Die Paris Fashion Week enthüllt vom 28. Februar bis 8. März 2022 die Herbst/Winter-Ready-to-Wear-Kollektion für Damen. Der vorläufige Showplan zeigt 95 Marken, die ihre Designs präsentieren werden. Von diesen 95 gab es 45 physische Runway-Shows, 37 physische Repräsentationen und 13 Online-Sammlungen.

Die Paris Fashion Week gehört neben den Fashion Weeks in New York, Mailand und London zu den „Big Four“ der Modewelt. In dieser Zeit kommen Models, Designer, bekannte Namen aus der Modewelt, Presse und wichtige Insider aus Magazinen, Agenturen und Modehäusern zusammen, um die neuesten Kollektionen auf dem Laufsteg zu sehen.

Top-Designer sagen die Prognose für die Saison Herbst/Winter 2022 voraus. Chanel gab uns eine Hommage an Tweed, Balenciagas Demna Gvasalia thematisierte die harten Realitäten von Krieg und Klimawandel, Loewe spielte respektlos und Off-White präsentierte seine erste posthume Show nach dem Tod von Virgil Abloh im vergangenen Jahr.

Die High-Fashion-Streetwear-Marke Off-White wird zum ersten Mal seit dem Tod des Gründers Virgil Abloh im November letzten Jahres ausstellen. In ähnlicher Weise wird The Row – das Label von Mary Kate und Ashley Olsen, das luxuriös erhöhte Steigbügel entwirft – zum ersten Mal seit 2016 in Paris ausstellen. Das dänische Label Cecilie Bahnsen wird ebenfalls am Mittwoch seine allererste Show in Paris veranstalten.

Die Paris Fashion Week fand im Palais de Tokyo statt, dort gab es auch einige digitale Präsentationen, da viele Designer weiterhin weniger traditionelle Methoden zur Präsentation ihrer Designs anwendeten, sei es durch Bilder, Filme oder etwas anderes Einzigartiges. Der Schwerpunkt lag jedoch eindeutig auf der traditionellen Catwalk-Präsentation.

Die Paris Fashion Week (Französisch: Semaine de la Mode de Paris) ist eine Reihe von Designerpräsentationen, die halbjährlich in Paris, Frankreich, mit Frühjahr/Sommer- und Herbst/Winter-Veranstaltungen stattfinden. Die Paris Fashion Week ist Teil der globalen „Big 4“-Modewochen, die anderen sind die London Fashion Week, die Milan Fashion Week und die New York Fashion Week. Der Zeitplan beginnt mit New York, gefolgt von London, dann Mailand und endet in Paris.

In Paris findet viermal im Jahr die Fashion Week sowie zwei Haute-Couture-Shows statt: In zwei getrennten Wochen werden die Herren- und Damenkollektionen für die Herbst-/Wintersaison präsentiert. Später im Jahr werden endlich die neuen Kollektionen für die nächste Frühjahrs-/Sommersaison gezeigt.

In Paris präsentieren die größten Modemarken jährlich bis zu sechs Kollektionen: Haute Couture und/oder Prêt-à-Porter und/oder Herrenmode, Frühling-Sommer und Herbst-Winter. Es gibt daher mehrere „Wochen“ im Jahr, hauptsächlich zwei für Haute Couture (Januar und Juli), zwei für Herrenmode (Januar und Juni) und zwei weitere für Konfektionskleidung (März und September).

Hier alle Termine auf einen Blick, siehe bis zu hundert Marken-Modenschau. Neben Prêt-à-porter-Schauen gibt es Herren- und Haute-Couture-Schauen, die halbjährlich für die Saisons Frühjahr/Sommer und Herbst/Winter stattfinden. Französische Wochen sind nicht ähnlich, wenn es um Haute Couture oder Konfektionskleidung geht.

28. Februar

IFM-Master of Arts
Die Absolventen des Institut Français de la Mode (IFM) eröffneten auf Einladung der Fédération de la Haute Couture et de la Mode die Paris Fashion Week. Präsentiert werden hier die Kollektionen von Studierenden der Masterstudiengänge Modedesign und Strick. Studentenarbeit ist ein Vorreiter der Zukunft, und im Großen und Ganzen überschreitet diese Abschlussklasse nicht nur die Grenzen ihrer Materialien und ihres Metiers, sondern verwendet Kleidungsstücke, um sich mit Themen wie Nachhaltigkeit, Geschlecht, Inklusivität und Gemeinschaft auseinanderzusetzen.

Vaquera
Die New Yorker Designer Patric DiCaprio und Bryn Taubensee brachten am Montag ihre experimentelle Linie mit einer beeindruckenden Kollektion nach Paris, die Latex- und Denim-Looks, Puffer-Beinwärmer mit passenden kurzen Mänteln und Unterwäsche sowie gigantische weiße Plateaus, die die Models trugen, umfasste macht immer noch den typischen Vaquera-Walk, an dem sich die Showbesucher erfreuen.

Weinsanto
Victor Weinsanto brachte seine gleichnamige Linie im Jahr 2020 auf den Markt. Der Druck dieser Saison ist eine Hommage an seine Freundin, die Bildermacherin Adriana Pagliai. Eine Mischung aus anspruchsvoller Couture-Manufaktur und sportlich-schicker Prêt-à-porter aus luxuriösen Materialien teilen sich den Laufsteg. Weinsanto verwendet seine Fetisch-Rosa-Schwarz-Kombination sowie seine charakteristischen asymmetrischen Schnitte und Formen. Er bringt seine Liebe zur darstellenden Kunst in seine lustigen, farbenfrohen und kabarettistischen Präsentationen ein. Inspiration findet er im Live-Entertainment und in der Kunst im Allgemeinen. Die Modelle für Weinsantos Shows sind oft Musen und Freunde mit unterschiedlichen kreativen Hintergründen wie Tanzen, Schauspielern und Kabarett. Er lässt sich auch von Geschichte, Architektur und Musik inspirieren.

Spannung wird durch seine Besetzung von versierten Charakteren erzeugt. Die Illusion des Mysteriösen wird durch unverschämte Stücke wie die „Medusa“-Kopfbedeckungen suggeriert, die mit dem feinsten Hutmacher-Savoir-Faire in Kombination mit Drachenherstellungstechniken gefertigt werden. Ein fuchsiafarbener Opera-Mantel in voller Länge, der durch sein Gewicht nach unten gezogen wird, zeigt eine nackte Schulter. Beim Rutschen fixiert ein Latzband den Mantel. Dieser Stil wird auch in einen Nylon-Puffermantel mit einem abnehmbaren asymmetrischen Umhang eingearbeitet, der einen riesigen mutierenden Bettkokon bildet. Für Attentäterabende arbeitet Weinsanto sowohl mit Couture- als auch mit Theaterkostümtechniken. Das Black Widow-Kleid hat eine drapierte Kopfbedeckung, die täuschend eins mit dem Kleid wird.

CFCL
Der Fashion Prize Of Tokyo wählt jedes Jahr einen Designer aus und unterstützt auch dessen Modenschau oder Präsentation in Paris. Der Gewinner des Fashion Prize of Tokyo 2022 ist die Marke von CFCL Yusuke Takahashi, der am 1. März 2022 auf der Paris Fashion Week sein Video Vol. 4 Kollektion „Strickware“. Eine rucksackähnliche Kopfbedeckung in „Gabrielle“-Technik wird im Kostümdesign für Kabarett-Tänzerinnen verwendet, die imposante Kostüme tragen und zu hoch taillierten schwarzen Hosen getragen werden. Seine Robe Bulle ist aus recycelten Schals handgefertigt. Eine vom Kabarett inspirierte Robe Plumes enthüllt, was wir zu verbergen erwarten. Ein leicht asymmetrisches Chapeau Champignon, bestickt mit Ketten, Perlen und Strass, das über einem Korsettkleid getragen wird, das den Körper der Braut formt, schließt die Show ab.

CFCL wurde 2020 von Yusuke Takahashi gegründet. CFCL steht für Clothing For Contemporary Life. Einfachheit, Bescheidenheit und Verantwortung sind die Werte, die die Marke verkörpert. CFCL wurde nach einem zeitlosen Ansatz und Ethos für Männer und Frauen entworfen und besteht hauptsächlich aus computerentwickelter 3D-Strickware mit zertifizierten, nachhaltigen Polyestergarnen und modernster Technologie. CFCL bewertet Strickwaren als fortschrittliches Labor für innovative Modeherstellung, die den Bedürfnissen des modernen Lebens mit Produkten entspricht, die anspruchsvoll und pflegeleicht sind.

Nicht-gerade weiss
Unter dem Titel „Spaceship Earth: an Imaginary Experience“ ehrte Off-White seinen verstorbenen Gründer Virgil Abloh auf der Paris Fashion Week mit einer ganz eigenen Tribute-Show. Diese Show umfasste nicht nur die Prêt-à-Porter-Kollektion 2022 von Off-White, sondern auch eine neue High-Fashion-Linie, die von Virgil entworfen und von den Kreativteams und Mitarbeitern, mit denen er zusammengearbeitet hat, vervollständigt wurde. Ein riesiger Kronleuchter funkelte in der Mitte des Raums. Die Runway-Show wurde mit einer hochkarätigen Besetzung von Namen wie Karlie Kloss, Naomi Campbell, Serena Williams, Joan Smalls und Cindy Crawford vervollständigt, die den Rest der 28 atemberaubenden High-Fashion-Silhouetten vorstellte.

Die Kollektion umfasste Stücke wie die Quintessenz von Anzügen, Miniatursäumen in glitzernden Stoffen, voluminöse Oberbekleidung und Cargohosen mit glitzernden BHs. Ablohs Markenzeichen waren in den Details präsent, wie eine Fahne mit der Aufschrift „QUESTION EVERYTHING“ und winzige Anmerkungen wie „FACE“-Sticker auf den Wangenknochen und bunte Etiketten auf den Ärmeln polierter Blazer. Strickwaren mit rautenförmigen Ausschnitten dominierten die Prêt-à-porter-Linie, zusammen mit übergroßen Baker-Boy-Mützen. Auf dem Minikleid mit dezentem Schlitz und dem passenden Set aus Mantel und Hose, gepaart mit einem Rollkragen, erschienen lila Akzente.

