Die 54. Internationale Kunstausstellung, die vom 4. Juni bis 27. November 2011 in den Giardini und im Arsenale der Öffentlichkeit zugänglich gemacht wird. Diese Ausgabe der Biennale umfasst die Internationale Kunstausstellung im Zentralpavillon der Giardini und Arsenale sowie 89 nationale Beteiligungen und 37 Begleitveranstaltungen in der ganzen Stadt.

Das Ausstellungsthema „ILLUMInations“, das die Bedeutung von Licht und Aufklärung betont, macht buchstäblich auf die Bedeutung solcher Bemühungen in einer globalisierten Welt aufmerksam. La Biennale di Venezia war schon immer von einem internationalen Geist getragen, und das umso mehr in einer Zeit, in der die Künstler selbst zu facettenreichen, anspruchsvollen und kulturellen Touristen geworden sind.

Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen die Themen Licht und Aufklärung, gleichzeitig werden Ideen zum Thema „Nation“ untersucht. Es enthält mehrere Werke des venezianischen Altmeisters Tintoretto (1518-1594), die für seine Zeit unorthodox und experimentell waren und sich durch eine dramatische Beleuchtung auszeichnen. Im Rahmen des kuratorischen Konzepts für diese Edition wurden außerdem vier Künstler gebeten, „Para-Pavillons“ zu schaffen, skulpturale Strukturen, die Werke anderer Künstler beherbergen können.

BELEUCHTUNG
ILLUMInations betont die intuitive Einsicht und die Erleuchtung des Denkens, die durch die Begegnung mit der Kunst und ihrer Fähigkeit, die Werkzeuge der Wahrnehmung zu schärfen, gefördert wird. Die Ausstellung respektiert und verteidigt sogar den Wert der Idealisierung aufgeklärter Vernunft und eine Besonderheit der europäischen westlichen Wissenschaftspraxis. ILLUMInations konzentrieren sich auf das „Licht“ der erhellenden Erfahrung, auf die Epiphanien, die mit interkommunikativem, intellektuellem Verständnis einhergehen. Das Zeitalter der Aufklärung schwingt auch in ILLUMInations mit und zeugt von der anhaltenden Lebendigkeit seines Erbes.

Fragen der Identität und des Erbes sind seit langem von entscheidender Bedeutung für die zeitgenössische Kunst, und die Intensität der künstlerischen Auseinandersetzung mit diesen Fragen wird in naher Zukunft wahrscheinlich nicht nachlassen. Historisch, vom Mittelalter bis zur Renaissance, lässt sich der Prozess der „ILLUMInations“ in Kunst und Kultur entdecken.

Der Titel suggeriert zudem ein breites Assoziationsspektrum, von Arthur Rimbauds wild poetischen „Illuminations“ und Walter Benjamins „Profane Illuminations“ über die surrealistische Erfahrung bis hin zur ehrwürdigen mittelalterlichen Bilderhandschrift und der Philosophie der Buchmalerei im Persien des 12. Jahrhunderts. Kunst ist ein Nährboden für das Experimentieren mit neuen Formen der „Gemeinschaft“ und für Studien zu Unterschieden und Affinitäten, die als Modelle für die Zukunft dienen.

Zeitgenössische Kunst ist geprägt von kollektiven Tendenzen und fragmentierten Identitäten, von temporären Allianzen und Objekten, denen das Vergängliche eingeschrieben ist – auch wenn sie in Bronze gegossen sind. Der Expansionsdrang, der die Kunst seit den 1960er Jahren vorantreibt, hat sich nach innen gewendet. Kunst kultiviert nicht mehr das Pathos der Antikunst. Die Wahrnehmung konzentriert sich nun auf die Grundlagen von Kultur und Kunst, um semantische Konventionen von innen heraus zu beleuchten. Einerseits ist das Artefakt einer Prozessbetonung gewichen, andererseits ist die Wiederbelebung „klassischer“ Genres wie Skulptur, Malerei, Fotografie und Film von dem Interesse motiviert, ihre Codes zu sezieren und ihr schlummerndes Potenzial zu aktivieren . Diese Bedenken gehen Hand in Hand mit einem weiteren Aspekt, der heute von großer Relevanz ist:Kunst bindet und bindet ihre Betrachter stark.

Viele der auf der 54. Internationalen Kunstausstellung präsentierten Werke sind eigens für diesen Anlass entstanden, der sich direkt auf das Thema ILLUMInations bezieht. In den Werken des venezianischen Malers und Architekten spielen sie eine herausragende Rolle bei der Herstellung künstlerischer, historischer und emotionaler Beziehungen zum lokalen Kontext. Die Werke klassischer Kunstmaler werden selten in Ausstellungen zeitgenössischer Kunst gezeigt. Durch das Thema „ILLUMInations“ ist es leicht zu erkennen, dass es einige Elemente gibt, die die Gegenwart inspiriert haben.

Diese Gemälde üben heute einen besonderen Reiz aus mit ihrer fast fieberhaften, ekstatischen Beleuchtung und einer fast rücksichtslosen Herangehensweise an die Komposition, die die klar definierte, klassische Ordnung der Renaissance auf den Kopf stellt. Obwohl Selbstreflexion ein bestimmender Faktor der zeitgenössischen Kunst ist, bewegt sie sich selten über das Territorium der Geschichte der Moderne hinaus.

Die Einbindung venezianischer Maler des 16. Jahrhunderts in die Biennale di Venezia setzt unerwartete, anregende Signale und beleuchtet die Konventionen des Kunsthandels in Bezug auf alte und zeitgenössische Kunst. Die interessanten Analogien in dieser Gegenüberstellung sind nicht formaler Natur, sondern verstärken vielmehr die Bedeutung von Kunstwerken als visuelle Energieträger.

Kunst ist ein hochgradig selbstreflexives Terrain, das einen klaren Blick auf die Außenwelt kultiviert. Der kommunikative Aspekt ist entscheidend für die Ideen, die ILLUMInazioni zugrunde liegen, wie es in der Kunst gezeigt wird, die oft die Nähe zur Lebendigkeit des Lebens erklärt und sucht. Dies ist heute wichtiger denn je, in einer Zeit, in der unser Realitätssinn durch virtuelle und simulierte Welten zutiefst herausgefordert wird.

