Protestkunst

Protestkunst ist ein breiter Begriff, der sich auf kreative Werke bezieht, die Aktivisten und soziale Bewegungen betreffen oder von ihnen produziert werden. Es gibt auch zeitgenössische und historische Werke und Denkströmungen, die auf diese Weise charakterisiert werden können.

Soziale Bewegungen produzieren solche Werke wie die Zeichen, Banner, Plakate und andere gedruckte Materialien, die verwendet werden, um eine bestimmte Ursache oder Nachricht zu übermitteln. Oft wird solche Kunst als Teil von Demonstrationen oder Handlungen des zivilen Ungehorsams verwendet. Diese Arbeiten neigen dazu, ephemer zu sein, gekennzeichnet durch ihre Tragbarkeit und Verfügbarkeit, und sind häufig nicht von einer Person verfasst oder gehört. Die verschiedenen Friedenssymbole und die erhobene Faust sind zwei Beispiele, die das demokratische Eigentum dieser Zeichen hervorheben.

Protestkunst umfasst auch (aber nicht ausschließlich) Performance, ortsspezifische Installationen, Graffiti und Street Art und überschreitet die Grenzen von Kunstgenres, Medien und Disziplinen. Während Protestkunst mit ausgebildeten und professionellen Künstlern assoziiert wird, ist ein umfangreiches Kunstwissen für die Teilnahme an Protestkunst nicht erforderlich. Protestkünstler umgehen häufig die Institutionen der Kunstwelt und das System der kommerziellen Galerie, um ein breiteres Publikum zu erreichen. Darüber hinaus ist Protestkunst nicht auf eine Region oder ein Land beschränkt, sondern eine Methode, die auf der ganzen Welt angewendet wird.

Es gibt viele politisch aufgeladene Kunstwerke – wie Picassos Guernica, einige Werke von Norman Carlberg aus der Vietnamkriegszeit oder Susan Criles Folterbilder in Abu Ghraib.

Geschichte
Es ist schwierig, eine Geschichte für Protestkunst zu erstellen, da viele Variationen davon in der Geschichte gefunden werden können. Während viele Fälle von Protestkunst in den frühen 1900er Jahren gefunden werden können, wie Picassos Guernica im Jahr 1937, die letzten dreißig Jahre [wann?] Hat eine große Zunahme der Anzahl von Künstlern erlebt, die Protestkunst als einen Stil verwenden, um eine Botschaft an die Öffentlichkeit.

Da das Bewusstsein für soziale Gerechtigkeit auf der ganzen Welt in der Öffentlichkeit stärker verbreitet ist, kann eine Zunahme der Protestkunst beobachtet werden. Einige der kritischsten Werke der jüngeren Zeit [außerhalb der Galerie] wurden außerhalb des Museums gezeigt und in diesem Sinne hat die Protestkunst eine andere Beziehung zur Öffentlichkeit gefunden.

Aktivistische Kunst
Aktivistische Kunst repräsentiert und beinhaltet ästhetische, soziopolitische und technologische Entwicklungen, die versucht haben, die traditionellen Grenzen und Hierarchien der Kultur, wie sie von den Machthabern repräsentiert werden, herauszufordern und zu verkomplizieren. Wie die Protestkunst entstand die Kunstpraxis der Aktivisten zum Teil aus dem Ruf heraus, Kunst mit einem breiteren Publikum zu verbinden und Räume zu öffnen, in denen die Ausgegrenzten und Entrechteten zu sehen und zu hören sind.

Aktivistische Kunst beinhaltet die Nutzung von öffentlichem Raum, um sozialpolitische Themen anzugehen und die Partizipation von Gemeinschaften und der Öffentlichkeit zu fördern, um soziale Veränderungen herbeizuführen. Es zielt darauf ab, den sozialen Wandel zu beeinflussen, indem aktive Repräsentationsprozesse in Gang gesetzt werden, die die Teilhabe am Dialog fördern, das Bewusstsein schärfen und Einzelpersonen und Gemeinschaften stärken. Die Notwendigkeit, die anhaltende Wirkung einer Arbeit durch die Aufrechterhaltung des von ihr initiierten Prozesses der Öffentlichkeitsbeteiligung sicherzustellen, ist auch eine Herausforderung für viele Aktivisten. Es erfordert oft, dass der Künstler Beziehungen innerhalb der Gemeinschaften herstellt, in denen Projekte stattfinden.