01. März

Mama Kurogouchi
Unter dem Titel „Land“ zeigt Maiko Kurogouchi ihre Herbstkollektion 2022 und reibt ihre Wange an Moos, um Texturen zu prägen. Die Kollektion war reich an Farben und Texturen, mit verschiedenen Textilien, die moosige Wälder, Berglandschaften und felsige Bäche nachahmen. Eine weitere Inspirationsquelle war die Jomon-Periode der japanischen Geschichte, die von etwa 14.000 bis 300 v. Unter Verwendung von Fotos von Artefakten aus dieser Zeit interpretierte Kurogouchi ihre Muster und Texturen in geschnürter Stickerei und komplizierter Spitze in einer Reihe von warmen Brauntönen neu.

Die Silhouetten reichten von klassisch bis sportlich, mit Tech-Jersey-Trainingsoberteilen in Neontönen von Orange, Grün und Pink, die aus hochgeschlossenen Hosenanzügen aus Wolle oder Samt hervorlugten, und Anoraks, die über Bleistiftkleidern und Kunstpelzwesten getragen wurden. Eine Reihe komplizierter Spitzenkleider mit Volant-Säumen war sowohl wegen ihrer Handwerkskunst als auch wegen ihrer schmeichelhaften Formen atemberaubend. Auch die Strickwaren von Kurogouchi stachen mit ihren erdigen Farben und übertriebenen Texturen heraus. Die Kollektion war in vielerlei Hinsicht eine Abkehr von den zarten Stücken, die Kurogouchi oft kreiert, war aber immer noch genauso schön und feminin. Die üppigen Kontraste wurden modern und zeitlos zugleich kombiniert.

Nanuschka
Unter dem Titel „Industrial Craft“ feiert Nanushka seine kreative Studie zu funktionalem und intuitivem Design für Herbst/Winter 2022. In dieser Kollektion verbinden sich edle Stoffe, sinnliche Silhouetten und dekorative Elemente zu einer Nanushka-Garderobe, die eine exzentrische und dennoch praktische Ästhetik erkundet. Sandor hielt die Kollektion an den Prinzipien des „industriellen Bohème-Chic“ fest und bezog sich auf das Bauhaus-Ethos, dass gut gestaltete, funktionale Objekte von Natur aus schön sind. Alltägliche Stücke waren minimal, schnörkellos und einfach zu kombinieren; Blazer waren weich geschnitten und von Arbeitskleidung inspiriert; Geräumige Trenchcoats und gepolsterte Wickelmäntel mit Gürtel wurden aus veganem Leder hergestellt, wobei nachhaltige Praktiken eine von Sandors Verpflichtungen sind.

Die Kollektion ist eine erneuerte Interpretation von Sandra Sandors Leitsatz, dass ein Kleidungsstück, das so gestaltet ist, dass es gut funktioniert, per Definition auch schön sein wird. Die Sammlung wird als audiovisuelles Live-Erlebnis präsentiert, wobei die Besetzung auf kreisförmigen rotierenden Sockeln positioniert, gefilmt und dann in Echtzeit auf die umgebende Bühne zurückprojiziert wird – in einer Synchronisation von Technologie, Handwerkskunst und Design, die mit der Kunstbewegung verbunden ist. Die Herbst/Winter-Kollektion 2022 demonstriert kreative Spannung im Layering. Stoffe wie Schlupfsatin und regeneriertes Leder kommunizieren mit plüschigen Stoffen wie Wildleder, röhrenförmigem Jacquard und einem exklusiven kurzhaarigen Kunstpelz.

Viktoria/Tomas
Die Kollektion Victoria / Tomas Herbst Winter 2022 – 2023 ist ein Puzzle ohne Anleitung. Es gibt ein vollständiges Bild, aber der Designer musste der Intuition folgen. Während der Arbeit sah der Designer die Verwandlung des Mädchens in eine Frau und des Jungen in einen Mann, behält aber den Glanz eines kindlichen Traums. Designer experimentierten mit der Eleganz und den Klassikern, um ohne Anweisungen zu puzzeln, was bedeutete, dass sie ihre Intuition einsetzen mussten, um das Bild zu vervollständigen.

Sie spielten mit Kontrasten auf ihren charakteristischen Wendedesigns, indem sie eine Seite einer Jacke sartorialer machten, während die andere beispielsweise mit silbernen Pailletten geschmückt wurde, um auf das erwachsenere Thema hinzuweisen. An anderer Stelle wurden transparente Pailletten auf ein Patchwork aus Karos mit Fischgrätenmuster genäht, das als Kleid mit Reißverschluss und langen gelben Fransen gearbeitet wurde. Volants aus Plumetis-Tüll tauchten abwechselnd unter einer Kombination aus geknöpftem Minirock und verkürzter Jacke hervor – ganz in Rot, Blau oder Schwarz gearbeitet – oder bildeten einen fließenden Überzug im Kontrast zu den strukturierten Formen darunter. Reißverschlüsse wurden verwendet, um den Körper hervorzuheben, sich um den Bauchnabel bei Röcken zu krümmen und die Taille bei kurzen Jacken hervorzuheben.

Di Petsa
Unter dem Titel „NOSTOS-TOUCH“ präsentiert Di Petsa eine nostalgische Reflexion über innige Verbindung und blickt zurück auf die esoterische Reise des vergangenen Jahres, durch die Dunkelheit der Isolation und Zeiten der Selbstreflexion, nostalgisch für eine Zeit, in der wir berührt wurden. Die Modedesignerin Di Petsa, bekannt für ihre spezielle „Wet-Look“-Drapierungstechnik, entschlüsselt den Mythos der griechischen Göttin Persephone und wie ihre Offenbarung, entführt worden zu sein, sie dazu bringt, die Welt abzulehnen und eine Hungersnot zu verursachen. Infolgedessen befiehlt Zeus, dass sie für Frühling und Sommer zu ihrer Mutter zurückgeschickt wird, wo sie blüht und schließlich die Jahreszeiten verursacht. Petsas Verständnis des Mythos hat ihre innovativen Kreationen inspiriert. Mit einer Aufführung, die der Reise von Odysseys huldigt, die auf dem Seeweg nach Hause zurückkehrt,

Inspiriert von traditionellem Spitzenhandwerk in der traditionellen griechischen Kultur wurden Netzlöcher in Formen über den Körper verstärkt, um die natürliche Krümmung der Form zu betonen und zu schmeicheln und Transparenz mit dichterem Strick zu kontrastieren. Hergestellt aus einer Mischung aus schwarzer Bio-Baumwolle und blauem Tencel-Garn, glitzerte der Druck, der aus dem Meer tropfte – weiße Baumwolle und silber/goldene Variationen sind auch für Brautmoden erhältlich. Neue Vorhangtechniken wurden von Hand gefertigt, mit absichtlichen Ausschnitten über den Körper, die mit der Idee von Verbergen und Enthüllen spielten, nackt sein wollten, aber auch bekleidet sein wollten. Die Kollektion umfasste luxuriösere Abendkleider aus Seide mit hochgeschlossenen, plissierten Fronten und Rautenausschnitten auf der Brust, die die Haut sinnlich enthüllen. Crop-Tops aus Seide wurden an den Schultern geknotet, gepaart mit plissierten Röcken, die an den Oberschenkeln aufgeschlitzt sind. Den einzigen Moment nehmen, in dem ein Riemen über die Schulter fällt. Die Looks wurden weiter mit blauen Seilen und Seeknoten gestylt, die die Kollektion verankern und erden, mit einem Gefühl von Sicherheit und Eindämmung.

Christian Dior
Unter dem Titel „The Next Era“ war die Sammlung von Dior eine Galerie mit Gemälden der bildenden Künstlerin Mariella Bettineschi mit Frauenporträts aus dem 16. bis 19. Jahrhundert. Maria Grazia Chiuri findet einen Weg, Feminismus in ihre Designinspiration einzubeziehen und sie auf einer breiteren Palette von Körpern zu präsentieren. Mit einem Seitennicken zu Dune, dem Rahmen der weiblichen Ermächtigung, einer Barjacke, einem Korsett und einem wirbelnden New Look-Midi, ein äußerst gewagtes Angebot mit fortschreitender Modernität und Technologie. und natürlich Chiuris untermauernder Rahmen der weiblichen Ermächtigung, dank ihrer Beziehungen zu feministischen Künstlerinnen. Das Umgebungsambiente wurde von der italienischen feministischen Künstlerin Mariella Bettineschi geschaffen, die die objektivierten weiblichen Subjekte der „Alten Meister“ neu erfindet.

Die Atmosphäre strahlte ein Äquivalent des doppelten Bewusstseins aus, dass Spannung die unbeabsichtigte Folge der giftigen Verdrehung des Timings war. Die Bilder von Schutz und angedeuteten Derivaten von Rüstungen, die sofort auftauchten. Lichtjahre entfernt von einem kuscheligen Pullover, wurde ein wunderschönes Mieder aus feiner Spinnwebenspitze auf einem flauschigen Stufenrock vollständig von einer computergesteuerten Maschine gestrickt. Das Gleiche gilt für die zarten Sonnenplissees eines anderen Midikleids, bei dem die sich kreuzenden Strähnen den Rock im Licht transparent wirbeln ließen. Es gab Passagen von Rockanzügen mit asymmetrischen Säumen, fester Tageskleidung mit kariertem Tweed und zerlegten Trenchcoats, um all dies hinzuzufügen, gefolgt von durchsichtigem Chiffon für den Abend. Synergien zwischen den schlichten grauen Anzügen von Dior und femininen Chiffonkleidern und technischen Bikerjacken, Fußball-Schulterpolster und schützende Rennhandschuhe. Das ging bis hin zu den Schuhen – Roger Viviers originale Louis-Heels aus den 50er-Jahren für Dior, aber mit technischen „Anti-Twist“-Knöchelriemen und lebendig collagierten Perlen.

Kimhekim
Der Titel „Hair Chronicles“, die Herbst-Winter-Kollektion 2022.23 von KIMHĒKIM feiert die natürliche und zeitlose Schönheit, die in unserem authentischsten Selbst zu finden ist, und ist das vierte Kapitel der Serie der Marke mit dem Titel Obsession. Der Designer ließ sich von seinen Kindheitserinnerungen an das Spielen mit den Haaren seines Cousins ​​​​inspirieren. Die Kollektion ist eine spielerische Studie über Haare und erkundet verschiedene Haarfarben und -texturen wie blond, schwarz, glatt, gewellt, lockig, eng gelockt usw. Für die Saison interpretiert Kiminte die charakteristischen Artikel der Marke neu und bereichert sie mit dem Element von Haar. Die Serie verleiht unseren bestehenden Signature-Artikeln eine frische Note. Die Monroe-Serie mit Schleifendetails und die klassische Linie, die die Neo Emma-Serie in schwarz-weißen Anzügen umfasst, wurden mit dem Element Haar bereichert.

