Renaissance Musik

Renaissancemusik ist eine vokale und instrumentale Musik, die während der Renaissance in Europa geschrieben und aufgeführt wurde. Der Konsens unter den Musikhistorikern war es, die Ära um 1400 mit dem Ende des Mittelalters zu beginnen und um 1600 mit dem Beginn des Barock zu schließen, so dass die musikalische Renaissance etwa hundert Jahre nach dem Beginn des Barocks begann Renaissance wie es in anderen Disziplinen verstanden wird. Wie in den anderen Künsten wurde auch die Musik dieser Zeit wesentlich von den Entwicklungen beeinflusst, die die Frühen Neuzeit bestimmen: der Aufstieg des humanistischen Denkens; die Wiedergewinnung des literarischen und künstlerischen Erbes des antiken Griechenlands und des antiken Roms; verstärkte Innovation und Entdeckung; das Wachstum von Handelsunternehmen; der Aufstieg einer bürgerlichen Klasse; und die protestantische Reformation. Aus dieser sich wandelnden Gesellschaft entstand eine gemeinsame, vereinigende Musiksprache, insbesondere der polyphone Stil (das bedeutet Musik mit mehreren, unabhängigen, gleichzeitig vorgeführten Melodielinien) der franko-flämischen Schule, deren größter Meister Josquin des Prez war.

Die Erfindung der Druckerpresse im Jahre 1439 machte es billiger und einfacher, Musik- und Musiktheorietexte auf einer breiteren geographischen Skala und auf mehr Menschen zu verteilen. Vor der Erfindung des Druckens mussten Lieder und Musik, die niedergeschrieben wurden, und Musiktheorietexte von Hand kopiert werden, ein zeitaufwendiger und teurer Prozess. Die Nachfrage nach Musik als Unterhaltung und Freizeitbeschäftigung für gebildete Amateure nahm mit der Entstehung einer bürgerlichen Klasse zu. Die Verbreitung von Chansons, Motetten und Messen in ganz Europa fiel mit der Vereinigung der polyphonen Praxis in den fließenden Stil zusammen, der in der zweiten Hälfte des sechzehnten Jahrhunderts in Werken von Giovanni Pierluigi da Palestrina, Orlande de Lassus, Thomas Tallis und William Byrd. Relative politische Stabilität und Wohlstand in den Niederlanden, zusammen mit einem florierenden System der Musikerziehung in den vielen Kirchen und Kathedralen der Gegend, ermöglichte die Ausbildung einer großen Anzahl von Sängern, Instrumentalisten und Komponisten. Diese Musiker waren in ganz Europa sehr gefragt, besonders in Italien, wo sie von Kirchen und Adelshöfen als Komponisten, Performer und Lehrer angeheuert wurden. Seit die Druckerpresse es leichter machte, gedruckte Musik zu verbreiten, hatte Italien bis zum Ende des 16. Jahrhunderts die nordischen musikalischen Einflüsse mit Venedig, Rom und anderen Städten aufgenommen, die zu Zentren der musikalischen Aktivität wurden. Dies änderte die Situation von vor hundert Jahren. Opera, ein dramatisch inszeniertes Genre, in dem Sänger von Instrumenten begleitet werden, entstand zu dieser Zeit in Florenz. Opera wurde als bewusster Versuch entwickelt, die Musik des antiken Griechenlands wieder aufleben zu lassen (OED 2005).

Die Musik wurde zunehmend von den mittelalterlichen Zwängen befreit, und mehr Abwechslung wurde in Reichweite, Rhythmus, Harmonie, Form und Notation erlaubt. Auf der anderen Seite wurden Regeln des Kontrapunkts eingeschränkt, insbesondere im Hinblick auf die Behandlung von Dissonanzen. In der Renaissance wurde die Musik zum Träger des persönlichen Ausdrucks. Komponisten haben Wege gefunden, Vokalmusik expressiver für die Texte zu machen, die sie gerade einstellen. Weltliche Musik (nicht-religiöse Musik) absorbierte Techniken aus der geistlichen Musik und umgekehrt. Populäre säkulare Formen wie Chanson und Madrigal verbreiten sich in ganz Europa. Die Gerichte beschäftigten virtuose Künstler, sowohl Sänger als auch Instrumentalisten. Musik wurde auch selbständiger mit ihrer Verfügbarkeit in gedruckter Form, die um ihrer selbst willen existierte. Vorläuferversionen vieler bekannter moderner Instrumente (einschließlich der Geigen-, Gitarren-, Lauten- und Tasteninstrumente) entwickelten sich in der Renaissance zu neuen Formen. Diese Instrumente wurden modifiziert, um auf die Entwicklung musikalischer Ideen zu reagieren, und sie boten Komponisten und Musikern neue Möglichkeiten zur Erkundung. Auch frühe Formen moderner Holz- und Blechblasinstrumente wie Fagott und Posaune traten auf; Erweiterung der Klangfarbe und Steigerung des Klanges von Instrumentalensembles. Während des 15. Jahrhunderts wurde der Klang von vollen Triaden (Dreiklangakkorde) gebräuchlich, und gegen Ende des 16. Jahrhunderts begann das System der Kirchenmoden völlig abzubrechen und der funktionellen Tonalität (dem System, in dem Lieder und Musik) weichen Stücke basieren auf musikalischen “Schlüsseln”, die westliche Kunstmusik für die nächsten drei Jahrhunderte dominieren würden.

