Renoir. Aus den Sammlungen Musée d’Orsay und Orangerie, Bürgergalerie für moderne und zeitgenössische Kunst von Turin

Die Stadt Turin, die GAM – Civic Gallery of Modern and Contemporary Art des Turiner und Skira-Verlags präsentieren eine großartige Ausstellung, die dem großen französischen Künstler gewidmet ist, mit Meisterwerken aus den Sammlungen Musée d’Orsay und Musée de l’Orangerie in Paris.

Die vom Bürgermeister Piero Fassino dringend gewünschte Zusammenarbeit zwischen der Stadt Turin, dem Musée d’Orsay und dem Verlag Skira wird fortgesetzt und begann 2012 mit der großen Ausstellung Degas.

Die Bürgergalerie für moderne und zeitgenössische Kunst in Turin präsentiert eine außergewöhnliche neue Ausstellung, die Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) gewidmet ist, einem Künstler unter den Protagonisten, mit Manet, Monet, Degas, Pissarro, Sisley und Cézanne zwischen den siebziger Jahren des neunzehnten Jahrhundert und die ersten zwanzig Jahre des zwanzigsten Jahrhunderts, der großen Jahreszeit des französischen Impressionismus. Eine wichtige Vereinbarung zwischen der GAM – Bürgergalerie für moderne und zeitgenössische Kunst von Turin – Stiftung Turin Musei, Skira Verlag und dem Musée d’Orsay in Paris – mit Danilo Eccher, Direktor der GAM, Massimo Vitta Zelman, Präsident von Skira, und Guy Cogeval, Präsident des Musée d’Orsay und der Orangerie, ermöglichte die Definition eines wissenschaftlichen Projekts von großem Wert, das der piemontesischen Hauptstadt eine großartige Ausstellung bringt.

Das Musée d’Orsay und das Musée de l’Orangerie, die die vollständigste Sammlung in der Welt von Renoirs Werken bewahren, haben vereinbart, sich vier Monate lang sechzig Meisterwerke zu entziehen, um einer außergewöhnlichen Ausstellung Leben einzuhauchen, die die gesamten Aktivitäten dokumentiert von diesem großen Maler, der die bedeutendsten Momente und Wendepunkte erlebte, die den Künstler am Ende seiner Karriere von Anfang an zu einer fortschreitenden Abkehr vom Impressionismus führten.

Die Kuration der Ausstellung wird Sylvie Patry, Chefkonservatorin im Musée d’Orsay und großer Spezialist von Renoir, und Riccardo Passoni, stellvertretender Direktor des GAM von Turin, anvertraut. Skira produziert in enger Zusammenarbeit mit der Turiner Museumsstiftung die Ausstellung, kümmert sich um die organisatorischen und werblichen Aspekte und veröffentlicht ihren Katalog.

Die Ausstellung wird im ersten Stock des GAM in der Halle des Ausstellungsbereichs auf dem Weg zu den ständigen Sammlungen eingerichtet, die kürzlich nach vier neuen thematischen Routen neu geordnet wurden. Auch vom Standpunkt der Ausstellung aus wird die Ausstellung daher den Atem, die Leichtigkeit und die Angenehmheit einer großen internationalen Ausstellung haben. Eine Arbeit von GAM wird ebenfalls ausgestellt: das Porträt seines Sohnes Pierre (1885), das im Interesse von Lionello Venturi erworben wurde. Diese Ausstellung soll die komplexe Entwicklung von Renoirs künstlerischer Karriere abdecken – seit über fünfzig Jahren aktiv, um über fünftausend Gemälde und eine sehr große Anzahl von Zeichnungen und Aquarellen zu produzieren – und die große Vielfalt und Qualität seiner Maltechnik und der verschiedenen hervorheben behandelte Themen.

Im Laufe seines Lebens wird Renoir gemessen, indem er neben seinem Freund und Kollegen Monet im Freien mit dem Malen im Freien experimentiert und gleichzeitig die Arbeiten im Atelier abschließt. Er widmet sich auch der Porträtmalerei im Auftrag und ist von einem engen Kreis von Bewunderern und Gönnern umgeben. Denken Sie als Beweis für den bereits im Leben erzielten Erfolg nur an die Tatsache, dass für sein Gemälde Madame Charpentier und ihre Kinder (1907 vom Metropolitan Museum of Art in New York gekauft) der höchste Preis gezahlt wurde, den ein Gemälde in diesen Jahren gezahlt hatte . Er ist ein persönlicher Freund der Impressionisten – wie Monet, Cézanne, Pissarro, Berthe Morisot, Sisley und Caillebotte, mit denen er über Malerei spricht und Ausstellungen organisiert – und ermutigt andere große Künstler wie Matisse, Bonnard, Maurice Denis.

Pierre-Auguste Renoir
Pierre-Auguste Renoir, allgemein bekannt als Auguste Renoir (25. Februar 1841 – 3. Dezember 1919), war ein französischer Künstler, der ein führender Maler in der Entwicklung des impressionistischen Stils war. Als Zelebrator der Schönheit und insbesondere der weiblichen Sinnlichkeit wurde gesagt, dass „Renoir der letzte Vertreter einer Tradition ist, die direkt von Rubens nach Watteau führt.“

Er war der Vater des Schauspielers Pierre Renoir (1885–1952), des Filmemachers Jean Renoir (1894–1979) und des Keramikkünstlers Claude Renoir (1901–1969). Er war der Großvater des Filmemachers Claude Renoir (1913–1993), Sohn von Pierre.