Es ist eine Kollektion, die die natürliche und zeitlose Schönheit unseres authentischsten Selbst durch unsere spielerische Studie über Haare zur Geltung bringt. Eine abgespeckte Schulmädchenuniform wird von einer behaarten Krawatte gekrönt, lange Strähnen werden zu Korsetts und scharfschultrigen Kleidern geflochten, und lockere Locken fallen aus kurzen Jacken und Stiefeln. Asymmetrische Tweed-Anzüge, -Röcke und -Singlets haben unverarbeitete Kanten, und es wird auch als Wellenmuster auf Denim verwendet, um zu gewinnen. Mäntel mit Reißverschluss-Hoodies haben einen skurrilen Rand, und seine scharf geschnittenen Trenchcoats sind so meisterhaft wie eh und je. Glänzende milchweiße Leggings fügen ein bisschen unwirkliche plastische Perfektion hinzu.

Ottolinger
Ottolinger experimentierte spielerisch mit verschiedenen Materialien für seine Herbst/Winter-Kollektion 2022, die retro-futuristische Silhouetten und auffällige Oberbekleidung präsentiert. Zweiteilige passende Sets sind aus Samt gefertigt und in den Farben Silber, Königsblau, gebranntes Orange und Schwarz erhältlich. Der Cut-out-Trend dieser Saison findet sich bei ausgewählten Designs wieder, während ausgestellte Ärmel bei Langarmshirts und Jacken zum Vorschein kommen. Strickwaren werden willkürlich zusammengefügt und mit zweifarbigen Moonboots kombiniert. An anderer Stelle tragen Ton-in-Ton-Pufferjacken übergroße Passformen, die durch Taschen mit einer zerknitterten Ästhetik ergänzt werden. Währenddessen drapieren längliche Mäntel wie ein Vorhang bis zu den Füßen. Reflektierende Latexhosen und Patchwork-Pullover runden die Kollektion ab.

Die Ottolinger-Show begann mit Tanktops, Leggings, T-Shirts und Slips – mit hautentblößenden Ausschnitten und zusätzlichen Trägern. Ein paar schiefe Jeansjacken mit einem Ärmel und eine Reihe von noch trägerloseren, sehr lebhaften kleinen Baumwollkleidern, die so viel enthüllten, wie sie verbargen. Sie haben auch das dehnbare, karierte Mesh-Tankkleid überarbeitet, das zu einem Markenzeichen geworden ist. Zusammen mit einer anderen Version der gleichen Form, die in der Arbeit eines Künstlerkollegen gedruckt wurde, war dies das beste Stück: körperbetont und sexy, aber einfach anziehen und loslegen. Die Show endete mit einigen Stücken aus skulpturalem Draht, der in Stoff drapiert war und den Oberkörper umkreiste oder parabolisch von der Hüfte abschoß.

Koche
Koché präsentiert seine Winterkollektion 2022 mit ganz besonderem Dekor, um das Know-how von Kochés Atelier und den Reichtum der Kleidung hervorzuheben. Christelle Kocher ist eine der ganz wenigen der neuen Generation, die Couture-Techniken beherrscht und in der Lage ist, außergewöhnliche Stücke zu entwerfen, wie z. Das Punk-Element kam durch ihre Verwendung von Bondage-Lederhosenträgern und Lederstulpen zum Vorschein, die bis über die Ellbogen reichten. Die warmen und wohligen Aspekte der Kollektion waren offensichtlicher: Es gab klobige Pullover, gepaart mit Tüllröcken; ein feinerer Strick mit Spitze auf einem trägerlosen Kleid; und schwammige Sweatsuits für die Jungs in dezentem Logo-Jacquard.

Ein wunderschönes Bouquet: sanfte Farben Terrakotta, Dunkelgrün, warmes Schwarz, manchmal mit elektrischem Blau geblitzt, um an die auffällige Energie von Koché zu erinnern. Wie immer bei Christelle Kocher sind die Kleider stark und aufwendig. Einige erhöhte Jerseykleider sind super bequem und bieten die perfekte Balance zwischen Stil und Leichtigkeit. Der ikonische Trenchcoat von Koché wird diesmal mit einem auffälligen neuen Ärmel neu interpretiert. Die Schuhe werden in Zusammenarbeit mit Charles Jourdan entwickelt. Eine handgefertigte Bomberjacke mit handgefertigten Blumen inspiriert von Madame Vionnet, ein handgewebter Korallenparka, der vollständig mit Kristallen bestickt ist, oder sogar ein Zugrock aus Tüll, der mit Perlen und Schnittblumen aus Leder verziert ist. Die Kollektion steht im Zeichen von Zärtlichkeit und Technik: Die Wahl der Materialien und Schnitte vermittelt das Gefühl einer Hülle für Ihren Körper.

Benjamin Benmoyal
Die Benjamin Benmoyal-Kollektion wurde von Benjamins Abschlusskollektion durch brutalistische Architektur inspiriert. Indem er die marokkanischen Einflüsse, die seine Ästhetik charakterisieren, in eine zunehmend minimalistische Aufstellung mit breiterer Anziehungskraft einfließen lässt. Lange Mäntel mit strukturierten eckigen Schultern sowie maßgeschneiderte Stücke werden jetzt mit Kaftanen und seinen charakteristischen gewebten gestreiften Stoffen gemischt. Die Silhouette wird raffinierter und eleganter, während sie eine entspannte Haltung beibehält.

In dieser Saison wurde nur ein einziger Look vollständig aus seinem charakteristischen Upcycling-Kassettenstoff gefertigt, ein maßgeschneiderter Hosenanzug mit einem seitlichen Bindeband in der Taille aus einem kontrastierenden Stoff. An anderer Stelle wurden seine Streifenmotive als Stoffflecken gefunden, zum Beispiel an den Seiten eines maßgeschneiderten Wollmantels. Knöpfe hingegen wurden aus Materialien wie Muschelabfällen und recycelten Brillenfassungen hergestellt, die von kleinen Herstellern bezogen wurden. Benmoyal konzentrierte sich auf recycelte Wolle und kreierte maßgeschneiderte Jacken, ausgestellte Hosen mit Schlitzen an den Seiten und Hemden aus rechteckigem Stoff, um Abfall zu vermeiden, und gab ihnen ausgestellte Ärmel und Cape-ähnliche Details.

Saint Laurent
Die Saint Laurent-Kollektion war ein Austausch männlicher und weiblicher Kleidungsstandards, inspiriert vom Stil der Schriftstellerin und Aktivistin Nancy Cunard im frühen 20. Jahrhundert. Meist komplett schwarze Looks, die von Très-Chic-Satin-Trenchcoats, geprägten Leder-Bikerjacken, minimalistischen Abendsandalen bis hin zur YSL-Tradition von Le Smoking mit einer Reihe von Smokings mit einer entspannteren Silhouette reichten. Eine Hommage an den gleichnamigen Designer der Marke und seinen legendären Smoking. In der gesamten Serie von Looks gibt es ein Gleichgewicht der Gegensätze: maskulin und feminin, schwer und leicht usw. Der Fokus auf Spannung und Ergänzung verleiht der Kollektion ihren Vorteil, als ob sie an der Grenze zwischen zwei Extremen schwankte und darin Zuflucht fand die glückliche Mitte.

Die Kollektion hebt diese starken, eleganten Basics für den Herbst von den anderen Marken ab. Allein der Anblick eines langen, silbernen, schräg geschnittenen Kleides mit einem perfekten schwarzen, tief geknöpften, zweireihigen schwarzen Peacoat. Mäntel und Bomberjacken aus Kunstpelz; tolle Mäntel mit großen Schultern; schmale Ledermäntel; elegant lässige Cocoonback-Profile. Dann die Interpunktion von etwas so Einfachem wie einem ecrufarbenen, bodenlangen T-Shirt-Kleid mit Rollkragen, das mit tiefen Stapeln aus dunklem Holz und silbernen Armreifen an jedem Arm getragen wird. Und der hohe Glamour der 30er/80er-Abendjacken mit großen Bändern aus Webpelz, die um sie herum laufen. Da sich immer mehr Menschen wieder schick machen, in Büros, Veranstaltungen und das normale Leben vor der Pandemie zurückkehren, wird der Bedarf an aktualisierten Basics und wichtigen Kleidungsstücken größer denn je.

02. März

Zucchini
Courrèges Present Prinzip unserer Geometrie by inszeniert eine absurde Begegnung: Bunte Silhouetten schlendern über einen Schrottplatz. Mini-Längen sind eine Hommage an die „Space Age“-Designs der Marke, während trägerlose Etuikleider aus zwei Kreisen gefertigt wurden. An anderer Stelle wurden Kunstlederquadrate auf Bodycon-Trikots gesprüht. Ausgewählte Modelle trugen Vinylpuffer mit großen dreieckigen Ärmeln, die mit oberschenkelhohen Stiefeln kombiniert wurden. Glänzende Kleider aus einem ähnlichen Material zeigten Di Felices Interpretation von John Coplans Gemälden wie rautenförmige Ausschnitte an den Seiten. Experimentelle Schnitte waren ein wiederkehrendes Thema im gesamten Sortiment, wie bei Milano Rollkragenpullovern und Lackhosen zu sehen.

Schirm frei von geometrischen Mustern getragen: Quadrate auf der Rückseite des Heritage-Mantels wie ein gesprühtes Blech oder auf dem gefalteten T-Shirt; am Hals hängende Dreiecke oder BHs an Kleidern; Kreise auf der Rückseite von Mänteln, Oberteilen oder Kleidern. Wie immer werden archetypische Courrèges-Geometrien eingefügt. Das Schwalben-Detail, die röhrenförmigen Kragen und – zum ersten Mal – die Raute, die aus der Anordnung von vier Quadraten mit stumpfen Ecken besteht. In Serie vermehren sich die primitiven Formen, werden jedoch diskret, wie sie von den neuen Courrèges absorbiert werden. Offensiver, auch suggestiver. Schuhe verkünden ein Statement. Stoßstange, gestreckte Absätze und spitze Zehen: Die Zeit der Unschuld ist vorbei.

Meryll Rogge
Die Herbstkollektion von Meryll Rogge mit dem Titel „Poor Connection“ erforschte die Verbindungen zwischen scheinbar unzusammenhängenden Kleidungsstücken. Die belgische Designerin Meryll Rogge hatte nach zwei Jahren pandemiebedingter Unterbrechung des Kontakts von Mensch zu Mensch Lust auf etwas Festliches. Diese Sammlung erforscht eine wunderschön verzerrte Vision unserer alltäglichen Realitäten und die surrealen Erzählungen, die sie erzeugt. Tageslooks erhalten einen abendlichen Glamour: Die Neuinterpretation der Schnitte und Details von Sporttrikots führt zu unerwartet raffinierten bodenlangen Poloshirts mit V-Ausschnitt und pastellfarbenen Blusen, alle aus technischem Strick. Scheinbar vertraute, vom Fußball inspirierte Drucke in kräftigen geometrischen Formen werden zu Allover-Mustern, die Oberbekleidungsjacken und -mäntel bedecken.

