Das Renaissance-Theater ist die Vereinigung von dramaturgischen Gattungen und verschiedenen Formen des Theaters, die im späten Mittelalter und zu Beginn der Moderne in Europa geschrieben und praktiziert wurden.

In dieser Zeit gibt es ein Phänomen der Wiedergeburt des Theaters, das durch die lange mittelalterliche Theatertradition vorbereitet wurde, die sich in den Höfen, Plätzen und Universitäten in vielerlei Form manifestierte, von der heiligen Darstellung bis zu den kultivierten Komödien aus dem 15. Jahrhundert.

Das spätmittelalterliche Theater
Die Renaissance sah den Wunsch von Herrschern, subversive populäre Unterhaltung besser zu kontrollieren, einschließlich die Socken, die regelmäßige Mitglieder königliche Familie und Kirche lächerlich machten, manchmal mit einem besonders parteiischen politischen Inhalt. Es ist jedoch die Kirche, verbrüht durch die Reformation, die das erste vollständige Verbot verkünden wird: es ist das der Mysterien, im Jahre 1548. Im selben Jahr wird die erste „regelmäßige Komödie“, in Anlehnung an die Antike, vor dem König präsentiert Heinrich II. In Lyon: Es handelt sich um La Calandria, dem der König und die Königin triumphieren, sowie an seinen Anstifter Maurice Scève, der die Vorliebe der Macht für die von der Antike geerbten „edlen“ Gattungen zeigt, und besonders ohne einen zeitgenössischen sozialen Referenten. Mehrere königliche Darstellungen werden die Tragödie anschließend als höfische Unterhaltung installieren, wobei sie die königliche Familie selbst ausrichten. Die Komödie wird die gleiche Ehre nicht kennen, und nach einigen königlichen Darstellungen, manchmal herrlich und manchmal verhängnisvoll von den Shows von Etienne Jodelle im Besonderen, wurden alle Arten von Komödien durch das Edikt des Parlaments von Paris von 1588 bis 1594 verboten, um das Schicksal zu besiegeln des mittelalterlichen und populären Theaters. Diese Periode belebte jedoch die Kunst des Pantomime-Comics, sie unterliegt nicht dem neuen Gesetz, und die Farce bestand weiterhin in mehr oder weniger heimlichen Formen.

Die Dramaturgie
Im Jahr 1549 ermutigte Joachim du Bellay die Schriftsteller, das alte Modell wiederherzustellen. War der Text des mittelalterlichen Theaters das Produkt eines Auftrags eines Veranstalters an einen anonymen Autor (zum Beispiel für die Mysterien), so ist das literarische Verhältnis umgekehrt: Was wird zur Primzahl, das Werk, die dramaturgische Schrift, sondern auch die Dramatiker, die nicht mehr anonym sind und sich als Schriftsteller behaupten, schwenken gelegentlich ihr Porträt an der Spitze des Buches, eine Gewohnheit, die bei den Dichtern der Plejaden häufig vorkommt.

Dieses neue Theater erneuert die Themen, es öffnet sich zu neuen Horizonten, die manchmal vom mittelalterlichen Theater vernachlässigt werden, wo das Geheimnis nur den Gläubigen dazu auffordert, die Sünde aufzugeben und ein philosophisches Universum wieder einzuführen.

Zu dieser Zeit sind drei Bücher von Gelehrten bekannt, die Poetische Kunst von Horaz im Jahre 1541 übersetzt, die Kunst der Grammatik von Diomedes und der Vertrag von der Tragödie und Komödie von Donat. Die Prinzipien von Horaz werden allgemein angewandt: Stücke von 1500 bis 2000 Versen, hauptsächlich in Strophen, aufgeteilt in fünf Akten mit den tragischen Interventionen von Chören, die lyrische Brüche mit mehreren Variationen markieren. Griechische Dramatiker wie Sophokles und Euripides werden übersetzt, aber es ist besonders Seneca, dessen Stil und Rhetorik bewundert werden, die von den ersten Tragikern nachgeahmt werden. Für die Komödie wird vor Plautus vor allem Terenz als Vorbild dienen.

Tragödie
Es ist die Tragödie, die den wesentlichen Teil dieses Theaters ausmacht, dessen Ästhetik als und als Produktion konstituiert wird, Tragödie, die das Elend der Großen und ihre Umkehr des Schicksals zeigt.