Höhepunkte der Nationalpavillons

Pavillon von Australien: Der goldene Faden
„The Golden Thread“ von Hany Armanious, die Beschwörung antiker Formen und Kulturen, seine Hingabe an eine fast alchemistische Transformation eines Materials in ein anderes und sein Interesse, die Prozesse der Herstellung und Präsentation von Kunstwerken in die Skulpturen selbst zu integrieren, unterstreichen seine Wunsch, das Geheimnisvolle im Alltäglichen zu lokalisieren. Indem wir argumentieren, dass Gegenstände unseres täglichen Lebens, Laubbläser, Vasen, Teekannen, Körbe, Bügeleisen, Jalousien oder sogar eine Burger King-Krone aus Pappe, so viel visuelles Vergnügen, so viel Schönheitspotenzial haben können, wie die Dinge, die entworfen wurden oder Als im Bereich der Ästhetik betrachtet, ist seine Arbeit ein Bekenntnis, dass es in dieser Welt mehr gibt, als man auf den ersten Blick sieht.

Das Projekt ist ein Panorama und umfasst Ideen und Bilder unabhängig vom Ort. Die Arbeit von Armanious ist aufschlussreich, ergreifend und oft humorvoll. Die im Gießverfahren basierenden Skulpturen von Armanious präsentieren eine doppelte Interpretation von Objekten von der Antike bis zum Alltäglichen. Seine akribischen Abgüsse von Fundstücken – meist überflüssige oder ausrangierte Gegenstände, die die Abnutzungen ihres früheren Lebens aufweisen, werden bewusst aus unedlen Materialien, meist Polyurethanharz, hergestellt. Die Ausstellung definiert die traditionelle Absicht des Gießens neu, indem sie mehrere identische Reproduktionen eines Objekts erstellt und stattdessen den Prozess verwendet, um einzigartige Objekte zu schaffen. Sowohl das Originalobjekt als auch die Form werden oft zerstört, und die sorgfältig gegossenen unbelebten Objekte werden zu Artefakten.zeitweilig den Fokus vom Objekt selbst auf den Prozess seiner Entstehung und Entwicklung lenken.

Pavillon von Kanada: Steven Shearer: Exhumieren, um zu konsumieren
Die Einzelausstellung „Exhume to Consume“ umfasst eine Auswahl von Steven Shearers Gemälden, Zeichnungen und Skulpturen mit neuen und noch nie dagewesenen Werken, die aus verschiedenen Einflüssen wie Kunstgeschichte, Populärkultur und Volksarchitektur stammen. Indem Shearer Stile und Themen aufgreift und ausarbeitet, die für die Geschichte der Figurenmalerei spezifisch sind, einschließlich solcher, die mit Symbolismus, Expressionismus und Fauvismus verbunden sind, zieht Shearer formale und thematische Parallelen zwischen der Kunstgeschichte und vergessenen oder verworfenen Aspekten der Gesellschaft.

Steven Shearer exhumiert Objekte, Bilder und Ideen aus der Geschichte, aber auch aus seiner eigenen Vergangenheit und verleiht ihnen Bedeutung, indem er sie in einen zeitgenössischen Kontext einfügt. Seine Arbeit stammt aus seiner fortlaufenden Zusammenstellung von Tausenden von Bildern, die aus Quellen wie Fanzines, Online-Foren und Bildschreinen auf persönlichen Websites stammen. Diese fragmentarischen Quellen funktionieren generativ, da sie in seinem Werk kombiniert und recycelt werden. Seine Kunst entlockt diesen Bildern das psychische und emotionale Potenzial und transformiert sie, um seine subjektive Erfahrung widerzuspiegeln.

Pavillon von China: Pervasion
Die Ausstellung „Pervasion“ zeigt Kunstwerke von Cai Zhisong, Liang Yuanwei, Pan Gongkai, Yang Maoyuan und Yuan Gong. Peng Feng präsentiert fünf Einzelkünstlerinstallationen, die an Düfte erinnern, die mit der kulturellen Tradition des Landes verbunden sind (im Gegensatz zum traditionellen Fokus des Westens auf Ästhetik): Tee, Lotus, Schnaps, Weihrauch und Kräutermedizin. Cais Arbeit erinnert an Tee; Yuan, der Geruch von Weihrauch; Yang, Heilkräuter; Pfanne, der Geruch von Lotus; und Liang ist der stechende Duft von Chinas traditionellem weißen Spiritus – „baijiu“. ‚Cloud-tea‘ von cai zhisong die weiß lackierten ‚geräte‘ sind aus stahl und hauswindspiel und tee. vom Wind bewegt, verströmen die Wolken den Duft von Tee und das Geräusch des Windes. der Duft kommt von Longjing-Tee,den die buddhistischen Mönche Tee trinken, um eine reine und erfrischte Stimmung zu bewahren. Die Installation soll Gefühle von Wachheit und Erleuchtung hervorrufen.

Obgleich der umgebende Nebel in geeigneter Weise verwandt ist, ist er übrigens Teil eines anderen Werkes, „leerer Weihrauch“ von Yuan Gong. Mit zwanzig Ultraschallzerstäubern füllt das Hochdruck-Wassernebelsystem der Installation den Pavillon alle zwei Stunden mit zerstäubtem Weihrauchnebel aus einem Quadrat aus weißen Kieselsteinen, die auf dem Gras liegen. Yang Maoyuans „Alle Dinge sind sichtbar“ Auf dem Boden der Arsenal-Zisterne finden Besucher Tausende von Medizintöpfen. Auf der Innenseite dieser Töpfe sind traditionelle chinesische medizinische Rezepte eingraviert, aber auf der Außenseite gibt es keine Anzeichen. Nach der Theorie der Traditionellen Chinesischen Medizin sind alle Dinge sichtbar, seien es die Akupunkturpunkte, Meridiane oder Kollateralen, jedoch existieren sie für die moderne Wissenschaft überhaupt nicht.