Stil

Maler
Renoir war einer der überzeugendsten und spontansten Interpreten der impressionistischen Bewegung. Renoir ist ein überaus produktiver Künstler mit bis zu fünftausend Leinwänden und einer ebenso großen Anzahl von Zeichnungen und Aquarellen. Er hat sich auch durch seine Vielseitigkeit ausgezeichnet, so dass wir in seiner Bildproduktion zahlreiche Perioden unterscheiden können. Auf jeden Fall ist es Renoir selbst, der über seine Kunstmethode spricht:

«Ich arrangiere mein Motiv so, wie ich will, dann beginne ich es wie ein Kind zu malen. Ich möchte, dass das Rot laut ist und wie eine Glocke läutet, wenn ich keine anderen Rottöne und Farben hinzufügen kann, bis ich es bekomme. Es gibt keine andere Bosheit. Ich habe keine Regeln oder Methoden; Jeder kann untersuchen, was ich benutze oder wie ich male, und sie werden sehen, dass ich keine Geheimnisse habe. Ich schaue auf einen Akt und sehe unzählige kleine Farbtöne. Ich muss herausfinden, was das Fleisch auf der Leinwand vibrieren lässt. Heute wollen wir alles erklären. Aber wenn ein Gemälde erklärt werden könnte, wäre es keine Kunst mehr. Soll ich Ihnen sagen, was die beiden Qualitäten der Kunst für mich sind? Es muss unbeschreiblich und unnachahmlich sein … Das Kunstwerk muss dich packen, einhüllen, transportieren »
(Pierre-Auguste Renoir)

Wie aus diesem Zitat hervorgeht, bezog sich Renoir auf absolut anti-intellektuelle Weise auf die Malerei, und obwohl auch er akademische Konventionalismen nicht tolerierte, trug er niemals mit theoretischen Überlegungen oder abstrakten Aussagen zur Ursache des Impressionismus bei. Tatsächlich lehnt er jede Form des Intellektualismus ab und bekennt ein lebhaftes Vertrauen in die konkrete Erfahrung des Bildmachens, die im einzigen Ausdrucksmittel von Pinseln und Paletten beanstandet wird: „Arbeit als guter Arbeiter“, „Arbeiter der Malerei“, „Make of Good Painting“ sind in der Tat Sätze, die in seiner Korrespondenz häufig vorkommen. Diese entscheidende Bitte um Konkretheit wird von Renoir selbst in seinem Vorwort zur französischen Ausgabe des Buches Artby Cennino Cennini (1911) wiederholt. Wo er nicht nur praktische Ratschläge und Vorschläge für angehende Maler gibt, bekräftigt er, dass «es den Anschein haben mag, dass wir sehr weit von Cennino Cennini und von der Malerei entfernt sind, dies jedoch nicht, da das Malen ein Beruf wie Schreiner- und Eisenverarbeitung ist und ist unterliegen den gleichen Regeln ». Der Kritiker Octave Mirbeau weist sogar in dieser eigentümlichen Auffassung von Malerei auf die Ursachen von Renoirs Größe hin:

„Während die Theorien, Lehren, Ästhetiken, Metaphysiken und Physiologien der Kunst aufeinander folgten, entwickelte sich Renoirs Werk Jahr für Jahr, Monat für Monat, Tag für Tag mit der Einfachheit einer blühenden Blume, einer Frucht, die reift, die Renoir gelebt und gemalt hat Er hat seinen Job gemacht, und darin liegt sein ganzes Genie. Deshalb sind sein ganzes Leben und Werk eine Lektion in Glück. “
(Octave Mirbeau)

Bildhauer
Von 1913 bis 1918 schuf er in Zusammenarbeit mit Richard Guino, einem jungen Bildhauer katalanischer Herkunft, der ihm von Aristide Maillol und Ambroise Vollard vorgestellt wurde, eine Reihe bedeutender Stücke: Vénus Victrix, Le Jugement de Pâris, La Grande Laveuse, Le Forgeron.

Die Zuschreibung dieser kollaborativen Werke wurde sechzig Jahre nach ihrer Entstehung nach einem langen Prozess überarbeitet, der 1965 von Michel Guino, dem Sohn von Richard und Bildhauer selbst, eingeleitet wurde, der daran arbeitete, die Arbeit seines Vaters bekannt zu machen. Nach einer sorgfältigen Analyse der Stücke, der Prozesse, die ihrer Entstehung und der Anhörung zahlreicher Künstler vorstanden, wurde die Qualität des Mitautors 1971 von Richard Guino von der dritten Zivilkammer des Pariser Gerichts anerkannt und vom Gericht endgültig festgelegt Der Kunsthistoriker Paul Haesaerts schreibt ab 1947 in Renoir Sculpteur: „Guino war nie einfach ein Schauspieler, der einen Text las, oder ein Musiker, der eine Partitur mechanisch interpretierte. Guino war mit Leib und Seele in den kreativen Akt involviert. Wir können sogar mit Sicherheit sagen, dass, wenn es nicht dort gewesen wäre, Die Skulpturen von Renoir hätten nicht das Licht der Welt erblickt. Guino war wichtig „.