Seit der Renaissance überliefert die notierte säkulare und sakrale Musik quantitativ, einschließlich vokaler und instrumentaler Werke und gemischter vokaler / instrumentaler Werke. Während der Renaissance blühte eine enorme Vielfalt an musikalischen Stilen und Genres auf. Diese sind auf Aufnahmen aus dem 20. und 21. Jahrhundert zu hören, darunter Messen, Motetten, Madrigale, Chansons, begleitete Lieder, Instrumentaltänze und viele andere. Ab dem späten 20. Jahrhundert entstanden zahlreiche alte Musikensembles. Alte Musikensembles, die sich auf die Musik der Renaissance spezialisiert haben, geben Konzertreisen und machen Aufnahmen, indem sie moderne Reproduktionen historischer Instrumente und Gesangs- und Vortragsstile verwenden, von denen Musikologen glauben, dass sie zu dieser Zeit verwendet wurden.

Überblick
Eines der ausgeprägtesten Merkmale der europäischen Kunstmusik der Frührenaissance war die zunehmende Abhängigkeit vom Intervall des dritten und seiner Inversion, dem sechsten (im Mittelalter wurden Terzen und Sexten als Dissonanzen betrachtet, und nur perfekte Intervalle wurden als Konsonanzen behandelt : die perfekte Quarte die perfekte Quinte, die Oktave und die Unisono). Die Polyphonie – die Verwendung mehrerer, unabhängiger Melodielinien, die gleichzeitig aufgeführt werden – wurde im Laufe des 14. Jahrhunderts mit hochgradig unabhängigen Stimmen (sowohl in der Vokalmusik als auch in der Instrumentalmusik) immer ausgeklügelter. Der Anfang des 15. Jahrhunderts zeigte eine Vereinfachung, wobei die Komponisten oft nach Glätte in den melodischen Teilen strebten. Dies war möglich wegen einer stark erhöhten Stimmlage in der Musik – im Mittelalter machte der enge Bereich das häufige Überqueren von Teilen notwendig und erforderte daher einen größeren Kontrast zwischen ihnen, um die verschiedenen Teile zu unterscheiden. Das modale (im Gegensatz zum tonalen, auch als “musikalischer Schlüssel” bekannte, in der späteren Barockmusikzeit, ca. 1600-1750, entwickelte Konzept) der Renaissancemusik begann gegen Ende der Periode mit der vermehrten Nutzung aufzubrechen von Wurzelbewegungen von Quinten oder Quarten (siehe den “Quintenzirkel” für Details). Ein Beispiel für eine Akkordfolge, bei der sich die Akkordwurzeln um das Intervall eines Viertels bewegen, wäre die Akkordfolge in der Tonart C-Dur: “d-Moll / G-Dur / C-Dur” (das sind alles Dreiklänge; Dreiklänge) Akkorde). Die Bewegung vom d-Moll-Akkord zum G-Dur-Akkord ist ein Intervall einer perfekten Quinte. Die Bewegung von dem G-Dur-Akkord zu dem C-Dur-Akkord ist ebenfalls ein Intervall einer perfekten Quinte. Dies entwickelte sich später zu einem der bestimmenden Merkmale der Tonalität während der Barockzeit.

Die Hauptmerkmale der Renaissance-Musik sind (Fuller 2010):

Musik basiert auf Modi.
Reichere Textur, mit vier oder mehr unabhängigen melodischen Parts, die gleichzeitig gespielt werden. Diese ineinander verwobenen melodischen Linien, ein Stil, der Polyphonie genannt wird, sind eines der prägenden Merkmale der Renaissancemusik.
Melodische Linien in der musikalischen Textur werden eher als kontrastiert.
Harmonie, die dem reibungslosen Fluss der Musik und dem Fortschreiten der Akkorde größere Bedeutung beimisst.
Die Entwicklung der Polyphonie führte zu den bemerkenswerten Veränderungen der Musikinstrumente, die die Renaissance aus dem Mittelalter musikalisch kennzeichnen. Sein Gebrauch ermutigte den Gebrauch von größeren Ensembles und verlangte Sätze von Instrumenten, die sich über den gesamten stimmlichen Bereich (Montagu nd) vermischen würden.