Pavillon von Zypern: Zeitliche Taxonomie
„Temporal Taxonomy“ schlägt eine Synergie zwischen den „emotionalen“ Objektzeichnungen von Doering und den „wissenschaftlichen“ Topographien von Christofides vor. Sie will durch eine Museographie von Zeit und Raum eine besondere Dynamik erzeugen, die Ausstellung will einerseits soziale, politische und kulturelle Beziehungen, sowie Trends und Spannungen auf lokaler und globaler Ebene erforschen und andererseits sie versucht, in Anlehnung an die mittelalterlichen „Lichthandschriften“ zu operieren, die neues und wertvolles Wissen vermitteln.

Zypern wird von zwei Künstlern vertreten, Marianna Christofides und Elizabeth Hoak-Doering. Ausgehend von der zypriotischen Erfahrung und der historischen Realität nähern sich beide Künstler auf besondere Weise Fragen der Geschichtlichkeit, Identität und Erinnerung, indem sie Daten aus einer breiteren Kulturgeschichte nachzeichnen und kartieren. Die Arbeit beider Künstler verlässt die Zypern-Erfahrung und das Feld der Sozialpolitik, erweitert und transformiert sich jedoch, um einen substantiellen Diskurs als Teil eines viel breiteren, globalen Systems zu artikulieren. Themen wie Multikulturalismus, Crossings, Vertreibung, Migration und Hybridisierung sind gemeinsame Grundlagen ihrer Forschung. Ihr Treffen im Zypern-Pavillon zielt darauf ab, bestehende Positionen und Widersprüche rund um die scheinbare Homogenität einer globalisierten Umgebung hervorzuheben und zu verhandeln.während es gleichzeitig das zutiefst menschliche Bedürfnis nach spiritueller und intellektueller Überschreitung anspricht: eines, das zu einer Neudefinition der raum-zeitlichen Existenzsysteme sowie einer Neuformulierung der menschlichen Erfahrung führt.

Pavillon von Ägypten: 30 Tage Laufen im Weltraum
Multimedia „30 Days of Running in the Space“ von Basiony, aufgezeichnet die realen Szenen von Kairo während des Arabischen Frühlings. Eine digitale Visualisierung der körperlichen Aktivität des Künstlers, während er in einer speziell installierten Kammer auf der Stelle lief. Seine Vitalfunktionen blitzten als Grafiken und Linien an den Wänden auf. Das Stück wurde auf der Biennale 2011 zusammen mit Dokumentaraufnahmen, die Basiony von den Protesten auf dem Tahrir-Platz vom 25. bis 27. Januar aufgenommen hat, auf der Biennale erneut aufgeführt.

Pavillon von Estland: Eine Frau braucht wenig Platz
„A Woman Takes Little Space“ besteht aus sechs konzeptionell verbundenen Rauminstallationen in einer wohnungsähnlichen, wohnlichen Umgebung. In ihren Foto-, Video- und ortsspezifischen Rauminstallationen erforscht die Künstlerin verschiedene Themen, die von Weiblichkeit und sozialem Raum bis hin zu unterschiedlichen Darstellungen von Frauen in der zeitgenössischen Gesellschaft sowie „weiblichen“ Berufen reichen. Neben der Fokussierung auf den Raum gibt es auch eine starke Betonung der Zeit, des Zeitkreisens und ein gewisses Element der rituellen Wiederholung und des „Nicht-Ankommens“.

Die Fotoserie fängt Frauen unterschiedlichen Alters und sozialen Status an ihrem Arbeitsplatz ein. Die Serie ist inspiriert von einer Behauptung in einer Meinungskolumne zur Gleichstellung der Geschlechter, die vor einigen Jahren in den estnischen Medien erschien und besagte, dass Frauen weniger Platz für ihre tägliche Arbeit brauchen als Männer. Eine der Fragen, die sich durch die Ausstellung zieht, berührt die Mechanismen, die es ermöglichen, dass solche Ideen aufgrund einer unausgesprochenen Vereinbarung zwischen allen Parteien relativ ungehindert weiterlaufen. Neben Arbeiten, die die Privatsphäre und den Körper in den Mittelpunkt stellen, gibt es auch das Video Unsocial Hours, das das Modell des Kreislaufs von Frauenarbeit und sozialem Leben durch Essen erforscht.

Pavillon von Frankreich: Chance
Die spektakuläre Installation „Chance“ von Christian Boltanski beschäftigt sich mit einem ihm am Herzen liegenden Thema: Glück, Pech und Zufall, Kräfte, die uns faszinieren und ihre eigenen Gesetze aufzwingen. Eine frenetische Umgebung, in der sich ständig bewegende Elemente an die nie endende Lotterie des Lebens erinnern. Dieses Werkensemble von Christian Boltanski wird auch als philosophische Erzählung präsentiert, in der sich der Betrachter nicht damit begnügt, eine Geschichte passiv aufzuzeichnen, sondern in ein veritables Spiel verwickelt wird. Er kann selbst vom Schicksal gewählt werden und, wenn ihm das Glück schenkt, eines der Werke der Ausstellung gewinnen.

„Chance“ eröffnet eine breitere Auseinandersetzung mit dem Schicksal. Die Entfaltung des Lebens und der Rhythmus von Geburten und Sterben werfen die Frage nach dem Universellen und Individuellen in neuer Form auf, was das eine Wesen vom anderen unterscheidet. Das Ambiente hier ist alles andere als düster, sondern einladend. Auch wenn die Brutalität eines industriellen und mechanischen Systems die neoklassizistische Harmonie des Gebäudes durchkreuzt, erhellt hier gefiltertes Licht die Gesichter von Neugeborenen. Von Zeit zu Zeit wird einer von ihnen ausgewählt, und wenn ihn nichts äußerlich von den anderen unterscheidet, kann er doch derjenige sein, dessen Macht und Ruhm die Geschichte prägen.

