Bewertung der LA Art Show 2018, Kalifornien, USA

Die LA Art Show, die umfassendste internationale Ausstellung für zeitgenössische Kunst in Amerika, eröffnet am 10. Januar 2018 im Los Angeles Convention Center offiziell die Kunstsaison 2018 der Stadt. Die LA Art Show ist das beispiellose internationale Kunsterlebnis mit mehr als 100 Galerien aus über 18 Ländern mit Malerei, Skulptur, Arbeiten auf Papier, Installation, Fotografie, Design, Video & Performance.

Aufbauend auf der Aufregung des letzten Jahres widmet DIVERSEartLA in der LA Art Show auf über 60.000 Quadratmetern Performance-Kunst, Installationen, Ausstellungen und Programmen, die von großen Museen und Kunstorganisationen wie LACMA, MOLAA, The AUTRY und MUSA Museum of the Art Guadalajara kuratiert werden. Die Sektion DIVERSEartLA widmet sich der Förderung der kreativen Energie von Sammlern, Künstlern, Kuratoren und Institutionen durch die Bereitstellung einer Plattform für zeitgenössische Kunst, die dazu beiträgt, sie zu stärken. cpmmect und emgage LAs dynamische Community und sein vielfältiges Publikum mit der Welt.

Genießen Sie die eher konzeptuellen und abstrakten Installationen der LA Art Show, wie Antuan Rodriguez‘ Boxsäcke „Left or Right“ und Bunnie Reiss‘ „Space Boat“ in Littletopia. Besonders hervorzuheben war die Arbeit von Adrienne Stein mit ihren ätherischen Figuren, die mit Flora und Fauna verflochten sind, und war ein realistisches Licht in der zeitgenössischen Littletopia-Sektion. Zu sehen waren Werke aus der ganzen Welt, die Kunst aus 18 Ländern verwebten, darunter die Nationalausstellung aus China.

Ein neuer Abschnitt der Ausstellung mit dem Titel „DESIGN LA ART“ brachte Innen- und Architekturdesign in die Ausstellung. Mit dieser neuen Sektion würdigen wir die bereits reiche Geschichte der Stadt in den Bereichen Design und Architektur und präsentieren zukunftsweisende Programme zur zunehmenden Verschmelzung dieser beiden Disziplinen.

Der Messefokus liegt auf Lateinamerika und dem pazifischen Raum. Die Veranstaltung bietet eine Reihe von Kunstszenen von zeitgenössischer und moderner bis hin zu klassischer und anderen spezialisierten Kunstszenen, die oft ihre eigenen Shows haben. Strahlende Präsentationen werden von einer Vielzahl von Galerien zum Leben erweckt, die die künstlerische Sphäre von Los Angeles als vollständig zugänglichen Raum des Ausdrucks formen. Die Tradition und das Prestige der LA Art Show sind in der Stadt und ihrer Umgebung bereits voll gefestigt und machen sie zu einer der wichtigsten amerikanischen Messen für zeitgenössische Kunst.

Los Angeles hat sich zu einem globalen Epizentrum für Kunst und Kultur entwickelt, mit einem ausgeprägten, verwobenen multikulturellen Einfluss, der einzigartig für die Stadt ist. Vielfalt ist unsere Stärke und Kunst ist am wirkungsvollsten, wenn sie alle Grenzen umfasst oder überschreitet. Während LA zur Weltklasse-Destination für Kunst aufsteigt, ist die LA Art Show weiterhin führend mit innovativen Programmen und einzigartigen Erlebnissen für ein wachsendes Sammlerpublikum.

Die LA Art Show schafft eine der größten internationalen Kunstmessen in den Vereinigten Staaten und bietet Sponsoren, ihren ausgewählten Gästen und VIP-Kunden ein aufregendes, umfassendes Insider-Kunsterlebnis. Die Show zieht eine Elite aus nationalen und internationalen Galerien, renommierten Künstlern, hoch angesehenen Kuratoren, Architekten, Designprofis sowie anspruchsvollen Sammlern an.

Die LA Art Show ist auch für ein robustes Programm an Sonderveranstaltungen am Wochenende bekannt; in den letzten Jahren reichten die themen von bildender kunst über mode bis hin zu film. Das diesjährige Programm beleuchtet wichtige Themen der zeitgenössischen Kunstwelt, einschließlich des Trendthemas, da es sich um originale, sammelbare digitale Dateien im Bereich der Bildenden Kunst handelt.

Mehr als 200.000 Quadratmeter Ausstellungsfläche sind den prominenten Galerien von heute gewidmet. Diese nationalen und internationalen Galerien kuratieren über ihre Stände hinaus Sonderausstellungen, die an der Spitze der aufkeimenden zeitgenössischen Kunstbewegung stehen. Die Messe bietet ein außergewöhnliches Spektrum an Arbeiten und Erlebnissen in spezialisierten Bereichen.

LA Art Show 2018
Die LA Art Show 2018 schafft eine der größten internationalen Kunstmessen in den Vereinigten Staaten und bietet Sponsoren, ihren ausgewählten Gästen und VIP-Kunden ein aufregendes, umfassendes Insider-Kunsterlebnis. Die Show zieht eine Elite aus nationalen und internationalen Galerien, renommierten Künstlern, hoch angesehenen Kuratoren, Architekten, Designprofis sowie anspruchsvollen Sammlern an.