Genres
Die hauptsächlichen liturgischen (kirchlichen) musikalischen Formen, die während der Renaissancezeit in Gebrauch waren, waren Messen und Motetten, mit einigen anderen Entwicklungen gegen Ende der Ära, besonders als Komponisten der sakralen Musik begannen, säkulare (nicht-religiöse) musikalische Formen anzunehmen (wie das Madrigal) für religiöse Zwecke. Die Massen des 15. und 16. Jahrhunderts hatten zwei Arten von Quellen, die monophon (eine einzelne Melodielinie) und polyphonisch (mehrere unabhängige Melodielinien) mit zwei Hauptformen der Ausarbeitung verwendet wurden, basierend auf cantus firmus Praxis oder, beginnend einige Zeit 1500, der neue Stil der “durchdringenden Imitation”, in dem Komponisten Musik schreiben würden, in der die verschiedenen Stimmen oder Teile die melodischen und / oder rhythmischen Motive nachahmen, die von anderen Stimmen oder Stimmen gespielt werden. Vier Haupttypen von Massen wurden verwendet:

Cantus firmus Masse (Tenormasse)
Der Cantus Firmus / Imitation Masse
Die Umschreibung der Masse
Die Imitation Masse (Parodie Masse)
Massen wurden normalerweise durch die Quelle betitelt, von der sie sich liehen. Cantus firmus mass verwendet die gleiche monophone Melodie, meist aus dem Gesang und meist im Tenor und meistens in längeren Notenwerten als die anderen Stimmen (Burkholder nd). Andere heilige Gattungen waren das Madrigale spirituale und die laude.

Während dieser Zeit hatte die säkulare (nicht-religiöse) Musik eine zunehmende Verbreitung mit einer großen Vielfalt von Formen, aber man muss vorsichtig sein, wenn man von einer Explosion der Vielfalt ausgeht: Seit dem Druck von Musik wurden weit mehr verfügbar als aus dem vorhergehenden Mittelalter, und wahrscheinlich ist ein reichhaltiges Geschäft der populären Musik des späten Mittelalters verloren. Weltliche Musik war Musik, die von Kirchen unabhängig war. Die Haupttypen waren das deutsche Lied, die italienische Frottola, das französische Chanson, das italienische Madrigal und das spanische villancico (Fuller 2010). Andere weltliche Stimmgattungen waren Caccia, Rondeau, Virelai, Bergerette, Ballade, Musique Mesurée, Canzonetta, Villanella, Villotta und das Lautensong. Mischformen wie die Motette-Chanson und die säkulare Motette erschienen ebenfalls.

Rein instrumentale Musik umfasste Consort-Musik für Blockflöten oder Gamben und andere Instrumente sowie Tänze für verschiedene Ensembles. Gewöhnliche Instrumentalgattungen waren Toccata, Präludium, Ricercar und Canzona. Tänze von Instrumentalensembles gespielt (oder manchmal gesungen) enthalten die Basse Danse (Es. Bassadanza), Tourdion, Saltarello, Pavane, Galliard, Allemande, Courante, Bansle, Canarie, Piva und Lavolta. Musik vieler Genres konnte für ein Soloinstrument wie Laute, Vihuela, Harfe oder Keyboard arrangiert werden. Solche Arrangements wurden als Intabulationen bezeichnet (It. Intavolatura, Ger. Intabulierung).

Gegen Ende der Periode sind die frühen dramatischen Vorläufer der Oper wie Monodie, Madrigalkomödie und Intermedio zu hören.

Theorie und Notation
Nach Margaret Bent: “Die Notation der Renaissance ist durch unsere [modernen] Standards unterrepräsentiert; wenn sie in moderne Form übersetzt wird, erhält sie ein präskriptives Gewicht, das ihre ursprüngliche Offenheit überspezifiziert und verzerrt” (Bent 2000, S. 25). Renaissance-Kompositionen wurden nur in einzelnen Teilen notiert; Partituren waren extrem selten und Taktstriche wurden nicht verwendet. Notenwerte waren im Allgemeinen größer als heute üblich; Die primäre Einheit des Beats war die Semibreve oder ganze Note. Wie es seit der Ars Nova (siehe Mittelalterliche Musik) der Fall war, könnte es für jeden Breve zwei oder drei davon geben (eine doppelte ganze Note), die jedoch als dem modernen “Maß” gleichwertig angesehen werden kann es war selbst ein Notenwert und ein Maß ist es nicht. Die Situation kann so betrachtet werden: Sie ist die gleiche wie die Regel, nach der in der modernen Musik eine Viertelnote entweder zwei Achtelnoten oder drei entspricht, die als “Triplett” geschrieben wären. Nach derselben Rechnung könnte es zwei oder drei der nächstkleineren Note geben, das “Minimum” (äquivalent zu der modernen “halben Note”) zu jedem Halbkreis.

Diese verschiedenen Permutationen wurden auf der Ebene der Breve-Semibreve-Beziehung “Perfekt / Imperfekt Tempus” genannt, “Perfekte / Imperfekte Prolation” auf der Ebene der Semibreve-Minim und existierten in allen möglichen Kombinationen miteinander. Drei zu eins wurde “perfekt” und zwei zu eins “unvollkommen” genannt. Es gab auch Regeln, wonach einzelne Noten halbiert oder verdoppelt werden konnten (“unvollkommen” bzw. “verändert”), wenn sie anderen bestimmten Noten vorangingen oder folgten. Noten mit schwarzen Notenköpfen (wie Viertelnoten) traten seltener auf. Diese Entwicklung der weißen Mensurnotation könnte ein Ergebnis der vermehrten Verwendung von Papier sein (anstelle von Pergament), da das schwächere Papier dem Kratzen, das zum Füllen von massiven Notenköpfen erforderlich ist, weniger standhalten konnte; Schreibweise früherer Zeiten, geschrieben auf Pergament, war schwarz gewesen. Andere Farben und später ausgefüllte Notizen wurden ebenfalls routinemäßig verwendet, hauptsächlich um die oben erwähnten Unvollkommenheiten oder Veränderungen zu erzwingen und um andere temporäre rhythmische Veränderungen zu fordern.