Pavillon Deutschland: Christoph Schlingensief
Goldener Löwe für die beste nationale Teilnahme
Im Hauptsaal des Deutschen Pavillons wurde die Bühne des Fluxus-Oratoriums Kirche der Angst vs. das Fremde im Inneren präsentiert, das Schlingensief für die Ruhrtriennale 2008 konzipierte. In A Church of Fear vs. the Alien Within setzt Schlingensief seine persönlichen Erfahrungen ein, um sich offen mit den universellen und existenziellen Themen Leben, Leiden und Tod auseinanderzusetzen. Die Bühne des Stücks, die aus vielen Film- und Videoprojektionen und einer Vielzahl skulpturaler, räumlicher und bildlicher Elemente besteht, bietet dem Betrachter wie kein anderes seiner Bühnenbilder eine allumfassende Gesamtinstallation. In einem der beiden Seitenflügel des Pavillons befindet sich ein Kino, in dem auf einer Großleinwand ein Programm mit sechs ausgewählten Filmen aus verschiedenen Momenten in Schlingensiefs Karriere gezeigt wird. Alle Filme werden vom Originalfilmmaterial digitalisiert,und wurden teilweise restauriert. Das Theater ist während der Öffnungszeiten der Biennale jederzeit zugänglich und bietet einem internationalen Publikum die Möglichkeit, eine bedeutende Auswahl aus Schlingensiefs Filmen, darunter auch erstmals untertitelte Filme, zu sehen.

Der linke Seitenflügel des Pavillons ist Schlingensiefs Operndorf Afrika gewidmet, seinem Operndorf in Afrika. In der Nähe von Ouagadougou, der Hauptstadt von Burkina Faso, gelegen, umfasst es eine Schule mit Film- und Musikunterricht, ein Café, ein Krankenhaus und ein zentrales Theatergebäude mit Festsaal. Das Operndorf steht unter der Leitung von Aino Laberenz und wurde mit dem Architekten Francis Kéré geplant. Neben Fotografien und Dokumentationen der bereits realisierten Teile des afrikanischen Projekts – und in Verbindung mit ausgewählten Szenen aus der Via Intolleranza II, Schlingensiefs letztem Theaterstück, in dem er mit Schauspielern aus Burkina Faso zusammenarbeitete – bietet dieser Teil des Pavillons eine großformatige Panoramaprojektion von Aufnahmen der Naturkulisse rund um die Baustelle des Operndorfes,gefilmt von einem afrikanischen Filmemacher, den Schlingensief selbst für den Deutschen Pavillon in Auftrag gegeben hatte.

Pavillon von Griechenland: Jenseits der Reform
Eine ortsspezifische Installation mit dem Titel „Beyond Reform“ von Diohandi erforscht Raum und Zeit. Mit der Innen- und Außenrevision des Pavillons, als bestehender Raum, der zu einem bestimmten Zeitpunkt steht. Die Fassade im byzantinischen Stil war durch kleine Risse in der Oberfläche einer neuen Außenhülle sichtbar, die die ursprüngliche Struktur überdeckte, während Wasser, Licht und Klang im Inneren des Pavillons dominierende Elemente waren. Der Zugang zum Inneren erfolgte über einen ansteigenden Flur, der sich über die gesamte Länge des Pavillons zwischen einer Wasseroberfläche erstreckte und bis ins reine Licht führte. Nach umfangreichen Recherchen zur Architektur und Geschichte des griechischen Pavillons sieht Diohandis neuer Raum eine Verschmelzung der Umgebung mit dem Innenraum und bietet neue Möglichkeiten der Koexistenz von Bausubstanz, Licht, Klang und Wasser.

Diohandi versteht das Thema „ILLUMInations“ im tiefsten und grundlegendsten Sinne. Ausgehend von einem ganz bestimmten, konkreten, streng rationalen Raum, außen wie innen: Der gesamte Raum wird umgestaltet, obwohl keiner dieser Eingriffe die bestehende Struktur berührt. Auch Ton und Licht sind für die Arbeit unverzichtbar. Die Installation im Griechischen Pavillon spiegelt mit Diohandis spezifischer Arbeit gewissermaßen den aktuellen politischen Zustand Europas und der Welt insgesamt wider. Es ist gleichzeitig offensichtlich ein Kommentar zur zeitgenössischen griechischen Erfahrung der wirtschaftlichen Rezession und der Bevormundung durch den IWF: ein Ort des Lichts, der in Dunkelheit und Niedergang geworfen wird, der scheinbar willkürlich an Hoffnungen auf einen spirituellen und gesellschaftspolitischen Wiederaufbau festhält ; mit anderen Worten,zu einer Vision des Lichts, die Klarheit des Geistes mit sich bringen sollte, als ob die ultimative Katharsis wäre.

Pavillon von Indien: Alle sind sich einig: Es droht zu explodieren
Der erste Indien-Pavillon auf der Biennale von Venedig trägt den Titel „Everyone Agrees: It’s About to Explode“, präsentiert die Sammlung von Zarina Hashmi, einer Druckgrafikerin und Bildhauerin, Gigi Scaria, einer Malerin und Videokünstlerin, Praneet Soi, einer Mixed-Media-Künstlerin, und Das Wunschmaschinen-Kollektiv. Dieser Pavillon nähert sich dieser Idee durch die Tropen der transkulturellen Praxis, Migration und Fremdbestäubung. Tatsächlich soll dieser Pavillon als Labor dienen, in dem wir bestimmte Schlüsselpositionen der zeitgenössischen indischen Kunstszene erproben. Dadurch könnten wir Indien als eine konzeptionelle Einheit betrachten, die nicht nur territorial verankert ist, sondern auch in einem globalen Vorstellungsraum ausgedehnt ist.