Der Prozess gegen Guinos Sohn wurde nicht „gegen“ Renoir geführt, eine Reduzierung, die in bestimmten Texten oder Zeitungsartikeln, die sich auf die „Affäre“ beziehen, zum Ausdruck gebracht wurde. Es ging darum, die außergewöhnliche Geschichte dieses kreativen Prozesses aufzudecken, um Guinos ursprünglichen Beitrag zu dem von Vollard zunächst verdeckten Skulpturwerk wiederherzustellen. Ein Bildhauer „Praktiker“ reproduziert oder vergrößert ein bereits vorhandenes Modell. Guino seinerseits setzt Techniken um: Wir bewegen uns von Renoirs Malerei zu Guinos Skulptur, der Geist der Malerei spiegelt sich im Geist der Skulptur wider. Bewährte Transmutation zwischen zwei Künstlern. Das Phänomen konnte dank ihrer Freundschaft und intensiven Sichtgemeinschaft erreicht werden. Der Maler mit seinen Stoffen und der Bildhauer, der den Ton von Collettes bearbeitet. VS ‚

Nachdem er seine Zusammenarbeit mit Guino unterbrochen hatte, arbeitete er mit dem aus Essoyes stammenden Bildhauer Louis Morel (1887-1975) zusammen. Zusammen machen sie die Terrakotta, zwei Tänzer und einen Flötenspieler.

Einflüsse
Aus den oben genannten Gründen wurde Renoir nie vom eifrigen Idealismus eines Monet oder eines Cézanne belebt, und im Gegenteil, er griff oft auf das Beispiel der alten Meister zurück. Im Vergleich zu seinen Kollegen fühlte sich Renoir „Erbe einer über Generationen angesammelten lebendigen Kraft“ (Benedetti) und war aus diesem Grund eher bereit, sich vom Erbe der Vergangenheit inspirieren zu lassen. Selbst in der High School betrachtete er das Museum immer wieder als den Ort, der für die Ausbildung eines Künstlers geeignet ist, und erkannte seine Fähigkeit an, „den Geschmack der Malerei zu lehren, den nur die Natur uns nicht geben kann“.

Renoirs Arbeit fungiert als Treffpunkt (oder Konflikt) zwischen sehr heterogenen künstlerischen Erfahrungen. Di Rubens war sehr angetan von der Kraft und dem Körper des Pinselstrichs und der meisterhaften Wiedergabe der ausdrucksstarken Hautfarbe, während die französischen Rokoko-Maler – vor allem Fragonard und Boucher – die Zartheit und den Duft des chromatischen Materials sehr schätzten. Eine entscheidende Rolle in Renoirs künstlerischer Reflexion spielen auch die Barbizon-Maler, von denen er den Geschmack für die Freiluft und die Gewohnheit entlehnt hat, die Entsprechungen zwischen Landschaften und Stimmungen zu bewerten. Der Einfluss von Jean-Auguste-Dominique Ingres war ebenfalls wichtig, ein authentisches „schwarzes Tier“ für Kollegen, die darin ein Symbol für die Sterilität akademischer Praktiken sahen: Im Gegenteil, Renoir war sehr fasziniert von seinem Stil, in dem er glaubte, den Takt des Lebens wahrzunehmen, und er zog ein fast fleischliches Vergnügen daran („Ich genoss heimlich den schönen Bauch der Quelle und Madame Rivières Hals und Arme“). Von Raffaello Sanzio, einem sehr wichtigen Einfluss, insbesondere in der späten Reife, werden wir im Abschnitt Der Aigre-Stil sprechen.

Im künstlerischen Universum von Renoir gehört also Gustave Courbet zu einem charakteristischen herausragenden Ort. Courbet, der von einer starken Entschlossenheit und einem kämpferischen Charisma belebt war, thematisierte nicht nur das, was bis dahin als bildlos unwürdig galt, sondern gelang es auch, Materiestücke auf die Leinwand zu übertragen. Es ist ein schweres, schweres Gemälde mit einer Kraft der ganzen Erde: Die Leinwände des Meisters der Ornans haben tatsächlich ihre eigene, kraftvolle Körperlichkeit und bestehen aus einem sehr rohen Bildmaterial, in dem die Farben reich an Dicke sind und werden oft mit Spatelstrichen aufgetragen, um „Konkretheitseffekte“ auf der Leinwand zu erzielen. Diese ausdrucksstarke Kraft deutete Renoir auf eine unbekannte Freiheit bei der Behandlung des Bildmaterials hin, die auch dann deutlich wird, wenn der Künstler

Der Maler der Lebensfreude
Renoirs Arbeit basiert auf der authentischsten Lebensfreude. Tatsächlich war Renoir in seinem Leben von einer echten Begeisterung für das Leben belebt, und er überraschte sich immer wieder vor den unendlichen Wundern der Schöpfung, genoss ihre Schönheit voll und ganz und spürte den krampfhaften Wunsch, mit einem auf die Leinwand zu übertragen süße und intensive emotionale Teilnahme, die Erinnerung an jede visuelle Wahrnehmung hatte ihn beeindruckt. Um zu unterstreichen, wie Renoir sich auf jeden Aspekt des Lebens bezog, sei es groß oder klein, schlug der Kritiker Piero Adorno den folgenden Syllogismus vor: «Alles, was existiert, lebt, alles, was lebt, ist schön, alles, was schön ist, verdient es, gemalt zu werden» ( alles, was existiert, verdient eine bildliche Darstellung.

