Post-Expressionismus ist ein Begriff, der von dem deutschen Kunstkritiker Franz Roh geprägt wurde, um eine Vielzahl von Bewegungen in der Nachkriegs-Kunstwelt zu beschreiben, die vom Expressionismus beeinflusst waren, sich aber durch die Ablehnung seiner Ästhetik definierten. Roh verwendete den Begriff erstmals 1925 in einem Essay „Magischer Realismus: Post-Expressionismus“, um Gustav Friedrich Hartlaubs „Neue Sachlichkeit“ gegenüberzustellen, der diese Entwicklungen in der deutschen Kunst enger kennzeichnete. Obwohl Roh den „Post-Expressionismus“ und den „magischen Realismus“ als Synonyme ansah, charakterisierten spätere Kritiker die Unterschiede zwischen dem magischen Realismus und anderen Künstlern, die ursprünglich von Hartlaub identifiziert wurden, und wiesen auch auf andere Künstler in Europa hin, die unterschiedliche stilistische Tendenzen hatten Trend.

Hintergrund
Vor dem Ersten Weltkrieg stand ein großer Teil der Kunstwelt unter dem Einfluss von Futurismus und Expressionismus. Beide Bewegungen gaben jegliches Ordnungsgefühl oder Engagement für Objektivität oder Tradition auf.

Das Gefühl der Futuristen wurde am deutlichsten von Filippo Marinetti im Futuristischen Manifest zum Ausdruck gebracht, wo er eine Ablehnung der Vergangenheit, eine Ablehnung jeglicher Nachahmung – von anderen Künstlern oder der Außenwelt – forderte und die Tugend der Originalität und des Triumphes von Technologie. Der futuristische Poet Vladimir Mayakovsky sagte in diesem Zusammenhang: „Nachdem ich Strom gesehen habe, habe ich das Interesse an der Natur verloren.“ Marinetti und andere Futuristen verherrlichten Krieg und Gewalt als einen Weg zur Revolution – bringen Freiheit, neue Ideen und sammeln sich für den Kampf die eigenen Leute – und als sich der Krieg in Europa formte, sahen viele es und ermutigten einen Weg, die Kultur zu „reinigen“ und alte veraltete Elemente der Gesellschaft zu zerstören.

Expressionisten, die ebenfalls die Imitation der Natur aufgegeben haben, suchten emotionale Erfahrung auszudrücken, konzentrierten ihre Kunst jedoch oft auf Angst – innere Unruhe; ob als Reaktion auf die moderne Welt, zur Entfremdung von der Gesellschaft oder zur Schaffung einer persönlichen Identität. In Übereinstimmung mit dieser Anspielung auf die Angst wiederholten Expressionisten auch einige der gleichen Gefühle der Revolution wie Futuristen. Dies wird durch eine 1919 erschienene Anthologie expressionistischer Lyrik mit dem Titel „Menschheitsdämmerung“ belegt, die „Dawn of Humanity“ bedeutet – was bedeuten soll, dass sich die Menschheit in einem „Zwielicht“ befand; dass es einen drohenden Untergang einer alten Art zu sein gab und darunter das Drängen eines neuen Dämmerns.

Sowohl der Futurismus als auch der Expressionismus wurden immer von der Opposition getroffen, aber die Zerstörung, die im Krieg stattfand, hatte die Kritik an ihnen erhöht. Nach dem Krieg, in und in verschiedenen künstlerischen Kreisen, gab es einen Ruf nach einer Rückkehr zur Ordnung und Wiedererkennung der Tradition und der natürlichen Welt. In Italien wurde dies von der Zeitschrift Valori Plastici unterstützt und kam in der Novecento zusammen, einer Gruppe, die auf der Biennale in Venedig ausstellte und von vielen Futuristen begleitet wurde, die ihre früheren Arbeiten abgelehnt hatten. Mario Sironi, ein Mitglied dieser Gruppe, erklärte, dass sie „die von Gott geschaffene Welt nicht nachahmen würden, sondern von ihr inspiriert werden“. Die von Hartlaub geprägte „Neue Sachlichkeit“ oder Neue Sachlichkeit beschrieb die Entwicklungen in Deutschland und wurde der Titel einer Ausstellung, die er 1925 inszenierte. Die Neue Sachlichkeit wurde nicht nur von der „Rückkehr zur Ordnung“ beeinflusst, sondern auch von den linksgerichteten Künstlern, die ihre Kunst auf eine zukunftsweisende, politische Art und Weise des Expressionismus einsetzen wollten hat ihnen das nicht ermöglicht. In Belgien gab es eine weitere Ader im gemeinsamen Trend, die später als „retour à l’humain“ bezeichnet wurde.