Hoskotes Ziel bei der Auswahl seiner Künstler ist es, eine Reihe von konzeptuell strengen und ästhetisch reichen künstlerischen Praktiken zu repräsentieren, die parallel zum Kunstmarkt inszeniert werden. Darüber hinaus wurden diese noch nicht durch das Galeriesystem und den Auktionshauskreislauf aufgewertet. Die indische Manifestation konzentriert sich auch auf künstlerische Positionen, die den interkulturellen Charakter zeitgenössischer künstlerischer Produktion betonen: Einige der bedeutendsten Kunstwerke, die heute entstehen, basieren auf einer Vielfalt von Orten, unterschiedlichen Ökonomien der Bilderzeugung und unterschiedlichen Kulturgeschichten.

Pavillon des Irak: Wounded Water
„Wounded Water“, eine spannende, professionell kuratierte Auswahl von 6 irakischen Künstlern aus zwei Generationen, darunter verschiedene künstlerische Medien (Malerei, Performance, Video, Fotografie, Skulptur/Installation). Dies sind außergewöhnliche Zeiten für den Irak. Das Projekt, einen offiziellen Länderpavillon für die 54. Biennale di Venezia zu schaffen, ist ein seit 2004 in Arbeit befindliches multiples und partizipatives Projekt. Es befindet sich historisch gesehen in einer Phase großer Erneuerung nach mehr als 30 Jahren Krieg und Konflikten in diesem Land. Der Pavillon des Irak zeigt sechs international bekannte zeitgenössische irakische Künstler, die in ihrer individuellen experimentellen künstlerischen Forschung sinnbildlich sind und sowohl innerhalb als auch außerhalb ihres Landes leben.

Sie repräsentieren zwei Generationen: Die eine wurde Anfang der 1950er Jahre geboren und hat sowohl die politische Instabilität als auch den kulturellen Reichtum dieser Zeit im Irak erlebt. Ali Assaf, Azad Nanakeli und Walid Siti wurden in den 1970er Jahren während der Entstehungszeit des politischen Sozialismus, die ihren Hintergrund prägte, erwachsen. Die zweite Generation mit Adel Abidin, Ahmed Alsoudani und Halim Al Karim wuchs während des Dramas des Iran-Irak-Krieges (1980-1988), der Invasion Kuwaits, der überwältigenden UN-Wirtschaftssanktionen und der anschließenden künstlerischen Isolation auf. Diese Generation von Künstlern verließ das Land vor der Invasion 2003 und fand Zuflucht in Europa und den USA durch pures Glück gepaart mit der künstlerischen Tugend ihrer Arbeit.Alle sechs Künstler haben somit unzweifelhaft eine mit zeitgenössischer künstlerischer Praxis geschmiedete Identität, die die globale Situation mit der irakischen Erfahrung vereint, und sie stehen für einen ausgeklügelten und experimentellen Ansatz, der völlig international ausgerichtet ist.

Pavillon von Israel: Der Boden eines Mannes sind die Gefühle eines anderen
„One man’s floor is other man’s feel“ von Sigalit Landau, das Metaphorische und das Materielle in einem Bild, poetisch und politisch, vereint, generiert der anspielende Titel ein Konzept mit viel Raum für Imagination. Landaus Projekt arbeitet mit drei wesentlichen Elementen: Wasser, Land und Salz und bezieht sich auf den israelischen Pavillon selbst. Das Projekt ist ortsspezifisch und feiert das Wasser, das dort ist, auf Fragen der Interdependenz, der Gemeinschaften und Gesellschaften, die in dieser Region nebeneinander leben und Land und Kultur teilen.

Pavillon von Italien: Das Ministerium für Kulturerbe und Aktivitäten
Für den traditionellen Veranstaltungsort des italienischen Pavillons, der anlässlich des 150 dieses Jahrtausends, von 2001 bis 2011. 200 Künstler wurden ausgestellt, als Ergebnis von 200 verschiedenen Arten des Kunstverständnisses. Eine kaleidoskopische Darstellung, die sich nicht auf die Auswahl der Kritiker beschränkt und nicht den Trends der Galerien folgt, sondern die außergewöhnliche Verbindung zwischen Kunst, Literatur und Philosophie nährt. Das Arsenal enthüllte auch das aus Salemi in Venedig mitgebrachte Mafia-Museum mit dem Leitmotiv der Enthüllung: „Kunst gehört nicht uns.“

Die Ausstellung Italien: 150 / Biennale: 116. soll eine Sammlung von besonderer Bedeutung für Vielfalt, Beständigkeit und künstlerische Qualität zeigen. Die Ausstellung umfasste Werke von Augusto Sezanne, Ettore Tito, Marcello Dudovich, Carlo Scarpa, Albe Steiner, Milton Glaser, Ettore Sottsass, Gianluigi Toccafondo und Studio Tapiro mit Sitz in Venedig. Die Ausstellung wurde mit internen Mitteln der Biennale, insbesondere des ASAC (Historical Archives of Contemporary Arts), im Rahmen des umfassenderen Projekts zur Verbesserung seiner Fonds realisiert. Ermöglicht wurde die Ausstellung durch die jüngste Überarbeitung und Inventarisierung der gesamten Plakatsammlung mit 3.500 Stück, repräsentiert durch 360 Generalplakate, sowie Sekundärplakate, Plakate und Ankündigungen.

Pavillon von Japan: Tabaimo: Teleco-Suppe
Die Installation mit dem Titel „teleco-sup“ von Tabaimo, die durch die Projektion einer Mehrkanal-Animation auf Spiegelplatten entsteht, erkundet diese immersive Multimedia-Umgebung die Identität des Landes als Inselstaat. „Teleco-Suppe“ bedeutet die Idee einer „umgekehrten“ Suppe oder die Umkehrung der Beziehungen zwischen Wasser und Himmel, Flüssigkeit und Behälter, Selbst und Welt. Dieser von der Künstlerin geprägte Satz baut auf einer intellektuellen Tradition in Japan auf, die sich mit der Identität des Landes als Inselstaat auseinandersetzt, oder was in den letzten Jahren als „Galapagos-Syndrom“ bekannt wurde, das ursprünglich verwendet wurde, um die Inkompatibilität zwischen Japanern zu beschreiben Technologie und internationale Märkte, aber jetzt auf viele Facetten der japanischen Gesellschaft im Zeitalter der Globalisierung anwendbar.Die Struktur der Ausstellung bezieht sich außerdem auf ein Sprichwort, das dem chinesischen Philosophen Zhuangzi zugeschrieben wird: „Ein Frosch in einem Brunnen kann sich das Meer nicht vorstellen“ und auf einen Zusatz zur japanischen Version desselben: „Aber er kennt die Höhe des Himmels. “

