Die LA Art Show, die umfassendste internationale Ausstellung für zeitgenössische Kunst in Amerika, eröffnet am 23. Januar 2019 im Los Angeles Convention Center offiziell die Kunstsaison 2019 der Stadt. Die LA Art Show ist das beispiellose internationale Kunsterlebnis mit mehr als 120 Galerien aus über 18 Ländern mit Malerei, Skulptur, Arbeiten auf Papier, Installation, Fotografie, Design, Video & Performance.

Im 24. Jahr liegt der Schwerpunkt der Messe auf Lateinamerika und dem pazifischen Raum. Die Veranstaltung bietet eine Reihe von Kunstszenen von zeitgenössischer und moderner bis hin zu klassischer und anderen spezialisierten Kunstszenen, die oft ihre eigenen Shows haben. Strahlende Präsentationen werden von einer Vielzahl von Galerien zum Leben erweckt, die die künstlerische Sphäre von Los Angeles als vollständig zugänglichen Raum des Ausdrucks formen. Die Tradition und das Prestige der LA Art Show sind in der Stadt und ihrer Umgebung bereits voll gefestigt und machen sie zu einer der wichtigsten amerikanischen Messen für zeitgenössische Kunst.

DIVERSEartLA bietet dieses Jahr Installationen und Videos von Marta Minujin und Andres Parades (präsentiert von CCK – Buenos Aires, Argentinien), Performances von Sarah Trouche und Dorian Wood sowie zusätzliche kuratierte Räume von Arte Ai Limite (Chile), LACMA, MOLAA, Lanch LA, die Los Angeles Art Association, Art Share LA und mehr. Ausgehend von der kulturreichen Komposition von Los Angeles feiert die LA Art Show den Einfluss lateinamerikanischer und asiatischer Kunst in all ihren Facetten.

Los Angeles hat sich zu einem globalen Epizentrum für Kunst und Kultur entwickelt, mit einem ausgeprägten, verwobenen multikulturellen Einfluss, der einzigartig für die Stadt ist. Vielfalt ist unsere Stärke und Kunst ist am wirkungsvollsten, wenn sie alle Grenzen umfasst oder überschreitet. Während LA zur Weltklasse-Destination für Kunst aufsteigt, ist die LA Art Show weiterhin führend mit innovativen Programmen und einzigartigen Erlebnissen für ein wachsendes Sammlerpublikum.

Die LA Art Show schafft eine der größten internationalen Kunstmessen in den Vereinigten Staaten und bietet Sponsoren, ihren ausgewählten Gästen und VIP-Kunden ein aufregendes, umfassendes Insider-Kunsterlebnis. Die Show zieht eine Elite aus nationalen und internationalen Galerien, renommierten Künstlern, hoch angesehenen Kuratoren, Architekten, Designprofis sowie anspruchsvollen Sammlern an.

Die LA Art Show ist auch für ein robustes Programm an Sonderveranstaltungen am Wochenende bekannt; in den letzten Jahren reichten die themen von bildender kunst über mode bis hin zu film. Das diesjährige Programm beleuchtet wichtige Themen der zeitgenössischen Kunstwelt, einschließlich des Trendthemas, da es sich um originale, sammelbare digitale Dateien im Bereich der Bildenden Kunst handelt.

Mehr als 180.000 Quadratmeter Ausstellungsfläche sind den prominenten Galerien von heute gewidmet. Diese nationalen und internationalen Galerien kuratieren über ihre Stände hinaus Sonderausstellungen, die an der Spitze der aufkeimenden zeitgenössischen Kunstbewegung stehen. Die Messe bietet ein außergewöhnliches Spektrum an Arbeiten und Erlebnissen in spezialisierten Bereichen.

LA Art Show 2019
Die LA Art Show 2019 schafft eine der größten internationalen Kunstmessen in den Vereinigten Staaten und bietet Sponsoren, ihren ausgewählten Gästen und VIP-Kunden ein aufregendes, umfassendes Insider-Kunsterlebnis. Die Show zieht eine Elite aus nationalen und internationalen Galerien, renommierten Künstlern, hoch angesehenen Kuratoren, Architekten, Designprofis sowie anspruchsvollen Sammlern an.

Dieses innovative, außergewöhnliche kulturelle Umfeld zieht Führungskräfte und Vorstandsmitglieder südkalifornischer Unternehmen, Vertreter der Staats-, Bezirks- und Kommunalverwaltung sowie Führungskräfte der kulturellen Institutionen der Region an. Die Teilnehmer sind Trendsetter, Influencer und Alpha-Konsumenten, die in allen Bereichen ihres Lebens das Neueste und Beste suchen und fordern – Kunst, Design, Essen, Technologie und Reisen sind besondere Leidenschaften.