Versehentliche (z. B. hinzugefügte scharfe, flache und natürliche Noten, die die Noten ändern) wurden nicht immer spezifiziert, etwa wie in einigen Fingersätzen für Gitarreninstrumente (Tabulaturen) heute. Die Musiker der Renaissance wären jedoch sehr gut im dyadischen Kontrapunkt geschult worden und verfügten über diese und andere Informationen, um eine Partitur korrekt zu lesen, auch wenn die Vorzeichen nicht geschrieben waren. Daher hätte “die moderne Notation [Vorzeichen] verlangt für einen kontrapunktisch versierten Sänger vollkommen ohne Notation. ” (Siehe musica ficta.) Ein Sänger würde seine oder ihre Rolle interpretieren, indem er kadenzische Formeln mit anderen Teilen im Kopf betrachtet, und beim gemeinsamen Singen würden die Musiker parallele Oktaven und parallele Quinten vermeiden oder ihre kadenzartigen Teile im Lichte der Entscheidungen anderer Musiker verändern ( Bent 2000, S. 25). Durch zeitgenössische Tabulaturen für verschiedene Zupfinstrumente haben wir viele Informationen darüber gewonnen, welche Vorzeichen von den ursprünglichen Praktizierenden gemacht wurden.

Für weitere Informationen zu bestimmten Theoretikern siehe Johannes Tinctoris, Fran- chinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron, Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius und Pietro Cerone.

Frühzeit (1400-1470)
Die Schlüsselkomponisten der frühen Renaissance schrieben auch spätmittelalterlich und sind damit Übergangsfiguren. Leonel Power (ca. 1370er oder 1380er – 1445) war ein englischer Komponist der Musikepochen des späten Mittelalters und der frühen Renaissance. Zusammen mit John Dunstaple war er eine der wichtigsten Persönlichkeiten der englischen Musik im frühen 15. Jahrhundert (Stolba 1990, S. 140; Emmerson und Clayton-Emmerson 2006, 544). Power ist der Komponist, der am besten im Old Hall Manuscript vertreten ist, einer der wenigen unbeschädigten Quellen englischer Musik aus dem frühen 15. Jahrhundert. Power war einer der ersten Komponisten, die getrennte Bewegungen des Ordinariums der Messe festlegten, die thematisch vereinheitlicht und für eine zusammenhängende Aufführung bestimmt waren. Das Alte Hallenmanuskript enthält seine Messe, die auf der marianischen Antiphon Alma Redemptoris Mater basiert, in der die Antiphon in jedem Satz, ohne melodische Ornamente, in der Tenorstimme buchstabiert ist. Dies ist die einzige zyklische Einstellung der Masse Ordinary, die ihm zugeschrieben werden kann (Bent nd). Er schrieb Masszyklen, Fragmente und einzelne Sätze und eine Vielzahl anderer heiliger Werke.

John Dunstaple (oder Dunstable) (ca. 1390-1453) war ein englischer Komponist polyphoner Musik des späten Mittelalters und der frühen Renaissance. Er war einer der berühmtesten Komponisten, der im frühen 15. Jahrhundert aktiv war, ein nahezu zeitgemäßer der Macht, und war weit verbreitet, nicht nur in England, sondern auf dem Kontinent, besonders im sich entwickelnden Stil der Burgundischen Schule. Der Einfluss von Dunstaple auf das musikalische Vokabular des Kontinents war enorm, insbesondere angesichts des relativen Mangels seiner (zuschreibbaren) Werke. Er war dafür bekannt, dass er in der Musik der burgundischen Schule noch nie zuvor gehörte Musik gehört hatte: la contenance angloise (“das englische Antlitz”), ein Ausdruck, den der Dichter Martin le Franc in seinem Le Champion des Dames verwendete. Le Franc fügte hinzu, dass der Stil Dufay und Binchois beeinflusste. Der flämische Komponist und Musiktheoretiker Tinctoris schrieb einige Jahrzehnte später, um 1476, den starken Einfluss von Dunstaple und betonte die “neue Kunst”, die Dunstaple inspiriert hatte. Tinctoris bejubelte Dunstaple als die fons et origo des Stils, seine “Quelle und Herkunft”.