Bewegungen
Als Hartlaub die Idee der Neuen Sachlichkeit definierte, identifizierte er zwei Gruppen: die Verists, die „die objektive Form der Welt der zeitgenössischen Tatsachen rissen und aktuelle Erfahrung in ihrem Tempo und ihrer fiebrigen Temperatur darstellen“, und die Klassizisten, die “ [mehr] nach dem Objekt der zeitlosen Fähigkeit gesucht, die äußeren Gesetze der Existenz im künstlerischen Bereich zu verkörpern. “

Obwohl Roh den Begriff „magischer Realismus“ ursprünglich als Synonym für „Neue Sachlichkeit“ verstand, wurden die von Hartlaub als „Klassizisten“ bezeichneten Künstler später mit Rohs Begriff assoziiert. Diese „Magischen Realisten“ waren alle beeinflusst von dem Klassizismus, der in Italien vom Novecento entwickelt wurde, und wiederum von de Chiricos Konzept der metaphysischen Kunst, die sich ebenfalls in den Surrealismus verzweigte. Der Kunstkritiker Wieland Schmeid postulierte 1977, dass die Begriffe, obwohl sie sich auf dasselbe beziehen, aus der Tatsache, dass die Bewegung einen rechten und einen linken Flügel habe, mit den Magischen Realisten auf der richtig – viele unterstützen später den Faschismus oder passen zu ihm – und die Veronisten, die wir als Neue Sachlichkeit auf der Linken bezeichnen – kämpfen gegen den Faschismus. Die beiden Gruppen hatten neben unterschiedlichen politischen Philosophien auch unterschiedliche künstlerische Philosophien.

Der dritte, für den Post-Expressionismus wichtige und von Roh ausgeschlossene Satz ist die Reaktion auf den flämischen Expressionismus im Gegensatz zu den Ausdrucksformen des deutschen Expressionismus und des italienischen Futurismus. Dies wird typischerweise als Animismus bezeichnet.

Magischer Realismus
„Magischer Realismus“ für Roh wollte als Reaktion auf den Expressionismus erklären, „dass die Autonomie der objektiven Welt um uns herum wieder genossen werden sollte; das Wunder der Materie, die sich zu Objekten kristallisieren konnte, war von neuem zu sehen. „Mit diesem Begriff betonte er die“ Magie „der normalen Welt, wie sie sich uns darstellt – wie, wenn wir alltägliche Gegenstände wirklich betrachten erscheinen seltsam und fantastisch.

In Italien wurde der Stil, den Roh identifizierte, durch den Zusammenfluss eines neuen Fokus auf Harmonie und Technik geschaffen, der von der „Rückkehr zur Ordnung“ und der metaphysischen Kunst gefordert wurde. Dieser Stil wurde von Carlo Carrà und Giorgio de Chirico entwickelt des Novecento. Carrà beschrieb seinen Zweck, das imaginäre Innenleben vertrauter Objekte zu erforschen, wenn sie aus ihren erklärenden Kontexten dargestellt werden: ihre Solidität, ihre Getrenntheit in dem ihnen zugewiesenen Raum, der geheime Dialog, der zwischen ihnen stattfinden könnte.

Der führende Maler in Italien, der mit diesem Stil assoziiert wird, ist vielleicht Antonio Donghi, der sich an traditionelle Themen hielt – populäres Leben, Landschaften und Stillleben -, aber ihm starke Komposition und räumliche Klarheit gab, um ihm Schwere und Stille zu verleihen. Seine Stillleben bestehen oft aus einer kleinen Blumenvase, die mit der entwaffnenden Symmetrie der naiven Kunst dargestellt ist. Er malte auch häufig Vögel, die sorgfältig in ihren Käfigen ausgestellt waren, und Hunde und andere Tiere, die bereit waren, für Zirkusvorstellungen aufzutreten, um eine künstliche Anordnung auf der Natur vorzuschlagen. In Deutschland verfolgte Anton Räderscheidt einen ähnlichen Stil wie Donghi und wandte sich nach dem Verlassen des Konstruktivismus dem magischen Realismus zu. Georg Schrimpf ist ein wenig wie die beiden und arbeitet in einem vom Primitivismus geprägten Stil.