Wenn soziale Bewegungen als „wiederholte öffentliche Zurschaustellung“ alternativer politischer und kultureller Werte verstanden werden, dann ist die aktivistische Kunst bedeutend, um solche alternativen Ansichten zu artikulieren. Aktivistische Kunst ist auch wichtig für die Dimension der Kultur und ein Verständnis ihrer Bedeutung neben politischen, wirtschaftlichen und sozialen Kräften in Bewegungen und Akte des sozialen Wandels. Man sollte misstrauisch sein, aktivistische Kunst mit politischer Kunst zu verbinden, da dies kritische Unterschiede in der Methodik, Strategie und aktivistischen Zielen verdeckt.

Historische Grundlage in Kunst und Politik
Die Kunst des Aktivismus bezieht sich auf ein bestimmtes künstlerisches und politisches Klima. In der Kunstwelt arbeitete die Performancekunst der späten 1960er bis 1970er Jahre daran, die ästhetischen Grenzen innerhalb der bildenden Kunst und des traditionellen Theaters zu erweitern und die streng konstruierte Unterscheidung zwischen den beiden zu verwischen. Der transiente, interdisziplinäre und hybride Charakter von Performance-Kunst ermöglichte die Einbeziehung der Zuschauer. Die Offenheit und Unmittelbarkeit des Mediums luden zur öffentlichen Teilnahme ein, und die Natur des künstlerischen Mediums war ein Dreh- und Angelpunkt für die Aufmerksamkeit der Medien.

Die aufkommenden Formen des Feminismus und der feministischen Kunst jener Zeit waren besonders für die Kunst der Aktivisten von Bedeutung. Die Vorstellung, dass „das Persönliche das Politische ist“, das heißt, die Vorstellung, dass persönliche Offenbarung durch Kunst ein politisches Werkzeug sein kann, hat viel aktivistische Kunst in ihrem Studium der öffentlichen Dimensionen zu privater Erfahrung geführt. Die von feministischen Künstlern eingesetzten Strategien ähneln denen von Künstlern, die in der Kunst aktiv sind. Solche Strategien beinhalteten oft „Zusammenarbeit, Dialog, eine ständige Infragestellung von ästhetischen und sozialen Annahmen und einen neuen Respekt für das Publikum“ und wurden verwendet, um Fragen der Selbstdarstellung, der Ermächtigung und der Gemeinschaftsidentität zu artikulieren und zu verhandeln.

Die Konzeptkunst versuchte, ästhetische Grenzen in ihrer Kritik der Begriffe des Kunstobjekts und des Warensystems zu erweitern, in dem es als Währung zirkuliert. Konzeptkünstler experimentierten mit unkonventionellen Materialien und Prozessen der Kunstproduktion. Getragen von Strategien, die in der realen Welt verwurzelt waren, erforderten Projekte in der Konzeptkunst die Beteiligung der Zuschauer und wurden außerhalb des traditionellen und exklusiven Raums der Kunstgalerie ausgestellt, wodurch das Werk der Öffentlichkeit zugänglich gemacht wurde. Ebenso werden kollaborative Methoden der Ausführung und Expertise von außerhalb der Kunstwelt häufig in der Kunst der Aktivisten eingesetzt, um ihre Ziele für die Beteiligung der Gemeinschaft und der Öffentlichkeit zu erreichen. Parallel zur Betonung der Ideen, die die konzeptuelle Kunst unterstützt, ist die aktivistische Kunst prozessorientiert und versucht, durch ihren Schöpfungsprozess eingebettete Machtverhältnisse aufzudecken.

In der politischen Sphäre förderte die Militanz- und Identitätspolitik jener Zeit die Bedingungen, aus denen sich die aktivistische Kunst entwickelte.

Strategie und Praxis
In der Praxis kann die aktivistische Kunst oft in Form von zeitlichen Interventionen wie Performances, Medienveranstaltungen, Ausstellungen und Installationen stattfinden. Es ist auch üblich, Mainstream-Medien-Techniken zu verwenden (durch die Verwendung von Werbetafeln, Plakaten, Werbung, Zeitungsbeilagen usw.). Durch die Nutzung dieser kommerziellen Vertriebskanäle ist diese Technik besonders effektiv bei der Übermittlung von Nachrichten, die ihre üblichen Absichten aufdecken und untergraben.