An der Ausgabe 2019 nahmen Galerien aus mehr als 18 Ländern teil. Viele Galerien aus dem Vorjahr kehrten zurück wie Patrick Painter Gallery, Timothy Yarger Fine Art und Pigment Gallery in CORE, Rofa Project, K+Y Gallery, Masterworks Fine Art Gallery und Denis Bloch Fine Art, in Modern & Contemporary, MS Rau und Rehs Galleries, Inc. in ROOTS, wobei Trinity House zum ersten Mal in diese Sektion aufgenommen wird. MS Rau stellte Julius Kronbergs berühmtes großformatiges „Kleopatra“-Gemälde aus dem Jahr 1883 aus.

Einige neuere Galerien sind die Mizuma Art Gallery und Kamiya Co., LTD aus Japan, Michael Goedhuis aus London, die Galerie Sabine Knust aus Deutschland und die Richard Beavers Gallery aus Brooklyn gehörten zur Liste der ausstellenden Galerien der LA Art Show. Mizuma präsentierte neue großformatige Gemälde von Yoshitaka Amano, der für seine Charakterkunst für die Final Fantasy-Serie gefeiert wurde.

Wiederkehrend zur LA Art Show im dritten Jahr, DIVERSEartLA, ist dies ein besonderer Programmraum innerhalb der Messe, der der Ausstellung verschiedener und internationaler Institutionen aus dem Pazifikraum und darüber hinaus gewidmet ist. Der Fokus wurde auf bürgerschaftliches Engagement gelegt, 50.000 Quadratmeter wurden gespendet, um die teilnehmenden Organisationen zu präsentieren. Das vorgestellte Werk war eines der wenigen Stücke, die nicht zum Verkauf standen.

Zu den weiteren teilnehmenden Installationen gehört „Memorable Mud“, das den Betrachter in ein multisensorisches Erlebnis mit Düften, Musik – exklusiv für dieses Kunstwerk komponiert – und einem sorgfältig entworfenen System, das Licht durch durchscheinende Steine ​​​​reflektiert, zieht. Das Stück ist das Endergebnis eines explorativen Prozesses, der zwei Erfahrungen für die Teilnehmer generiert. Neben Art Share hat sich LA mit dem auf Skid-Row basierenden, aufstrebenden Guerilla-Künstler SC Mero zusammengetan, um der LA Art Show einen Vorgeschmack auf die Straßen von Downtown Los Angeles zu geben.

Die LA Art Show konzentriert sich auf die Vielfalt innerhalb der Kunst und bietet gleichzeitig moderne Tools wie Virtual Reality. Die Kunstmesse präsentierte eine Mischung aus einzigartigen Künstlern wie Adah Glenn, auch bekannt als „AfroPuff“, dem beliebten LA-Graffiti-Künstler RISK, Scott Hove, sowie eine umfassende Auswahl an panasiatischen Tuschemalereien und Littletopia, ein Schaufenster der Pop-Art .

Core – Core ist ein kuratierter Raum für Galerien, die auf der ganzen Welt als wegweisend in der zeitgenössischen Kunst anerkannt sind. Die hier präsentierten Galerien bilden, inspirieren und begeistern die eifrigen Sammler der Welt mit den gefragtesten Stimmen auf dem Markt.

Modern + Contemporary – Der größte Programmbereich der LA Art Show, Modern + Contemporary, zeigt das breite Spektrum zeitgenössischer Malerei, Illustration, Skulptur und mehr aus Galerien in Los Angeles, dem pazifischen Raum und Ländern auf der ganzen Welt.

Roots – ROOTS ehrt die Stimmen und Bewegungen, die zuvor entstanden sind, und ist ein spezieller Ausstellungsraum für Galerien, die historische Werke und zeitgenössische Künstler präsentieren, die diesen Traditionen folgen.

Works On Paper – Works on Paper ist ein spezieller Ausstellungsraum für die Präsentation von Fotografien und anderen Werken, die nicht auf herkömmlicher Leinwand verarbeitet wurden.

Project Space – Die aus der ganzen Welt stammenden Aussteller im Project Space präsentieren eine breite Palette von Ideen und Talenten in Form von Einzelausstellungen, die von den teilnehmenden Galerien präsentiert werden.

Luxury PBSG – Luxury PBSG ist ein spezieller Raum für Aussteller, die sich auf Luxusartikel spezialisiert haben, darunter Schmuck und andere Accessoires, die die Welt der schönen Künste umgeben. Es bringt die Juwelen der anderen Shows der Palm Beach Show Group an der Ostküste direkt zum Publikum in LA.