Filippo De Pisis, der oft mit metaphysischer Kunst assoziiert wird, kann auch als magischer Realist gesehen werden. Wie Donghi malte er oft traditionelle Motive, aber anstatt einen strengen klassischen Stil zu entwickeln, verwendete er einen malerischeren Pinsel, um die Intimität der Objekte hervorzuheben, ähnlich wie die belgischen Animisten. Seine Verbindung zur metaphysischen Kunst kommt daher, dass er Objekte in seinen Stillleben oft kontrapunktiert und in eine Szene stellt, die ihnen Kontext gibt.

Ein anderer Künstler in Italien, der als magischer Realist gilt, ist Felice Casorati, dessen Gemälde mit feiner Technik geschaffen wurden, die sich aber oft durch ungewöhnliche perspektivische Effekte und kühne Farbigkeit auszeichnen. Im Jahr 1925 fasste Rafael Giolli die beunruhigenden Aspekte von Casoratis Kunst zusammen: „Die Bände haben kein Gewicht und die Farben keinen Körper. Alles ist fiktiv: Selbst den Lebenden fehlt jede nervöse Vitalität. Die Sonne scheint der Mond zu sein … nichts ist fest oder bestimmt. “

Weitere deutsche Künstler, die in diesem Stil arbeiteten, sind Alexander Kanoldt und Carl Grossberg. Kanoldt malte Stilleben und Porträts, Großberg malte Stadtlandschaften und Industriestandorte mit kühler Präzision.

Neue Sachlichkeit und Verismus
Die Künstler, die heute am meisten mit der Neuen Sachlichkeit in Verbindung gebracht werden, sind diejenigen, die Hartlaub als „Veris“ identifiziert hat. Diese Künstler neigten dazu, sich dem Expressionismus zu widersetzen, verkürzten jedoch nicht so sehr die „Rückkehr zur Ordnung“, als sie sich der politischen Impotenz der expressionistischen Kunst entgegenstellten. Sie wollten sich in die revolutionäre Politik einmischen, und ihre Form des Realismus verzerrte die Erscheinungen, um das Hässliche zu betonen, da sie das, was sie für die Hässlichkeit der Wirklichkeit hielten, entlarven wollten. Die Kunst war roh, provokativ und harsch satirisch.

Bertolt Brecht, ein deutscher Dramatiker, war ein früher Kritiker des Expressionismus und bezeichnete ihn als beschränkt und oberflächlich. Wie in der Politik hatte Deutschland ein neues Parlament, aber Parlamentarier fehlten, argumentierte er, in der Literatur gab es einen Ausdruck der Freude an Ideen, aber keine neuen Ideen, und im Theater ein „Wille zum Drama“, aber kein wirkliches Drama. Seine frühen Stücke, Baal und Trommeln in der Nacht, drücken das modische Interesse am Expressionismus aus. Im Gegensatz zur individuellen emotionalen Erfahrung in der expressionistischen Kunst begann Brecht mit einer kollaborativen Produktionsmethode, beginnend mit seinem Man Equals Man Projekt.

Insgesamt wurde die Verismuskritik des Expressionismus vom Dadaismus beeinflusst. Die frühen Dada-Vertreter waren in der Schweiz, einem neutralen Land im Krieg, zusammengezogen worden, und gemeinsam wollten sie ihre Kunst als eine Art moralischen und kulturellen Protest nutzen – indem sie nicht nur die Beschränkungen der Nationalität abschüttelten, sondern auch der künstlerischen Sprache, um politische Empörung auszudrücken und politisches Handeln zu fördern. Der Expressionismus drückte den Ängsten und Ängsten der Gesellschaft gegenüber die Dadaisten aus, war aber hilflos, etwas dagegen zu unternehmen.