Die contenance angloise, obwohl nicht von Martin le Franc definiert, war wahrscheinlich ein Hinweis auf Dunstaples stilistische Eigenschaft, volle triadische Harmonie (drei Akkorde) zu verwenden, zusammen mit einer Vorliebe für das Intervall des dritten. Angenommen, er wäre mit dem Herzog von Bedford auf dem Kontinent gewesen, wäre Dunstaple dem französischen Fauxbourdon vorgestellt worden; einige der Klänge ausleihend, schuf er elegante Harmonien in seiner eigenen Musik mit Terzen und Sexten (ein Beispiel für ein drittes Intervall sind die Noten C und E; ein Beispiel für ein sechstes Intervall sind die Noten C und A). Zusammengenommen werden diese als Merkmale der Frührenaissance-Musik bezeichnet. Viele dieser Merkmale stammen möglicherweise aus England und wurzeln um die Mitte des Jahrhunderts in der Burgunder Schule.

Da zahlreiche Kopien von Dunstaples Werken in italienischen und deutschen Manuskripten gefunden wurden, muss sein Ruhm in Europa weit verbreitet gewesen sein. Von den ihm zugeschriebenen Werken sind nur etwa fünfzig erhalten, darunter zwei vollständige Messen, drei zusammenhängende Massenabschnitte, vierzehn einzelne Massenabschnitte, zwölf vollständige isorhythmische Motetten und sieben Vertonungen marianischer Antiphonen, wie Alma redemptoris Mater und Salve Regina, Mater misericordiae . Dunstaple war einer der ersten, der mit einer einzigen Melodie als cantus firmus Massen komponierte. Ein gutes Beispiel für diese Technik ist seine Missa Rex seculorum. Es wird angenommen, dass er säkulare (nicht-religiöse) Musik geschrieben hat, aber keine Lieder im Volksmund können ihm mit einiger Sicherheit zugeschrieben werden.

Oswald von Wolkenstein (ca. 1376-1445) ist einer der bedeutendsten Komponisten der frühen deutschen Renaissance. Er ist am besten bekannt für seine gut geschriebenen Melodien und für seine Verwendung von drei Themen: Reisen, Gott und Sex.

Gilles Binchois (ca. 1400-1460) war ein niederländischer Komponist, einer der frühesten Mitglieder der burgundischen Schule und einer der drei berühmtesten Komponisten des frühen 15. Jahrhunderts. Während seine zeitgenössischen Arbeiten oft hinter seinen Zeitgenossen Guillaume Dufay und John Dunstaple standen, wurden seine Werke nach seinem Tod immer noch zitiert, entlehnt und als Quellenmaterial verwendet. Binchois gilt als [von wem?] Als ein guter Melodist, der sorgfältig geformte Linien schreibt, die leicht zu singen und unvergesslich sind. Seine Stücke erschienen Jahrzehnte nach seinem Tod in Kopien und wurden oft von späteren Komponisten als Quellen für die Komposition der Musik verwendet. Die meisten seiner Musik, sogar seine geistliche Musik, sind einfach und klar im Umriss, manchmal sogar asketisch (Mönch). Ein größerer Kontrast zwischen Binchois und der extremen Komplexität des ars subtilior des vorigen (vierzehnten) Jahrhunderts wäre schwer vorstellbar. Die meisten seiner weltlichen Lieder sind Rondeaux, die im Laufe des Jahrhunderts zur am weitesten verbreiteten Liedform wurden. Er schrieb selten in strophischer Form, und seine Melodien sind im Allgemeinen unabhängig vom Reimschema der Verse, denen sie zugeteilt sind. Binchois schrieb Musik für den Hof, weltliche Lieder der Liebe und des Rittertums, die den Erwartungen entsprachen und den Geschmack der Herzöge von Burgund, die ihn angestellt hatten, befriedigen konnten, und offensichtlich seine Musik dementsprechend liebte. Etwa die Hälfte seiner erhaltenen weltlichen Musik findet sich in der Oxford Bodleian Library.

Guillaume Du Fay (ca. 1397-1474) war ein franko-flämischer Komponist der Frührenaissance. Als zentrale Figur der burgundischen Schule wurde er von seinen Zeitgenossen in der Mitte des 15. Jahrhunderts als der führende Komponist in Europa angesehen (Planchart nd). Du Fay komponierte in den meisten gängigen Formen des Tages, einschließlich Messen, Motetten, Magnificats, Hymnen, einfache Chant Einstellungen in Fauxbourdon und Antiphonen im Bereich der sakralen Musik, und Rondeaux, Balladen, virelais und ein paar andere Chanson Typen innerhalb das Reich der weltlichen Musik. Keine seiner überlieferten Musik ist spezifisch instrumental, obwohl Instrumente sicherlich für einige seiner weltlichen Musik verwendet wurden, besonders für die unteren Teile; all seine geistliche Musik ist stimmlich. Instrumente könnten verwendet worden sein, um die Stimmen in tatsächlicher Aufführung für fast alle seine Arbeiten zu verstärken. Sieben vollständige Messen, 28 individuelle Massenbewegungen, 15 Settings von Gesängen, drei Magnificats, zwei Benedicamus Domino Settings, 15 Antiphon Settings (davon sechs Marian Antiphons), 27 Hymnen, 22 Motetten (davon 13 Isorhythmika) kantiger, strenger Stil des 14. Jahrhunderts, der in der Jugend von Du Fay mehr melodisch-sinnlich-tribal-dominierte Part-Writing mit Phrasen mit der “Unter-Drittel-Kadenz” zuließ) und 87 Chansons, die er definitiv von ihm geerbt hat.