Die Handlung ist winzig, es ist ein Theater des Wortes, wo der Charakter wenig handelt, klagt, er ist das leidende Opfer und beklagt passiv die Katastrophe, daher die Wichtigkeit des rhetorischen Wertes in den Reden und Tiraden, die der Klage und der Klage gewidmet sind. Die Themen werden aus der Bibel durch große Figuren wie Moses, Abraham, Esther, aber auch die griechischen Mythen gezogen: Wir sehen biblische Tragödie emporheben, wo Schriftsteller in Zeiten der Not den verfolgten Calvinisten schreiben und sich auf die historischer Zustand ihrer Zeit. Geschichte (im Wesentlichen die Geschichte Roms und am Ende des Jahrhunderts, vor allem die nähere, moderne Geschichte) und fiktionale Fiktion, Tragödien von Liebe und Rache. Theodore Beza mit Abrahams Opferung schreibt die erste französische Tragödie, die keine Adaption und Übersetzung eines antiken Werkes ist und Stephen Jodelle mit Kleopatra als Gefangener schreibt die erste wirkliche französische Tragödie an die Antike, die einen starken Einfluss auf die spätere Entwicklung der Genre, indem Sie eine Dramaturgie aufstellen, die noch lange anhält. Robert Garnier ist einer der berühmtesten Vertreter seiner Art: Er war der am meisten gespielte, seine Werke wurden viele Male nachgedruckt und genossen große Erfolge in Buchhandlungen. Wir können auch Antoine de Montchrestien erwähnen, dessen tragische Auffassung ihm sehr nahe steht und die seine Themen auf die moralische und religiöse Erbauung richtet, deren Träger der Chor ist.

Renaissance Theater in Italien
Die Renaissance war das goldene Zeitalter der italienischen Komödie, auch dank der Genesung und Übersetzung in den verschiedenen vulgären Sprachen, durch die Humanisten von zahlreichen klassischen griechischen und lateinischen Texten (beide Theatertexte wie die Komödien von Plautus und Terence und die Tragödien von Seneca jene theoretischen Arbeiten wie die Poetik des Aristoteles, 1498 erstmals von dem Humanisten Giorgio Valla in Latein übersetzt.

Die entwickelten und vorgeschlagenen Gattungen waren die Komödie, die Tragödie, das Hirtendrama und erst später das Melodrama, das das europäische Jahrhunderttheater maßgeblich beeinflusste. Aber es ging auch in der mittelalterlichen Tradition der Heiligen Darstellung weiter, die viele Exponenten sogar während der Renaissance hatte.

Die Komödie
Einer der repräsentativsten Dramatiker des Renaissance-Theaters war Niccolò Machiavelli; Die florentinische Sekretärin hatte eine der wichtigsten Komödien dieser Zeit geschrieben, La mandragola (1518), die sich durch eine expressive Ladung und einen erfinderischen Saft auszeichnete, die später kaum mehr zusammenpassten und von satirischen Bezügen zur täglichen Realität der Charaktere inspiriert waren und nicht mehr unbedingt miteinander verbunden waren zu den Arten der klassischen Tradition.

Florenz
Unter den frühesten Dramatikern waren viele Florentiner, beginnend mit Agnolo Poliziano mit L’Orfeo (1480), einer pastoral-mythologischen Komödie. Aber im folgenden Jahrhundert etablierte sich als echte Profis der Komödie Anton Francesco Grazzini, sagte der Roach, Giovan Battista Cini, Giambattista Gelli, Giovanni Maria Cecchi, Benedetto Varchi und Raffaello Borghini und der junge Lorenzino de ‚Medici, der eine Komödie L‘ Aridosia schrieb (1536) vor der Ermordung durch die Attentäter des Großfürsten Cosimo als Tyrannicide für den Mord an seinem Cousin Herzog Alexander.

Das Rom der Päpste
Im Rom Leos X wird Pietro Aretino mit seinen Pasquinaden, aber auch mit Komödien wie La Cortigiana (1525) wüten, in denen er viele sprachliche und szenische Konventionen verletzen wird.
In Rom wurde das Theater wiederentdeckt und zum ersten Mal von den Päpsten unterstützt, die die Möglichkeit verstanden, es für politische Zwecke zu nutzen. Das Renaissancetheater in Rom hatte keine Vertreter wie die anderen italienischen Höfe, mit Ausnahme von Francesco Belo, der Il pedante (1529) schrieb, und des erwähnten Annibal Caro (ursprünglich aus Civitanova Marche, aber immer in Rom im Dienst der Familie Farnese) ).

Neugierde. Unter den wenigen Stücken, die das Rom der Päpste, nämlich das Rom des Jubiläums von 1525, darstellen, ist die bedeutendste kroatische und slawisch-theatralische Renaissancekomödie überhaupt zu erwähnen: „Dundo Maroje“ ( Padron oder Onkel Maro), geschrieben 1550 vom Raguseo Marin Držić, auch bekannt als Marino Darsa (1508-1567).