Nehmen Sie Sporttrikots und Abendkleider, die sie zu anschmiegsamen, aber nicht anschmiegsamen Kleidern zusammenfügt, die den Mittelpunkt von Coolness und Couture treffen. Oder die Art und Weise, wie sie den hübschen, aber kratzigen klassischen Wollpullover in ein üppiges, mit Kaschmir gefüttertes Must-Have verwandelte. An anderer Stelle unterstrichen raffiniert konstruierte Trompe-l’oeil-Stücke wie ein Denim-Wraparound mit integrierten Hemdeinsätzen, die darunter hervorschauen, oder ein Hemdkleid mit einem echten Kleid – Etikett sichtbar – als Vorderteil ihr Gespür für Konstruktion.

Die Reihe
Die Kollektion von The Row ist vage männlich: übergroß und kastig oder mit einem Slouch-Schnitt, eine Attitüde, die durch die Turnschuhe betont wird, die sie zu allem kombinieren, von einem Ledertrench mit Gürtel bis zu einem dreiteiligen Hosenanzug. Diese Kollektion ist voller Farbe. Bunte Sportbekleidung, das ist die Schlüsselbotschaft dieser Kollektion: Sie könnte Frauen dazu bringen, ihre Back-to-Work-Garderobe neu auszustatten, wenn die Büros endlich wiedereröffnet werden. Das Grün taucht auf einer Strickjacke und feinen Pullovern auf und mischt sich mit ebenso lebhaften Orange- und Lilatönen.

Sie verwenden diese hellen Farben wie die Minimalisten, die sie sind, indem sie Drucke und Muster zugunsten großer Farbblöcke vermeiden, einen orangefarbenen Rollkragenpullover unter einem weißen Button-down unter einem lila V-Ausschnitt unter einem hellbraunen Mantel mit drei Knöpfen tragen oder einen zusammenstellen lange, schmale Silhouette aus einem grauen gerippten Tank oben auf einem roten Rundhalsausschnitt und einem weißen Rollkragenpullover, alles gepaart mit einem knöchellangen schwarzen Rock. Es gibt auch gedecktere Marine-, Bordeaux- und Waldgrüntöne für Kunden, die nicht bereit sind, die extrovertierteren Farben anzunehmen.

Hast du
Die Präsentation von Di Du mit dem Titel „Lost in Transition“ umfasste einen Live-Laufsteg sowie einen Kampagnenfilm. Die Kollektion lässt sich von den internen Gesprächen des Designers auf einer persönlichen Reise inspirieren, die uns schließlich zur Selbstakzeptanz führt. Das Creative zielte darauf ab, eine DIDU-Frau auszudrücken, die nicht nur auf einen Stil beschränkt ist, sondern offen für mehrere Persönlichkeiten, Persönlichkeiten und Egos ist. Ein Biker-Girl aus der Stadt, um unsere Trennung von der Natur zu erkunden, und die Kollektion nach Paris geschickt, um ein Performance-Kunstwerk im Stil des Letzten Abendmahls zu sehen, bei dem Models auf Felsen und Muscheln speisten.

Dieses Universum ist sowohl stark als auch luxuriös und bietet Looks, die von ihren charakteristischen ausgeschnittenen Kleidern, die die weibliche Form zeigen, bis hin zu maskulinen, motoinspirierten Anzügen reichen. Diese sind aus Leder und Denim geformt und haben scharfe Schultern und Schößchen, die ein Gefühl angespannter Energie vermitteln. Bikinihöschen aus Leder lugen aus abgehackten Miniröcken hervor, ein zerfetzter Hoodie wird mit einem Ballkleid kombiniert, und ein deckengroßes Stück Wildleder wird um die Schultern gewickelt und in einen fließenden Wickel verwandelt. Das Sortiment wird durch eine dramatische, kontrastreiche Farbpalette mit verschiedenen Texturen und Textilien hervorgehoben. Ein langärmliges, ausgeschnittenes Kleid ist in einem lebhaften Rosaton getaucht, während Röcke und Oberteile von pelzigen Fransen dominiert werden. An anderer Stelle ist ein Abendkleid vollständig mit flauschigem Material bedeckt, kontrastieren andere Looks mit Lederröcken mit Schnürdetails, Denim-Sets und mehr. Die Kollektion ist komplett mit Korsettoberteilen mit abgerundeten Säumen, gepaart mit Mikro-Miniröcken.

Roches
Die Sammlung von Rochas war eine Rede über Freiheit und etwas Super Anspruchsvolles, zeigt alles über mittelalterliche Ensembles. Charles de Vilmorin übersetzt das Erbe des Hauses als Stimmung und Lebensstil, anstatt sich auf bestimmte Designmerkmale zu beziehen. Die Stimmung war gut situiert Goth trifft monochromatische New Romantic. Verstehen Sie transparente und zarte Silhouetten, begleitet von auffälligen Fransen, komplizierten Stickereien und langen Nägeln, die in einer überwiegend schwarzen Palette ausgeführt werden, um Texturen hervorzuheben und der Kollektion einen abendlichen Ton zu verleihen. Die Gothic-Aura der Kollektion zeigte sich auch in den Kopfbedeckungen der Stücke, wie das glänzende, langärmlige, gerippte Oberteil mit einem verbundenen Oberteil, das an einen Ritter in glänzender Rüstung erinnert, während die mehrfarbigen Patchwork-Lederstiefel und Nietenriemen-Stiefel raffinierte Wildheit darstellten.

Eine Reihe von Kleidern, deren weite, fast schwebende Röcke unter eng taillierten, vollschultrigen Körpern hingen, repräsentierten eine einheitliche Silhouette. Es gab ein paar schöne Le Smokings aus gehämmerter Seide: eine einreihige in Bronze, eine zweireihige in Schwarz und eine einreihige in schwarzem Jacquard. Das Schuhteam schnitt mit mehrfarbigen Patchwork-Lederstiefeln und Nietenriemenstiefeln gut ab. Die Betonung der Taille und Plissees waren die Hauptelemente, mit denen er die Silhouette der Saison definierte, die in einer überwiegend schwarzen Palette ausgeführt wurden, um Texturen hervorzuheben und der Kollektion einen abendlichen Ton zu verleihen. Der geflügelte Schmuck von Madame Rochas wurde in den Drucken von Federn und Vögeln erwähnt, aber auch in der Art und Weise, wie die Falten die ausladenden Ärmel und bodenlangen Kleider in Bewegung auffächern.

03. März

Coperni
Die Kollektion von Coperni, die ihre Expertise im Spinnen von coolen, scheinbar minimalen Stücken aus komplexen Konstruktionen zeigt, ist eine Reihe von sofort kultwürdigen Silhouetten. Mit dem Ziel, „die neue Generation einzukleiden“, kamen die neuesten Styles des Labels in Form von Kapuzenstücken mit neu erfundener Schneiderei. An anderer Stelle kamen verkürzte Jacken mit dekonstruierten Elementen, während die Le Smoking-Jacke eine verdrehte Vorderseite mit Ausschnitten an der Taille aufwies. Auf dem Laufsteg waren auch durchsichtige Stücke zu sehen, darunter Bella Hadids Neckholder-Kleid mit Schlüsselloch, das mit Kristallen verziert war. Unterdessen wurden Kleider mit Schlitzen in Babyrosa und Weiß sowie einem weißen transparenten Stoff mit Blumenmuster präsentiert.

Anna Isabella
Die Kollektion von Anne Isabella zelebriert die Gegenüberstellung von Rohem und Poliertem, Altem und Neuem. Anne Isabellas neue Damenkollektion Fragment führt einen organischen Texturprozess in ihre erkennbare Interpretation archetypischer Kleidungsstücke aus den 60er und 70er Jahren ein. Die Kollektion zeigt, dass Streifen ein ziemlich weites Gebiet sein können, das es kreativ zu erkunden gilt. Bekannt für Nostalgie und modernen Luxus, indem sie lebhafte Erinnerungen mit futuristischen Visionen kombiniert, betont die vierte Kollektion des in Berlin ansässigen Designers die Bedeutung des Handgefühls mit einer strukturellen Rohheit.

Die grafischen Vorlieben von Anne Isabella passten sicherlich zu dieser Ära, ebenso wie die geradlinigen Umrisse dieser kompakten 16-Look-Kollektion. Ihre Stücke enthüllten Hosen mit verdrehten Nähten, ein Strickset im Op-Art-Stil, eine Daunenjacke aus seidig plissiertem Material und alle Arten von eleganten Nummern, die mit Peitschenstichen, mit nachlaufenden Fadenlängen oder mit Längen von umrandet sind Streifen bedruckter Chiffon. Die Sammlung bewegt sich außerhalb des 2D-Bereichs des Druckens in eine dritte Dimension. Zu den herausragenden Techniken gehören plissierte Stücke, die einen mehrdimensionalen Streifen bilden, sowie übertriebene Spiele mit Steppnähten in weicher, dicker Wolle und Denim. Verzogene Motive auf Strickwaren und Denim setzen eine Druckansicht fort, die in früheren Kollektionen zu sehen war.

Paul Smith
Paul Smiths Kollektion greift die Inspiration in New Wave, Jean-Luc Godard und David Lynch Arthouse-Filmen auf, mischt verschwommene psychedelische Drucke, gemusterten Samt und Kordsamt in sein Damenschneider-Oeuvre und bringt genug Komfort ein, um die noch Arbeitenden zufrieden zu stellen -von-Hause-Set. Hervorzuheben ist ein tiefblauer Anzug mit einer hoch taillierten Kick-Flare-Hose und einem lang geschnittenen doppelreihigen Blazer als Beispiel für einen Look, der aus der Herrenkollektion übernommen wurde. Tonige Farben und Muster erschienen überall, wie auf einem lustigen smaragdgrünen und blauen ditzy Twilight-Blumenhemd und einer Cordhose. Ein Seidenhemd, kombiniert mit einem seitlich drapierten, maßgeschneiderten Rock aus Seide, kam in einem groovigen „Solardruck“, der absichtlich für einen filmischen Effekt verschwommen war.