Dieses innovative, außergewöhnliche kulturelle Umfeld zieht Führungskräfte und Vorstandsmitglieder südkalifornischer Unternehmen, Vertreter der Staats-, Bezirks- und Kommunalverwaltung sowie Führungskräfte der kulturellen Institutionen der Region an. Die Teilnehmer sind Trendsetter, Influencer und Alpha-Konsumenten, die in allen Bereichen ihres Lebens das Neueste und Beste suchen und fordern – Kunst, Design, Essen, Technologie und Reisen sind besondere Leidenschaften.

Für seine 23. Ausgabe setzt das Showcase seine Expansion in den globalen Kunstmarkt mit einer neuen Partnerschaft mit dem Museum of the Arts of Guadalajara sowie Ausstellern aus mehr als 18 Ländern fort. Zu den wiederkehrenden Ausstellern zählen die Schwergewichte Patrick Painter, Timothy Yarger, SM Fine Art und mehr. ROOTS, eine Sektion, die sich historischen Werken widmet, kehrt zum zweiten Mal in Folge mit Ausstellern wie MS Rau Antiques, Rehs Gallery und Maxwell Alexander zurück, um nur einige zu nennen. Littletopia kehrt mit den aufstrebenden Galerien der zeitgenössischen Lowbrow-Kunstszene zurück. DESIGN LA war ein Neuzugang in der Show und konzentrierte sich auf funktionale Kunst, moderne Möbel, Akzentdekor, architektonische Objekte, Schmuck und mehr.

Core – Core ist ein kuratierter Raum für Galerien, die auf der ganzen Welt als wegweisend in der zeitgenössischen Kunst anerkannt sind. Die hier präsentierten Galerien bilden, inspirieren und begeistern die eifrigen Sammler der Welt mit den gefragtesten Stimmen auf dem Markt.

Modern + Contemporary – Der größte Programmbereich der LA Art Show, Modern + Contemporary, zeigt das breite Spektrum zeitgenössischer Malerei, Illustration, Skulptur und mehr aus Galerien in Los Angeles, dem pazifischen Raum und Ländern auf der ganzen Welt.

Roots – ROOTS ehrt die Stimmen und Bewegungen, die zuvor entstanden sind, und ist ein spezieller Ausstellungsraum für Galerien, die historische Werke und zeitgenössische Künstler präsentieren, die diesen Traditionen folgen.

Design LA Art – Design LA Art dient als kuratierter Raum, um prominente internationale Designgalerien zu präsentieren. Design LA Art bietet einen Kunstmarkt für sammelbares zeitgenössisches Design und funktionale Kunst, der die besten Objekte aus Design, Kunst, Schmuck, Architektur und Einrichtung präsentiert, die neben den weltweit führenden modernen und zeitgenössischen Galerien von heute präsentiert werden.

Works On Paper – Works on Paper ist ein spezieller Ausstellungsraum für die Präsentation von Fotografien und anderen Werken, die nicht auf herkömmlicher Leinwand verarbeitet wurden.

Project Space – Die aus der ganzen Welt stammenden Aussteller im Project Space präsentieren eine breite Palette von Ideen und Talenten in Form von Einzelausstellungen, die von den teilnehmenden Galerien präsentiert werden.

JEWEL – JEWEL ist ein spezieller Raum für Aussteller, die sich auf Luxusartikel spezialisiert haben, darunter Schmuck und andere Accessoires, die die Welt der schönen Künste umgeben.

DIVERSEartLA – DIVERSEartLA nutzt die Position der Stadt am pazifischen Rand und ist ein spezieller Programmbereich, der sich der Förderung der kreativen Energie internationaler Sammler, Künstler, Kuratoren, Museen und gemeinnütziger Organisationen widmet, indem er sie direkt mit dem Publikum in Los Angeles verbindet. Vielfalt und Inklusion sind weiterhin unsere wichtigsten Mandate, während wir nachdenken und uns freuen. DIVERSEartLA nutzt die Position der Stadt am pazifischen Rand und ist ein spezieller Programmbereich mit über 35.000 Quadratfuß, der der Förderung der kreativen Energie internationaler Sammler, Künstler, Kuratoren, Museen und gemeinnütziger Organisationen gewidmet ist, indem sie direkt mit dem Publikum in Los Angeles verbunden werden.

Featured Exhibitions – Featured Exhibitions, die über die Grenzen der Standflächen hinausgehen, schaffen immersive Erlebnisse, um das Publikum durch zum Nachdenken anregende Kunstwerke, Performances und andere Ausstellungen der teilnehmenden Galerien zu begeistern und Werke hervorzuheben, über die in den kommenden Jahren gesprochen wurde.