Mittlerer Zeitraum (1470-1530)
In den frühen 1470er Jahren wurde Musik mit einer Druckerpresse gedruckt. Der Musikdruck hatte großen Einfluss darauf, wie sich Musik verbreitete, denn ein gedrucktes Musikstück erreichte nicht nur eine größere geografische Region und ein größeres Publikum als jedes handgeschriebene oder handkopierte Manuskript jemals, sondern auch viel billiger. Auch im 16. Jahrhundert entwickelte sich eine Tradition berühmter Macher für viele Instrumente. Diese Macher waren Meister ihres Fachs. Ein Beispiel ist die Nürnberger Neuschel für ihre Trompeten.

Gegen Ende des 15. Jahrhunderts war die polyphone Kirchenmusik (wie sie in den Massen von Johannes Ockeghem und Jacob Obrecht exemplifiziert wurde) noch einmal komplexer geworden, in einer Weise, die vielleicht mit der verstärkten Auseinandersetzung mit Details in der Malerei in Verbindung steht die Zeit. Vor allem Ockeghem liebte den Kanon, sowohl kontrapunktisch als auch mensural. Er komponierte eine Messe, Missa prolationum, in der alle Teile kanonisch von einer musikalischen Linie abgeleitet sind. Es war in den ersten Jahrzehnten des nächsten Jahrhunderts, dass sich die Musik in einem Takt (man denke an die moderne Taktart) von zwei Semibreves-zu-einem-Breve so verbreitet, wie das mit drei Semibreves-zu-Breve, wie es vor dieser Zeit herrschte.

Zu Beginn des 16. Jahrhunderts gibt es einen weiteren Trend zur Vereinfachung, wie man es zum Teil an den Werken von Josquin des Prez und seiner Zeitgenossen an der franko-flämischen Schule und später an denen von GP Palestrina erkennen kann. Palestrina reagierte teilweise auf die Restriktionen des Konzils von Trient, die eine übermäßig komplexe Polyphonie verhinderten, da man glaubte, dass sie das Verständnis des Hörers für den Text beeinträchtige. Franco-Fleming-Komponisten aus dem frühen 16. Jahrhundert entfernten sich von den komplexen Systemen des kanonischen und anderen mensuralen Spiels von Ockeghems Generation und tendierten zu Imitations- und Duett- oder Trio-Abschnitten innerhalb einer Gesamttextur, die zu fünf und sechs Stimmen anwuchs.

Spätzeit (1530-1600)
In Venedig entwickelte sich von ca. 1530 bis ca. 1600 ein beeindruckender mehrchöriger Stil, der Europa zu einer der großartigsten und klangvollsten Kompositionen der damaligen Zeit verhalf, mit mehreren Chören von Sängern, Blechbläsern und Streichern an verschiedenen Stellen der Basilika San Marco di Venezia (siehe Venezianische Schule). Diese multiplen Revolutionen breiteten sich in den nächsten Jahrzehnten über Europa aus. Sie begannen in Deutschland und zogen dann etwas später nach Spanien, Frankreich und England und markierten den Beginn dessen, was wir heute als das barocke Musikzeitalter kennen.

Die Römische Schule war eine Gruppe von Komponisten vorwiegend kirchlicher Musik in Rom, die die Spätrenaissance und frühen Barockzeiten umfasst. Viele der Komponisten hatten eine direkte Verbindung zum Vatikan und zur Papstkapelle, obwohl sie in mehreren Kirchen arbeiteten; stilistisch werden sie oft mit der venezianischen Schule der Komponisten kontrastiert, eine gleichzeitige Bewegung, die viel progressiver war. Der mit Abstand berühmteste Komponist der römischen Schule ist Giovanni Pierluigi da Palestrina. Obwohl er als produktiver Komponist von Messen und Motetten bekannt war, war er auch ein wichtiger Madrigalist. Seine Fähigkeit, die funktionalen Bedürfnisse der katholischen Kirche mit den vorherrschenden musikalischen Stilen während der Gegenreformation zusammenzubringen, gab ihm seinen dauerhaften Ruhm (Lockwood, O’Regan und Owens nd).

Die kurze, aber intensive Blüte des musikalischen Madrigals in England, hauptsächlich von 1588 bis 1627, zusammen mit den Komponisten, die sie hervorbrachten, ist als englische Madrigalschule bekannt. Die englischen Madrigale waren a-cappella, überwiegend leicht, und begannen in der Regel als Kopien oder direkte Übersetzungen italienischer Vorbilder. Die meisten waren für drei bis sechs Stimmen.

Musica Reservata ist entweder ein Stil oder eine Aufführungspraxis in A-cappella Vokalmusik der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts, hauptsächlich in Italien und Süddeutschland, mit Verfeinerung, Exklusivität und intensiven emotionalen Ausdruck des gesungenen Textes.

Instrumente
Viele Instrumente entstanden während der Renaissance; andere waren Variationen oder Verbesserungen von Instrumenten, die vorher existierten. Einige haben bis heute überlebt; andere sind verschwunden, nur um neu geschaffen zu werden, um auf authentischen Instrumenten Musik der Zeit zu spielen. Wie in der heutigen Zeit können Instrumente als Bläser, Streicher, Schlagzeug und Holzbläser klassifiziert werden.

