundung der sozialen und kulturellen Identitäten des 21. Jahrhunderts. Wenn Werke oder Kunst geschaffen werden, erhalten sie neue Bedeutungen, die das Konzept wachsen lassen. Die Werke in der Ausstellung sind durch eine leichte Berührung und eine fast minimalistische Anmutung vereint, wobei Weiß der dominierende Hintergrund und „Grafik“ der dominierende Stil für die meisten Werke ist. Zusammen bringen sie uns zum Grübeln und Nachdenken über die Schwächen des Lebens mit ein kleines „l“ und das Lebensbewusstsein mit einem großen „L“, das so viel von der simbabwischen Philosophie ist, unterstrichen von Ubuntu im Titel des Pavillons. Simbabwe-Pavillon zeigt einen Weg der Stabilität und Selbstbestimmung, der a Paradigma für seine Zukunft und ein durchdachter Beitrag zu „All The World’s Futures“.

Die zehnteilige Serie von Msimba Hwati lässt alle Besucher erkennen, wer wir in diesem Leben sind. Jedes eine Schwarz-Weiß-Wiedergabe eines Fotos, die einzige Farbe und der Unterschied in jedem Stück wird durch einen gebrandeten Kreisfleck geliefert, eine augenzwinkernde Anspielung auf die Geschichte der Porträtmalerei und den Verlust des Individualismus im Zeitalter von Branding, Social Media und Technologie. Chazunguzas „The Presence of the Past“ ist ein Oszillieren zwischen Video in einem Raum und druckbasierten Arbeiten im anderen, die uns jeweils dramatisierte Vignetten des simbabwischen Lebens liefern. Nyandoros Leinwände, die zerbrochen sind, Zeichnungen, die zu Gemälden werden, und Gemälde, die zu Installationen werden Die Arbeit ist sowohl eine Antwort auf eine Gegenwart, die sich jeder Normalität oder Konvention widersetzt, als auch eine Suche nach einer Zukunft,die Hoffnung geben kann, ohne die Einhaltung von Konventionen zu verlangen.

Sicherheitenereignisse

001 Inverso-Mundus. AES+F
Magazzino del Sale n. 5, Dorsoduro, Organisation: VITRARIA Glass + A Museum
Der mittelalterliche Stich Inverso Mundus zeigt ein Schwein, das den Metzger ausweidet, ein Kind, das seinen Lehrer bestraft, einen Mann, der einen Esel auf dem Rücken trägt, Männer und Frauen, die Rollen und Kostüme austauschen, und ein Bettler in Lumpen, der majestätisch einem reichen Mann Almosen gibt. In dieser Gravur gibt es Dämonen, Chimären, Fische, die durch den Himmel fliegen, und den Tod selbst, entweder mit einer Sense oder hinter der Maske von Doktor Plague.

In unserer Interpretation von Inverso Mundus erscheinen absurde Szenen des mittelalterlichen Karnevals als Episoden zeitgenössischen Lebens. Charaktere spielen Szenen absurder sozialer Utopien nach und wechseln dabei ihre eigenen Masken. Metrosexuelle Reinigungskräfte überschütten die Stadt mit Schutt. Frauen-Inquisitoren foltern Männer auf IKEA-ähnlichen Geräten. Kinder und Senioren werden in einen Kickboxkampf gesperrt. Inverso Mundus ist eine Welt, in der Chimären Haustiere und die Unterhaltung der Apokalypse sind.

Katalonien in Venedig: Singularität
Cantieri Navali, Organisation: Institut Ramon Llull
Wenn Raymond Williams heute mehr Einträge für seinen gefeierten Text Keywords beschließen würde, würde er sicherlich „Singularität“ einbeziehen. Der Begriff bezieht sich auf den Moment, in dem künstliche Intelligenzen die menschlichen Fähigkeiten und die menschliche Kontrolle übersteigen. In der Mathematik beschreibt es einen Punkt, an dem ein gegebenes mathematisches Objekt nicht definiert oder „wohlerzogen“ ist, zum Beispiel unendlich oder nicht differenzierbar.

Diesen Gedanken nimmt der Filmemacher Albert Serra Juanola in seinem neuen Film zum Ausgangspunkt. Serras Kino macht die Aussage, dass das Bewusstsein der Welt nicht einfach ein Ergebnis der Existenz des Geistes ist, sondern der Geist in Aktion. Kino mit der Singularitätsbedingung zu verbinden bedeutet, den Glauben an die Vorstellung zu fördern, dass Denken, Wollen und Vorstellungskraft nicht aus derselben Substanz bestehen wie die Welt, Gegenstände und Dinge, sondern aus Bildern, Gefühlen und Ideen.