Chloe
Chloés Kollektion visualisiert Klimaerfolg, buchstäblich ausgedrückt auf handbemalten Taschen und verschlungenen Intarsienpullovern: eine Seite eine braune und verwelkte Landschaft; die andere eine grüne Aussicht, sobald die Natur sich selbst heilen und „wiederverwildern“ durfte. Hearsts primäre Entschlossenheit, hoffnungsvolle Lösungen angesichts der Klimaangst zu vermitteln. „Rewilding“ hat wissenschaftlich bewiesen, wie sich Ökosysteme, Pflanzen, Insekten, Vögel und Böden von selbst heilen, im Gleichgewicht mit den Vorteilen, die Weidetiere bringen.

Die Kollektion mit strengen, minimalistischen, schwarzen, braunen und gelblich-braunen Lederstücken, die von Mänteln über Hemden bis hin zu schmalen Jeans reichen – mit einem topaktuellen weißen Tank-T-Shirt und einem schwarzen Kleid mit Gürtel und Ballonärmeln. Die Show bewegte sich zwischen taillierten Hosenanzügen, Fit-and-Flare-Kleidern und Hearsts charakteristischer Affinität zu Ponchos und Strickwaren sowie der Suche nach Verbindungen zu sozial verantwortlichen Textilprojekten.

Minut
Minuits Kollektion konzentriert sich auf Freiheit und orientiert sich an der lockeren Sexualität der klassischen Charlotte Rampling. Durch ein Lower-East-Side-Objektiv aus Arbellots Jahren in New York gefiltert und für die Millennial-Parisienne gemorpht, sind das Ergebnis hoch taillierte Schlaghosen, anschmiegsame Slipdresses und lang geschnittene Smokingjacken, die schickes Selbstbewusstsein ausstrahlen. In dieser Saison experimentiert Minuit mit beschichteter Baumwolle für eine frische cremefarbene Hose-und-Mantel-Kombination, gekrönt von einem dramatischen Kunstfellkragen für einen glamourösen Effekt. Ein gesteppter Smaragd-Jacquard, der in einen geschrumpften Bomber- und Minirockanzug verwandelt wurde. Es ist einer der wenigen Farbtupfer in der streng bearbeiteten Sammlung. Ein Schal, der auch als Gürtel dient, und eine Strumpfhose mit Logo-Flock. Pläne für Taschen und Schuhe sind in Arbeit, aber vorerst möchte sie die Marke auf Smart Staples aufbauen.

04. März

Alexandre Vauthier
Die Kollektion von Alexandre Vauthier, die seine Couture-Ideen destilliert, zeigt zugänglichere Stoffe und Techniken. Sein Angebot erweiterte geschnürte Anzüge, durchsichtige Schichten und Rüschenkleider zu einer schwindelerregenden Vielfalt an Optionen, die von sexy Kleidern mit Ausschnitten bis hin zu kuscheligen Pullovern mit Intarsienmotiven, die mit Kristallen neu interpretiert wurden, reichten. Eine solide Auswahl an Stücken mit Leopardenmuster sowie andere Einzelteile, darunter Fair-Isle-Pullover mit farblich abgestimmtem Strass oder ein auffälliger Samt-Strickpullover mit Hammelkeulen-Ärmeln der Saison, waren ebenfalls zu sehen. Vauthiers Schneiderei zeigte sich in weiten Hosen, gepaart mit einer eng anliegenden Jacke, tagsüber in rotem Samt oder schwarzem oder weißem Flanell, vielleicht mit einem juwelenbesetzten Revers.

Eine solide Auswahl an Artikeln mit Leopardenmuster reichte von einem himmlischen Kleid und einem Trenchcoat bis hin zu Pullovern sowie Jeans aus weichem, beflocktem Denim. Federn und Volants in Ready-to-Wear-Iterationen mit einem ähnlichen Reiz. Ein langes, weißes, schräg geschnittenes Satinkleid mit einem Ärmel vom Couture-Laufsteg wurde zum Beispiel in einer anderen Konstruktion aus Jersey und Viskose wiedergeboren, die den zusätzlichen Vorteil hatte, knitterfrei und daher reisefreundlich zu sein. Verzierte Couture-Nummern, wie ein handkoloriertes Kleid, das von Lesage bestickt wurde, fanden eine frische Iteration in Rot und Schwarz mit Farbverlauf. Weitere Einzelteile waren Fair-Isle-Pullover mit farblich abgestimmtem Strass oder ein auffälliger Samt-Strickpullover mit Hammelkeulen-Ärmeln der Saison.

Löwe
Loewes Kollektion treibt die Dinge in Richtung etwas, das irrational sein könnte, Surrealismus mit massenpsychologischer Spannung wird zur Mode. In Zeiten, in denen die Realität unverschämt und unsinnig wird, ist es nur logisch, dass Mode beginnt, Unlogik zu reflektieren. Loewe schwelgt in der Freiheit, von Moderegeln befreit zu sein und Dinge instinktiv und ohne Grund zu tun. Es ist eine Parallele zu einer Zeit, in der es nur menschlich war, wahnsinnig auf das Niedertreten der Ordnung um uns herum zu reagieren.

Ungefähr 99 rote Luftballons flogen vorbei – einige auf dem Oberleder von Riemchensandalen, einige in pralle Absätze gequetscht, einige als versaute kleine BHs und wieder andere in Jersey aufgehängt und an Säulenkleidern drapiert. Ein Mini-Trapezkleid mit einem im Saum eingeschlossenen Auto; Röhrenkleider mit hochgestopften Pumps; grob geschnittenes Lammfell, das heimtückisch gegen Latex stößt; Schuhe, die vollständig in einer Art Turnbeutel-Galoschen versunken sind; und Luftballons – jede Menge Luftballons: rote, die zwischen Schuhriemen geklemmt waren und aus Verbandskleidern hervorquollen. Eine Reihe kurzer Leder zeigt die grundlegenden Materialien und Fähigkeiten von Loewe. Kleider mit Flügelärmeln, deren Röcke geformt wurden, als ob sie im Wind sausten, hatten viel Réne Magritte an sich. Die polnischen und luxuriösen Farben Kastanie, Blassrosa. Eine Art Meditation über Leder als Luxus war rund um die Show verstreut. Eine kühle Kontinuität auch in Andersons langen, eleganten Röhrenkleidern.

Issey Miyake
Das Modevideo von Issey Miyake mit dem Titel „Sow It and Let It Grow“, das von Yuichi Kodama inszenierte Video dieser Kollektion, präsentierte tatsächlich ihre Outfits und Modelle als schnell blühende Sämlinge, die von der horizontalen Keimung zum gewundenen Wachstum eine Wendeltreppe hinauf eilten: Sie waren es dann digital repliziert, während sie sich über ein Spalier aus erhöhten Gehwegen ausbreiten. Issey Miyake konzentriert sich auf die Schönheit der Natur und entdeckt die ungezähmte Natur einer wachsenden Pflanze, einschließlich ihrer Wurzeln, die in alle Richtungen wachsen, und der Stängel, die aus dem Boden ins Sonnenlicht wachsen. Issey Miyake kreiert eine Kollektion, die lebendig ist und durch ihre Farbe, Silhouette und Textur das Gefühl vermittelt, dass die Kleidungsstücke lebendig sind und wachsen. Die Farben dieser Kollektion wurden durch natürliche Farben von Obst und Gemüse geschaffen.

Die einfarbigen Subsoil-Kleider und Einzelteile wiesen unregelmäßig konturierte Bahnen aus plissiertem, recyceltem Polyestergarn auf, die so geformt waren, dass sie das drängende Chaos der Wurzelsysteme widerspiegeln. Flach faltbare, nahtlose Strickstücke in einer Serie namens Rhizome enthalten wedelartige äußere Ärmel, die locker bleiben oder sich wie eine sonnenhungrige Jasminpflanze um den Körper wickeln. Batik-Kleider, die von Kyoto-Handwerkern mit der Shiborizom-Technik in Faltenschoten hergestellt wurden, sollten Erbsenschoten ähneln. Farbdrucke von geschnittenen Fruchtstücken verzierten drei Arten von Anzügen und Kleidern auf Baumwoll-Cupro. Weniger buchstäblich botanisch waren die stückgefärbten braunen und rosafarbenen Kleider, deren bauchige Formen durch Einnähen kreisförmiger Gummibänder erreicht wurden, die dann während des Färbens schrumpften und strafften.

Christian Wijnants
Die Kollektion von Christian Wijnants, inspiriert von einer Frühlingsreise nach Ibiza, führte zu einer Faszination für die natürliche Landschaft der Insel und führte zu einem stärkeren Fokus auf schlichte Stoffe wie strukturiertes Leinen, das wie ein Sarong drapiert oder als lockere Schneiderei neben den Drucken strukturiert ist. Wijnants‘ ästhetische Drapierungen und gehäkelte Teile zeigen ein wenig Haut. Locker geschnittene Stücke, die Kontraste zwischen der Natur und der architektonischen Landschaft der Insel hervorrufen sollten, wurden mit verdrehten und drapierten Looks und Drucken kombiniert, die durch das Malen von Blumen auf Seide und das Ausbluten der Tinte entstanden, wodurch die Farben verwischt wurden.

Die Hinzufügung von strukturierten Stoffen und melierten Farbtönen fügte dem charakteristischen Stil von Wijnants eine ansprechende Rohheit hinzu. Sommerliche Trenchcoats und locker geschnittene Einzelteile aus leuchtend grünem, braunem oder weißem Leinen oder grober Seide, garngefärbt für zusätzliche Textur; handgehäkelte Oberteile und Kleider, die von einem Spinnennetz inspiriert sind; drapierte Kleider und Oberteile mit abstrakten Farbflecken und ein weiteres mit verschwommenem Vogelmotiv. Wijnants kreierte Sonnenbrillen mit dem belgischen Kollegen Yuma Labs mit recycelten, recycelbaren Rahmen und einer unverwechselbaren Wellenkantenform.