DIVERSEartLA – DIVERSEartLA nutzt die Position der Stadt am pazifischen Rand und ist ein spezieller Programmbereich, der sich der Förderung der kreativen Energie internationaler Sammler, Künstler, Kuratoren, Museen und gemeinnütziger Organisationen widmet, indem er sie direkt mit dem Publikum in Los Angeles verbindet. Vielfalt und Inklusion sind weiterhin unsere wichtigsten Mandate, während wir nachdenken und uns freuen. DIVERSEartLA nutzt die Position der Stadt am pazifischen Rand und ist ein spezieller Programmbereich mit über 35.000 Quadratfuß, der der Förderung der kreativen Energie internationaler Sammler, Künstler, Kuratoren, Museen und gemeinnütziger Organisationen gewidmet ist, indem sie direkt mit dem Publikum in Los Angeles verbunden werden.

Featured Exhibitions – Featured Exhibitions, die über die Grenzen der Standflächen hinausgehen, schaffen immersive Erlebnisse, um das Publikum durch zum Nachdenken anregende Kunstwerke, Performances und andere Ausstellungen der teilnehmenden Galerien zu begeistern und Werke hervorzuheben, über die in den kommenden Jahren gesprochen wurde.

Design LA Art – Design LA Art dient als kuratierter Raum, um prominente internationale Designgalerien zu präsentieren. Design LA Art bietet einen Kunstmarkt für sammelbares zeitgenössisches Design und funktionale Kunst, der die besten Objekte aus Design, Kunst, Schmuck, Architektur und Einrichtung präsentiert, die neben den weltweit führenden modernen und zeitgenössischen Galerien von heute präsentiert werden.

Ausstellungen

Das Land der Großmutter: Gabriella Possum Nungurrayi
Frauen sind die wichtigsten Sammlerinnen von Bush Tucker und es ist ein wichtiger Bestandteil des täglichen Lebens innerhalb des Familienclans. Dieses besondere Gemälde, Großmutters Land, zeigt Frauen beim Sammeln von Lebensmitteln und feiert auch die Fruchtbarkeit des Landes. Aborigine-Gemälde basieren auf den Mythen der Traumzeit. In modernen Punktdarstellungen wird der sakrale Aspekt des Gemäldes nicht immer offenbart, sondern die Bedeutung bleibt erhalten, vermittelt durch leicht verständliche Symbole.

Jeder Mensch hat einen bestimmten Traum, zu dem er gehört, und er hat spezielle zeremonielle Tänze und Lieder, die sich zu einem einzigartigen Glauben verbinden, der das Leben der Aborigines ausmacht. Alle Dinge beziehen sich auf das Land und daher ist das Land für sie von großer Bedeutung. Das Land ist der Hüter des Träumenden und muss für alle Zeiten sicher aufbewahrt werden, damit die Träumenden Geschichten, die in den Gemälden erzählt werden, erhalten bleiben können.

Gabriella Possum Nungarrayi ist eine der führenden australischen Aborigines-Künstlerinnen aus der Central Desert, die derzeit in Melbourne arbeitet. Schon in jungen Jahren begann Gabriella zusammen mit ihrem Vater Clifford Possum Tjapaltjarri zu malen, dessen Werke weltweit in bedeutenden Galerien und Privatsammlungen vertreten sind. Sein Können gab er an seine Tochter weiter, deren Bilder seinen einzigartigen Stil widerspiegeln.

Chinesische zeitgenössische Tuschekunst: Zehn führende Künstler
Michael Goedhuis stellte die zehn besten zeitgenössischen Tuschemaler aus China aus. Die Ausstellung beschreibt anhand der Werke dieser zehn führenden Künstler, wie die chinesische zeitgenössische Kultur durch ein tiefes Verständnis der chinesischen historischen Zivilisation transformiert wird. Gu Wenda, Li Huayi, Li Xubai, Liu Dan, Lo Ch’ing, Qin Feng, Qiu Deshu, Tai Xiangzhou, Wang Dongling und Wei Ligang schaffen eine neue Bildsprache, die die Grundlagen der chinesischen Ästhetik und Kultur auf eine Art und Weise zum Ausdruck bringt relevant für die heutige Gesellschaft in China und auch für die Entwicklungen im Westen.

Tuschemalerei entstand vor 1000 Jahren aus der Kalligraphie: die erhabene und zentrale Errungenschaft Chinas. Kalligraphie wird mit Tinte auf Seide oder Papier mit einem Pinsel ausgeführt. Um diesen Pinsel auf dem saugfähigen Papier zu beherrschen, der keine Fehler oder Korrekturen duldet, muss der Künstler ein hohes Maß an Konzentration, Balance und Kontrolle erreichen. Malerei ist eine Erweiterung der Kunst der Kalligraphie. Sie ist daher wie die Kalligraphie mit dem heiligen Prestige des geschriebenen Wortes verbunden.