Ausstellungen

Dansaekhwa IV: Innerer Rhythmus – Kim Tae-Ho
Die Entwicklung der jüngsten Arbeiten von Kim Tae-Ho fiel mit der Jahrtausendwende, um das Jahr 2000, zusammen. Diese Arbeiten, die sich größtenteils auf Pinselstriche und den Farbauftrag konzentrieren, scheinen sich von seinen früheren Arbeiten stark zu unterscheiden. Vor allem was die Veränderung des Erscheinungsbildes angeht, bilden dicke Farbschichten wuchtige Massen, die sich deutlich von seinen bisherigen zweidimensionalen Illusionsstücken unterscheiden. Gleichzeitig gibt es Unterschiede in der Körperlichkeit, die sich in einzigartiger Weise von den vollständigen Kompositionen seiner Papierarbeiten unterscheiden.

Hinsichtlich des Prozesses zieht er zunächst ineinander verwobene Linien. Er schafft einen festen Rhythmus und kratzt nach dem Aufbau von zwanzig Farbschichten die dichte Farbansammlung ab. Farbe, die sich darunter verbirgt, wird innerhalb der Struktur rhythmisch lebendig. Unzählige visuelle Räume werden innerhalb der überlappenden Rasterformation konstruiert; jede Zelle ist vergleichbar mit einem Bienenstock, der im Bereich der Malerei ihr eigenes Leben produziert.

Cristobal Valecillos // YARE: Noch ein Tanz
Yare, One More Dance ist eine zeitgenössische multidisziplinäre Darstellung von Los diablos de Yare – von der UNESCO zum immateriellen Kulturerbe der Menschheit erklärt. Um die Initiative Pacific Standard Time: LA/LA von Getty zu feiern, ruft der Künstler das jährliche Los Diablos de Yare-Festival auf, indem er eine Sammlung handgefertigter Masken kreiert. Valecillos hat eine Reihe atemberaubender Fotografien vor dem Hintergrund der ikonischen Wahrzeichen von Los Angeles geschaffen. Diese provokativen und überzeugenden Bilder beinhalten die Freuden und Herausforderungen des zeitgenössischen menschlichen Geistes.

Das Dogma, das unsere dunkelsten Zeiten ermöglicht, die Propaganda, die uns zur Komplizenschaft verführt, die Basura, die uns nährt, der Matasano, dem wir unsere größte Liebe anvertrauen, der Solo unsere technologische Zuflucht, „El Dulce“, Anführer der Bande, die unsere lächerlich macht Durst, die Asfixia, die wir Mutter Erde zufügen, und das Sangre, das wir so verantwortungslos ablegen.

Regiestuhl: Matthew Modine
Zum 30-jährigen Jubiläum von Stanley Kubricks Full Metal Jacket bietet Matthew Modines „Full Metal Diary“ ein unglaublich seltenes und lebendiges Porträt eines der ikonischsten Kriegsfilme des Kinos – von einem der rätselhaftesten Regisseure der Branche. Die Ausstellung ist eine Studie eines jungen Schauspielers in der Lehre einer Legende.

Eine Kombination aus selten gesehenen, am Set aufgenommenen Mittelformatfotos wird neben poetischen, intimen Auszügen aus dem persönlichen Tagebuch des Schauspielers gezeigt. Dieser Blick hinter den Vorhang offenbart einzigartige Einblicke in Kubricks Methodik sowie in den komplizierten Prozess eines Schauspielers, der sich mit seinem Handwerk abmüht. „Full Metal Diary“ ist ein außergewöhnliches Beispiel für Kunst, die das Leben imitiert.

Durch den Spiegel – Harmonia Rosales und Aldis Hodge
Through The Looking Glass wurde aus der Idee der introspektiven kulturellen Wahrnehmung geboren. Es hinterfragt die Auseinandersetzung des Betrachters mit Kulturen, die nicht als seine eigenen anerkannt sind, sowie die Bildungswege zu diesen Kulturen und schließlich die Verantwortung des Betrachters, diesen Untersuchungen nachzugehen. Im Geiste des sozialen Experimentierens geschaffen, zielt Through The Looking Glass darauf ab, dass sich das Publikum in ein internes Gespräch einlässt und sich selbst erlaubt, ihr Innerstes zu offenbaren.

Cartoon-Klappbildschirm LED-Fernseher: Lee Nam Lee
Ein traditioneller asiatischer Fünffachbildschirm wird in digitaler Form reproduziert, wo die Standbilder der klassischen Meisterwerke auf ihrer Reise durch die Zeit lebendig werden. Die Interaktion zwischen den Comicfiguren und den verschiedenen Bildikonen der Kunst, des Krieges und unserer Gesellschaft spricht von den vielen Gesichtern der modernen Zivilisation. Darüber hinaus wird durch die jahreszeitliche Veränderung der Landschaft in den klassischen Gemälden ein Gefühl der Heilung und Wiederherstellung geboten.

Pandemie
Pandemonia wurde von einem anonymen Londoner Künstler geschaffen und ist ein multimediales Konzeptkunstprojekt, das sich um eine weibliche Figur dreht, die aus Symbolen und Archetypen konstruiert ist. Ihr plastisches Äußeres nimmt die Form einer dreidimensionalen Zeichnung an, die auf halbem Weg zwischen dem Realen und dem Imaginierten liegt. Pandemonia bindet die Öffentlichkeit ein und verleitet die Besucher der Kunstausstellung dazu, mit ihr zu interagieren, mitzumachen und ihr eigenes einzigartiges Kunstwerk zu schaffen, das als Polaroid-Selfie festgehalten wird.