Daraus entwickelte Dada einen von Raoul Hausmann genannten „satirischen Hyperrealismus“, dessen bekannteste Beispiele die grafischen Arbeiten und Fotomontagen von John Heartfield sind. Die Verwendung von Collagen in diesen Werken wurde zu einem Kompositionsprinzip, das Realität und Kunst miteinander vermischte, als ob es nahelegte, dass das Aufzeichnen der Tatsachen der Realität über die einfachsten Erscheinungen der Dinge hinausgehen sollte. Dies entwickelte sich später zu Porträts und Szenen von Künstlern wie George Grosz, Otto Dix und Rudolf Schlichter. Porträts würden bestimmte Merkmale oder Objekte hervorheben, die als unterscheidende Aspekte der abgebildeten Person angesehen wurden. Satirische Szenen zeigten oft einen Wahnsinn hinter dem, was passierte, und stellten die Teilnehmer als Cartoons dar.

Andere Veris-Künstler, wie Christian Schad, schilderten die Realität mit einer klinischen Präzision, die sowohl eine empirische Distanzierung als auch eine intime Kenntnis des Themas nahelegte. Schads Gemälde zeichnen sich durch eine „künstlerische Wahrnehmung aus, die so scharf ist, dass sie unter die Haut zu schneiden scheint“, so Schmied. Oft wurden psychologische Elemente in seine Arbeit eingeführt, die eine dem Leben zugrunde liegende unbewusste Realität nahelegten.

Animismus
In Belgien war der Expressionismus von Künstlern wie James Ensor und Louis Pevernagie beeinflusst, die Expressionismus mit Symbolismus kombinierten. Ensor, bekannt für seine Bilder von Menschen in Masken, Karnevalsoutfits und Seite an Seite mit Skeletten, malte auch oft realistische Szenen, aber durchtränkte sie mit einem fiebrigen Pinsel, grellen Farben und starken Kontrasten, die auf eine seltsame Unwirklichkeit hindeuten sie, wie auch Pevernagie. Der Expressionismus wurde auch in der Latemse School ausgestellt, wo Anhänger wie Constant Permeke und Hubert Malfait Pinselstriche in der Malerei und lose Formen in der Skulptur verwendeten, um eine mystische Realität hinter der Natur zu zeigen.

In einer sogenannten „retour à l’humain“ (Rückkehr zum Menschen) hatten viele Künstler, die nach dem Krieg in Belgien arbeiteten, den expressiven Pinsel ihrer Vorfahren behalten, aber das, was sie als anti-human empfunden hatten, zurückgewiesen. irreale Verzerrungen in ihrem Gegenstand. Das Ziel war es, den expressiven Pinsel zu verwenden, um die Seele oder den Geist der Objekte, Menschen und Orte, die sie malten, darzustellen, anstatt eine hyperbolische, externalisierte, verdrängte Angst des Künstlers. Diese Künstler wurden oft als „introvertiert“ bezeichnet, im Gegensatz zu den „extrovertierten“ des Expressionismus.

Der belgische Kunstkritiker Paul Haesaerts gab dieser Bewegung später den Titel Animismus, den er aus dem Buch Primitive Culture (1871) des Anthropologen EB Tylor entnahm und den Animismus als primitive Religion beschrieb, die auf der Idee basierte, dass eine Seele alle Objekte bewohnte. Später benutzte Haesaerts, von Kritik getrieben, auch die Begriffe réalisme poétique und Intimismus, obwohl der Animismus in der Literatur immer noch am häufigsten verwendet wird. Intimismus bezieht sich häufiger auf die Kunst, die von einigen Mitgliedern der Nabis praktiziert wird.

Der bekannteste Maler dieser Künstler ist Henri-Victor Wolvens, der viele Szenen des Strandes und des Ozeans in Oostende gemalt hat. In seinen Strandszenen sind raue Wellen mit einer groben Bürste, Wolken in Flecken – rauher als im Sturm – und der Sand mit einer geschabten Qualität gemalt. Die Figuren werden so einfach wie möglich bemalt, oft als Strichmännchen und mit Transluzenz und Bewegung versehen – so zeigen seine Badenden die Aktivität des Strandes und die Aktivität der Badegäste passt sich der Bewegung der Wellen an, die an Land krachen.