Farsa cavaiola
Die Farce cavaiola war ein glücklicher Dialekt literarisches Genre, ein Mitglied der „letzten großen Saison des Comic-Theaters […] des 16. Jahrhunderts, die in und um Neapel blühte“, vor allem mit dem Namen Vincenzo Braca verbunden. Die Gattung mußte eine bemerkenswerte Blüte zwischen dem Ende des fünfzehnten und sechzehnten Jahrhunderts wissen, aber von dieser auffälligen Produktion, über eine Zeitspanne von eineinhalb Jahrhunderten, hat es sehr wenig überlebt.

Das Geschlecht konzentriert sich auf die artifizielle Farce von Cavaiuolo, oder einen unwissenden und törichten Bauern Cava (dh einen Einwohner der Stadt Cava), der von den Bürgern von Salerno in der Rohheit seines Dialekts und in seinen groben Zügen und Karikaturen vorgestellt wurde: Beispiele sind die „Farza de lo Mastro de scola“ und die „Farza de la Maestra“ von Vincenzo Braca, in der der Charakter der Kavallerie zum Urbild des typischen „dummen Volkes“ wird.

Unter der erhaltenen Farce sind die einzigen, die Vincenzo Braca vorausgehen, die „Cartello di sfida cavajola“ und die „Ricevuta dell ‚Imperatore“, die aus dem Anfang des 16. Jahrhunderts stammen, beide von Autoren, die anonym blieben. Der Empfang des Kaisers (anonym, aber für einige der Braca zugeschrieben) ist die älteste der weiten Höhlen, bezieht sich burlescal auf den Empfang in Cava von Karl V., der im Jahr 1535 von Tunis zurückkehrte.

Die einzige professionelle Theaterausgabe des Farse Cavajole in der heutigen Zeit stammt vom Studienzentrum für das Theater des Mittelalters und der Renaissance unter der Leitung von Federico Doglio, das 1986 im Teatro Valle di Roma unter der Leitung von Giuseppe Rocca aufgeführt wurde .

Der Farce Caveman im literarischen Kontext der Renaissance
Die „Farce cavaiola“ war einer der „Hauptmomente der Geschichte der Farce in der Renaissance Italiens“, neben anderen literarischen Ereignissen wie dem Sieneser Strascino, einem Jahrhundert Niccolò Campani (vor der Kongregation von Rozzi), dem Venezianische Komödie der Buffoons Zuan Polo und Domenico Tajacalze, und der Mariazzi Padovani del Ruzante. Zuvor war auch Andrea Calmo ein häufiger Besucher des Genres Mariazzo so sehr, dass seine Komödie La Rhodianait bis vor kurzem der Ruzante zugeschrieben wurde. Verglichen mit diesen anderen Manifestationen präsentiert sich die Arbeit der Braca trotz der lebhaften sprachlichen Ausdruckskraft jedoch mit wesentlich macchiettistischen Flexionen, von eher lokaler und campanilistischer Reichweite. Die geringere Breite des satirischen Horizontes beispielsweise erlaubt Vincenzo Braca keinen Zugang zu den von der Ruzante erreichten prägnanten Ebenen.

Komödien im venezianischen Dialekt
Ein besonderer Fall wird durch die Figur und das Werk von Angelo Beolco dargestellt il Ruzante aus dem Namen des bäuerlichen Protagonisten Paduas seiner Werke genannt. Die Besonderheit des Ruzante-Theaters, das einige Jahre von Andrea Calmo vorweggenommen wurde, war die Einführung des Dialekts in das italienische Theater, das bis dahin den florentinischen Vulgär verwendet hatte. Ruzante arbeitete am paduanischen Hof von Alvise Cornaro, der in seiner Villa in Padua ein besonderes Gebäude errichtete, das Loggia del Falconetto genannt wurde und nach dem Architekten Giovanni Maria Falconett benannt war, den er für die Darstellung der ruzantinischen Komödien wie Betìa konzipierte (1525) und die Anconitana (1535), um die berühmtesten Komödien von Beolco zu erwähnen.

Von 1535 – 1537 ist eine beispielhafte Komödie im venezianischen Dialekt, mit einem eindeutigen Titel: La Venexiana, die, wenn auch von anonymen Autor zeigt die Reife des Theaters der Stadt von Venedig, bis dahin mit den Autoren des Festlandes verbunden.

Im Fall von Ruzante war der Dialekt, mit dem er seine Dramaturgie zum Ausdruck brachte, das Paduan des 16. Jahrhunderts aus der venezianischen Landschaft: Die Lautmalerei der schwierigen Sprache wurde nach vielen Jahrhunderten von zeitgenössischen Künstlern wie Dario Fo inspiriert, der sich inspirieren ließ Ruzantes Sprache für seinen Grammelot.

Das Dialekttheater begann sich in dieser Zeit mit der Commedia dell’Arte, ihren Masken, wie dem Bergamasco Arlecchino (der später die venezianische Sprache annimmt), dem Neapolitaner Pulcinella mit seinen mimischen und gestischen Erfindungen und der alten venezianischen Kaufmannshose zu entwickeln der bekannteste. Weitere Besucher des Theaters im Veneto-Po-Tal waren der Piacentino Girolamo Parabosco und Ludovico Dolce, der zwei Komödien und zwei Tragödien schrieb.