Umwandlung. Recycling-Gruppe
Chiesa di Sant’Antonin, Organisation: Moskauer Museum für Moderne Kunst
Diese ortsspezifische Installation schlägt vor, dass die Globalisierung von Informationsnetzwerken und der Kult um neue Technologien in gewisser Weise mit der historischen Bekehrung zum Christentum vergleichbar sind. Die Recycle Group wendet sich häufig der Geschichte zu, um aktuelle Themen und schockierende Aspekte des zeitgenössischen Lebensstils zu veranschaulichen.

Ihre Skulpturen und Flachreliefs aus modernen Materialien wirken oft wie antike Monumente, die den Zahn der Zeit zeigen, wie Artefakte aus einer untergegangenen Zivilisation. Obwohl die Formen und Kompositionen dieses Projekts von der traditionellen christlichen Ikonographie beeinflusst sind, führen sie zeitgenössische Motive ein. Conversion schlägt eine Parallele zwischen der christlichen Aufklärung und der digitalen technologischen Revolution vor, bei der sich heiliges Wissen, das früher im Himmel residierte, jetzt im immateriellen Raum von „The Cloud“ befindet.

Land
Gervasuti Foundation Foundationalis, Organisation: Gervasuti Foundation
Eine Ausstellung, die das Ergebnis des eineinhalbjährigen Aufenthalts der italienischen Künstlerin Giorgia Severi in den australischen Territorien im direkten Kontakt mit der indigenen Künstlergemeinschaft ist. Ihre Reise umfasste verschiedene Zwischenstopps in Kunsträumen auf dem ganzen Kontinent. Country ist ein Schmelztiegel verschiedener Kulturen, seine Werke sind eine Auseinandersetzung mit Erinnerung und Tradition.

Durch den Einsatz einer Reihe von Medien vom Kunsthandwerk bis zur Klangkunst sind wir eingeladen, über das volatile Gleichgewicht zwischen Mensch und Natur nachzudenken.

Dansaekhwa
Palazzo Contarini-Polignac, Organisation: The Boghossian Foundation
Dansaekhwa beschreibt eine koreanische Kunstform und Bewegung, die in den frühen 1970er Jahren entstand und bis in die 1980er Jahre fortgeführt wurde. Obwohl Dansaekhwa als Gemeinsamkeiten mit westlicher monochromer Kunst und Minimalismus verstanden werden kann, unterscheidet es sich von beiden in Bezug auf seinen historischen Hintergrund, seine ästhetische Praxis und die zugrunde liegende Gesellschaftskritik.

Dansaekhwa artikuliert eine malerische Flexibilität und Affinität, indem er den Farbüberschuss entfernt. Das Pinseln, Zupfen, Kratzen an Farbe und das Drücken von Ölfarben durch die Rückseite der Leinwand ist ein körperlicher Akt, der als Element und wichtige Leistung des Produktionsprozesses erscheint und die Malerei unberechenbar macht. Der Hintergrund von Dansaekhwa sind wegweisende Elemente, die sich ständig ändernde ästhetische Werte und die fortlaufende Geschichte von Aktivismus und politischer Kritik, die soziale Phänomene widerspiegeln, berücksichtigen.

Enteignung
Palazzo Donà Brusa, Organisation: Europäische Kulturhauptstadt Breslau 2016
Die von der Stadt Breslau, der Kulturhauptstadt Europas 2016, organisierte Ausstellung nimmt als Ausgangspunkt die Vertreibungsgeschichte der Stadt nach dem Krieg. Ausgehend von diesem historischen Kontext erforscht es zeitgenössische Dimensionen von Vertreibungen, von Heimatverlust und der Suche nach einer Zuflucht an einem neuen, oft feindlichen, fremden Ort.

Künstler aus Polen, der Ukraine und Deutschland lassen sich von der Erkenntnis einer universellen und zeitlosen Dimension der Enteignung und ihrer psychologischen und materiellen Manifestationen leiten. Enteignung, die sich sowohl auf Deprivation als auch auf Exorzismus bezieht, deutet auf einen Unterschied zwischen „unserem“, „eigenem“ und einem unerwünschten „Anderen“ hin. In diesem Verlust und Verlangen nach Zugehörigkeit analysieren wir eine komplexe Beziehung zwischen Raum und Identität.