Die Nutzung öffentlicher Partizipation als eine Strategie der Aktivierung von Individuen und Gemeinschaften, um ein „Katalysator für Veränderung“ zu werden, ist wichtig für aktivistische Kunst. Partizipation wird in diesem Kontext zu einem Akt der Selbstdarstellung oder Selbstdarstellung der gesamten Gemeinschaft. Der kreative Ausdruck befähigt den Einzelnen, einen Raum zu schaffen, in dem seine Stimmen gehört werden können und in dem sie miteinander in Dialog treten können und mit den Themen, an denen sie persönlich beteiligt sind.

Die Artist and Homeless Collaborative ist ein Beispiel für ein Projekt, das mit Strategien der öffentlichen Partizipation als Mittel der individuellen und gemeinschaftlichen Befähigung arbeitet. Es ist eine Verbindung von Künstlern, Kunstprofis und Frauen, Kindern und Jugendlichen, die in New Yorker Schutzhütten leben. Die A & HC glauben, dass ihre Arbeit in einem gemeinschaftlichen Kunstprojekt den Bewohnern eine „positive Erfahrung von Eigenmotivation bietet und ihnen hilft wiederzuerlangen, was das Schutzsystem und die Lebensumstände zerstören: ein Gefühl der individuellen Identität und Vertrauen in die menschliche Interaktion. „Der Prozess der Einbeziehung der Gemeinschaft in einen Dialog mit dominanten und öffentlichen Diskursen über das Thema Obdachlosigkeit wird in einer Erklärung ihres Gründers beschrieben , Hope Sandrow: „Die Relevanz von Kunst für eine Gemeinschaft zeigt sich in Kunstwerken, in denen Obdachlose direkt mit der Öffentlichkeit sprechen und in Diskussionen über die Beziehung, die Kunst zu ihrem Leben hat. Die Kunst, Kunst zu schaffen, regt die in Notunterkünften lebenden Menschen dazu an, sich aktiv am künstlerischen Prozess zu beteiligen “

Die A & HC entstand zu einer Zeit, als eine Kritik der Macher, Verkäufer und Konsumenten von Kunst, die sich mit sozialen Belangen beschäftigten, immer deutlicher wurde. Kritiker argumentierten, dass die Kunstwerke, deren Zweck es war, politische, soziale und kulturelle Konversation zu provozieren, auf den exklusiven und privilegierten Raum von Galerien, Museen und privaten Sammlungen beschränkt waren. Im Gegensatz dazu war der A & HC ein Versuch, die Kluft zwischen Kunstproduktion und sozialem Handeln zu überbrücken, so dass die bisher ausgeschlossenen und zum Schweigen gebrachten Arbeitsthemen gehört werden konnten.

Widerstandskunst
Widerstandskunst ist Kunst, um Widerstand gegen Machthaber zu zeigen. Dazu gehört die Kunst, die sich der Macht der deutschen Nazi-Partei sowie der Apartheid in Südafrika entgegenstellt. Willie Bester ist einer der bekanntesten Künstler Südafrikas, der ursprünglich als Widerstandskünstler begann. Mit aus Müll zusammengesetzten Materialien baut Bester Oberflächen auf und malt die Oberfläche mit Ölfarbe. Seine Arbeiten kommentierten wichtige südafrikanische Figuren und wichtige Aspekte seiner Gemeinde. Die südafrikanischen Widerstandskünstler beschäftigen sich nicht ausschließlich mit der Rasse, sie müssen auch nicht aus den Townships stammen. Eine andere Künstlerin, Jane Alexander, hat sich aus einer weißen Perspektive mit den Grausamkeiten der Apartheid auseinandergesetzt. Ihre Widerstandskunst beschäftigt sich mit der ungesunden Gesellschaft, die in Südafrika nach der Apartheid weitergeht.

Sammlungen
Das Zentrum für das Studium der politischen Graphik enthält derzeit mehr als 85.000 Plakate und hat die größte Sammlung von Plakaten für soziale Gerechtigkeit in den USA nach dem Zweiten Weltkrieg und die zweitgrößte der Welt. Viele Universitätsbibliotheken verfügen über umfangreiche Sammlungen, darunter die Joseph A. Labadie Collection an der University of Michigan, die die Geschichte sozialer Protestbewegungen und marginalisierter politischer Gemeinschaften vom 19. Jahrhundert bis zur Gegenwart dokumentiert.