Die Darstellung der heiligen Renaissance
Während der Renaissance blieb die Produktion des sakralen Theaters, das aus der heiligen Darstellung mittelalterlicher Abstammung stammte, nicht stehen, sondern hatte eine wichtige Blütezeit, die religiöse Themen auch an den italienischen Höfen zwischen dem 15. und 16. Jahrhundert übertrug. Obwohl dieses Genre in ganz Europa verbreitet ist, wurde es hauptsächlich in Florenz gegründet, wo bedeutende Schriftsteller wie Feo Belcari und Lorenzo de ‚Medici im 15. Jahrhundert und Giovanni Maria Cecchi im 16. Jahrhundert anwesend waren.

Trotzdem blieb die Mehrzahl der Darstellungen der heiligen Renaissance anonym, wie es im Mittelalter üblich war. So bereiteten die Autoren (oder der Autor) der Himmelfahrt, vorgetragen in der Kirche des Karmin von Florenz und der Verkündigung in der florentinischen Kirche von San Felice auf der Piazza, das Konzil von Florenz (1438 – 1439) und Apparaturen von Philippus vor blieb anonym. Brunelleschi in seiner ungewöhnlichen Rolle als Bühnenbildner, wie Vasari im Leben desselben Architekten bezeugt.

Diese Darstellungen wurden für die florentinischen Bruderschaften der Jugend geschrieben, die berühmteste war die Darstellung der Heiligen Johannes und Paulus, die der Prächtige 1491 für den Eintritt seines Sohnes Piero in die Compagnia del Vangelista schrieb und im Hof ​​des Klosters von die Alte Dreifaltigkeit oder Kloster von San Giusto ai mura, wurde später Teatro dell’A Via Water. Für die gleiche Gesellschaft schrieb Cecchi fast ein Jahrhundert nach 1589 die Kreuzerhöhung; Zeugnis dafür, dass diese heilige Gattung auch am Ende der Renaissance noch immer von den Menschen und dem Medici-Hof geschätzt wurde.

Der Pantomime
Wenn einerseits die Geburt der Renaissancekomödie die Entwicklung einer autonomen Form der Theaterprosa ermöglichte, ging andererseits die Tradition der Narren und der Guitti nicht verloren und erlaubte die Begehung dank Hofbuffs und Pantomimen. Ihre Werke sind in keiner Weise von der lateinischen Tradition inspiriert und lösen sich damit von den Formen zeitgenössischer Show- und Präsentationsmodule, die teilweise in die Commedia dell’Arte einfließen. Es ist jedoch falsch, die Mätzchen und die Burlesken als Gegenstücke der kultivierten Theaterliteratur zu betrachten: Die Themen der Narren und Pantomimen des fünfzehnten Jahrhunderts sind die gleichen wie ihre Vorfahren, die in einer am meisten und kurzen Schrift stecken, in der die Themen von die Stadt wird mit denen des Schurken verglichen, der zum Bezugspunkt für Streich und Spott wird.

Das jüdische Theater in Mantua
Eine Besonderheit des Renaissancetheaters war die Anwesenheit einer Figur wie die von Mantua Leone de ‚Sommi, der israelitischen Religion, die im Auftrag des Herzogs von Mantua, des Theaters der jüdischen Kompanie von 1579 bis 1587, sich selbst ein Drama komponierte, genannt Magen Nashìm, der unter den italienischen Rabbinern des 16. Jahrhunderts einen Skandal provozierte, der ihn beschuldigte, die Sprache der Ahnen zur Belustigung nichtjüdischer Prinzen (dh Nichtjuden) benutzt zu haben. Nach der Gegenreformation ist diese Art von Kontamination nicht mehr möglich.

Die Geburt des Melodrams
Auch im Laufe des 16. Jahrhunderts wurden die ersten Versuche unternommen, die zur Entstehung der revolutionärsten Gattung des italienischen Theaters geführt hätten: das Melodrama.

Im florentinischen Palast von Giovanni de ‚Bardi versammelte sich eine Gruppe von Intellektuellen und nannte sich Camerata dei Bardi. In dem Versuch, die antike Typologie des Rezitars, die dem klassischen griechischen Theater zugeschrieben wird, zu exhumieren, haben sie den Stil entwickelt, der sich in den folgenden Jahrhunderten dank der Genialität von Autoren wie Claudio Monteverdi, Metastasio bis zur großen Oper des 19. Jahrhunderts etablieren wird von Giuseppe Verdi und Giacomo Puccini.