Hai: RISIKO
Der beliebte Graffiti-Künstler RISK aus LA gibt sein Debüt in der LA Art Show mit zwei Skulpturen aus seiner fortlaufenden „Shark“ -Serie, die sich entwickelt hat, um Raubtiere in ihren vielen Formen zu erforschen. Eine der am meisten diskutierten Skulpturen des Jahres 2018 war sein halbierter Kreuzer, ein echtes Auto, das in Formaldehyd getaucht und „wie Speck“ aufgeschnitten wurde und das Innenleben des Fahrzeugs enthüllte.

Das Projekt begann eigentlich als Skulptur eines Hais und verwandelte sich in eine andere Art von Raubtier, komplett mit einer eigenen Version von verräterischen Flossen, Form und Farbpalette. Dagegen stand die fertige Skulptur des Hais, den er ursprünglich schaffen wollte – ein Raubtier aus einer anderen Zeit, das noch immer genauso viel Angst einflößt. Für die Ausstellung wurde diesem umstrittenen Stück eine ähnliche Skulptur eines Hais aus Maschinenersatzteilen gegenübergestellt. „Umarme, was du fürchtest“ ist eine Idee, die aus buddhistischen Lehren stammt, und das halbierte Polizeiauto von RISK war das überraschende Ergebnis einer Meditation über dieses Prinzip.

Schwarze Landschaft: Chuni Park
Zu sehen war Parks großformatige Multi-Panel-Installation Black Landscape, die die Jahreszeiten in schwarzer Tinte aus Kiefernruß zeichnet. Inspiriert von Naturlandschaften erschafft Chuni Park abstrakte Gemälde aus der Erinnerung an die Orte, die er erkundet hat, und bevölkert sie mit einer Reihe von symbolischen, oft wiederkehrenden Charakteren.

In den Monaten vor der LA Art Show reist Park auch durch Kalifornien und den amerikanischen Westen und besucht Nationalparks wie Yosemite, um sich inspirieren zu lassen. Er stellte mehrere neue Stücke vor, die von seiner Erkundung des Südwestens inspiriert waren, und schloss sich ikonischen Landschaftskünstlern wie Hockney an, die sich mit ähnlichen Themen befassten. Dies war das erste Mal, dass Park amerikanische Landschaften darstellte, eine völlig neue Welt für seine Arbeit öffnete und ein neues Kapitel in seiner kreativen Karriere aufschlug.

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Die besten Tage Ihres Lebens, ein Atlas: Scott Hove
Scott Hove kehrt dieses Jahr mit dieser musealen Wandinstallation „The Best Days of Your Life, an Atlas“ zur LA Art Show zurück. Früher bekannt für den ersten großen Torbogen in Littletopia und dann für seine weithin gefeierte Spiegel-Infinity-Kammer mit Kuchenthema, präsentiert Hove ein detaillierteres und handgefertigteres Wandstück, das den Geist und den unmittelbaren Raum beleuchtet.

Für diese Skulptur hat er eine malerischere Herangehensweise an die Komposition verwendet und mehrere Beleuchtungspunkte angewendet, um ein Gefühl von strahlender Wärme und fantastischer Textur zu vermitteln, um den Betrachter auf sehr aktive Weise einzubeziehen. Die 36 Gallonen „Zuckerguss“ aus Acryl erzeugen eine überzeugende Illusion einer unmittelbar bevorstehenden Zufriedenheit und eine neu gedachte und idealisierte Kontextualisierung der persönlichen Erinnerung. Für einen Großteil von Hoves Werken dienen Kunstgriffe als Medium, um eine Fantasy-Erzählung zu unterstützen, die gleichzeitig sicher und einladend und dann fragwürdig und bedrohlich erscheinen kann.

Programme

DIVERSEartLA
DIVERSEartLA hat es sich zum Ziel gesetzt, einige der wichtigsten lokalen und internationalen Kunstinstitutionen, Museen und gemeinnützigen Organisationen für einen gehobenen und durchdachten Dialog zusammenzubringen. DIVERSEartLA wurde erweitert, um die Kunstinstitutionen und Kunstsammler zu begrüßen und zu feiern, die LAs neueste und größte Iteration der Kunstgemeinschaft unterstützen und um eine starke Konversation über eine Vielzahl von Veranstaltungen und Programmen zu schaffen. Dies dient als Plattform und Ressource für Best Practices und Führung im Bereich Diversity, einschließlich ALLER Gemeinden in Los Angeles.

Die Gemeinden von Los Angeles spiegeln eine beeindruckende Vielfalt ethnischer Hintergründe wider, und die ikonische natürliche Umgebung ist ebenso vielfältig und weitläufig. Um diese einzigartige Artenvielfalt zu ehren, konzentrieren wir uns auf die Vertretung zeitgenössischer Künstler aus der ganzen Welt als Teil jeder Institution. Die Bedeutung des diesjährigen kuratorischen Schwerpunkts sollte weiterhin der Förderung und dem Lernen von Organisationen gewidmet sein, die Inklusion und Vielfalt unterstützen. DIVERSEartLA als wesentlicher Bestandteil, um Museen und Kulturinstitutionen zu Modellen für pluralistische Gemeinschaften zu machen. Es gibt nichts Wichtigeres als Inklusion in einem Moment, in dem die soziale Kultur durch Spaltung definiert ist.