Alle seine Bilder, von den ersten Arbeiten in Gleyres Atelier bis zu den neuesten Arbeiten von Cagnes, erfassen tatsächlich die süßesten und kurzlebigsten Aspekte des Lebens und machen sie mit fließenden und lebendigen Pinselstrichen und mit einer beruhigenden und freudigen chromatischen und leuchtenden Textur. „Ich mag diese Bilder, die mich dazu bringen, ins Haus zu gehen, um eine Tour zu machen“: Mit diesen Worten lädt der Maler die Betrachter seiner Bilder ausdrücklich ein, mit ihnen mit Spaß zu interagieren, ähnlich wie er es selbst erlebt hat. Das von „Spaß“ ist eines der Schlüsselkonzepte von Renoirs Poetik: Tatsächlich liebte er es, „Farben auf die Leinwand zu bringen, um Spaß zu haben“, bis zu dem Punkt, dass wahrscheinlich kein anderer Maler jemals eine so unveräußerliche Dringlichkeit empfunden hatte, zu malen, um auszudrücken die seine Gefühle («der Pinsel [… Beispielhaft war die Antwort, die er dem Meister Gleyre mit jugendlicher Aufrichtigkeit gab, der die Malerei als eine strenge formale Übung auffasste, die mit Ernsthaftigkeit und Verantwortung ausgeführt werden sollte und mit Sicherheit keine zufälligen Figuren losließ. Dem erstaunten Meister, der ihn zerriss, indem er ihn an die Gefahren des „Malens zum Spaß“ erinnerte, hätte er tatsächlich geantwortet: „Wenn ich nicht amüsiert bin, glauben Sie bitte, dass ich überhaupt nicht malen würde“.

Zusammenfassend zeigen sogar seine Bilder seine überfließende Fröhlichkeit und sein Willkommen in der Welt, das als reiner Ausdruck der Lebensfreude wahrgenommen wird. Dies ist auch einer konsequenten Reihe wichtiger Stilmittel zu verdanken: Vor allem vor dem Turn Aigre sind seine Bilder leicht und flauschig, von einem lebendigen und pulsierenden Licht durchdrungen und von den Farben mit freudiger Lebhaftigkeit überwältigt. Renoir zersplittert dann das Licht in kleine Farbflecken, von denen jeder mit einer großen Zartheit der Berührung auf der Leinwand abgelagert wird, so dass die gesamte Arbeit in den Augen des Betrachters zu vibrieren scheint und zu etwas Klarem und Greifbarem wird. auch dank der klugen Übereinstimmung zwischen Komplementärfarben (verteilt nach einer richtig impressionistischen Technik).

Dieses kreative Aufbrausen spricht viele Bildgenres an. Seine Arbeit bezieht sich in erster Linie auf den „Heldentum des modernen Lebens“, den Charles Baudelaire als Thema einer Kunst identifiziert hatte, die als authentisch bezeichnet werden kann: Aus diesem Grund verstehen Renoir – wie auch seine Kollegen – dies, um hervorragende Ergebnisse zu erzielen „Historienmalerei“ darf man nicht scheinheilig in die Geschichte der vergangenen Jahrhunderte flüchten, sondern sich der Gegenwart auf spontane, frische, aber energische Weise nach dem Vorbild des älteren Édouard Manet stellen. Hier ist der Kommentar von Maria Teresa Benedetti, der auch für ein leichteres Verständnis der Beziehung zwischen Renoir und der Lebensfreude von Bedeutung ist:

„In diesen Jahren [jene der impressionistischen Erfahrung, hrsg.] Sein Gefühl ist geprägt vom häuslichen Realismus seiner Generation, das Thema eines Gemäldes macht immer noch Spaß: romantische Themen, die Liebhaber bei einem Tanz oder im Garten vorschlagen, Genreszenen Wenn man angenehme Begegnungen im Moulin de la Galette in Bougival in Chatou illustriert, werden diese Werke zu beschreibenden, liebenswerten und beliebten Meisterwerken. In ihnen fällt das Gemälde der Liebe mit der Liebe zum Malen zusammen, und niemand wie Renoir kann ein so industrielles Paris singen Zivilisation ist im Begriff zu zerstören »
(Maria Teresa Benedetti)

Der Stil aigre
Nach der Reise nach Italien im Jahr 1881 kam es zu einem drastischen Stilwechsel. Renoir fühlte sich von der impressionistischen Entscheidung unterdrückt und beschloss in diesem Jahr, nach Bel Paese zu gehen, um die Kunst der Meister der Renaissance auf den Spuren eines Bildes sorgfältig zu studieren Topos von den verehrten Ingres entlehnt. Tatsächlich hatte der italienische Aufenthalt neben der weiteren Erweiterung seines figurativen Horizonts wichtige Konsequenzen für seine Art zu malen. Ihm fielen die Wandgemälde von Pompeji und vor allem die „für Einfachheit und Größe bewundernswerten“ Fresken von Raffaels Farnesina auf, in denen er jene ästhetische Perfektion entdeckte, die er mit der impressionistischen Erfahrung nicht hatte erreichen können. Mit melancholischer Begeisterung würde sie ihrer Freundin Marguerite Charpentier gestehen:

«Raphael, der jedoch nicht im Freien malte, hatte das Sonnenlicht studiert, weil seine Fresken voll davon sind. Andererseits sah ich durch den Blick nach draußen die großen Harmonien nicht mehr und machte mir zu viele Sorgen um die kleinen Details, die die Sonne trüben, anstatt sie zu verbessern »
(Pierre-Auguste Renoir)

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Wenn Raffaels Kunst Renoir wegen seiner ruhigen Größe, des diffusen Lichts und der plastisch definierten Volumen faszinierte, leitete er aus pompejanischen Gemälden einen Geschmack für jene Szenen ab, die die ideale Dimension gekonnt mit der realen mischen, wie es in den Fresken der heraldischen Unternehmen der Fall ist , mythologische, verliebte und dionysische und illusionistische Architektur, die den Domus der vesuvianischen Stadt verschönerte. Er sagt es selbst:

«Pompejanische Gemälde sind in jeder Hinsicht sehr interessant; Ich bleibe also in der Sonne, nicht so sehr, um Porträts in voller Sonne zu machen, sondern weil ich, wenn ich mich aufwärme und intensiv beobachte,, glaube ich, die Größe und Einfachheit der alten Maler erwerben werde »
(Pierre-Auguste Renoir)

Beim Anblick der Renaissance-Modelle erlebte Renoir ein starkes geistiges Unbehagen, er sah sich seiner Gewissheit beraubt, noch schlimmer, er entdeckte sich künstlerisch unwissend. Nach der Rezeption von Raffaels Fresken und pompejanischen Gemälden war er tatsächlich davon überzeugt, dass er die Bild- und Grafiktechnik nie wirklich besessen hatte und dass er inzwischen die Ressourcen der impressionistischen Technik erschöpft hatte, insbesondere in Bezug auf das Einfallen von Licht auf die Natur: „Ich hatte den äußersten Punkt des Impressionismus erreicht und musste feststellen, dass ich nicht mehr malen oder zeichnen konnte“, hätte er 1883 leider beobachtet.

Um diese Sackgasse zu lösen, löste sich Renoir vom Impressionismus und eröffnete seine „Aigre“ – oder „Ingresque“ -Phase. Durch die Versöhnung des raphaelesken Modells mit dem seit seiner Gründung bekannten und geliebten ingresianischen Modell beschließt Renoir, diese lebendige Instabilität der visuellen Wahrnehmung einer impressionistischen Matrix zu überwinden und zu einem solideren und prägnanteren Gemälde zu gelangen. Um insbesondere die Konstruktivität der Formen zu unterstreichen, erlangte er ein klares und präzises Design, einen „Geschmack, der auf die Volumen, die Festigkeit der Konturen, die Monumentalität der Bilder und eine fortschreitende Keuschheit der Farben achtet“ (StileArte ) im Zeichen einer weniger episodischen und systematischeren Synthese des Bildmaterials.

Er verlässt auch die Freiluft und kehrt zurück, um seine Kreationen im Theater zu erarbeiten, diesmal jedoch unterstützt von einem reichen figurativen Hintergrund. Für den gleichen Prozess in seiner Arbeit werden Landschaften immer sporadischer gesehen und es entwickelt sich ein Geschmack für menschliche Figuren, insbesondere weibliche Akte. Dies war eine echte ikonografische Konstante in ihrem Oeuvre – sowohl zu Beginn als auch während der impressionistischen Experimente vorhanden -, die sich jedoch während der Aigre-Phase mit größerer Kraft durchsetzte, im Zeichen eines absoluten Primats der Figur, die mit lebhaften Pinselstrichen und zart wiedergegeben wurde , in der Lage, die freudige Stimmung des Subjekts und die Opulenz seines Teints genau zu erfassen.

Kunstwerke
Renoirs Gemälde zeichnen sich durch ihr lebendiges Licht und ihre satten Farben aus, wobei sie sich meist auf Menschen in intimen und aufrichtigen Kompositionen konzentrieren. Der weibliche Akt war eines seiner Hauptthemen. 1876 ​​schrieb ein Rezensent in Le Figaro jedoch: „Versuchen Sie Monsieur Renoir zu erklären, dass der Torso einer Frau keine Masse aus zersetzendem Fleisch mit diesen purpurgrünen Flecken ist, die einen Zustand völliger Fäulnis in einer Leiche anzeigen.“ Doch im charakteristischen impressionistischen Stil Renoir schlug die Details einer Szene durch frei gebürstete Farbtupfer vor, so dass seine Figuren sanft miteinander und mit ihrer Umgebung verschmelzen.

Seine ersten Bilder zeigen den Einfluss des Kolorismus von Eugène Delacroix und die Leuchtkraft von Camille Corot. Er bewunderte auch den Realismus von Gustave Courbet und Édouard Manet, und seine frühen Arbeiten ähneln denen in seiner Verwendung von Schwarz als Farbe. Renoir bewunderte Edgar Degas ‚Bewegungssinn. Andere Maler, die Renoir sehr bewunderte, waren die Meister François Boucher und Jean-Honoré Fragonard aus dem 18. Jahrhundert.

Ein schönes Beispiel für Renoirs frühes Werk und ein Beweis für den Einfluss von Courbets Realismus ist Diana, 1867. Angeblich ein mythologisches Thema, ist das Gemälde ein naturalistisches Atelierwerk; Die Figur wurde sorgfältig beobachtet, solide modelliert und einer künstlichen Landschaft überlagert. Wenn es sich bei der Arbeit um ein „studentisches“ Stück handelt, ist Renoirs gesteigerte persönliche Reaktion auf weibliche Sinnlichkeit vorhanden. Das Modell war Lise Tréhot, die damalige Geliebte des Künstlers, und Inspiration für eine Reihe von Gemälden.

In den späten 1860er Jahren entdeckten er und sein Freund Claude Monet durch das Malen von Licht und Wasser im Freien (im Freien), dass die Farbe der Schatten nicht braun oder schwarz ist, sondern die reflektierte Farbe der sie umgebenden Objekte ein Effekt ist heute als diffuse Reflexion bekannt. Es gibt mehrere Gemäldepaare, in denen Renoir und Monet nebeneinander arbeiteten und dieselben Szenen darstellten (La Grenouillère, 1869).