In ihrer besonderen Performance posiert und performt Pandemonia mit verschiedenen Objekten & Augenschmaus aus ihrer perfekt idealen, surrealen Welt. Die Objekte umfassen Trompe-l’oeil-Waren, Handtaschen, Haustiere, Staubsauger, Bügeleisen, Haushaltsgegenstände und persönliche Gegenstände wie Schmuck, Brillen – alle spiegeln ihr popfeministisches Vokabular wider. Sie trug ein Kostüm, das sich durch phänomenale Haarteile und Kleider aus Latex auszeichnete.

Ich bin keine Trophäe: Arno Elias
I’m Not A Trophy wurde 2016 gegründet und ist eine weltweite Initiative zur Sensibilisierung für die böswilligen Handlungen der Trophäenjagd und Wilderei gefährdeter Arten. Die vom französischen Künstler Arno Elias gegründete Kampagne nutzt starke Frauenfiguren wie das international gefeierte Supermodel und die Schauspielerin Cara Delevingne, um das Engagement des Programms zu repräsentieren, der Trophäenjagd mehr Aufmerksamkeit zu schenken und gleichzeitig Frauen zu befähigen, gegen sexistische Stereotypen zu kämpfen.

Verbinde die Punkte: Logan Maxwell Hagege
Der zeitgenössische amerikanische Künstler Logan Maxwell Hagege ist stolz darauf, in Zusammenarbeit mit der Maxwell Alexander Gallery Connect the Dots zu präsentieren. Eine Installation, die uns in unsere Kindheit zurückversetzt und uns alle zu Künstlern macht. Jeder Teilnehmer hat fünf Minuten Zeit, um die Punkte zu verbinden und ein originelles Kunstwerk zu enthüllen. Verbinden Sie die Punkte mit uns und nehmen Sie ein kostenloses Kunstwerk mit der modernen Vision der westlichen Landschaften von Hagege mit nach Hause.

Girasoles: Claudio Castillo
Claudio Castillos „Girasoles“ ist eine generative Uhr, die zu jeder vollen Stunde 24 einminütige Animationen abspielt und auch die Mond- und Gezeitenphasen in Echtzeit verfolgt. Die Bilder entwickeln sich endlos in einer zufälligen Abfolge, in der sich keine einzelne Komposition jemals präzise wiederholen kann, zumindest nicht über Jahrtausende.

Erinnerungsporträts rekonstruieren: Mike Saijo
Dieser Workshop untersucht die Auswirkungen aktueller und neuer kultureller und technologischer Veränderungen in den Medien auf die Gestaltung des Selbst. Mike Saijo macht von jedem Teilnehmer ein Foto, das er dann direkt auf einen vom Teilnehmer gewählten Zeitungsausschnitt druckt. Der Gast hat die Möglichkeit, das Portrait mit nach Hause zu nehmen. Der Stand zeigt großformatige Porträts von Influencern in aktuellen technologischen und kulturellen Veränderungen.

Die Infinity-Boxen: Matt Elson
Der Künstler Matt Elson präsentiert eine Reihe von Boxen, die es intimen Gruppen von Menschen ermöglichen, über kunstvoll konstruierte Unendlichkeitsspiegel im Inneren zu interagieren. Ästhetisch sind es Objekte, die den Betrachter mit der seltsamen Schönheit der Box aus der Ferne in ihren Bann ziehen und während der Interaktion immer weniger verständlich werden .

Typischerweise kommen zwei Leute heran, schauen von beiden Seiten hinein, stecken den Kopf in die Kiste und sind dann überrascht von der Welt, die sich im Inneren öffnet. Wirklich aktiv werden die Werke erst dann, wenn jemand aus der anderen Richtung in die Kiste schaut und eine soziale Verbindung in einer wahrnehmungsgeschaffenen anderen Welt herstellt.

Lieder und Gedichte II: Erika Harrsch
Nachdem er in einem Konzert die Metamorphose von Philip Glass gehört hatte, ließ sich Harrsch inspirieren und erhielt den Auftrag, die CD dieses großen Komponisten zu illustrieren. Harrshs Arbeiten, thematisch auf den Schmetterling ausgerichtet, teilen Inhalte, die auf Migration und den umgebenden Umständen basieren, die Identität, Nationalität und globale Mobilität definieren. Ausgehend von diesen Projekten hat sie die Komplexität der Migrationserfahrung weiter ausgearbeitet, um Einwanderungsreformen und die Rekontextualisierung der physischen Grenzen anzugehen.

Erika schafft Wandinstallationen mit ausgeschnittenen Schmetterlingen, die Bilder von internationaler Währung einbinden. Die kreisförmigen Muster und Wellen, die von Währungsschmetterlingen und -zeichnungen erzeugt werden, repräsentieren die Länder, aus denen die Menschen ziehen, und reflektieren, wie diese Massenströme die Wirtschaftsmärkte prägen.