Der Parthenon der Bücher & Rayuelarte: Marta Minujín
Die argentinische Künstlerin Marta Minujín, die mit zwei ihrer emblematischsten Kunstwerke ankommt: The Parthenon of Books und Rayuelarte. Der Parthenon of Books ehrt die weltweit erste Demokratie und die Werte dieser Zeit, die als Grundlage für die heutigen westlichen demokratischen Gesellschaften gedient haben. Diese Arbeit steht auch als Symbol für die anhaltende Not und die erneuerte Hoffnung des Landes auf den Übergang zur Demokratie.

Der Parthenon der Bücher: Die Rückkehr der Demokratie nach Argentinien im Dezember 1983 war die Inspiration, die Marta Minujín dazu veranlasste, eine Nachbildung des griechischen Parthenon auf der „9 de Julio Avenue“, einer Straße in Buenos Aires, Argentinien, zu schaffen. Mujíns Parthenon hat eine Metallkonstruktion, die mit mehr als 20.000 Büchern bedeckt ist, von denen viele während der Militärdiktatur verboten waren.

„Unvergesslicher Schlamm“ – Installation, 2017: Andrés Paredes
„Memorable Mud“ ist eine partizipative Installation, die den Betrachter in ein multisensorisches Erlebnis mit Düften, Musik, die exklusiv für dieses Kunstwerk komponiert wurden, und einem sorgfältig entworfenen System, das Licht durch durchscheinende Steine ​​reflektiert, entführt. Das Stück ist das Endergebnis eines explorativen Prozesses, der zwei Erfahrungen für die Teilnehmer generiert. Die erste Erfahrung beginnt, wenn der Betrachter den Raum betritt und auf riesige Lehmkonstruktionen, Lehmkuppeln mit Zinnen und anderen Elementen stößt, die aus einer Höhe von 1,4 Metern von der Decke hängen. Diese Landschaft wirkt wie eine Tonblase, die vom Produktionsort geborgen wird. Die Kuppeln haben eine eigene Innenwelt, die durch Löcher im unteren Teil für die Öffentlichkeit zugänglich ist.

Dies alles fungiert als Ort, an dem das Leben und die persönlichen Erinnerungen des Künstlers gespeichert und in Ton materialisiert werden. Die Arbeiten von Andrés Paredes reichen von Zeichnungen und zweidimensionalem Schneidepapier bis hin zu immersiven Installationen und bilden private Sammlungen in Argentinien und in mehreren Ländern im Ausland. Er lebt und arbeitet sowohl in Misiones als auch in Buenos Aires, Argentinien.

Virtuelle Futures: XR-Showcase
Virtual Reality ist eines der am meisten diskutierten Themen in der zeitgenössischen Kultur, doch viele in der Kunstwelt beginnen erst, ihre Auswirkungen zu berücksichtigen – ästhetisch, technologisch, psychologisch, therapeutisch, wirtschaftlich und so weiter. Dieses Jahr bietet DIVERSEartLA vier VR-Erlebnisse, die die Bandbreite der Praktiken und Möglichkeiten demonstrieren, die VR im Jahr 2019 definieren. Besucher können einen Blick in die Zukunft werfen, wie sie von vier verschiedenen kreativen Innovatoren gesehen wird: Wesley Allsbrook, Nancy Baker Cahill, Jorge R. Gutiérrez , und Drue Kataoka.

Die Tools für die VR- und AR-Erstellung und -Anzeige – einst im Zuständigkeitsbereich von Ingenieuren, die hauptsächlich in Hochschulen und beim Militär verfügbar waren – sind jetzt für jeden, der eine Geschichte zu erzählen hat, viel zugänglicher: Spieledesigner, Maler, Drehbuchautoren, Dokumentarfilmer, Journalisten, Architekten, Choreografen und viele mehr. Diese vielfältige Community von Kreativen arbeitet oft über mehrere Disziplinen hinweg zusammen und entdeckt das Potenzial der Technologie, indem sie das Publikum in den Akt der Kreation einbezieht.

Wasser machen: Guido Yannito
Diese Arbeit ist Teil eines Projekts Hemisphere, das in der Antarktis entstand und einen Dialog über die geografische Situation (Nord- und Südhalbkugeln) und des Geistes erzeugt. Die Antarktis ist eine radikale Umgebung und könnte als geografische Verschiebung angesehen werden. Die Hemisphäre wird als undefinierter Zustand präsentiert, in dem sich der Körper als Vorstellung von Territorium und Landschaft, aber auch als Geisteszustand befindet.