Eines der bekanntesten impressionistischen Werke ist Renoirs Tanz von 1876 in Le Moulin de la Galette (Bal du Moulin de la Galette). Das Gemälde zeigt eine Open-Air-Szene voller Menschen in einem beliebten Tanzgarten am Butte Montmartre in der Nähe seines Wohnortes. Die Werke seiner frühen Reife waren typisch impressionistische Schnappschüsse des wirklichen Lebens, voller funkelnder Farben und Licht. Mitte der 1880er Jahre hatte er jedoch mit der Bewegung gebrochen, eine diszipliniertere formale Technik auf Porträts und Figurenbilder anzuwenden, insbesondere von Frauen. Es war eine Reise nach Italien im Jahr 1881, als er Werke von Raphael und anderen Renaissance-Meistern sah, die ihn davon überzeugten, dass er auf dem falschen Weg war, und für die nächsten Jahre in einem strengeren Stil malte, um zum Klassizismus zurückzukehren . Sich auf seine Zeichnung konzentrieren und die Umrisse der Figuren betonen,

Nach 1890 wechselte er erneut die Richtung. Um Umrisse aufzulösen, kehrte er wie in seiner früheren Arbeit zu dünn gebürsteter Farbe zurück. Von dieser Zeit an konzentrierte er sich auf monumentale Akte und häusliche Szenen, Beispiele dafür sind Girls at the Piano (1892) und Grandes Baigneuses (1887). Das letztere Gemälde ist das typischste und erfolgreichste von Renoirs späten, reichlich fleischlichen Akten.

Als produktiver Künstler schuf er mehrere tausend Gemälde. Die warme Sinnlichkeit von Renoirs Stil machte seine Gemälde zu einem der bekanntesten und am häufigsten reproduzierten Werke in der Kunstgeschichte. Die größte Sammlung seiner Werke – insgesamt 181 Gemälde – befindet sich in der Barnes Foundation in Philadelphia.

Die Ausstellung
Die Turiner Ausstellung ist in neun Abschnitte unterteilt. Das Zeitalter von La Bohème Nach seiner Zulassung an der Ecole des Beaux-Arts im Jahr 1862 lernte Renoir Alfred Sisley, Frédéric Bazille und Claude Monet kennen und besuchte sie, mit denen er hauptsächlich im Freien in Fontainebleau oder Grenouillère in der Umgebung von Paris malte. Einige seiner Porträts von Bekannten und Freunden stammen aus dieser Zeit: William Sisley (1864), Frédéric Bazille (1867), Claude Monet (1875), ausgestellt in diesem Abschnitt mit zwei Werken von Bazille selbst, seinem Atelier (1870) und einem Porträt von Renoir selbst (1867) und einer von Monet, einer Winterlandschaft von Honfleur (um 1867). Hier auch zwei von Renoirs ersten Akten, unter den Themen, die dem Künstler am liebsten sind, Der Junge mit der Katze (1868) und Femme demi-nue couchée: la rose (um 1872).

„Wir lieben die Frauen von Renoir“ (Proust)
Sie betreten das Herz der Ausstellung mit einer Galerie wundervoller Frauenporträts, in denen es wirklich schwierig ist, zwischen Madame Darras (um 1868), La liseuse (1874-1876), Junge Frau mit Schleier (um 1870) und Madame zu wählen Georges Charpentier (1876-1877), Femme au jabot blanc (1880), sitzende junge Frau (1909), bis zum Porträt der römischen Säule (1913). Renoir wählt seine Protagonisten aus allen sozialen Bereichen aus: Bourgeois, Arbeiter, Tänzer, alle in besonderer Anmut und einer unfühlbaren Schönheit, die an die weiblichen Vorbilder der Kunst des 18. Jahrhunderts erinnert. Man kann sagen, dass Renoir die Frau des neunzehnten Jahrhunderts so sehr erfunden hat, dass Proust schrieb: „Des femmes passent dans la rue, ce sont des Renoir“.

„Der Job des Landschaftsgestalters“ (Renoir)
Die Sammlung von Landschaftswerken von Renoir vom Musée d’Orsay ist wahrscheinlich die schönste der Welt. In diesem Abschnitt werden zehn davon vorgestellt, die eine umfangreiche chronologische Periode nachzeichnen, einschließlich der Reise des Künstlers nach Algier im Jahr 1881. In Bezug auf diesen nordafrikanischen Aufenthalt sind zu sehen: Bananenfeld, algerische Landschaft und Die Moschee, in der Renoir Sonne malt -geküsste Palmen, private Gärten und Gärten mit exotischem Geschmack.

Die anderen Gemälde stellen großartige Ansichten dar, in denen die große Anziehungskraft des Meisters auf Wasser, Grün und Gärten, eine kontinuierliche Inspirationsquelle, für das mehrjährige Wachstum der Pflanzen und die Definition ihrer intrinsischen „Unregelmäßigkeit“, die er als sakrosankt in Bezug auf die Natur betrachtete, wahrgenommen wird Vom Menschen gezähmt: Lastkähne an der Seine (1869), Die Birne von England (um 1870), Die Seine in Argenteuil (1873), Der Weg im hohen Gras (1876-1877), Die Seine in Champrosay (1876), Die Eisenbahnbrücke in Chatou (1881) bis nach Paesaggio a Cagnes (ca. 1915), gemalt vom berühmten Anwesen „Les Collettes“ an der französischen Riviera, wo Renoir am Ende seines Lebens Zuflucht suchte, um ein mildes Klima zu finden, das ihn heilen würde von der schweren rheumatoiden Pathologie, die ihn befiel. „“