SABRE: Live-Malerei
SABRE, auch bekannt als Ryan Weston Shook, ist ein amerikanischer bildender Künstler, der als Graffiti-Künstler entstanden ist. Von der Washington Post als einer der „besten und angesehensten Künstler seines Fachs“ bezeichnet, nimmt SABRE am Opening Night an der LA Art Show teil, um ein Originalwerk zu schaffen, das während der gesamten Show zu sehen war.

Im Alter von 21 Jahren zu Weltruhm aufgestiegen, schuf SABRE das weltweit größte Graffiti-Stück am Ufer des LA River, das von Satelliten im Weltraum sichtbar und dokumentiert wurde. Über Jahre hingebungsvoller und oft gefährlicher Malerei hat er dazu beigetragen, das öffentliche Bewusstsein für die wahre Kunstform des Graffitis zu schärfen. Seine Arbeit hat eine Generation von Künstlern und Grafikdesignern beeinflusst und ist zu einem einflussreichen Teil der modernen Unterhaltung, der sozialen Medien und der Kunst für soziale Reformen geworden. Er macht weiterhin seine lebendigen, faszinierenden und oft politischen Gemälde von seinem Zuhause in Los Angeles aus. Seine Kunst ist in Galerien und Privatsammlungen auf der ganzen Welt zu finden. In der Zwischenzeit führt er weiterhin öffentliche Diskussionen darüber an und erweitert die Grenzen dessen, worauf sich Kunst beschränken sollte (oder nicht).

Jung-Gi Kims Zeichenwelt
Jung-Gi Kim ist ein koreanischer Zeichen- und Comiczeichner. Es gibt nichts auf der Welt, was er nicht zeichnen kann. Alles, was er erlebt oder nie erlebt hat, kann er perfekt darstellen. Sein Lehrer ist die Natur selbst. Seine Arbeit kann nur durch die Naturgesetze erklärt werden. Die Sujets seiner Zeichnungen sind so unendlich wie das Universum, das aus dem Urknall entstanden ist.

Seine Arbeit ist realistisch – und selbst unrealistische Motive sehen sehr realistisch aus. Wir sind von seiner Erklärung wortlos überzeugt, seine Zeilen brechen sich ab. Dies kann als die perfekte „Zeichnung“ angesehen werden, die sich jeder vorstellen und träumen kann. Seine Welt ist seit seiner Jugend perfekt, und er beharrt darauf, sie zu erhalten, er erschafft immer mit seiner Hand und entwickelt sich ständig weiter.

LA: Ley-Linien
Künstler aus verschiedenen Gemeinden rund um Los Angeles wurden sorgfältig ausgewählt, um die sehr unterschiedliche Ästhetik der Gebiete zu präsentieren, die jeder einzelne Künstler verkörpert. Diese Künstler haben tiefe Wurzeln in der frühen Graffiti-Bewegung von Los Angeles und haben auch einen Hintergrund in kalifornischen Klassikern wie Skateboarding, Punkrock, Gangs, Tätowierung und verschiedenen anderen Disziplinen, die für die reiche künstlerische Kultur und Geschichte von LA von entscheidender Bedeutung sind.

Erleben Sie die Werke dieser Künstler, die aus den unaufhörlichen Strapazen der Straßen von Los Angeles hervorgegangen sind, elegant präsentiert, als wäre der Betrachter in einem klassischen Ambiente der Jahrhundertwende im Haus eines privaten Sammlers willkommen. Sie haben sich in der rauen Umgebung des Straßenbildes von LA etabliert und sind in den letzten Jahren in einige der renommiertesten Galerien und Museen der Welt umgezogen.

Programme

DIVERSEartLA
DIVERSEartLA hat es sich zum Ziel gesetzt, einige der wichtigsten lokalen und internationalen Kunstinstitutionen, Museen und gemeinnützigen Organisationen für einen gehobenen und durchdachten Dialog zusammenzubringen. DIVERSEartLA wurde erweitert, um die Kunstinstitutionen und Kunstsammler zu begrüßen und zu feiern, die LAs neueste und größte Iteration der Kunstgemeinschaft unterstützen und um eine starke Konversation über eine Vielzahl von Veranstaltungen und Programmen zu schaffen. Dies dient als Plattform und Ressource für Best Practices und Führung im Bereich Diversity, einschließlich ALLER Gemeinden in Los Angeles.

Die Gemeinden von Los Angeles spiegeln eine beeindruckende Vielfalt ethnischer Hintergründe wider, und die ikonische natürliche Umgebung ist ebenso vielfältig und weitläufig. Um diese einzigartige Artenvielfalt zu ehren, konzentrieren wir uns auf die Vertretung zeitgenössischer Künstler aus der ganzen Welt als Teil jeder Institution. Die Bedeutung des diesjährigen kuratorischen Schwerpunkts sollte weiterhin der Förderung und dem Lernen von Organisationen gewidmet sein, die Inklusion und Vielfalt unterstützen. DIVERSEartLA als wesentlicher Bestandteil, um Museen und Kulturinstitutionen zu Modellen für pluralistische Gemeinschaften zu machen. Es gibt nichts Wichtigeres als Inklusion in einem Moment, in dem die soziale Kultur durch Spaltung definiert ist.