Am Anfang bestand dieses Projekt darin, die Nutzung von Süßwasser auf den Basen der Antarktis zu erforschen, da die Antarktis das größte Süßwasserreservoir der Erde ist, ein anhaltendes Interesse des Künstlers. „To Make Water“ ist ein Begriff, den die Leute auf der Basis verwenden, um die Produktion von verbrauchbarem Wasser zu beschreiben, denn obwohl es die größte Süßwasserreserve ist, ist es sehr schwierig zu beschaffen. „To Make Water“ ist ein Video, das an dem Tag gedreht wurde, an dem die Mitglieder der Basis die Extraktion versuchten.

Weiße Lügen: Gaston Ugalde, Matilde Marin, Sandra Mann, Fernando Arias
Arte Al Límite (AAL) fördert die Arbeit zeitgenössischer Künstler aus der ganzen Welt mit dem Ziel, die Kunstzirkulation zu fördern, das Kunstsammeln zu fördern und die Kunst durch weltweite Aktivitäten der Gemeinschaft näher zu bringen. White Lies ist eine Ausstellung, die aus dem Dialog von bildender Kunst und Politik hervorgeht; die bildende Kunst und die Realität auf der ganzen Welt, wo der politische Akt wie eine Manifestation der Macht aussieht, die die Massen und den Verstand beherrscht und kontrolliert, wobei die ursprüngliche Idee des gemeinsamen Nutzens und der sozialen Wohlfahrt vergessen wird.

27 Peces/27 Fish, Installation, 2018: Cristian Castro
Das Museum of Latin American Art (MOLAA) hat den argentinischen Künstler Cristian Castro und seine ortsspezifische Installation 27 Peces / 27 Fish, 2018 ausgewählt, um die zeitgenössische Kunst Lateinamerikas in der Ausgabe 2019 der Los Angeles Art Show hervorzuheben. Ähnlich wie das argentinische Kollektiv Center for Art and Communication (CAyC) in den 70er und 80er Jahren begreift der Künstler seine Installationen als multidisziplinären Raum, in dem die Beziehung zwischen Kunst, Wissenschaft, Umwelt und Gesellschaft erforscht wird. Die Tiefseefische in 27 Fish wurden im retro-futuristischen Stil mit kinetischer Bewegung und Licht kreiert.

Cristian Castro, 1971 in Buenos Aires, Argentinien, geboren und derzeit in LA lebend, bringt sein künstlerisches Talent zum Ausdruck, indem er ausrangierte Vintage-Haushaltsgeräte und alte mechanische Werkzeuge mit eigenen zeitgenössischen Designs wiederverwendet. In der Installation 27 Fish verwendete der Künstler Außenbordmotoren der Marke Johnson aus den 1950er Jahren für den Hauptkörper, Katzennäpfe aus Edelstahl, Küchenscharniere, Nägel für die Zähne, elektrische Leitungen, Glasfaser, kundenspezifische lasergeschnittene Aluminiumteile, die mit einer hydraulischen Presse geformt wurden Flossen und Autolack mit verchromten und polierten Teilen, um diese hybriden Kreaturen zu schaffen, die aus einer Zukunftsvision des 19. Jahrhunderts zu stammen scheinen.

Ein schwarzer Mann in der Welt:
Für Bob Holmes, der sich selbst „ein Weltbürger“ nennt, ist seine Kunstsammlung ein Spiegelbild seines Lebens und seiner Zeit. Die Geschichte sowohl der kolonialen Unterdrückung durch die Europäer in Afrika, der Karibik und Mittel- und Südamerika als auch die Geschichte der Sklaverei in den Vereinigten Staaten haben eine verzerrte Wahrnehmung der Schwarzen Menschen geschaffen, die während der gesamten Zeit umgezogen oder gezwungen wurden, umzuziehen Welt. Diese Wahrnehmung hat oft einen engen Eindruck von den Interessen, Beschränkungen, Möglichkeiten und Zukunftsperspektiven von Schwarzen und anderen Farbigen geschaffen.

In seiner umfangreichen Sammlung finden wir ein vielfältiges Angebot an Kulturen durch Künstler wie Dan McCleary, Matsumi Kanemitsu, Derrick Maddox, Charles White, Romare Bearden, Gronk, Deni Ponty, Betty Parsons, Elizabeth Catlett, David Alfaro Siquieros und Aime Mpane viele andere.