EM15 präsentiert Doug Fishbones Leisure Land Golf
Arsenale Docks, Organisation: EM15
Das Freizeitprinzip ist das kuratorische Thema, das die erste Präsentation von EM15 auf der Biennale antreibt und manifestiert sich in zwei neu in Auftrag gegebenen künstlerischen Ergebnissen: Doug Fishbones Leisure Land Golf, ein vollständig spielbarer, von Künstlern gestalteter Minigolfplatz, zu dem Besucher eingeladen sind, und Sunscreen (www .sun-screen.uk), ein Online-Projekt, das den verschwommenen Raum zwischen Arbeit und Freizeit erforscht.

Das Freizeitprinzip betrachtet das Konzept von Tourismus und Handel als Metapher, um die aktuellen globalen wirtschaftlichen Komplexitäten durch eines der bestimmenden Prinzipien der Freizeit zu erkunden – das des Konsums und wie dieser Konsum unsere Identität prägt. EM15 ist ein Kollektiv aus den East Midlands, Großbritannien, und umfasst Beacon Art Project, One Thoresby Street, QUAD und New Art Exchange in Zusammenarbeit mit der Nottingham Trent University.

Eredità e Sperimentazione
Grand Hotel Hungaria & Ausonia, Organisation: Istituto Nazionale di BioArchitettura – Sezione di Padova
Dieses Ereignis entwickelt sich durch die Darstellung eines dekorativen Prozesses des englischen Künstlers Joe Tilson mit einer undekorierten Fassade des Jugendstilgebäudes des Grande Hotel Ausonia & Hungaria am Lido von Venedig.

Es gibt eine Tagsicht mit materiellen und dreidimensionalen Instrumenten und eine Nachtsicht mit Videomedieninstrumenten. Nachtsicht: eine Multimedia-Darstellung mit einer Projektion der vorgeschlagenen Dekoration für eine Fassade des Hotels. Tagesvision: zwei didaktische Ausstellungen mit maßstabsgetreuen Stücken. Draußen, im Garten, befindet sich eine 12 Quadratmeter große Struktur mit Muranoglasfliesen und struktureller Unterstützung, der Prototyp der Beschichtung, die an der Wand angebracht wurde. Neben der Lobby des Hotels, im historischen Sitzungssaal, befindet sich eine Ausstellung mit historischen Dokumenten, Skizzen, Gemälden des Künstlers und Plänen.

Grenzen neu gedacht
Museo di Palazzo Grimani, Organisation: Tagore Foundation International
Das Phänomen der Globalisierung, in dem Kulturen wie nie zuvor aufeinanderprallen und verschmelzen, bietet reiche und komplexe Inspirationsquellen für Künstler. Frontiers Reimagined untersucht die Ergebnisse dieser kulturellen Verflechtungen anhand der Arbeit von 44 Malern, Bildhauern, Fotografen und Installationskünstlern, die den Begriff der kulturellen Grenzen erforschen.

Diese aufstrebenden und etablierten Künstler – die aus einer riesigen geografischen Landschaft stammen, die sich vom Westen über Asien bis nach Afrika erstreckt – teilen eine wahrhaft globale Perspektive, sowohl in Bezug auf ihre physische Existenz, ihr Leben und Arbeiten zwischen den Kulturen als auch ihre künstlerischen Bemühungen. Jedes zeigt den intellektuellen und ästhetischen Reichtum, der entsteht, wenn Künstler in einen interkulturellen Dialog treten.

Glastress Gotika
Fondazione Berengo, Organisation: Staatliche Eremitage
Die Ausstellung präsentiert zeitgenössische Glaskunstwerke mit gotischen Themen von über fünfzig eingeladenen Künstlern aus über zwanzig Ländern, die mit den Glasmeistern von Murano Werke geschaffen haben. Diesen Werken werden mittelalterliche Glasartefakte aus der ständigen Sammlung der Staatlichen Eremitage in St. Petersburg, einem der ältesten und berühmtesten Museen der Welt, gegenübergestellt.

Glasstress Gotika untersucht, wie sich mittelalterliche Ideen trotz aller technologischen Fortschritte der heutigen Gesellschaft unmerklich in das moderne Bewusstsein eingeschlichen haben und wie das gotische Konzept die zeitgenössische Kunst beeinflusst.

Graham Fagen: Schottland + Venedig 2015
Palazzo Fontana, Organisation: Schottland + Venedig
Der Ehrgeiz von Fagens Werk und die Komplexität seines Vokabulars positionieren ihn als einen der einflussreichsten Künstler, die heute in Schottland arbeiten. Er schöpft aus seiner Faszination für Poesie, spezifische musikalische Formen und theatralische Kunstgriffe, um sich auf Ideen des Nationalen, Sozialen und Politischen zu konzentrieren.