Metaphysischer Orozco: José Clemente Orozco
Das Museum of the Arts der Universität von Guadalajara, Mexiko (MUSA) präsentiert Metaphysical Orozco, das zum ersten Mal in den Vereinigten Staaten gezeigt wird. Die Bilder, die durch ein mehrschichtiges Mapping projiziert werden, gehören zu den Wandgemälden, die der Künstler zwischen 1935 und 1937 im Auditorium Paraninfo im Inneren des Gebäudes, in dem sich das Museum der Künste befindet, angefertigt hat.

Die Installation bezieht die Öffentlichkeit in eine Erkundung der Denkfelder ein, die in Orozcos Wandgemälden zu finden sind, sowie der Geschichte und Themen, die sie inspiriert haben. Die Projektion der Meisterwerke wurde von einem musikalischen Soundtrack begleitet, der den Besuchern ein umfassendes Sinneserlebnis bot, das durch informatives Bildmaterial ergänzt wurde.

Besonderes (Schwellenwert): Leyla Cárdenas
Der kolumbianische Schriftsteller Manuel Hernández B. definiert die Hauptstadt seiner Nation, Bogotá, als eine permanente Schwelle, die das Versprechen eines Ortes verkündet, der niemals ankommt. Leyla Cárdenas‘ Especular liefert mit ihren fotografischen Drucken der neoklassizistischen Bahnhofsfassade von Bogota ein reales und doch geisterhaftes Bild dieser Erkenntnis. Diese diskontinuierlichen Platten werden auf die unterschiedlichen Spurweiten in Kolumbien zugeschnitten, die eine einheitliche nationale Verkehrsinfrastruktur unmöglich machten. Especular ist Teil einer Serie, in der die Künstlerin die architektonischen Überreste des Stadtgefüges dokumentiert.

Der Bahnhof wurde in den späten 1880er Jahren – gleichzeitig mit der Gründung der Republik Kolumbien – erbaut und ist ein einst hoffnungsvolles Symbol der Nation, die dann zu einer lange verlassenen modernen Ruine wurde. Cárdenas stellt die Fassade mit zwei bedruckten Scrims dar, die Rücken an Rücken von der Decke hängen, über sechs Meter hoch und in ähnlicher Entfernung über den Boden verlaufen. Cárdenas reflektiert diese Kunstwerke als Illustration von „Geschichte, die sich wiederholt: Teufelskreise und Anhäufung von Schwellen, die nirgendwo hinführen.“

Wenn du Schierling trinkst, werde ich es mit dir trinken oder einen schönen Tod; Spieler zu Spieler, Zuhälter zu Zuhälter.
Die immersive Umgebung von Daniel Joseph Martinez bezieht sich auf Jacques-Louis Davids wegweisendes Porträt The Death of Marat (1793), das kurz nach Marats Ermordung während der Französischen Revolution gemalt und auch reproduziert wurde. Während Davids Gemälde einen einzigen Moment darstellt, der sowohl desinfiziert als auch genau in seinen Details ist, schafft Martinez eine Inszenierung mit drei lebensechten Skulpturen, die dem eigenen Körper des Künstlers nachempfunden sind. Diese zeigen Marat in seinem Bad sowie die Attentäterin Charlotte Corday und Martinez selbst, die beide hinter Marat stehen (jeder mit einem blutigen Dolch in der Hand).

Martinez inszeniert die Ermordung von Marat als öffentliches Spektakel umgeben von Tribünen, wobei der Zuschauer aber auch in die Szene eintauchen kann, zweifellos mit Selfies. Auf diese Weise verbindet Martinez Davids Malerei mit unserer Gegenwart und verleiht der modernen Politik als Theater-, Sport- und Wirtschaftsform eine historische Dimension. Aber Martinez drängt noch weiter. Der Tod von Marat wurde schnell zum Symbol der Französischen Revolution, nicht weil er ein öffentliches Spektakel darstellte, sondern weil er ein politisches Bild verbreitete, das die Aufmerksamkeit auf das Private und Private lenkte. Als das passierte, war Politik als Spektakel nicht mehr vom öffentlichen Raum abhängig, sondern in unseren Köpfen.

Aporías Moviles: Nuna Mangiante
Aporías Moviles, eine Installation der argentinischen Künstlerin Nuna Mangiante, ist eine Multimedia-Installation mit Porträts mit verdunkelten Gesichtern, die mit verschiedenen Bau- und Baumaterialien ausgestellt sind. Er spricht von urbaner Transformation als einer aufstrebenden sozialen Realität in Lateinamerika. Mangiante arbeitet die Fotos der Objekte und der Stadtlandschaften aus, Mangiante unterzieht sie dem, was Mangiante ausdrücken möchte, Mangiante umschließt die Bedeutung mit geometrischen Formen, um die Rätsel von Mangiantes Werk zu entschlüsseln und in Zeichnungen umzuwandeln.

Durch die Isolierung von Objekten von ihrer Umgebung werden sie zu Symbolen ihrer selbst, und wenn Mangiante eine flache Graphitabdeckung auf sie aufbringt, tritt eine Verzerrung auf. Eine Verzerrung impliziert immer einen Vergleich zwischen dem, was ist und dem, was sein sollte. Die Verzerrung erzeugt die Kontroversen im resultierenden Bild.