Nina Ricc
Die Nina Ricci-Kollektion hat die Basics-Garderobe mit Silhouetten in eleganten Stücken neu aufgelegt: elegante Schnitte, weite Hosen, kurze Röcke, grafische Strumpfhosen und bequeme Kleider. Farben und Texturen kollidierten: Mohair und Tüll, Baby Blue und Candy Apple, was einmal mehr demonstrierte, dass Kühnheit und Weiblichkeit ein wesentlicher Bestandteil der DNA des Hauses sind. Die Nina Ricci-Kollektion dient Frauen und dreht sich um einfache Formen, ohne so viele konzeptionelle Dinge zu tragen. Das Studio bot scharf geschnittene Tageskleidung, farbenfrohe Pullover und einfache bedruckte Kleider. Capes, ein Hausfavorit der 1960er Jahre, waren die wichtigste Oberbekleidungsform, die in einer Vielzahl von Ausführungen angeboten wurde, von schlichter Wolle bis hin zu einem voluminösen roten Mantel aus glänzendem Ripstop-Nylon mit einem abnehmbaren Cape, das auffiel. Lustige Berührungen,

Die Kollektion basiert auf den berühmten Archetypen und dem Savoir-faire des Hauses. Anstelle der hübschen, wohlerzogenen Blumenmuster, die die Blütezeit der Marke kennzeichneten, kam ein „gesprühter“ Blumen-als-Camouflage-Druck auf einem Unterkleid. Schneidertradition wurde auf technische, sehr auf den Punkt gebrachte Materialien wie schokoladenfarbenes gestepptes Nylon angewendet. Ein glänzender apfelroter Cloche eines Capes im Kontrast zu traditionelleren Hahnentritt- oder Chevron-Wollstoffen und weichen, dicken, strukturierten Strickstoffen. Auf eine leichtere Note kamen verspielte kleine Mohair-Pullover mit Rautenmuster in auffälligen Farben mit passenden Höschen. Ein kleines schwarzes Kleid hatte Tüllüberwebung auf dem Mieder, das trotz des visuellen Interesses.

05. März

Lanvin
Die Lanvin-Kollektion feiert das Paradoxon und den Widerspruch der Mode und die gegensätzlichen Themen, die die Arbeit von Jeanne Lanvin beflügelten. Spielt mit Opazität und Transparenz, mit Hart und Weich, mit Nostalgie und Moderne. Der Modefilm zeigt eine Illusion: Rauch und Spiegel, Hell-Dunkel und Fata Morgana. Der Glamour Hollywoods war die erste Augmented Reality, ein Fluchtweg. Die Sammlung wird über einen Kurzfilm enthüllt, der sich auf den klassischen Film Noir bezieht und voller Reflexionen und Echos, Dunkelheit und Licht ist. Die Silhouetten sind schmal, die Schultern betont mit einem maßgeschneiderten Stolz, der auf Mäntel und Overalls angewendet, aber auch an weiche Kleider verliehen wird – ein Widerspruch zwischen Schärfe und Flüssigkeit. Ein Sinn für Glanz, Strenge und Raffinesse, inspiriert vom Couture-Erbe der Maison, herrscht bei allen Geschlechtern vor.

Die Inspiration stammt aus dem Art Deco und dem alten Ägypten, Tausende von Jahren auseinander, die Ästhetik des ersteren wurde grundlegend von letzterem geprägt. Abstrakter sind Fragmente der Geschichte in andere Kleidungsstücke eingebettet – ein Wollgazar-Rücken mit formschönen Prinzessnähten, ein Samteinsatz, der eine Taille wie eine Fata Morgana eines anderen Kleidungsstücks definiert. Die Innenseiten sind ungefüttert und freigelegt, um die Schönheit der Couture zu zelebrieren. Das Herstellen von Kleidung und das Herstellen von Bildern gleichermaßen. Die Texturen sind reich und glänzend, die Farben tief. Leder erhält eine Kostbarkeit, poliert in Edelsteintönen. Es gibt ein Scheinspiel mit Oberflächen: Tessellierte Art-déco-Muster, wie Fliesen oder Intarsien, können durch Druck, Strick oder Fils-Coupé-Seidensamt, handbemalt, mit ihrem Glanz, der Stickereien vortäuscht, heraufbeschworen werden.

Ester Manas
Thema „Sinnlichkeit“ und Empowerment, die Kollektion von Ester Manas feierte wirklich Frauen aller Formen. Mit einer Mischung aus durchsichtigen Kleidern im Dessous-Stil, Strickteilen mit Guckloch und T-Shirts mit Americana-Print. Die charakteristischen gerafften Kleider der Marke waren bis zum Oberschenkel geschlitzt, am Rücken offen oder an Schultern und Hüften weggeschnitten, um ein Maximum an Haut zu zeigen. Zu den Artikeln dieser Saison gehörten asymmetrische Wickeloberteile und geschlitzte Röcke mit Bogenkanten sowie drapierte Röcke mit verstellbaren Taillenbändern.

Ester Manas hat Rüschentechniken entwickelt, die zusätzlichen Stoff hinzufügen, Spiraleffekte erzeugen, und Ausschnitte, die sicher halten und elegant und sexy fließen, wo sie sollten. Die andere Facette sind Strickwaren, Midi-Röhrenröcke mit Schlitzen zum Herumtollen; Cache-Coeur-BHs. Die abwechselnd lebhafte und subtile Farbpalette, die von Orange und Violett bis Moosgrün reicht, wird vollständig aus dem Angebot ausgewählt, wobei die Verwendung von Neumaterialien vermieden wird.

Rui
Rui Zhous Kollektion zeigt den supermächtigen Aspekt von Frauen und zeigt sexy, selbstbewusste Körper. Die Kollektion zeigt das feminine Gefühl in einer engen Beziehung zu einer entspannteren Herangehensweise an Design und Weiblichkeit. Bekannt für körperbewusste, ultrafeine Strickwaren, präsentierte Rui ihr erstes grafisches T-Shirt und bot ihre Interpretation von Anzügen, Oberbekleidung, Loungewear und Decken mit Techniken wie Drucken, Sticken und Häkeln an.

Anlage
Die Kollektion von Anrealage ist ein Modefilm, der eine himmlische Weltraumoper zeigt, die leuchtende Kleider und gesteppte weiße Pufferschichten bietet, die sich wie eine Wolke erheben. In einem mondsimulierenden Mondtrainingsgelände der Japan Aerospace Exploration Agency (JAXA) mit dem Namen Advanced Facility for Space Exploration. Der Film begann mit einer Nahaufnahme eines Raumboots, das den Originalen der NASA nachempfunden und in Zusammenarbeit mit United Nude hergestellt wurde, das sich langsam von der Oberfläche abhebt und einen Fußabdruck hinterlässt.

Die folgende Kollektion orientierte sich sowohl optisch als auch inhaltlich an Raumanzüge: Die Kollektion enthielt ein ultraleichtes Aerogel, das typischerweise in Weltraumausrüstung verwendet wird und Isolationseigenschaften bis -196 Grad Celsius bietet. Anrealage fügte Ventilatoren in die Kleidungsstücke ein, um die Belüftung zu gewährleisten; er hat seinen eigenen Stoff entwickelt, der mit Glasfaserfäden gewebt ist, die sich mit der Berührung eines Telefons verändern; Die Collab-Sneaker von United Nude wurden nach den offiziellen „Mondstiefeln“ gefertigt – wenn auch mit der Schwerkraft für das Leben verändert. Eine zweite komplett weiße Sektion, die ohne Helm getragen wurde und alle einen helmfreundlichen weiten Ausschnitt hatte, war eine Serie von drei erstaunlichen schwarzen Kleidern. Alles wurde in voluminöse Einzelteile mit unerwarteten Proportionen, Kragen, die das Schlüsselbein freilegen, umgedrehten Falten, aktualisierten Cargohosen und dicken Strickwaren verwandelt.

Vivienne Westwood
Die Kollektion von Vivienne Westwood ist eine elegante Hommage an die Welt des Theaters. Vivienne Westwood erforschte die leidenschaftlichen Dinge im Design wie Schneiderei und schuf eine Sammlung, die reich an Referenzen aus Archiven, Kostümen und klassischer Kunst ist. Die voluminösen Lagenlooks mit weiten Tartanschals und Kapuzen erinnerten an die Bildsprache des britischen Künstlers Daniel Lismore. Nicht nur West End- und Museums-Artefakte, einige Looks verwendeten Sportswear-Stoffe und Schnitte in Form von vorne kurzen Kleidern, andere huldigten Westwoods Punk-Wurzeln durch grafische Hemden, Westen und federbesetzte Röcke.

Hermes
Die Kollektion von Hermès übersetzt Klassik, Raffinesse und Chic in die Vorstellung einer Frau. Ein Akt, der Schwerkraft zu trotzen, und es war alles eine leichte Leichtigkeit. Hermès vereint Handwerkskunst und makellose Liebe zum Detail und kombiniert einzigartige Dualitäten; hart und weich, fest und schwerelos. Hermès Vorwärtsmarsch von körperbetonten Shorts in den verkürzten, konstruierten Formen von gestrickten Onesies und figurbetontem Leder. Die andere war die Manipulation von undurchsichtig-durchsichtigen Techniken in Form schmaler Streifen – die Schattenspielgeometrie auf einem Pullover oder einem ausgestellten Rock mit seinen vertikalen Lederstreifen, die mit halbtransparenten Spitzenbahnen verbunden sind.

In dieser Saison investierte Hermès sein Denken über kurze Shorts in ästhetische Urteile über Proportionen und Schuhe und verschickte mehrere dieser tadellosen Typen. Ein minimalistischer Mantel aus mattschwarzem Leder mit Reißverschluss; einfachere Formen in Weiß und Braun; Mäntel und Jacken, die Loden mit Lederverkleidungen und Paspeln mischen. Die wadenumschließenden Overknee-Stiefel mit eckiger Zehenpartie und Kieselabsatz sind (sozusagen) Alternativen zu den schweren Schuhen, die die aktuelle Mode dominieren.

06. März

Atlein
Atleins Kollektion mit einem Modefilm, komplett mit Materialien, die bereits in Trons Arbeitsbereich vorhanden waren. Antonin Tron hat Teile seines Films in der wenig bekannten Mineraliengalerie im Untergeschoss der Sorbonne gedreht – wo er Literatur studierte, bevor er sich der Mode zuwandte. Er präsentierte seine Kreationen vor den geometrischen Vitrinen aus Glas, die mit Steinen, Kristallen und Meteoriten in Regenbogenfarben gefüllt waren. Der Designer möchte ein Gefühl des Chaos zeigen, das die Mannequins, die der Designer aus seinem Studio im Kellerraum des Palais de Tokyo importiert hat, zusammengeballt haben. Daraus entwarf Tron Stücke, die sexy und altmodisch glamourös waren, in ihrer üppig drapierten Ehrerbietung an die Körper, die sie enthielten.