Die Arbeit mit Schriftstellern, Theaterregisseuren, Musikern und Komponisten ermöglicht es ihm, auf Expertise, Wissen und Spezialisierungen außerhalb seines eigenen zurückzugreifen. In diesem neuen Werk sind Beiträge der klassischen Komponistin Sally Beamish, der Reggae-Sängerin und Musikerin Ghetto Priest sowie des Musikproduzenten Adrian Sherwood klar eingebettet, dennoch wird Fagens Autorschaft nie abgelenkt oder ausgehöhlt. Fagens Installation nimmt den Betrachter mit auf eine Reise, eine choreografierte Route.

Grischa Bruskin. Die Sammlung eines Archäologen
Ehemalige Chiesa di Santa Caterina, Organisation: Centro Studi sulle Arti della Russia (CSAR), Università Ca‘ Foscari Venezia
Eine Reise in die Zukunft inmitten der Ruinen des Sowjetimperiums. Eine große Installation von 33 Skulpturen, die bei archäologischen Ausgrabungen in einer alten Kirche entstanden sind. Sie sind die Pseudoartefakte einer kürzlich untergegangenen Zivilisation.

Für dieses Projekt verwendet Bruskin Figuren aus seinem Gemälde Fundamental’nyi leksikon (1985–1986), einer Sammlung von Archetypen aus der UdSSR. Er reproduziert die Figuren in Lebensgröße, zerstört dann die Skulpturen, sammelt die Fragmente und gießt sie in Bronze. Anschließend begräbt er sie drei Jahre lang in der Toskana neben den bereits verschütteten Ruinen des Römischen Reiches. Schließlich gräbt er sie aus, und nun tauchen die Statuen aus dem trüben Wasser auf, in dem Venedig liegt. In der Gegenwart treffen verschiedene untergegangene Reiche aufeinander.

Biennale Venedig Venice
Die Kunstbiennale von Venedig, eine Ausstellung zeitgenössischer bildender Kunst, wird so genannt, da sie alle zwei Jahre in ungeraden Jahren stattfindet; ist die ursprüngliche Biennale, an der andere auf der Welt nachempfunden sind. Die Biennale Foundation hat eine kontinuierliche Existenz, die die Künste unterstützt und die folgenden separaten Veranstaltungen organisiert:

La Biennale di Venezia wurde 1895 gegründet. Paolo Baratta ist seit 2008 ihr Präsident, davor von 1998 bis 2001. La Biennale, die an der Spitze der Forschung und Förderung neuer zeitgenössischer Kunsttrends steht, organisiert Ausstellungen, Festivals und Forschungen in all seinen spezifischen Sektoren: Kunst (1895), Architektur (1980), Kino (1932), Tanz (1999), Musik (1930) und Theater (1934). Seine Aktivitäten sind im kürzlich komplett renovierten Historischen Archiv für zeitgenössische Kunst (ASAC) dokumentiert.

Dieses Ausstellungsmodell hat zu einem Pluralismus der Ausdrucksformen geführt: Um ihnen gerecht zu werden, sind die Ausstellungsräume für strategische Bedürfnisse gewachsen, einschließlich einer ehrgeizigen Restaurierung des Arsenale-Areals, die noch im Gange ist. Die Biennale Arte wurde als weltweit führend bei Ausstellungen zeitgenössischer Kunst anerkannt, und die Zahl der teilnehmenden Länder stieg von 59 (1999) auf 89 im Jahr 2015. Die Biennale Architettura wurde auch als die beste der Welt ausgezeichnet.

Die Beziehung zur lokalen Gemeinschaft wurde durch Bildungsaktivitäten und geführte Besuche unter Beteiligung einer wachsenden Zahl von Schulen aus der Region Venetien und darüber hinaus gestärkt. Dadurch wird die Kreativität auf die neue Generation (3.000 Lehrer und 30.000 Schüler im Jahr 2014) übertragen. Diese Aktivitäten wurden von der Handelskammer von Venedig unterstützt. Auch eine Kooperation mit Universitäten und Forschungsinstituten, die spezielle Führungen und Aufenthalte in den Ausstellungen anbieten, wurde etabliert. In den drei Jahren von 2012-2014 haben sich 227 Universitäten (79 italienische und 148 internationale) dem Projekt Biennale Sessions angeschlossen.

In allen Sektoren gibt es mehr Forschungs- und Produktionsmöglichkeiten, die sich an die jüngere Künstlergeneration richten, direkt im Kontakt mit renommierten Lehrern; systematischer und kontinuierlicher wurde dies durch das internationale Projekt Biennale College, das jetzt in den Sektionen Tanz, Theater, Musik und Kino läuft.