Live-Wandbild: Mateo Romero
Die Arbeit des renommierten Pueblo/Cochiti-Künstlers Mateo Romero untersucht die Schnittstelle zwischen postmoderner Figuration, indianischer Bildsprache und kunsthistorischen Mythen sowie der Rolle der Selbstdarstellung in einer postkolonialen Kunstwelt. In einer Performance, die kulturellen Kommentar und eine dynamische Arbeitsmethode kombiniert, schaffen Romero eine lebendige, eindringliche Wandmalerei, die für die Sammlung des Autry Museum of the American West bestimmt ist.

Brainstorming: Empathie
Octopus Brainstorming:Synesthesia ist eine Performance-/Experience-Arbeit, die von Victoria Vesna in enger Zusammenarbeit mit dem Neurowissenschaftler Mark Cohen entwickelt wurde. Die Arbeit verwendet Echtzeit-EEG, Gehirnwellen, Video, Farbe, Ton. Sie erforschen die Möglichkeiten der Gehirn-zu-Gehirn-Kommunikation. Diese sind Teil des größeren Forschungsgebiets der physischen Assoziationen mentaler Prozesse wie Emotionen und Gefühle. Es hat sich seitdem weiterentwickelt, um die Idee der verkörperten Intelligenz in Form einer von den Teilnehmern getragenen Krakenkrone zu integrieren.

Synästhesie: Wie schmeckt die Farbe Blau?
Synästhesie ist ein ererbtes Merkmal, wie rotes Haar oder braune Augen, und kommt bei weniger als 3,75 Prozent der Weltbevölkerung vor. Es ist definiert als ein Kreuzfeuer eines der fünf Sinne, bei dem eine Sinneserfahrung zusätzliche Sinneserfahrungen in einem oder mehreren der anderen vier Sinne auslöst. Synästhesie ersetzt nicht einen sensorischen Modus durch einen anderen; es fügt den anfänglichen „normalen“ Wahrnehmungen Wahrnehmungen einer anderen Sinnesmodalität hinzu. Es gibt mindestens 60 Formen der Synästhesie.

Plantigrade, eine erlebnisorientierte Installation von Marcos Lutyens, bietet den Besuchern ein psychosynthetisches Terrain, über das sie barfuß gehen können, wobei sie den Empfindungen von Farbe und Textur, die durch ihre Füße kommen, besondere Aufmerksamkeit schenken. Dies ist eine Sensibilität, die vom surrealistischen Schriftsteller René Daumal entwickelt wurde und paroptisches Sehen genannt wird, und im weiteren Sinne para-taktile Wahrnehmung. Das Projekt wurde durch die Zusammenarbeit mit dem berühmten Autor und Neurologen Richard E. Cytowic erweitert.

Space Palette von Tim Thompson und Paul Sable ist ein von Tim Thompson erfundenes Musik- und Grafikinstrument, mit dem Sie gleichzeitig Musik machen und Bilder malen können, indem Sie Ihre Hände in den Löchern eines Holzrahmens bewegen. Es werden keine voraufgezeichneten Medien, Sequenzen oder Loops verwendet, alles wird in Echtzeit von Ihren Händen generiert.

„Links“ oder „Rechts“/Boxsäcke:Antuan Rodriguez
Left or Right ist ein von Marisa Caichiolo kuratiertes Heilungsprojekt. Die interaktive Installation zeigt verschiedene Weltführer und Tyrannen und ermöglicht es dem Zuschauer, durch das Stanzen der Säcke Wut, Hass und Ressentiments loszulassen. Diese Freisetzung von negativen Emotionen verwandelt diese Objekte in Werkzeuge der Entgiftung und mentalen Heilung.

Die aktuelle globale Politik hat ein Umfeld der Respektlosigkeit gegenüber der Menschheit und unserem Planeten geschaffen. Mangelnde Harmonie, sinnloser Krieg, Gewalt, Rassismus, Ignoranz, Verlust von Werten und Prinzipien, Bewusstseinsverlust, Super-Egos und Demagogie, Korruption, Missachtung von Frauen, falsche Versprechen und offene Lügen.

Augen nach vorn
Die ausgestellten Kunstwerke umfassen sowohl zwei- als auch dreidimensionale Arbeiten und reichen von figurativen Darstellungen bis hin zu stark abstrahierten Formen, von Acryl auf Leinwand Gemälden über Mixed-Media-Collagen und Tonskulpturen bis hin zu Assemblagen mit Fundstücken.

Ausgewählte Werke von zehn zeitgenössischen Farbkünstlern, die in Los Angeles leben und arbeiten: April Bey, Chukes, June Edmonds, Loren Holland, Duane Paul, Miles Regis, Ana Rodrigues, Nano Rubio, Holly Tempo und Tim Washington. Trotz ihrer unterschiedlichen Hintergründe, Interessen und Lebenserfahrungen teilen alle diese Künstler die Dringlichkeit, gehört zu werden, wenn sie sich mit zeitgenössischen Fragen von Rasse, Klasse und Geschlecht auseinandersetzen und gleichzeitig ihre Ernüchterung über das aktuelle politische und gesellschaftliche Establishment zum Ausdruck bringen.