Die ersten Experimentatoren des florentinischen Wohnheims, geboren um 1573, waren Jacopo Peri, Giulio Caccini, Vincenzo Galilei (Vater von Galileo), Emilio de ‚Cavalieri, Jacopo Corsi und der Dichter Ottavio Rinuccini, der die ersten Libretti schrieb.

Im Jahr 1589, mit der Inszenierung der Komödie La Pellegrina des Sieneser Girolamo Bargagli am Teatro degli Uffizi in Florenz, wurden die Mitglieder der Camerata gebeten, die Intermezzi der Komödie zu spielen, die die ersten praktischen Anwendungen der Musiktheorie darstellten des Rezitalsingens und der Geburt des Melodrams. Die Intermezzi della Pellegrina hatten eine große Resonanz für den Apparat des Architekten und Malers Szenographen Bernardo Buontalenti, der mit dieser Arbeit die großen und komplexen Reihen des italienischen Barocktheaters vorwegnahm.

Die neuen rezitativen Räume
Zu Beginn des 15. Jahrhunderts fanden die Darstellungen an privaten Orten statt, wie Gärten, Klosterhöfen und Hallen, die für Darstellungen geschmückt waren, wie im Falle des Salone dei Cinquecento im Palazzo della Signoria in Florenz, der von Vasari dem Theater angepasst wurde . Mit der Nachstellung der griechisch-lateinischen Texte begann man Räume zu schaffen, die eine manchmal sehr komplexe Szenografie enthalten: In dieser Zeit entstanden neue Theaterräume, angefangen von der Loggia del Falconetto di Padova. Aber das eindrucksvollste Beispiel der Renaissance-Szenografie war das Teatro Olimpico von Andrea Palladio, aVicenza, das noch heute die originale Szenografie aus dem 16. Jahrhundert von Vincenzo Scamozzi des Edipo re di Sofocle bewahrt, mit der das Theater 1585 eingeweiht wurde Später, im Jahre 1590, beauftragte die Gonzaga denselben Scamozzi mit dem Bau eines weiteren Theaters für den Palazzo Ducale di Sabbioneta, der den Namen Teatro all’Antica erhielt.

In Rom, dank Pomponio Leto’s Aktivismus, der das lateinische Theater wiederentdecken sollte, wurden das Forum und die Engelsburg zu Orten für Darstellungen, die gewöhnlich während Feiertagen und Feiern aufgeführt wurden; in Castel Sant’Angelo gibt es einen theaterförmigen Innenhof, der zu Zeiten von Alexander VI. und dem noch mehr Genuss liebenden Leo X genutzt wurde.

Die Wiederentdeckung und Ausbeutung der antiken Klassiker durch die Humanisten erlaubte es, die Theaterarbeiten nicht nur aus der dramatischen Sicht (1425 entdeckte Nicolò di Cusa zum Beispiel neun Komödien aus der Plauenzeit) zu studieren, sondern auch von einem architektonischen Standpunkt aus Ansicht: Architekten, Maler und Abhandlungen wie Sebastiano Serlio, der die klassischen griechisch-römischen Modelle der Szenografien an das Theater des 16. Jahrhunderts anpasste: komische, tragische und pastorale, in den Werken des Renaissancetheaters respektierte Dreiteilung. Die komplexen Sets waren in Girolamo Genga, Baldassarre Peruzzi und Pellegrino da Udine (im Raum Ferrara) seine besten Vertreter. Während die Autoren der Abhandlung wie Leon Battista Alberti und Serlio selbst in Vitruv in den theatralischen Aspekten seiner Abhandlung über römische Architektur Inspiration suchten

Eine neue Art von Theater wurde Ende des 16. Jahrhunderts bestätigt: private Theater, die jeder sozialen Klasse offen standen und nicht mehr nur die Aristokratie ausmachten. In Venedig, mehr als anderswo, begann dieses Geschäft, aber das wird im folgenden Jahrhundert mit der langen Jahreszeit der Komödie der Kunst gegründet. Die Verbreitung dieser Theater auch im Rest von Italien sorgte dafür, dass sie aus speziellen Akademien geboren wurden, die geboren wurden, um diese neuen Theaterräume zu verwalten, nicht mehr ausschließlich für die Gerichte.