Die organischen Formen und ihre lebhaften Farben lieferten eine neue Energie für Trons Designs, die mit mineralischen Motiven gearbeitet wurden, die mit Präzisionsbatik hergestellt wurden. Formtechnisch blieb er seiner Ästhetik treu und kreierte seine anschmiegsamen und doch sportlich drapierten und farbblockierten Looks aus crêpeartigen Seaqual-Stoffen aus Meeresabfällen. Looks aus früheren Kollektionen erhielten ebenfalls die Upcycling-Behandlung, wurden gebleicht und überfärbt, um neue Muster zu kreieren. Auf einem kokonartigen Kleid mit gerafftem Ausschnitt und passenden Leggings schienen die kristallartigen Motive aus den Tiefen der Erde zu glitzern. Auf einer Auswahl von T-Shirts und Tanktops, gepaart mit Korsetts aus Upcycling-Neoprenanzügen oder mit Satinslips mit Spitzenkanten in kontrastierenden Farbtönen, waren die Motive grafischer, weniger wörtlich, und die Kontraste zeugten von dem Gefühl der Unordnung, das der Designer suchte .

Barbara Bü
Die Kollektion von Barbara Bui bringt raffinierte, ultra-scharfe Looks, die von der Mode der 70er und 90er inspiriert sind, und verschmilzt schicken Couture-Geist mit übergroßen Volumen und ausgeprägten Schultern. Das Design wechselt zwischen maskulin und feminin, Struktur und Bewegung, scharfen Linien und Streetstyle-Komfort. Auf Falten aufgetragen, wird das Design noch schwer fassbarer, pixeliger, fast flüchtiger. Es ziert ultra-schicke Blusen, die zu ausgestellten Hosen getragen werden, mit 90er-Akzenten. Der Look steht auf Messers Schneide. Der Stil ist auffallend, mit geraden, frontalen Linien. Die Bewegung ist scharf, als wäre sie in Aktion eingefangen.

Die Schneiderei strotzt vor Hyperfemininität, perfekt sitzende Jacken, die über Blusen mit Krawattenkragen getragen werden, Hosen, die sich in plissierte Bermudashorts verwandeln, verlängert durch Stiefel mit eckiger Zehenpartie. Ärmellose Parkas mit wellenförmiger Steppung, über Anzügen getragen, hauchen dem Look mit einem Schlag neues Leben ein. Die Looks werden durch ein sanftes orangefarbenes Leuchten zum Leben erweckt. Ein intensives Colorama, das zwischen Creme- und Tan-Tönen, Rot- und Beigetönen oszilliert, wie von einem goldenen Schimmer entzündet. Tiefbraun, verschwommen und schrill, von UV-Strahlen geblitzt. Wirklich leuchtendes Schwarz, wie poliert, zeigt sich auf den sich verjüngenden Silhouetten, auf Leggings mit Stilettos. Elektrisches Blau erscheint unerwartet in Form einer übergroßen Daunenjacke. Elfenbein verschmilzt mit Ebenholz in verschwommenen Drucken und erinnert an Tiermotive und Rindentexturen.

Balenciaga
Die 360°-Kollektion von Balenciaga war nicht nur ein beeindruckendes und immersives Erlebnis. In einer gläsernen Rotunde als Simulation einer riesigen Schneekugel angesiedelt, war die Produktion als eine von Demnas meta-immersiven Auseinandersetzungen mit dem Klimawandel geplant, projiziert in eine nicht allzu ferne Zeit, in der es keinen Schnee mehr geben wird, und wurde zu einem Wunder nur ‚erfahren‘ durch virtuelle Realität. Models, die sich vorwärts kämpften, sich gegen Schneetreiben und Wind beugten und teilweise schwere Einkaufstaschen trugen, bekamen im quälenden Kontext der aktuellen Realität eine ganz andere Bedeutung. Das apokalyptische Szenario hatte sich mit dem Gefühl der hilflosen Ausgesetztheit gegenüber den Elementen, die er während seiner Flucht durchgemacht hatte, synchronisiert.

Eine stoische Eleganz, schwarze asymmetrische Kleider, die voluminös im arktischen Wind wehen. Oversized-Hybriden aus Hoodie und wattierter Oberbekleidung; Lederjacken, die sich als aus Balenciagas neuer, aus Myzel gewonnener, lederähnlicher Alternative herausstellen. Tragetaschen gepaart mit Stiefeln. Und am Ende zwei Looks, der eine ein gelber Trainingsanzug, der andere ein blaues Kleid mit einer langen, langen fahnenartigen Schleppe. Mutige Silhouetten waren die herausragenden Merkmale der Präsentation. Pullover-Oberbekleidung umfasste neu gestaltete Variationen von Lederjacken, Bomberjacken, Jeans- und Trainingsjacken als vorne geschlossene Stücke. Rollkragenpullover, Hosen und Jersey-Hoodies waren die Grundnahrungsmittel in der Kapsel, die alle entweder übergroß, in Distressed-Optik oder geschrumpft waren. Hybride Stretchkleider und Bodysuits wurden mit der Verschmelzung von Handschuhen, Schuhen, Hosen oder Leggings überarbeitet.

Maitrepierre
Maitrepierres Kollektion mit dem Titel „Nostalgia“ konfrontiert eine bürgerliche Garderobe mit zeitgenössischen Begriffen wie Freizeitkleidung und Codes aus der Digital-First-Ära. Das Design verbindet schicke Basics zu Artikeln, die auf verschiedene Arten getragen werden können, oder schneidet sie aus Loungewear-Materialien wie Frottee oder Fleece. In dieser Reihe gab es viel zu sehen, mit doppelärmeligen Sweatshirts sowie Trompe-l’oeil-Hybriden wie neue Spins auf dem Blazer-Hoodie der letzten Saison und einem Trenchcoat mit integriertem Kleid eine Anspielung auf Fuzzy-Pantoffeln.

Valentino
Valentinos Kollektion verfolgte eine extreme Farbstrategie, jeder Look auf seinem Laufsteg war rosa und schwarz. Die Farbe „monoton“, um Ablenkungen zu beseitigen und die Augen des Betrachters darauf zu konzentrieren, die Unterschiede zwischen Silhouette und Detail zu unterscheiden. Das Rosa erstreckte sich über 40 Silhouetten, von Kopf bis Fuß, in allem, von winzigen Blasenkleidern über lange, schmale Wappenröcke bis hin zu Krinoline-Glöckchen; von ausladenden Opernmänteln bis hin zu maßgeschneiderten Anzügen und Mänteln. Es kehrte dann acht weitere Male zurück, um ein großes Finale mit Straußenfedern, stattlichen Umhängen und Stickereien zu erleben. Die Abkühlphase, die der plötzliche Wechsel zu Schwarz mitten in der Kollektion bot, brachte die Eleganz und Sensibilität von Valentinos Repertoire noch stärker zur Geltung. Was Piccioli macht, indem er Spitzenoberteile oder gedrehten Tüll mit Hosen kombiniert, fühlt sich modern an,

Piccioli zeigte sein Sortiment mit weichen Volumen, wie auf einem T-Shirt-Kleid mit Cape-Rücken, das über den Laufsteg schwebte, und mit grafischeren Stücken wie dem kantigen. Die Schneiderkunst reichte von klassisch feminin bis zweckmäßiger, einem Sanduhrmantel mit Schleife in der Taille bis hin zu einer Haute-Version eines Blaumanns mit tief ausgeschnittener Front. Sweetheart-Kleider mit geschwungenen Ausschnitten waren ein schöner Rückblick, während ein gekräuseltes Chiffon-Hemdkleid mit Schleppe, das über hoch taillierten Hosen getragen wurde, eine maskulinere Interpretation des Diva-Dramas war. Kristallstickereien so dicht wie Zuckerwatte auf einem Bubble-Kleid mit lockeren Ärmeln und so fein wie Zuckerwatte auf einem zarten Strickcape. Dreidimensionale Blumen bedeckten einen maskulinen Mantel wie ein Topiary, während schwarzes Nylon-Blumenmakramee in eine sportliche Herrenjacke geschnitten wurde. Verspielt waren auch Pailletten-Zopfstrick und schwingende T-Shirts. Ein schwarzer Trenchcoat mit einem fließenden Stoffeinsatz hatte ein schönes Bewegungsgefühl, während butterweiche schwarze Lederjacken, Fleece-Hoodies und -Hosen das Streetwear-Set ansprechen sollten.

07. März

Stella McCartney
Stella McCartneys Kollektion „Give Peace a Chance“ traf den Ton in einer immer größer werdenden Diskrepanz zwischen Mode und Realität. Minimalismus und Maximalismus sind parallel zu Kleidung, die stilvollen Pragmatismus hatte. Bei der Kollektion geht es um nachvollziehbar, kunstvoll und vor allem tragbar, ein Gewissen der Marke, 67 Prozent der Kollektion wurden aus nachhaltigen Materialien hergestellt, darunter waldfreundliche Viskose, Bio-Baumwolle, recyceltes Nylon, recyceltes Polyester, regenerative NATIVA-Wolle und RWS-Wolle aus nachvollziehbaren Quellen.

Stella McCartney übersetzte die aufrührerischen Collagen der Künstlerin in allover bedruckte Jersey-Stücke und Anzüge und kühne gerade Winkel und diagonale Streifen auf durchsetzungsfähige Kreidestreifen-Schneiderei, Kunstpelz-Power-Mäntel und grafische Strickwaren, die für sehr coole Pullover-Dressings sorgten. Beflockte Denim-Jeans und eine eng anliegende Jacke mit herzförmigem Ausschnitt, Utility-Hosen und Hemden und das Basic von Stella, der Jumpsuit, in Schwarz, Schokoladenbraun oder Burgund, machten den lässigen Look zu etwas Besonderem. Es gibt auch viele fabelhafte, schmeichelnde Kleider – hängend an Triangel-BH-Tops, mit drapierten Ärmeln und Blasensäumen oder in glatt aussehendem, beschichtetem Georgette mit Cape-Effekten, die eine göttinähnliche Anmut erzeugen.

Sakai
Die Kollektion von Sacai zelebriert Liebe, Treue und Freundschaft. In dieser Saison geht es mehr um das Experimentieren mit einzelnen Stücken. Bei kastenförmigen Herrenjacken schneidet Sacai in das Muster ein, um BH-Formen zu kreieren, die darüber getragen werden, wobei ihre elastischen Träger die Rückseite der Jacken in extreme geschäftige Formen raffen. Die langen Röcke der Kollektion hingegen waren vorne und hinten in der Mitte geteilt, wobei jede Seite bis zu den Oberschenkeln gerafft war. Wenn das kompliziert klingt, hat es einer ansonsten dramatischen Silhouette tatsächlich eine schöne Leichtigkeit verliehen. Inmitten der schlanken Formen, die durch erhöhte Taillen verlängert wurden, die das Lineup dominierten, befand sich ein auffälliger Parka, dessen khakifarbene Schultern mit einem Ausbruch aus dreidimensionalem rotem Satin gespleißt waren, als ob eine Winterjacke mit einem Bubble-Kleid aus der Mitte des Jahrhunderts reproduziert worden wäre.