TISCHTENNIS
Die Los Angeles Art Association ist stolz darauf, PING PONG zu präsentieren, eine multikulturelle Zusammenarbeit mit Künstlern aus Los Angeles, Miami und Basel. PING PONG ist ein unabhängiges Ausstellungsprojekt für zeitgenössische Kunst, das 2007 gegründet wurde, um den künstlerischen Austausch zwischen Basel, Miami und Los Angeles zu pflegen. Dies ermöglicht die Zusammenarbeit zwischen den Künstlern sowie die Realisierung ortsspezifischer Arbeiten am tatsächlichen Ort.

Das Projekt dokumentiert, erforscht und stimuliert die künstlerischen Bemühungen der Städte. PING PONG präsentieren die Künstler Chung-Ping Cheng, Sharon Hardy, Sue Irion, Gershon Kreimer, Samuelle Richardson, Mette Tommerup und mehr. Diese Iteration von PING PONG startet auf der LA Art Show und reist nach Basel während der Art Basel im Juni und später nach Miami während der Art Basel Miami Beach.

Verbindung ist die Lösung: Die Kunst von Dan Eldon
In einer Zeit immenser Trennung und Isolation kommt Künstlern eine entscheidende Rolle zu – sich zu verbinden. Dan Eldon war ein großartiger Konnektor. Künstler, Abenteurer, Journalist und Aktivist – Eldon nutzte seine bemerkenswerte Kreativität als Kraft des Guten, als Klebstoff, um eine unzusammenhängende Welt zu binden.

Durch die transzendente Natur von Eldons Arbeit mit dem Titel „Connection Is The Solution: The Art of Dan Eldon“ erforschen wir die Notwendigkeit, sich von einem der großen kreativen Aktivisten unserer Zeit zusammenzuschließen. Eldons Kunst hat unzählige inspiriert und befindet sich in vielen renommierten Privatsammlungen, darunter die von Diana Rockefeller, Bruce Weber, Madonna, Julia Roberts, Christiane Amanpour, Rodie O’Donnell und vielen anderen.

Aiseborn: Reinheit
Der Downtown Los Angeles Art Walk freut sich, Aiseborn: Purity zu präsentieren, ein immersives Wandgemälde, das teilweise von ArtsBrookfield gesponsert wurde und das in einer Live-Malerei-Performance des Künstlers während der Opening Night Premiere der LA Art Show fertiggestellt wurde. Das überdimensionale Stück ehrt die bemerkenswerte, belastbare, vielfältige und vielseitige Kultur der Stadt Los Angeles. Die aus Los Angeles stammende Künstlerin Aiseborn kombiniert figurative Elemente, kristalline Strukturen und Mandala-inspirierte Muster und erforscht mathematische Konstrukte, energetische Geheimnisse sowie das Potenzial für Reinigung und letztendlich Transformation.

Nomadenskulptur: Engel Ricardo Ricardo Rios
Das Projekt der Nomad Sculpture ist der Vorwand, auf der These vom Objekt als Gedankenmodellierung zu bestehen. Die Größe der Objekte wird als notwendige Verführung genutzt, um die Aufmerksamkeit des urbanen und beschäftigten Betrachters auf sich zu ziehen, um seine Aufmerksamkeit auf die ihn umgebende Kunst und Natur zu richten. Jedes Objekt ist ca. 8 m hoch, seine Aufblasbarkeit erleichtert den Transport – daher ist es möglich, den Standort zu wechseln und mit seiner Präsenz in verschiedenen öffentlichen Räumen zu spielen. Die Skulpturen werden für den Betrachter zu begehrten Objekten voller Leben und sexueller Formen.

Ungesund
Das Los Angeles Center of Photography ist stolz darauf, Unsound zu präsentieren, eine Multi-Künstler-Ausstellung mit Fotografen aus Los Angeles und dem ganzen Land. Unsound spricht für die Pracht und Zerbrechlichkeit unseres Planeten, unsere menschliche Psyche und die aktuelle Behandlung von Frauen und Minderheiten auf der ganzen Welt. Das Projekt umfasst die Arbeit mehrerer Künstler, von denen einige den Globus bereist haben und andere ihre Nachbarschaften erobert haben. Alle verwenden ihre Objektive, um die zarte Natur ihrer Umgebung und die zarte Natur der menschlichen Existenz darzustellen.

Veranstaltungsort
Die LA Art Show liegt strategisch günstig im dynamischen Epizentrum der Stadt. Das LA Convention Center ist Südkaliforniens technologisch fortschrittlichster grüner Veranstaltungsort mit hohen Decken und viel Platz. Mit bequemem Zugang zum weltberühmten LA LIVE!, den Grammy Awards, dem Grammy Museum und einem beeindruckenden Unterhaltungskomplex, der das Nokia Theatre, die Staples Center Arena, Top-Restaurants und das Ritz Carlton Hotel and Residences umfasst. Kunstmäzene fahren gerne nach Downtown LA, um das Beste in klassischer Musik (Disney Hall), Theater (Mark Taper und Ahmanson) und zeitgenössischer Kunst (MOCA, Art District) zu genießen.