Durch den Einsatz einer Mehrkanal-Animationsprojektion und Spiegelpaneelen verwandelt Tabaimo das Innere des Japan-Pavillons in einen Brunnen und den offenen Raum unter dem Pavillon, der auf Pilotis gehoben wird, in den Himmel. Die Abfolge der Bilder führt zu einer Erkenntnis der unvorstellbaren Weite des Brunnens – oder des zeitgenössischen Japans – und verbindet sich durch die antigravitative Ausrichtung der Installation mit einer unendlichen Tiefe/Höhe in der ewigen Welt des Himmels darunter, sichtbar durch eine Öffnung im Etage im Pavillonzentrum. Auf diese Weise über die Grenzen des Pavillons hinaus destabilisierend, destabilisieren die Installationen die Beziehungen zwischen Oben und Unten, Innen und Außen, Weiten und Engen Perspektiven und lassen den Besucher in eine Körpererfahrung eintauchen, die ihn hinterfragt,Ist die Welt eines Frosches, der in einem Brunnen lebt, wirklich so klein? Und wie können wir die Berührungspunkte zwischen dem Einzelnen und dem Gemeinwesen verhandeln – wie verhandeln wir unsere eigenen Galapagos-Syndrome?

Pavillon Litauens: Hinter dem Weißen Vorhang
Hinter dem Weißen Vorhang ist eine Arbeit von Darius Mikšys, die versucht, eine von einem modernen Staat kuratierte symbolische Ausstellung zusammenzuführen und zu zeigen und sie in eine echte Ausstellung und ein nationales Archiv zu verwandeln. Als selbstgebauter und selbstorganisierter öffentlicher Spiegel ist Behind the White Curtain eine Sammlung von Kunstwerken von Künstlern, die in den letzten zwei Jahrzehnten (1992–2010) das Staatsstipendium des Kulturministeriums der Republik Litauen erhalten haben. .

Der litauische Staat wählt Künstler für eine symbolische Ausstellung aus, indem er Preise und Stipendien vergibt, um die Praxis litauischer Künstler zu fördern. Es könnte als gezielte Programmierung kultureller Produkte angesehen werden. Auf diese Weise agiert der Staat als Kurator, dessen Ausstellungshalle keine Wände hat und dessen Ausstellung jahrzehntelang zu sehen ist. Ist es möglich, eine solche Ausstellung zu sehen? Wie besucht man es? Behind the White Curtain ist eine Installation und Performance, die auf beiden Seiten des Vorhangs stattfindet. Eine Seite dient als Lagerraum für die gesamte Sammlung, während die zweite als rotierende Ausstellung fungiert; nach den spezifischen Interessen jedes Besuchers gestaltet.

Pavillon von Luxemburg: Le Cercle Fermé
„Le Cercle Fermé“ von Martine Feipel & Jean Bechameil erkennt, dass der Raumbegriff zentral ist. Dem Betrachter wird eine einzige Idee vor Augen geführt: die offensichtliche Notwendigkeit, einen neuen Raumtypus zu finden. Das Kunstwerk kann auf verschiedenen Ebenen verstanden werden, die sowohl die Philosophie als auch die Kunstgeschichte oder Gesellschaft berühren. In diesem Projekt steckt das Weltraummanagement in einer Krise. In Anlehnung an die Philosophie von Jacques Derrida geht es darum, die Grenzen eines Ortes zu überschreiten, um einen neuen zu finden. Es kommt darauf an, über die Bedeutung der Grenze und die Bedeutung des Raumes nachzudenken, die hauptsächlich aus der Tradition resultiert.

Wichtig ist, das Gesetz nicht zu überschreiten oder zu übertreten, indem man die Grenze überschreitet, sondern einen Raum im Herzen des ehemaligen Raumes zu „öffnen“. Diese Öffnung schafft keinen neuen Raum, sondern eine Art Tasche, die in der alten Bedeutung der Grenze verborgen ist. Es handelt sich um eine Öffnung im Raum nach dem Gleitprinzip. Dieses interne Verrutschen und die Neuerschaffung von Raum implizieren immer die Zerstörung einer Institution. Die Lage scheint noch offen, aber es fehlen Handlungskonzepte, die auf die ökologische Krise und die Zivilisationskrise reagieren können. Zweifellos ist es heute dringender denn je, die Frage des Weltraums als ein Werk der Zivilisation, als eine Umgestaltung der Zivilisation zu betrachten. Die Veränderung des Alltags verändert unsere Welt komplett.

Pavillon von Montenegro: Die Kühlschrankfabrik und klares Wasser
Die Ausstellung mit dem Titel „The Fridge Factory and Clear Waters“ stellten gemeinsame Performance-Künstler zusammen mit Marina Abramović, llija Soskic und Natalija Vujosevic aus. Obod ist eine alte Kühlschrankfabrik von 140.000 Quadratmetern in Cetinje, der Hauptstadt des alten Königreichs Montenegro, und wurde während des kommunistischen Regimes von Tito gebaut. Obod wurde gegründet, um Kühlschränke für das gesamte ehemalige Jugoslawien herzustellen, und ist heute ein perfekt erhaltenes Beispiel für die Ideale des Kommunismus, der Industrialisierung und der Moderne, die so nah an den jahrhundertealten Bibliotheken, Palästen, Klöstern und Bergen liegen Montenegro ist eine so überzeugende geografische Lage. Der Raum wurde zu einem Labor der Produktion, Präsentation, Distribution und Entwicklung verschiedener Kunstformen aus Performance, Tanz,Theater, Oper, Film, aber auch die Förderung von Architektur, Wissenschaft und neuen Technologien.