Mittelalterliche Instrumente in Europa waren am häufigsten einzeln verwendet worden, oft selbst begleitet mit einer Drohne oder gelegentlich in Teilen. Bereits im 13. Jahrhundert bis ins 15. Jahrhundert gab es eine Unterteilung der Instrumente in Haut (laute, schrille Außeninstrumente) und bas (leisere, intimere Instrumente) (Bowles 1954, 119 et passim). Nur zwei Gruppen von Instrumenten konnten frei in beiden Arten von Ensembles spielen: die Zinke und Sackbut und die Tabor und Tamburin (Burkholder nd).

Zu Beginn des 16. Jahrhunderts galten Instrumente als weniger wichtig als Stimmen. Sie wurden für Tänze und zur Begleitung von Vokalmusik verwendet (Fuller 2010). Instrumentelle Musik blieb der Vokalmusik untergeordnet, und ein großer Teil ihres Repertoires war in unterschiedlicher Weise von Stimmmodellen abgeleitet oder abhängig (OED 2005).

Organe
In der Renaissance wurden häufig verschiedene Arten von Orgeln verwendet, von großen Kirchenorgeln bis zu kleinen Portativen und Reed-Orgeln, den sogenannten Regalen.

Messing
Blechblasinstrumente in der Renaissance wurden traditionell von Profis gespielt. Einige der gebräuchlichsten Blechblasinstrumente, die gespielt wurden:
Slide Trompete: Ähnlich wie die Posaune von heute, mit der Ausnahme, dass anstelle eines gleitenden Teils des Körpers nur ein kleiner Teil des Körpers in der Nähe des Mundstücks und des Mundstücks selbst stationär ist. Außerdem hatte der Körper eine S-Form, so dass er ziemlich unhandlich war, aber er war für die langsame Tanzmusik geeignet, für die er am häufigsten verwendet wurde.
Cornett: Aus Holz und gespielt wie die Blockflöte (durch Einblasen eines Endes und Bewegen der Finger von außen nach außen), aber mit einem Mundstück wie eine Trompete.
Trompete: Frühe Trompeten hatten keine Klappen und waren auf die Töne der Obertonreihe beschränkt. Sie wurden auch in verschiedenen Größen hergestellt.
Sackbut (manchmal Sackbutt oder Sagbutt): Ein anderer Name für die Posaune (Anon. Nd), die die Gleittrompete um die Mitte des 15. Jahrhunderts ersetzte (Besseler 1950, passim).

Saiten
Als eine Familie wurden Saiten in vielen Umständen, sowohl heiligen als auch weltlichen verwendet. Ein paar Mitglieder dieser Familie gehören:

Viol: Dieses Instrument, das im 15. Jahrhundert entwickelt wurde, hat gewöhnlich sechs Saiten. Es wurde normalerweise mit einer Verbeugung gespielt. Es hat strukturelle Qualitäten, die der spanischen gezupften Vihuela ähnlich sind (genannt Viola da mano in Italien); sein Hauptmerkmal der Trennung ist seine größere Größe. Dies änderte die Haltung des Musikers, um ihn ähnlich wie beim Cello auf dem Boden oder zwischen den Beinen abzusetzen. Seine Ähnlichkeiten mit der Vihuela waren scharfe Taillenschnitte, ähnliche Bünde, ein flacher Rücken, dünne Rippen und identische Stimmungen. Auf diese Weise wurde es manchmal auch als “Viola da Gamba” bezeichnet, um es von Gamben zu unterscheiden, die “am Arm” gespielt wurden: Viole da braccio, die sich zur Geigenfamilie entwickelte.
Lyra: Der Aufbau ist ähnlich wie bei einer kleinen Harfe, aber statt gezupft wird mit einem Plektrum gespielt. Seine Saiten variierten je nach Epoche in vier, sieben und zehn Stücken. Es wurde mit der rechten Hand gespielt, während die linke Hand die Noten zum Schweigen brachte, die nicht erwünscht waren. Neuere Lyren wurden modifiziert, um mit einem Bogen gespielt zu werden.
Irish Harp: Im schottischen Gälisch auch Clàrsach oder im irischen Cláirseach genannt, war es im Mittelalter das beliebteste Instrument Irlands und Schottlands. Aufgrund seiner Bedeutung in der irischen Geschichte wird es sogar auf dem Guinness-Label gesehen und ist bis heute das nationale Symbol Irlands. Um gespielt zu werden, wird es normalerweise gezupft. [Klarstellung erforderlich] Die Größe kann sehr unterschiedlich sein von einer Harfe, die im Schoß gespielt werden kann, bis zu einer Harfe in voller Größe, die auf dem Boden liegt
Drehleier: (auch als Radgeige bekannt), bei dem die Saiten von einem Rad erklingen, das die Saiten überfahren. Seine Funktionalität kann mit der einer mechanischen Geige verglichen werden, in der sein Bogen (Rad) durch eine Kurbel gedreht wird. Sein markanter Klang ist vor allem wegen seiner “Drohnen Saiten”, die eine konstante Tonhöhe ähnlich dem Dudelsack bieten.
Gittern und Mandore: Diese Instrumente wurden in ganz Europa verwendet. Vorläufer moderner Instrumente wie Mandoline und Gitarre.