Nodrissx/Narcissx: Performance – Dorian Wood
Der Künstler Dorian Wood versucht, sowohl die Heiligkeit als auch die Respektlosigkeit der Intimität zu verherrlichen. Durch den Einsatz ihres korpulenten Körpers und ihrer dröhnenden Stimme genießt Wood es, die Trennung zwischen Künstler und Publikum herauszufordern, indem sie Themen verwendet, die von ihrer eigenen Position in der Gesellschaft als nicht-binäre Person of Color und als Autodidakt ohne formale Hochschulausbildung oder starke Allianz mit einer bestimmten Gemeinschaft. Für „Nodrissx/Narcissx“ saß die Künstlerin auf einem Stuhl in der Mitte eines abgedunkelten Raumes, von Kopf bis Fuß mit einem geschlitzten Tuch bedeckt. Während der Performance-Installation vokalisiert der Künstler zu einer 4-Kanal-Klanglandschaft, die ausschließlich durch die Stimme des Künstlers erzeugt wird.

Woods Arbeiten wurden in Konzertsälen und Aufführungsräumen auf der ganzen Welt präsentiert, darunter in Institutionen wie The Broad (Los Angeles), LACMA (Los Angeles), The Stone (NYC), MASS Gallery (Austin), Kulturhuset (Stockholm), und Hebbel am Ufer (Berlin). Als Musiker haben sie über ein Dutzend Aufnahmen veröffentlicht, darunter zwei aufeinanderfolgende Alben, Rattle Rattle und Down, The Dirty Roof, die eine Reihe von Doomsday-Songs mit über 60 Musikern präsentieren. Ihr neuestes Album, XALÁ, ist das erste Mal, dass Wood ein abendfüllendes Werk in ihrer Muttersprache Spanisch aufgenommen hat.

Du solltest deine Revolution tragen: Performance – Sarah Trouche
Sarah Trouche ist eine französische bildende Künstlerin, die in ihrer Praxis Performance, Fotografie, Video und Skulptur verwendet. Sie nutzt ihren Körper als soziales und politisches Werkzeug. Trouches Arbeit konzentriert sich auf kulturelle und politische Themen wie Migration und Vertreibung und lädt uns ein, die großen Herausforderungen zu hinterfragen, denen wir heute gegenüberstehen.

Für das Projekt „Du solltest deine Revolution tragen“ engagiert sich Trouche für die Erforschung der Emanzipation der Frau, inspiriert von der Geschichte Frankreichs während der Französischen Revolution und der Bewegung der „Sans Culottes“. Sarah Trouche tritt mit Hunderten von Unterwäsche auf, die sie zuvor gesammelt, gewaschen und gefärbt hat. Durch diese Aktion imaginiert sie ein Manifest rund um die Idee der weiblichen Emanzipation, radikal und kollektiv.

Boho Highs & Visual Drive-bys: Ada Glenn
Adah Glenn, auch bekannt als „AfroPuff“, ist eine in Los Angeles lebende Künstlerin, Designerin und Unternehmerin. Graffiti, Hip-Hop, Punk und Rock sowie japanische Anime prägen ihre Arbeit. Ihre Praxis ist multidisziplinär und reicht von Wandmalereien, Gemälden auf Leinwand und geformtem Karton, Drucken, Kunstquilts und Büchern bis hin zu digitaler Kunst und Animation. Glenn hat sich auch in die angewandte Kunst gewagt und tragbare Kunst wie Hüte und Schmuck sowie Spielzeug, einschließlich Stoffpuppen und Sammlerfiguren aus Harz, geschaffen. Zuletzt hat Glenn sich der Performance-Kunst zugewandt, die ihr die Möglichkeit bietet, ihre vielen kreativen Impulse zu integrieren.

Glenns Kunst ist lebendig und farbenfroh, vielschichtig und sehr strukturiert. Als Afroamerikanerin verwebt sie in ihrer Arbeit oft Themen der Rassen- und Geschlechterpolitik. Adah Glenn: Boho Highs & Visual Drive-bys präsentiert eine große Auswahl ihrer vielen Talente in vielen Medien. Die Ausstellung zelebriert nicht nur ethnischen und kulturellen Stolz, Musik und die weibliche Form, sondern zeigt auch eine Auswahl von Glenns ergreifenden sozialen Kommentaren.

Tischtennis
Die Los Angeles Art Association freut sich, Ping Pong präsentieren zu können, ein 2007 gegründetes unabhängiges Ausstellungsprojekt, das die künstlerische Interaktion und den Austausch zwischen ausgewählten Städten Basel, Miami und Los Angeles fördert. Ping Pong ist bestrebt, sowohl die Gemeinsamkeiten als auch die Unterschiede der verschiedenen vertretenen Kulturlandschaften aufzuzeigen. Während sich die in Ping Pong vertretenen Künstler im Laufe der Jahre und Veranstaltungsorte verändert haben, bleiben der Geist der künstlerzentrierten Zusammenarbeit und der Ehrgeiz intakt.