Das Renaissance-Theater in Großbritannien
In der Zeit vom Ende des 15. Jahrhunderts bis zur Mitte des nächsten, die mit der Entwicklung der englischen Renaissance zusammenfielen, spielten dramatische Unterhaltungsformen an den Höfen der Adligen, die von den Moralvorstellungen herrührten, aber vom nicht-religiösen Subjekt, er hatte eine breite Resonanz: Im Gegensatz zur klassischen Moral war die Rolle des Protagonisten der des Herrn, der die Show veranstaltete, und der ihn nicht auf der Suche nach der ewigen Errettung der Seele sah, sondern nach irdischem Glück, das so enorm divergierte von den Zielen des religiösen Theaters. Nicht selten war in ihnen eine politische Propaganda enthalten, da sich die Autorin von zeitgenössischen Zeiten inspirieren ließ. Es kam vor, dass der Autor sich gegen einen Vorfall wie König John von John Bale aussprach, in dem der Autor die These vom „Mord an Giovanni Senzaterra“ verkündete Erzbischof von Canterbury. In der Dramaturgie der Zwischenspiele gibt es auch die Möglichkeit, Elemente der klassischen Ableitung, insbesondere lateinischer Autoren und italienischer Romanfiguren, zu sehen, die ein Bezugspunkt für die spätere dramatische Produktion bleiben.

Die Bühnenpräsentation von Interludien war geprägt vom Dialog mehrerer Akteure mit einer musikalischen Begleitung, die oft aus einer Pfeife und einem Tamburin bestand. Von den Zwischenspielen besitzen wir etwa 80 Fragmente von Drehbüchern, die eine Zeitspanne von 1466 bis 1576 umfassen. Unter den Hauptautoren des Genres müssen wir zuerst John Heywood, John Rastell, Henry Medwall, John Redford, Nicholas Udall erwähnen. Just Udall wird als Autor der ersten englischen Komödie in Erinnerung bleiben: Es war der Ralph Roister Doister von 1535, eine modifizierte Version von Plauts Miles Gloriosus.

Die Zwischenspiele waren wegen ihres politisierten und kultivierten Charakters an ein bestimmtes Publikum gerichtet: im gleichen Stil, aber mit einem komischen und hellen Thema, gab es die Farcen, die auf den Plätzen für das Volk dargestellt wurden.

Mittelalterlicher Ursprung war die Maske, ein Theatergenre, das am Anfang aus einer Karnevalsumzug von Masken entstand, die, begleitet von Musik, die Abende der Adligen belebte und dann Jahre später von Ben Jonson, der ihn dramaturgisch baute, zu einem echten Theaterstück wurde Installationen, die ihn für diese Aufführungen berühmt machten.

Iberisches Renaissance-Theater
Auch in Spanien und Portugal nimmt das Theater im späten fünfzehnten Jahrhundert und zu Beginn des nächsten Jahrhunderts eine neue Richtung ein und ist losgelöst von dem der heiligen Darstellungen des mittelalterlichen als das heilige Thema das Hauptthema der iberischen Dramatiker sogar dieses Zeitraum. Der wichtigste Charakter dieser Gattung war Margaret von Navarra (1492-1549), die in vollem Umfang die Erfahrung des Mysterientheaters fortsetzte. Auch in Spanien war es wichtig, die Texte der Lateinischen Komödie neu zu entdecken. Unter den wichtigsten Autoren dieser Zeit: Juan del Encina, Lope de Rueda, Juan de la Cueva, Juan de Timoneda und Luis Fernández.

Für Portugal sind zwei Namen zu nennen: Gil Vicente und António Ferreira. Letztere schrieb die wichtigste Tragödie dieser Zeit in portugiesischer Sprache: Ines de Castro.

Die Theaterräume waren sehr wichtig für die Reifung des Theaters, das von den klassischen Straßensystemen und dem Inneren der Kirchen zu einem eigenen Gebäude, den Räumen in den Adelshäusern und den Universitäten überging. Das sogenannte Teatro de salon wurde geboren, Innenräume, die nicht mehr äußerlich sind und ausschließlich vom Adel benutzt werden. Während in der Mitte des 16. Jahrhunderts die Corrales geboren wurden, öffnen sich auch für die Öffentlichkeit populäre Plätze gegen Zahlung einer Eintrittskarte. Wenn die Komödie durch das klassische antike Theater reifte, beruhten andere Werke auf den Mythen der spanischen Geschichte. Dies war einer der wichtigsten Unterschiede zwischen dem spanischen Renaissance-Theater und dem anderer europäischer Nationen.

Unter den wichtigsten Theaterautoren dieser Art sticht Juan de la Cueva hervor, der am Ende des 16. Jahrhunderts historische Dramen schrieb: Die Sieben Infanten von Lara (1579) und Der Tod von König Don Sancho (1588) . Der wahre Initiator des Renaissance-Theaters war Lope de Rueda. De Rueda war vom italienischen Stil beeinflusst und hatte ihre Auftritte am spanischen Hof miterlebt. Er war der erste, der die natürliche Sprache einführte, und seine Untertanen wurden zuerst durch die Originalität von den griechisch-lateinischen Modellen abgelöst und brachten Einblicke in das populäre Leben. Er hat in gewissem Sinne den gleichen Weg von Nicolò Machiavelli mit dem Alraun gemacht. Juan de Rueda schrieb Hirten, fünf Komödien und szenische Zwischenspiele, die ihn als einen der wichtigsten spanischen Theaterleute vor dem Siglo de Oro aufstellten. In der Tat, während des siebzehnten Jahrhunderts, die berühmtesten Lope de Vega, Pedro Calderón de la Barca und andere wurden bestätigt, die die Autoren der Renaissance in den Hintergrund stellen würde, für Prominente auf europäischer Ebene.