Kindheit
Kinder, oft die Kinder seiner Kinder oder Freunde, sind in Renoirs Arbeit sehr präsent. Diese neun ausgestellten Werke konkurrieren mit weiblichen Porträts, indem sie uns Schnappschüsse kindlicher Gesichter voller Poesie geben: vom schönen Pastell auf Papier Porträt eines sitzenden brünetten Mädchens mit gekreuzten Händen (1879) bis zum Gemälde Fernand Halphen Kind (1880) in ein ernstes Porträt als Seemann verkleidet, von der entzückenden Julie Manet (1887) bis zu einer zarten Mutterschaft (1885), vom Porträt des Sohnes Pierre (1885), wie es aus der GAM-Sammlung gesagt wurde, bis zu einem anderen zarten Pastellportrait de petite fille coiffée d ‚une charlotte (um 1900) im berühmten Il Clown (Porträt von Coco) (1909), von dem Claude selbst, der porträtierte Sohn, sich an die gequälte Entstehung erinnern wird,

Die „glückliche Suche nach der modernen Seite“ (Zola)
Hier finden wir fünf Werke, die einem Querschnitt der modernen Gesellschaft und der neuen Unterhaltung der Pariser gewidmet sind, vom Tanzen bis zu Ausflügen auf dem Land: La balançoire (1876) oder die Schaukel, wo die prächtigen Figuren der Frau, der Gärtnerin und Das kleine Mädchen neben der Schaukel sticht in einem bunten Garten hervor. Die durch kleine Flecken verbreiteten Farbtupfer bewirken, dass das Sonnenlicht durch die Blätter gefiltert wird, wodurch eine Atmosphäre chromatischer und leuchtender Schwingungen entsteht, die es zu einem der maximalen Ausdrucksformen impressionistischer Malerei im Freien macht. Von diesem Meisterwerk wurde der große Schriftsteller Emile Zola, der Renoir im Wohnzimmer von Madame Charpentier, der Frau seines Verlegers, traf, von einem Stück des Romans Eine Seite der Liebe inspiriert, das in einem Frühlingsgarten spielt. Ein weiteres bezauberndes Frauenporträt ist Alphonsine Fournaise (1879), während der berühmte Ballo in Campagna und Ballo in Città (1883) zwei Paare in unbeschwerten Momenten ihrer Freizeit bewundernswert darstellen. Le Jeunes füllt das Klavier
Das berühmte Jeunes filles au piano (1892) war das erste Gemälde von Renoir, das in die Sammlungen eines französischen Museums aufgenommen wurde. Daneben befindet sich eine weitere prächtige Leinwand: Yvonne und Christine Lerolle am Klavier (um 1897-1898) und zwei musikbezogene Themen: das berühmte Porträt von Richard Wagner, das in Palermo während eines denkwürdigen Treffens zwischen Renoir und dem deutschen Komponisten dargestellt wurde; und das von Théodore de Banville (beide von 1882).

„Schön wie eine Reihe von Blumen“ (Renoir)
Kleiner Teil außergewöhnlicher Werke: Renoirs Blumensträuße sind meisterhaft in Technik und Farben, es ist eines der Themen, mit denen der Künstler am meisten experimentiert. „Wenn ich Blumen male – erklärte er – erlebe ich mutig Schattierungen und Werte, ohne mir Sorgen machen zu müssen, die gesamte Leinwand zu ruinieren. Ich würde es nicht wagen, dasselbe mit einer Figur zu tun. „Die Vielfalt der Farbtöne ist wirklich beeindruckend: Renoir spielt mit der Palette, mit sanften und zarten Strichen, die an die Düfte der Blumen erinnern, die sich wiederum auf Empfindungen und Erinnerungen beziehen.

„Eine wesentliche Form von dell’arte“ (Renoir)
Es ist ein Hauptteil der Ausstellung mit grundlegenden Werken in Renoirs Karriere, die immer ein tiefes Interesse an der italienischen Renaissancekunst gezeigt hatten und die Werke von Raphael, Tizian und Rubens ’nordischem Barock bewunderten, aus denen er das Weiche und Träge aufnimmt Formen und ein vollständiger Chromatismus, die Teil seines Stilcodes in Bezug auf die Art und Weise der Behandlung der weiblichen Figur sind. „Ich schaue auf einen Akt und sehe unzählige kleine Farbtöne. Ich muss herausfinden, was das Fleisch auf der Leinwand lebendig und vibrierend macht „- sagte der Maler. Zu sehen sind fünf spektakuläre Gemälde, die alle in der letzten Phase seines Lebens zwischen 1906 und 1917 gemalt wurden: Femme nue couchée (Gabrielle) (1906), Grand nu (1907), La Toilette (Frau kämmt sich die Haare) (1907-1908), Nackte Frau von hinten gesehen (1909), Odalisque ruhend (1915-1917). Und eine imposante Bronzeskulptur,

Das Erbe der Badenden Der „Abschluss“ der Ausstellung ist gewidmet
zu Renoirs letztem grundlegenden Meisterwerk, The Bathers (1918-1919). Das Gemälde ist ein Symbol für die Forschung, die der Künstler am Ende seines Lebens durchgeführt hat. Hier feiert er eine zeitlose Natur, von der jeder Hinweis auf die Gegenwart verboten ist. Badegäste sind als Renoirs bildliches Testament anzusehen. In diesem Sinne spendeten seine drei Kinder das Gemälde 1923 dem französischen Staat. Die beiden im Vordergrund liegenden Modelle und die drei Badegäste vor dem Hintergrund der Komposition im großen Olivenbaumgarten in „Les Collettes“. das Anwesen des Malers in Cagnes-sur-Mer in Südfrankreich. Die mediterrane Landschaft greift auf die klassische italienische und griechische Tradition zurück, als „die Erde das Paradies der Götter war“. „Hier ist was ich malen möchte“ sagte Renoir. Diese idyllische Vision wird durch die Sinnlichkeit der Modelle, den Reichtum der Farben und die Fülle der Formen unterstrichen. Diese Figuren verdanken auch viel den Akten von Tizian und Rubens, die Renoir sehr bewunderte. Sie vermitteln eine Freude am Malen, die die Krankheit und das Leiden des Malers am Ende seines Lebens nicht besiegt haben.