Diese Iteration von Ping Pong auf der LA Art Show 2019 zeigt die Künstler Pam Doulas, Jerry Haenggli, Cathy Immordino, Sue Irion, Dan Künzler, Sungjae Lee und Elizabeth Tobias und spiegelt die Gemeinsamkeiten und Konflikte wider, die 2019 in unserer Kultur schwanken Vision wird beibehalten, während sie sich an die ästhetische und kulturelle Ästhetik ihrer Künstlerkollegen anpasst.

Sungjae Lees umfangreiches Stück Her Real Secret und Elizabeth Tobias‘ Performance Survivor! Share Your 98 Second Story sind beides aktuelle Reflexionen über den Stand der Geschlechterpolitik und -identität. Pam Douglas und Cathy Immordino teilen eine Faszination für historische Relevanz, unterscheiden sich jedoch dramatisch in Ausführung und Herangehensweise. Darüber hinaus teilen Jerry Haenggli und Dan Künzler eine gewisse Schweizer Formalität, die sich dem Erzählen mit gegensätzlichen emotionalen Zentren nähert.

Überlebende! Teilen Sie Ihre 98-Sekunden-Geschichte: Performance – Elizabeth Tobias
Elizabeth Tobias verstärkt ihre Verschmelzung von sozialer Praxis, Performance und Sound, um Survivor! Teilen Sie Ihre 98-Sekunden-Geschichte auf der Los Angeles Art Show 2019. Dieses immersive Projekt befasst sich mit der Epidemie sexueller Übergriffe, einem der am weitesten verbreiteten, aber am wenigsten gemeldeten Verbrechen. Überlebende! befasst sich mit der erstaunlichen Statistik, dass alle 98 Sekunden ein sexueller Übergriff in Amerika stattfindet.

Indem sie gesprochenes Wort und improvisierten Sound miteinander verwebt, tritt Elizabeth Tobias mit einem Ensemble von Künstlerüberlebenden auf, um gemeinsam das notwendige Bewusstsein und die Fürsprache für Überlebende sexueller Übergriffe in der Kunstszene und im gesamten öffentlichen Raum zu fördern. Den Opfern von Gewalt fehlt es oft an der Unterstützung und den Ressourcen, die sie brauchen, um sich zu melden. Für Künstler, die vom Trauma sexualisierter Übergriffe betroffen sind, gibt es selten, wenn überhaupt, angemessene Möglichkeiten, Arbeiten zu schaffen, die ihre Geschichten innerhalb und außerhalb der größeren Kunstgemeinschaft thematisieren.

Dr. Jennifer Freyd, Expertin auf dem Gebiet der zwischenmenschlichen Gewalt, hat festgestellt, dass der Akt des Sprechens einen messbaren Einfluss auf die Verringerung der Gewalt hat. Folglich hat die Leistung das Potenzial, die Statistik direkt zu reduzieren. Überlebende! Share Your 98 Second Story ist eine bahnbrechende neue Performance, die Traumata, Mut und Kontinuität thematisiert.

Hier lebt Kunst: SC Mero
Art Share LA hat sich mit dem aufstrebenden Guerilla-Künstler SC Mero zusammengetan, um einen Vorgeschmack auf die Straßen von Downtown Los Angeles zur LA Art Show zu bringen. Die Installationen vor Ort verkörpern die Natur der Innenstadt und sind nur ein Vorgeschmack auf den größeren Lageplan ihrer Arbeit – der die Teilnehmer in die Innenstadt führt, um unsere Gemeinde unter dem Deckmantel einer Pseudo-Street-Art-Schnitzeljagd zu erkunden. Jede ihrer ortsspezifischen, cleveren Kreationen lenkt die Aufmerksamkeit auf Themen rund um Obdachlosigkeit, Gentrifizierung, Drogenkonsum, globale Erwärmung und mehr. Das Ziel dieses Projekts ist es, die weitere Erforschung von Underground-Kunst, Kunstaktivismus und sozialer Gerechtigkeit in der Innenstadt auf eine einladende und für alle zugängliche Weise zu fördern.

Veranstaltungsort
Die LA Art Show liegt strategisch günstig im dynamischen Epizentrum der Stadt. Das LA Convention Center ist Südkaliforniens technologisch fortschrittlichster grüner Veranstaltungsort mit hohen Decken und viel Platz. Hier befinden sich die Grammy Awards, das Grammy Museum und ein beeindruckender Unterhaltungskomplex, der das Nokia Theatre, die Staples Center Arena, Top-Restaurants und das Ritz Carlton Hotel and Residences umfasst. Kunstmäzene fahren gerne nach Downtown LA, um das Beste in klassischer Musik (Disney Hall), Theater (Mark Taper und Ahmanson) und zeitgenössischer Kunst (MOCA, Art District) zu genießen.

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