Sacai bot viele sportliche Optionen, von grob gerippten Strickjacken und Fischerpullovern mit Dessous-inspirierten Akzenten bis hin zu coolen kurzen Shearling-Jacken, die mit Hosen getragen werden, die sich zu einem fließenden Rock öffnen. Ein Kleid im Flapper-Stil mit silbernen Pailletten, das über einer Hose mit weitem Bein getragen wurde, kombinierte das Beste aus beiden Welten und fühlte sich im Einklang mit der Cartier-Kollaboration, die auf dem Laufsteg enthüllt wurde. Sacais gekonnte Hybridkonstruktionen verschmelzen Arbeitskleidung wie Fliegerjacken und Parkas. Ein skulpturaler Mantel aus rotem Satin mit Reißverschluss und einem BH-Oberteil, das durch die Brust geschlungen ist, oder eine lange Weste aus orangefarbenem Lammfell mit Empire-Taille. Übertriebene Volumen erinnerten an historische Kostüme. Ein Trenchcoat kam mit einem Rüschenrücken, während übergroße Daunenjacken eine zusätzliche Schicht hatten, die die Illusion eines unter der Schulter liegenden Puffkleides erzeugte.

Ungaro
Die Kollektion von Ungaro zeigt die Farben von Süßigkeiten in leuchtendem Bonbonrosa und Kirschrot. Die Formen beziehen sich auch auf Schlüssellooks aus der Blütezeit des Hauses, verkürzte Slimline-Hosen, die dazu bestimmt sind, in Stiefeletten gesteckt zu werden, fließende Röcke und lockere Blazer mit einem dezenten 70er-Jahre-Vibe, der mit Jugendstil gemildert wird.

Louis Vuitton
Die Kollektion von Louis Vuitton wandte sich der Pubertät zu, einer bestimmten Entwicklungsphase, die jeder durchläuft. Es hängt viel von jungen Menschen ab, inspirierender Idealismus, Hoffnung für die Zukunft und für eine bessere Welt. Ein Ausflug in einen wahrnehmbaren, flüchtigen und entscheidenden Moment, in dem alles in seiner ganzen Unschuld und Einsicht zum Vorschein kommt. Die Vergänglichkeit und schöne Flüchtigkeit der Adoleszenz. Das Anzapfen von Nostalgie könnte eine Art Melancholie geweckt haben. Die Jugend ist flüchtig, die Freiheit auch.

Übergroße Silhouetten dominierten den Laufsteg, zusammen mit Kleidern, die über dicken Pullovern lagen. Louis Vuitton präsentierte seine eigene Interpretation von androgyner Schneiderei, wie man an der voluminösen Oberbekleidung, gepaart mit Kragenhemden und Krawatten, sehen kann. An anderer Stelle mischte der Designer Drucke und Muster, während Rugbyhemden über fließende Abendkleider gelegt wurden. Louis Vuitton kanalisiert den Sinn für jugendliches Experimentieren mit Erinnerungen, gekrönten Abendkleidern mit sportlichen Rugby-Hemden oder klobigen Pullovern, die um die Taille gewickelt sind. Louis Vuitton spielte mit androgynen Schnitten, oft in übergroßen Formen. Andere Silhouetten sahen aus wie von Ghesquières extravaganterer Frühjahrskollektion abgegrenzt, die Taschen- und Bustle-Formen wurden in weicherem besticktem Strick und Tweed neu gemischt, wodurch sie alltagstauglicher wirkten. Die Zufälligkeit war Teil des Punktes.

Akris
Akris präsentiert die Kollektion mit einem Modefilm, eine prächtige neue Erweiterung der Universität der Stadt besteht aus modularen Quadraten. Lässt sich von einem Künstler inspirieren und war verblüfft, wie Reinhard Voigts pixelige Gemälde aus den 60er und 70er Jahren unsere Besessenheit von digitalen Geräten und Bildschirmen vorwegnahmen. Er reproduzierte originalgetreu ein Werk eines verpixelten Frauengesichts auf Pullovern und einem langen, ärmellosen Kleid mit Faltenrock.

Das Schlüsselmotiv in seiner Herbstkollektion Akris, das die Muster für Röcke, die Form von Pullovern, die Stickereien und Drucke beeinflusst. Kriemler und seine Crew erhielten unmittelbar nach der Einweihung und kurz vor Unterrichtsbeginn Zugang zu dem markanten Gebäude des Architekten Sou Fujimoto. Stoffinnovation ist ein weiterer Treiber, und was Akris verwendet, schmilzt normalerweise in Ihrer Hand. Sogar leichtes, dehnbares Neopren, geschnitten zu eleganten Hosenanzügen mit einem subtilen 70er-Flair oder einem Parka in knalligen, pixeligen Farbblöcken, fühlte sich an wie Seide.

08. März

Chanel
Chanels Kollektion repräsentiert Schottlands River Tweed mit einem erdigen Hellbraun für die Sitze, Schwarz mit knalligen Farbakzenten an den Wänden und einem blassgrünen Laufsteg. Die Region wurde von Gabrielle Chanel gut betreten, auf ihren Spaziergängen in der umliegenden Landschaft sammelte sie Blumen und Grün als Referenz für die Farben, die sie von den dortigen Stoffherstellern wollte. Die grüblerische Romantik der Kollektion wurde hier durch eine hellere und optimistischere Atmosphäre ersetzt, wie es Viards Neigung ist. Sie hat ein gutes Gespür dafür, wie junge Frauen Chanel alltagstauglich, unprätentiös und mit viel Leichtigkeit tragen wollen.

Chanel verwendete Fäden für den Herbst und Tweed für Jagdjacken und Mäntel mit mehreren Taschen, die flaumig aussehendes Fleece enthielten, und für leicht übergroße Herrenjacken von der Art, die Chanel von ihrem Geliebten, dem Herzog von Westminster, übernahm. Auf Fotos, die in seiner Lodge in Lochmore und auf der Terrasse seines Landhauses in Eaton Hall aufgenommen wurden, trägt sie seine geliehenen Kleider und Gummistiefel. Viard beschwor diesen Wochenendausflugsgeist mit farbenfrohen, dick gerippten Strumpfhosen und Gummistiefeln oder oberschenkelhohen Wathosen mit dem berühmten ineinandergreifenden Doppel-C herauf. Tweedy-Shorts-Anzüge nutzten diese Energie ebenso wie ein Paar kurze Lederhemden. Die glänzenden schwarzen Kitten-Heel-Skimmer, die die Models trugen, könnten den Cap-Toe-Slingpumps verleihen, die von der Modewelt so geliebt werden.

Takahiromiyashita Der Solist
Sacai und Yohji Yamamotos Kollektion mit dem Titel The Era, präsentiert von einem Modefilm-Riff mit Leidenschaft und präziser Musik. Inspiriert von „Fifth Beatle“ Billy Prestons improvisatorischem Einfluss auf die Musik. Miyashita war schwer fassbar wie immer und präsentierte einen Film, in dem vier Models mit Sturmhauben, kokonförmigen Mänteln und Röhrenjeans immer nur von hinten zu sehen waren. Die Mäntel, darunter ein rosa bis violetter Dufflecoat, ein Lammfell und ein länglicher schwarzer Bomber, wiesen meistens einen Reißverschluss auf, der von der linken Schulter bis zur rechten Hüfte verlief. Das Design erzwang eine konsistente Silhouette über verschiedenen größten Hits der generischen Herrenmode; der Peacoat, der Trenchcoat, die Fliegerjacke, die Strickjacke, der Dufflecoat und ein kühles, dunkles, pelzig aussehendes Teil.

Nehera
Die Nehera-Kollektion hebt die Schneiderei hervor, die charakteristischste Substanz der Marke. Das Design reagiert auf den aktuellen Wunsch nach Kleidung, die von zu Hause ins Büro und wieder zurück getragen werden kann. Bequem, aber elegant scheint das zu sein, was Frauen heutzutage verlangen. Bei Nehera ist die Kleidung so konzipiert, dass sie der Trägerin dient, sodass sie sie an ihre Stimmung anpassen kann. Einige Stücke können sogar angepasst werden. Eine Daunenjacke besteht aus zwei zusammengeknöpften Hälften; so ist ein Trenchcoat, der auch verstellbare Ärmel hat. Es gibt auch abnehmbare Beuteltaschen, von denen einige sperrig sind, um sie nach Belieben an- oder abzuschnallen.

Miu Miu
Miu Miu’s Kollektion sprengt wieder die Kleiderordnung mit Workaholic und mehr Sportfreak. Das Design richtete sich auf den Tennisplatz und gab den Wimbledon-Funktionären mehr, als sie erwartet hatten, in superkurzen, tief sitzenden Y2K-Röcken und Oberteilen mit frech platzierten durchsichtigen Spitzeneinsätzen. Ein geschlechtsspezifischerer Ausdruck der Miu Miu-Person nahm Gestalt an und demonstrierte, wie die knappe Silhouette auch bei nicht-binären und traditionell männlichen Körpern funktioniert.

Petar Petrow
Die Kollektion von Petar Petrov ist in dieser Saison grundlegender und bietet eine Reihe von Styling-Optionen mit Kleidungsstücken, die für jeden Anlass angepasst werden können. Das Design ist cool und einfach, aber ein bisschen sexy. Eine starke Auswahl an Oberbekleidungsoptionen reichte von klassischen, gut verarbeiteten maskulinen Wollmänteln bis hin zu 60er-Jahre-inspirierten Lammfellstücken und wattierten Jacken.

Diese vielseitigen Stücke aus elastischer Seide wurden in Erdtönen oder mit einem Druck gearbeitet, der die Motive der Strickwaren wieder aufnimmt, die die Kollektion untermauerten. Bei den Strickwaren gab es auch eine Auswahl an körperbetonten, gerippten Seidenstücken mit asymmetrischen Cutout-Details und hohen, geknöpften Choker-Kragen, die Petrovs sinnliches, aber vielseitiges und tragbares Ethos für diese Saison zusammenfassen. Die Hosen und Schnitte blieben der schlanken Silhouette treu, während japanische Denim-Stücke – die vor einem Jahr eingeführt wurden – tief auf den Hüften saßen. Weitere Highlights waren ein schwarzes Lederkleid mit Flügelärmeln und einem integrierten Gürtel, der es ermöglichte, es auf verschiedene Arten zu tragen, und ein Kleid aus brüniertem gelbem Samt mit V-Rücken und Bindedetails.