Schlagzeug
Zu den Renaissance-Perkussionsinstrumenten gehören das Dreieck, die Maultrommel, das Tamburin, die Glocken, die Cymbala, der Rumpftopf und verschiedene Arten von Trommeln.

Tamburin: Das Tamburin ist eine Rahmentrommel. Die Haut, die den Rahmen umgibt, wird das Pergament genannt und produziert den Schlag, indem sie die Oberfläche mit den Knöcheln, den Fingerspitzen oder der Hand schlägt. Es könnte auch durch Schütteln des Instruments gespielt werden, wobei die Jingles des Tamburins oder die Pelletglocken (wenn sie es haben) “klirren” und “klingeln” können.
Maultrommel: Ein Instrument, das mit Formen des Mundes Töne erzeugt und versucht, mit dem Mund verschiedene Vokale auszusprechen. Die Schleife am gebogenen Ende der Zunge des Instruments wird in verschiedenen Vibrationsstufen gezupft, wodurch verschiedene Töne erzeugt werden.

Holzbläser (Aerophone)
Holzblasinstrumente (Aerophone) erzeugen Schall durch eine schwingende Luftsäule innerhalb des Rohres. Löcher entlang der Pfeife erlauben es dem Spieler, die Länge der Luftsäule und damit die Tonhöhe zu kontrollieren. Es gibt mehrere Möglichkeiten, die Luftsäule in Schwingungen zu versetzen, und diese Weisen definieren die Unterkategorien von Holzblasinstrumenten. Ein Spieler kann über ein Mundloch wie in einer Flöte blasen; in ein Mundstück mit einem einzigen Blatt, wie in einer modernen Klarinette oder einem Saxophon; oder ein Doppelrohrblatt wie bei einer Oboe oder einem Fagott. Alle drei Methoden der Tonproduktion sind in Renaissance-Instrumenten zu finden.

Shawm: Eine typische orientalische [Klärung benötigt] Schalmei ist schlüssellos und ist etwa einen Fuß lang mit sieben Fingerlöchern und einem Daumenloch. Die Pfeifen waren auch am häufigsten aus Holz und viele von ihnen hatten Schnitzereien und Verzierungen auf ihnen. Es war das beliebteste Doppelrohrblasinstrument der Renaissance. Es wurde häufig in den Straßen mit Trommeln und Trompeten wegen seiner brillanten, durchdringenden und oft ohrenbetäubenden Klang verwendet. Um die Schalmei zu spielen, steckt eine Person das ganze Rohr in den Mund, bläst ihre Wangen aus und bläst in die Pfeife, während sie durch die Nase atmet.

Reed-Rohr: Hergestellt aus einem einzigen kurzen Rohrstock mit einem Mundstück, vier oder fünf Fingerlöchern und daraus geformtem Reed. Das Reed wird durch Ausschneiden einer kleinen Zunge hergestellt, wobei jedoch die Basis befestigt bleibt. Es ist der Vorläufer des Saxophons und der Klarinette.
Hornpipe: Wie Reedrohr, aber mit einer Glocke am Ende.
Dudelsack / Blasrohr: Von den Gläubigen geglaubt, dass sie von Hirten erfunden wurden, die der Meinung waren, dass die Verwendung einer aus Schafs- oder Ziegenhaut gefertigten Tasche Luftdruck erzeugen würde, so dass der Spieler nur den darunter gedrückten Sack ausquetschen muss Arm, um den Ton fortzusetzen. Das Mundrohr hat ein einfaches rundes Stück Leder, das an dem Beutelende des Rohrs angelenkt ist und wie ein Rückschlagventil wirkt. Das Reed befindet sich im Inneren des langen Mundstücks, das man als Bocal bezeichnet hätte, wenn es aus Metall gewesen wäre und das Reed an der Außenseite statt an der Innenseite gewesen wäre.
Panflöte: Verwendet eine Reihe von Holzrohren mit einem Stopper an einem Ende und offen auf der anderen Seite. Jede Röhre hat eine andere Größe (wodurch ein anderer Ton erzeugt wird), was einen Bereich von einer Oktave und einer Hälfte ergibt. Der Spieler kann dann seine Lippen gegen die gewünschte Röhre legen und darüber blasen.
Querflöte: Die Querflöte ähnelt der modernen Flöte mit einem Mundloch in der Nähe des stopped Ende und Fingerlöcher entlang des Körpers. Der Spieler bläst über das Mundloch und hält die Flöte entweder rechts oder links.
Recorder: Der Recorder war ein allgemeines Instrument während der Renaissance. Anstelle eines Rohrs verwendet es ein Pfeifenmundstück als Hauptquelle der Klangproduktion. Es wird normalerweise mit sieben Fingerlöchern und einem Daumenloch gemacht.