Unter den Autoren des Übergangs, spät im Vergleich zu Italien, zwischen dem Mittelalter und Renaissance-Theater war sicherlich Fernando de Rojas der wichtigste. Seine Tragikomödie La Celestina aus dem Jahre 1499 ist vielleicht der erste exemplarische Text des Renaissance-Theaters.

Der eigentliche Initiator des Renaissance-Theaters war Bartolomé de Torres Naharro. Sein langer Aufenthalt in Italien brachte ihn in Kontakt, besonders während seines Aufenthalts in Rom, und nach 1517 Neapolitanisch, mit italienischen Neuheiten, von denen er Inspiration für seine Werke (immer noch reimend) in Kastilisch zog. Viele seiner Komödien haben auch ein italienisches Ambiente, aber sein Einfluss auf das Theater seiner Heimat war wichtig, aber noch nicht vollständig anerkannt.

Französisches Renaissance-Theater
Das Renaissance-Theater außerhalb Italiens verspürt eine gewisse Verzögerung. Sowohl in Frankreich als auch in Großbritannien ist das Erbe des mittelalterlichen geistlichen Theaters wichtiger und weit verbreitet als anderswo. In Frankreich wird der Ruhm der Renaissance-Autoren durch barocke Tragödiendichter wie Jean Racine und Pierre Corneille und die italienische Komödie von Molière, Schüler des berühmten Kunstkomikers Tiberio Fiorilli, Schöpfer der berühmten Scaramouche-Maske (oder Scaramuccia), völlig verdeckt ).

Das französische Renaissancetheater erhält, wie auch in anderen europäischen Ländern, einen wichtigen Schub durch die Wiederentdeckung und die relative Verbreitung klassischer Texte griechisch-römischen Ursprungs. Tatsächlich stammen viele dieser Komödien direkt aus Werken von Plautus und Terence, die mehr oder weniger treu ins Französische übersetzt wurden. Unter diesen ist der Fall von Jean Antoine de Baïf und seinen Komödien: L’Eunuque vom Eunuchus von Terence und Le Brave, Übersetzung des plautino Miles gloriosus. Derselbe Autor schrieb auch die Tragödie Antigone, offensichtlich inspiriert von den gleichnamigen Texten des Ochsen. In Frankreich leben Tragödie und Komödie zusammen. Viele Tragödiologen dieser Zeit sind auch Dramatiker, so auch Jean de La Taille, der viele tragische Tragödien schrieb: Saül le furieux, Daire und Alexandre. Zur gleichen Zeit schrieb er auch zwei lustige Komödien wie Les Corrivaux und Le Négromant.

Eine wichtige Variante, die die französische Situation im Vergleich zu anderen Ländern wie Spanien oder Italien unterscheidet, sind die Religionskriege, die nicht zuletzt das theatralische Umfeld beeinflussten. Die Auswahl vieler Autoren spiegelt das politische und religiöse Klima der Zeit in den Texten wider. Zum Beispiel spiegeln Tragödien oft die Ängste einer Welt in Konflikt und in der Krise wider. Aber selbst im Stück kann man sich dem Versuch, eine Anspielung auf die Realität zu machen, nicht entziehen, bis man auf Texte wie L’Eugène von Etienne Jodelle trifft, die zu einem echten Text politisch-religiöser Propaganda werden.

Unter den produktivsten Autoren der Renaissance in Frankreich sollten wir wenigstens erwähnen: Jacques Grévin, ebenfalls tragisch und komisch, Jean Heudon, Robert Garnier, Nicolas Filleul, Aymard de Veins, Jean Bastier de La Péruse über die erwähnte Jodelle, de La Taille und de Baïf und andere Minderjährige.

Zur gleichen Zeit wurde in dieser Zeit die spektakuläre Form des Balletts geboren, das von den beiden französischen Königinnen der Medici aus Italien importiert wurde: Caterina und Maria. Die Morgendämmerung des Barocks und seiner Riesen verdunkelte oder fast vollständig das humanistische Theater des 16. Jahrhunderts.

Das Renaissancetheater im germanischen Raum
Das deutsche Theater oder das gesamte germanische Gebiet gehen einen anderen Weg als das übrige Europa. Im Vergleich zu Frankreich und seinen Religionskriegen, die das Land sogar in theatralischen Texten mit Beweisen riss, ist Deutschland absolut aufgebracht. So wie die an die deutschen Eliten grenzenden Länder auch verärgert sind: Österreich, die Schweiz, Böhmen und Ungarn.