Zu sehen sind auch die Arbeitswerkzeuge des Künstlers: Palette, Farbkasten, Pinsel, untrennbare Werkzeuge des großen Meisters. Bis zuletzt hatte er an seinen Badenden gearbeitet und seine Bürsten an die Finger gebunden, die jetzt durch rheumatoide Arthritis deformiert waren. Renoir starb am 3. Dezember 1919 an einer Lungenentzündung. Am Abend vor seinem Tod spricht er folgende Worte aus: „Vielleicht fange ich jetzt an, etwas zu verstehen.“ Nach weniger als zwei Monaten stirbt auch Modigliani, den Renoir oft in seinem Atelier erhielt. Die Welt der Kunst verliert damit zwei außergewöhnliche Interpreten.

Begleitet wird die Ausstellung von einer von Skira veröffentlichten Publikation, die neben den Reproduktionen der ausgestellten Werke mehrere kritische Beiträge präsentiert. Sylvie Patry untersucht insbesondere, wie französische Museumsinstitutionen Renoirs Werke im Laufe der Zeit angenommen und erworben haben. Riccardo Passonis Beitrag widmet sich stattdessen der Anwesenheit von Renoir auf der Biennale von Venedig 1910, auf der 37 seiner Werke ausgestellt wurden, und dem Einfluss, den diese Teilnahme auf einige große italienische Künstler wie Boccioni, Carrà, Soffici, Morandi und De hatte Chirico, der um 1930 stilistisch mit der Poesie des großen französischen Meisters verbunden war.

Ein anderer Text, herausgegeben von Augustin De Butler, soll stattdessen das Interesse des Künstlers an italienischer Kunst während seiner Reise in unser Land nachzeichnen, insbesondere in Bezug auf seinen Aufenthalt in Venedig im Jahr 1881. Darstellung von Schönheit, überraschend mit Licht und Farbe, Darstellung des Lebens Renoirs Bildphilosophie aus seiner Zeit mit einem zarten Realismus sind Schlüsselelemente der Bildphilosophie, die sie immer noch zu einem der beliebtesten Maler der Öffentlichkeit macht. Die Turiner Ausstellung soll eine Hommage an seine Kunst und eine unwiederholbare Gelegenheit sein, seine künstlerische und menschliche Geschichte nachzuvollziehen, und ermöglicht es Ihnen, außergewöhnliche Werke zu bewundern, von denen die meisten noch nie in Italien ausgestellt wurden.

Bürgergalerie für moderne und zeitgenössische Kunst in Turin
Die Bürgergalerie für moderne und zeitgenössische Kunst in Turin befindet sich in der Via Magenta 31 in Turin, Italien. Es wurde zwischen 1891 und 95 gegründet. Es beherbergt die ständigen Kunstsammlungen des 19. und 20. Jahrhunderts. Es ist Teil der Stiftung Torino Musei, zu der auch das MAO (Orientalisches Kunstmuseum), der Palazzo Madama und das Casaforte degli Acaja (Bürgermuseum für antike Kunst), das mittelalterliche Dorf und die Festung gehören.

GAM – die Bürgergalerie für moderne und zeitgenössische Kunst – ist Italiens ältestes Museum für moderne Kunst. Seit der Eröffnung im Jahr 1863 wurden im Laufe der Zeit zahlreiche Meisterwerke in seine Sammlungen aufgenommen. Gegenwärtig umfassen die Sammlungen von GAM über 47.000 Werke, von Gemälden und Skulpturen über Installationen und Fotokunst bis hin zu einer reichen Sammlung von Zeichnungen und Stichen und einer der größten Film- und Videosammlungen von Künstlern in Europa.

Aufgrund dieses Erbes setzt GAM sein ursprüngliches Engagement für die zeitgenössische Forschung fort, indem es seine historischen Werke ständig mit der heutigen kulturellen Debatte verknüpft und sicherstellt, dass das Ausstellungsprogramm eng mit den Sammlungen korreliert. Werke aus den Sammlungen werden in thematischen Gruppierungen ausgestellt, die sich im Laufe der Zeit ändern. So wird sichergestellt, dass die Besucher die Sammlungen immer aus einem neuen Blickwinkel betrachten und die Meisterwerke der Galerie neu analysieren können.

Werke der führenden italienischen Künstler des 19. Jahrhunderts wie Fontanesi, Fattori, Pellizza da Volpedo und Medardo Rosso sowie der Meister des 20. Jahrhunderts, darunter Morandi, Casorati, Martini und De Pisis, haben ihre Fähigkeit wiedererlangt, mit der Gegenwart zu sprechen. und all ihre Komplexität auf Augenhöhe mit Werken der historischen internationalen Avantgarde zu zeigen, von denen auch herausragende Beispiele in der Sammlung enthalten sind: von Max Ernst über Paul Klee und Picabia bis hin zu Werken der neuen Avantgarde der Nachkriegszeit -garde-Bewegungen mit einer der größten Sammlungen von Arte Povera – darunter Werke von Paolini, Boetti, Anselmo, Zorio, Penone und Pistoletto – aber auch das aktuelle künstlerische Schaffen, dem GAM umfangreiche Ausstellungsflächen widmet.

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