Marinas Arbeit besteht aus einem Video mit einer originellen Erzählung und einer kurzen Biografie über ihre montenegrinischen Wurzeln und erklärt ihr ehrgeiziges Projekt, zwei Aufführungszentren gleichzeitig in Montenegro (Europa) und in Hudson, New York, zu errichten. Die Arbeiten von Marina Abramović sind auch in „Personal Structures“ zu sehen, kuratiert von Karlyn de Jongh und Sarah Gold, die im beeindruckenden Palazzo Bembo in der Nähe der Rialtobrücke am Canal Grande zu sehen sind. Diese Gruppenausstellung vereint eine interessante Kombination von 28 Künstlern aus 5 Kontinenten. Ob etablierte oder weniger bekannte Künstler, alle eint ein gemeinsames Interesse: die Hingabe an das Konzept von Zeit, Raum und Existenz.

Pavillon von Neuseeland: Beim ersten Blick in Chapmans Homer
„On first look into Chapman’s Homer“ von Michael Parekowhai, würdigt das gleichnamige Gedicht des englischen Romantikers John Keats aus dem 19. . Der Künstler versteht die Arbeit von Chapmans Homer in einer Verbindung mit Performance-Kunst, ein Großteil der wahren Bedeutung der Arbeit kommt durch Musik, die den Raum wie kein Objekt ausfüllt. Michael Parekowhai schafft ein Gefühl von Dramatik und Überraschung für das Publikum.

Pavillon von Norwegen: Der Stand der Dinge
In Anbetracht der Prinzipien des heutigen Nansen-Passes und der Möglichkeit, dass das Image einer Nation tatsächlich durch ihre Internationalität bestimmt wird, organisiert das Office for Contemporary Art Norway (OCA) „The State of Things“, eine Reihe von öffentliche Vorträge, die Teil der norwegischen Vertretung für die 54. Ausgabe der Biennale von Venedig sind. Die öffentlichen Vorträge von international angesehenen Intellektuellen reflektieren Themen wie Diversität, Europa, Umwelt, Friedensarbeit, Menschenrechte, Kapital, Nachhaltigkeit, Migration, Asyl, Ästhetik und Krieg. Jeder der Beiträge befasst sich mit dem „Stand der Dinge“ von heute, ausgehend von den Tätigkeits- und Forschungsfeldern der Referenten und ihren intellektuellen und politischen Prioritäten von heute.

Pavillon Russlands: Leere Zonen
„Empty Zones“, ein Versuch, CAs Handeln rückblickend als Leben in der Kunst zu betrachten. Die Ausstellung konzentriert sich auf das Paradox des Maßstabs und zeigt Kunst als Produktion von sich selbst und nicht von Objekten (Gemälde, Skulpturen, Installationen). Empty Zones ist das Konzept des Lebens als einzigartiges Kunstwerk. Und dieses Leben in der Kunst wurde anhand der Metaphern demonstriert, die für den russischen Pavillon geschaffen wurden.

Es war das erste Beispiel in Russland für eine Kunst, die den Betrachter aus seinem üblichen passiven Zustand herausholt und ihm eine aktive Rolle bei der Gestaltung eines künstlerischen Ereignisses bietet.“ Die ästhetischen raumzeitlichen Ereignisse, die CAs „Aktionen“ ausmachen, wurden sowohl entwickelt in riesigen ländlichen Räumen (Felder, Wälder, Flüsse usw.) und in den Texten, die die Aktionen einleiten, begleiten und die Ereignisse einer Aktion kommentieren.Es wurden aber auch einige Aktionen in der Stadt und in geschlossenen Räumen durchgeführt Als der Prozess der Entwicklung einer zeitgenössischen ästhetischen Sprache es erforderte, hat CA 125 Aktionen durchgeführt und 10 Bände (die Arbeiten am 11PthP sind in Arbeit) der Trips out of Town Books zusammengestellt.

Pavillon von Saudi-Arabien: The Black Arch
In „The Black Arch“ von Mona Khazindar und Robin Start geht es vor allem um einen Treffpunkt der beiden Künstler; von zwei Visionen der Welt; von der Dunkelheit zum Licht und von zwei Städten, Mekka und Venedig. Die Arbeit ist eine Bühne, die das kollektive Gedächtnis der Künstler an Schwarz, die monumentale Abwesenheit von Farbe und die physische Darstellung von Schwarz, die auf ihre Vergangenheit verweist, projiziert. Die Erzählung wird von den inspirierenden Geschichten ihrer Tanten und Großmütter angeheizt und ist in Mekka verankert, wo die Schwestern in den 1970er Jahren aufgewachsen sind.

Beeindruckend für die Künstlerinnen ist die Erfahrung mit der physischen Präsenz von Black, der erste Teil der Installation, inspiriert von den schwarzen Silhouetten saudischer Frauen. Als Kontrapunkt ist der zweite Teil der Installation ein Spiegelbild, das die Gegenwart widerspiegelt. Dies sind die ästhetischen Parameter der Arbeit. The Black Arch handelt auch von einer Reise, von einem Übergang; inspiriert von Marco Polo und seinem Mitreisenden aus dem 13. Jahrhundert, Ibn Battuta, beides Beispiele dafür, wie man Kulturen durch Reisen verbindet. Die Künstler konzentrieren sich auf die Gemeinsamkeiten der beiden Weltstädte und ihre inspirierende Kraft. Die Doppelvision zweier Frauen, zweier Schwestern, zweier Künstler entfaltet sich in einer rituellen und traditionsreichen Welt, die jedoch der alltäglichen Realität menschlichen Verhaltens mit Einfachheit entgegentritt.