Die Arbeit von Floris Jespers war stark von einem animistischen Geist nach dem Krieg geprägt. Er verwendet Form und Farbe, um den Subjekten in seinen Gemälden unterschiedliche Grade an Lebendigkeit zu geben, jeder in dem Grad, mit dem man sie im Leben assoziieren würde.

Andere Maler, die mit dieser Bewegung verbunden sind, sind Anne Bonnet, Albert Dasnoy, Henri Evenepoel, Mayou Iserentant, Jacques Maes, Marcel Stobbaerts, Albert Van Dyck, Louis Van Lint, War Van Overstraeten und Jozef Vinck.

Filippo De Pisis, oben erwähnt, zeigte animistische Tendenzen.

George Grard ist der am meisten mit Animismus verbundene Bildhauer. Wie Expressionisten wandte er sich sowohl gegen den Naturalismus als auch gegen die klassischen Tendenzen, benutzte jedoch Übertreibungen seiner Modelle, um das Gefühl und die Sinnlichkeit der Form zu erhöhen, und wählte lyrische Themen. Grard war mit Charles LePlae befreundet, der einen ähnlichen Stil hatte, sich aber eher an natürliche und klassische Formen hielt.

Herman De Cuyper wird auch mit Animismus in Verbindung gebracht und zu einem extremeren Grad abstrahiert als Grard oder LaPlae, und ähnelt in gewisser Weise Henry Moore.

Gegenbewegungen
Ein früher Aufstand gegen den auferlegten Klassizismus, der im Novecento populär war, fand mit der Gründung der Scuola Romana statt.

Romantischer Expressionismus
Corrado Cagli war ein Mitglied dieser Gruppe und identifizierte sich selbst und andere, die er als Mitglieder der „New Roman School of Painting“ oder Nuovi Pittori Romani (neue römische Maler) traf. Cagli sprach von einer sich ausweitenden Sensibilität und einem Astro di Roma (Römischer Stern), der sie als poetische Grundlage ihrer Kunst anführte:

In einer ursprünglichen Morgendämmerung muss alles neu überdacht werden, und die Imagination durchlebt alle Wunder und zittert um alle Geheimnisse.

Manchmal als romantischer Expressionismus bezeichnet, zeigt die Kunst aus dieser Gruppe eine wilde Malerei, ausdrucksstark und ungeordnet, gewalttätig und mit warmen Ocker- und Kastanienfarben. Im Gegensatz zum frühen Expressionismus geht es nicht um Angst und Aufruhr, sondern darum, die Welt durch romantische Vorstellungskraft neu zu sehen, wie Cagli es beschrieben hat. Die formale Strenge des Novecento wurde jedoch durch eine deutlich expressionistische Visionärkeit ersetzt.

Scipione hat eine Art römisch-barocken Expressionismus zum Leben erweckt, wo oft dekadente Landschaften von Roms historischem barockem Zentrum erscheinen, bevölkert von Priestern und Kardinälen, gesehen mit einem kräftig ausdrucksvollen und halluzinierten Blick.

Mario Mafai malte viele Szenen von Rom und seinen Vorstädten und verwendete warme chromatische Farben, um ein Gefühl von Frische und bildlicher Neugier zu vermitteln. Diese Neigung wird besonders in seinem Werk von 1936-1939 hervorgehoben, in einer Serie von Gemälden mit dem Titel Demolitions, wo er, um eine politische Aussage zu machen, die Umstrukturierung der Stadt durch das faschistische Regime malte. Während des Zweiten Weltkriegs malte er eine Reihe von Fantasien, die die Schrecken der Faschisten darstellen. Antonietta Raphaël, Mafais Frau und Bildhauerin, war ebenfalls Mitglied dieser Gruppe.

Ein anderes Mitglied war Renatto Guttuso, der wie Mafai Bilder machte, die das faschistische Regime denunzierten. Guttusos Arbeiten sind allgemein hell, lebhaft und fast abstrakt.

Emanuele Cavalli und Giuseppe Capogrossi haben Verbindungen sowohl zur Scuola Romana als auch zum Magischen Realismus.