Aber nicht dafür waren die Theaterautoren zu sehr betroffen. Selbst Deutschland hatte ein großes Erbe des mittelalterlichen Theaters und seine Heiligen Darstellungen, die mit der Ankunft der Reformation bald die Farce im Volksmund ersetzten. Die Bedeutung dieses laisierenden Aspekts repräsentativer Kunst und Poesie ist fundamental und prägt das deutsche Renaissancetheater. Es konnte vorkommen, dass Letzteres manchmal auch erotisch war, aber in einem heiligen Sinn von Luther selbst revidiert wurde.

Katholische Kirchengesänge, ausschließlich auf Latein, werden durch Volkslieder ersetzt, die oft aus früheren Liedern nicht religiöser Herkunft stammen. Das deutsche Theater akzentuiert diese profane Ader, die bereits von den Meistersingern aus dem 14. Jahrhundert verbreitet worden war. Aus dieser Tradition und in ihm wird der bedeutendste Dramaturg des 15. bis 16. Jahrhunderts geboren: Hans Sachs (1494 – 1576).

Hans Sachs
Hans Sachs ist ein Riese unter seinen Zeitgenossen und vertraut auch auf ein bestimmtes Genre, das nur im deutschen Raum zu finden ist: das Fastnachtspiel. Diese Art von Theater stammt aus Faschingsfeiern, die schon im Mittelalter präsent waren und sogar auf druidische Rituale keltischer Herkunft zurückgehen.

Das griechisch-römische Theater, das von den Humanisten entdeckt und adaptiert wurde, hat im germanischen Raum einen sehr relativen Einfluss. Aus diesem Grund setzt sich im deutschen Theater des 16. Jahrhunderts die Tradition der populären Farce fort. So bewegen wir uns vom Tanz zum Pantomime und schließlich zu dialogischen Texten wie denen der Fastnachtspiele. Hans Sachs schrieb sogar 85. Weitere Vertreter waren Hans Rosenplüt, Hans Folz und Jörg Wickram.

Andere Autoren wandten sich dem gelehrten Theater zu: Nikodemus Frischlin (1547 – 1590), Johannes Reuchlin (1455 – 1522) und Bartholomäus Ringwaldt (1530 – 1599), der 1592 ein interessantes Werk mit dem Titel Speculum Mundi schrieb.

Die Geburt von Hanswurst
Innerhalb dieser theatralischen Typologie entsteht eine der ersten deutschen Komödienmasken, die von Hanswurst (oder Gian Salsiccia). Diese Figur stammt aus dem satirischen Gedicht „Narrenschiff“ von Sebastian Brant aus dem Jahre 1519. Für die moderne Kritik war dieser Charakter das Pendant zum italienischen Zanni, auch wenn dieser mit einigen Jahrzehnten Verzögerung geboren wird verglichen mit Hanswurst.

Schweiz
Immer noch zum Thema politisch-religiöse Satire müssen wir auf die Präsenz des Schweizer Malers und Dramatikers Niklaus Manuel hinweisen. Obwohl seine Werke meist satirische Komödien und religiöse Propaganda sind, können die von Manuel zu den besten Ausdrucksformen des Schweizer Renaissance-Theaters gezählt werden. Die Inspiration des Berner Dramatikers kommt von seiner tiefen Freundschaft mit dem Reformator Huldrych Zwingli.

Auch im Stil der Fastnachtspiele gibt es die Werke von Pamphilus Gengenbach aus Basel, insbesondere: Die alten Alter der Welt von 1515, Der Nolhart von 1517 und Die Gouchmatt der Bühler von 1521.

Ungarn
In der ungarischen Region, die Schirmherrschaft von Mattia Corvino war grundlegend. Der König von Ungarn hatte ständigen Austausch mit den italienischen Humanisten, die in der Renaissance oft am Hof ​​von Buda genannt wurden. Dieses neue, von Neuem beeinflusste Umfeld beeinflusste die Gesellschaft und die ungarische Kunst und auch den größten Dramatiker und Poeten jener Zeit: Bálint Balassi (1554 – 1594), der als Begründer der Literatur in der Magyar Sprache, besonders auf dem poetischen Gebiet, gilt sein größeres Engagement.

In der ungarischen Umgebung sollte die Inszenierung der Komödien eines italienischen Autors wie Pandolfo Collenuccio, der das italienische Gelehrtheater in Ungarn exportierte, nicht unterschätzt werden. Im Gefolge des gelehrten Theaters steht die Figur des Dramatikers Péter Bornemisza, der die Tragödie auf Ungarisch (Tragoedia magyar nyelven, af. Sophokles Electrájából) im Jahr 1520 schrieb, eine Übersetzung von Electro by Sophokles.