Pavillon von Slowenien: Heizungen für heiße Gefühle
Mirko Bratušas Skulptureninstallation Heaters for Hot Feelings besteht aus acht taktilen, anthropo- und biomorphen Stücken, die jeweils etwa 2 m hoch sind. Versteckte elektrische Armaturen heizen, befeuchten und kühlen die gebrannten Tonskulpturen. Die Wärme, die bei der Abkühlung der ersten Skulpturen entstand, wurde verwendet, um die anderen zu erwärmen. Als System künstlicher Körper wird ein Netz von Verbindungen aufgebaut, die auf ihre gegenseitige Abhängigkeit hinweisen. Die Metaphorik eines so konstruierten künstlerischen Systems ist universell auf die moderne Gesellschaft anwendbar, in der alles in Wechselbeziehung geschieht: Reichtum auf der einen Seite des Planeten führt zu Armut auf der anderen, Ausbeutung der Natur verursacht Naturkatastrophen, soziale Unruhen verändern die Politik Systeme.

Die Skulpturen von Mirko Bratuša sind in unterschiedlichen Gefühlszuständen festgehalten. Sie sind fantastisch ausdrucksstark, mit skulpturaler Extravaganz und raffiniertem Humor gestaltet. In Anspielung auf exzentrische Phänomene der westlichen katholischen Tradition offenbaren sie uns das Exotische im Alltäglichen. Um ein höheres Maß an Empathie zu erreichen, werden sie daher aus dem ausgesprochen ausdrucksstarken und nicht mehr massentauglichen Material gebrannter Ton gefertigt. Sie sind taktil, warm und kalt. Sie zeigen uns den psychotischen Aspekt unseres Alltags, spiegeln unsere Ängste und erzählen von unserem Gefühl der Verlorenheit in der modernen Kultur, in der es scheint, dass wir Politik und gesellschaftliche Machtverhältnisse nicht mehr beeinflussen können und dass es nicht mehr möglich ist, die Prozesse der Naturzerstörung. Deshalb, so schlägt Bratuša vor, müssen wir zu elementaren Wahrnehmungen zurückkehren,ins Reich der verlorenen Sensibilität.

Pavillon der Türkei: Plan B
„Plan B“ von Ayşe Erkmen greift die unausweichliche und komplexe Beziehung Venedigs zum Wasser auf. Erkmens Projekt verwandelt einen Raum im Arsenale in eine komplexe Wasseraufbereitungsanlage, in der Maschinen als Skulpturen agieren und das Publikum in den Filterprozess einhüllen, der schließlich sauberes, trinkbares Wasser zurück in den Kanal liefert. Jede Komponente der Filtereinheit wurde getrennt, die Maschinen im ganzen Raum verteilt und dann die Elemente mit verlängerten Rohren wieder verbunden. Erkmen choreografiert die eleganten Industrieformen, um auf den Transformationsprozess aufmerksam zu machen, an dessen Ende das gereinigte Wasser in den Kanal zurückgeführt wird: eine vergebliche, aber mutige Geste gegen die überwältigende Größe des Kanals und des Ozeans.

Formal kommentiert Erkmens Praxis oft die Beziehung des Minimalismus zwischen industriellen Formen und dem Körper. Hier erzeugt die Installation eine viszerale Erfahrung für den Betrachter, der im Mechanismus der Transformation verkörpert ist. „Plan B“ vermittelt abstrakt Systeme und Prozesse, an denen wir täglich beteiligt sind: Blut zirkuliert im Körper, Kapital durchströmt Grenzen, Mechanismen der Autorität, die Versorgung mit natürlichen Ressourcen und bietet dabei einen poetischen Verweis auf die Möglichkeit der Veränderung. Gleichzeitig ist die Arbeit eine subtil humorvolle Kritik an der Euphorie für nicht nachhaltige kurzlebige Lösungen und Veränderungen innerhalb der komplexen Systeme und Strukturen, die uns umgeben.

Pavillon des Vereinigten Königreichs: Ich, Hochstapler
„I, imposter“ von Mike Nelson, eine immersive Installation für den britischen Pavillon. Die neue Adaption verbindet Zeit- und Raumschichten, indem sie die Geschichte eines am Straßenrand gelegenen Gasthauses aus dem 17. Jahrhundert neu interpretiert. Entworfen, um Handelsrouten durch Asien, Nordafrika und Südosteuropa zu unterstützen, war der Raum während seiner Blütezeit palastartig. Die neueste räumliche Neuinterpretation lässt daher die Zeit kollabieren, indem sie die Architektur des 17. Jahrhunderts mit Artefakten der jüngeren Gegenwart wie Plastikmöbeln und einem veralteten Fernseher integriert. Die Verlagerung der Installation von Istanbul nach Venedig verzerrt auch die Wahrnehmung der Geografie, vereint aber die gemeinsame Geschichte der beiden Städte als ehemalige Handelszentren.

Pavillon der Vereinigten Staaten von Amerika: Gloria
Titel „Gloria“, der amerikanische Pavillon neu arrangiert, draußen liegt viel Staub in der Luft, und der ganze Karton und Schutt liegt wie in einem Kriegsgebiet herum. Ein britischer 60-Tonnen-Panzer, der auf den Kopf gestellt wurde, genannt Leichtathletik, sie haben ein Laufband auf der rechten Spur des Panzers befestigt. Im Inneren des Pavillons fanden Aufführungen amerikanischer Turner statt. Eine Nachbildung der symbolischen Freiheitsstatue stand neben Algorithm, einer Pfeife, die zusammen mit einem funktionierenden Geldautomaten aufgerüstet wurde, wobei die Orgel nur während einer Transaktion Musik spielt.

Allora und Guillermo Calzadilla vertreten die USA mit fünf Installationen. Die Künstler verstehen das Ereignis, das oft als die Olympischen Spiele der Kunstwelt bezeichnet wird. Wie Sportler bereiten sie sich rigoros vor und kämpfen schließlich um das Gold. Gloria, wie im olympischen Ruhm oder im Ruhm der Kunst oder im Ruhm des Krieges. Aber ein umgestürzter Panzer kann leicht als Symbol für Amerikas verblichenen Ruhm interpretiert werden. Der Besucher kann die Beziehung zwischen Militarismus sehen und an den Krieg denken. Die Skulptur bezieht sich auch auf Schwerkraft, Gewicht, Assemblage, Performance, Klang. Es hat also all diese Arten von Mehrfachregistern, die es über ein einziges, nützliches, praktisches und funktionales Ende hinausgehen lassen.