Die Sammlung der Ausstellung „Portugiesische Kunst, Gründe und Gefühle“ deckt einen Großteil ihres Zeitbogens ab, der von der Mitte des 19. Jahrhunderts bis in die 1980er Jahre alle Galerien des Museums vom Serpa Pinto-Flügel aus einnimmt. Es beginnt mit der Porträtmalerei, einem Thema des 18. Jahrhunderts, das in Generationsdialogen von Künstlerkollektiven selten thematisiert wird, und mit unbekannten Werken von Miguel Lupi, Luciano Freire, Veloso Salgado, Duarte Faria und Maia und Constantino Fernandes.

Affinitäten und Beständigkeiten zwischen romantischen und naturalistischen Landschaften werden vorgestellt, obwohl sie sich in der Erhöhung des Gefühls und der Behandlung des natürlichen Lichts, in nostalgischen Symbolen des späten neunzehnten Jahrhunderts, aus bedeutenden Werken und von wenig referenzierten Autoren wie António Patrício und José de Brito unterscheiden. und zeichnet eine Reihe unveröffentlichter Gemälde des kürzlich eingearbeiteten Vermächtnisses Veloso Salgado aus.

Der Sinn für Modernität der ersten Jahrzehnte des 20. Jahrhunderts, der durch die Verbindungen von Amadeo de Souza-Cardoso zur internationalen Avantgarde zum Ausdruck gebracht wird, insbesondere durch seine abstraktionistischen Vorschläge, wird mit den Kontestationsbewegungen der Mitte des 20. Jahrhunderts und den neuen figurativen Parametern von Paula artikuliert Rego, in den Hauptgalerien des Museums. Es werden selten gezeigte Werke von Emmérico Nunes, António Soares, Abel Manta, Bernardo Marqués, Mily Podez, Jorge Barradas, Hein Semke, Jorge Oliveira und die großartigen Collagen von Jorge Vieira enthüllt.

Diese einhundertfünfzigjährige Reise der portugiesischen Kunst ermöglicht die Annäherung an Autoren und selten gezeigte Werke, wobei die Gründe zwischen Emotionen und künstlerischer Sensibilität kontextualisiert werden. Der kuratorische Vorschlag verweist auf eine Reflexion über soziale und politische Implikationen und die Vorstellungen der modernen Art zu sein seit dem neunzehnten Jahrhundert, indem auf dem chronologischen Pfad die Kontinuitäten und Veränderungen, die Vorlieben und Konzepte in der vollständigsten Kunst unterschieden werden Sammlung. zeitgenössisch, das nächste und das Original, was den Namen des 1911 gegründeten Museums rechtfertigt.

Thema
Die portugiesische Kunstausstellung. Reasons and Emotions, bestehend aus Malerei, Zeichnung, Druckgrafik, Skulptur, Fotografie und Video, gliedert sich in sieben Kerne und einen Teil der Mitte des neunzehnten Jahrhunderts mit romantischen und naturalistischen Porträts und Landschaften und reist bis in die 2010er Jahre.

„Spiegel der Seelen“, „Die Macht des Bildes“, „Eine moderne Kultur“, „Vorsicht vor der Malerei!“, „Formen der Kommunikation und Auseinandersetzung“, „Sprachen und Experimente“, „Postmodernismus“ sind die Titel der sieben Kerne.

Spiegel der Seelen
Konzentriert sich auf das Porträt des 19. Jahrhunderts mit Werken von Künstlern wie Columbano Bordalo Pinheiro, António Ramalho, Constantino Fernandes oder Veloso Salgado, beide mit unveröffentlichten Werken, nämlich einem Porträt des Vaters des Künstlers aus dem ersten und dem Porträt eines Japaners von der zweiten.

Die Kraft des Bildes
Vom Porträt geht man zur Natur und zum Theater, als Inszenierung der Welt, in einem Kern, der mit der Skulptur und mit einem nie ausgestellten Werk von António Manuel da Fonseca beginnt. Die Verbindung zum Theater ist auch in der Kunst sehr präsent. ein Spiegelbild der Verführung der Moderne des 19. Jahrhunderts.

Eine moderne Kultur
Betritt die Moderne mit einigen Künstlern wie Sousa Lopes, Bernardo Marques, Antonio Soares, Abel Manta, Eduardo Viana oder Mario Eloy, die futuristische Ästhetik einführen.

Vorsicht vor dem Malen!
Almada Negreiros ist die vorgestellte Malerin, die, um die portugiesische Heimat vom Geist der Sehnsucht zu befreien, in Gemälden wie A Reading, A Nap, Acrobats und Harlequins der Respektlosigkeit entgegenwirkt, die von einer strengen und fließenden Beobachtungszeichnung bedient wird. , Ballett oder Interieur, alle aus der Mitte des zwanzigsten Jahrhunderts.

Formen der Kommunikation und des Wettbewerbs
Mit dem Ende des Zweiten Weltkriegs erscheinen hier die neuen künstlerischen Bewegungen wie Abstraktionismus, Neorealismus und Surrealismus in Gemälden von Fernando Lanhas, Tereza de Arriaga, Antonio Dacosta, Vespeira, Mario Cesariny und Jorge Vieira – mit Collagen. sehr wenig bekannte surreale – oder Alexandre O’Neill.

Sprachen und Experimente
Ein Thema für die künstlerischen Bewegungen der 1960er bis 1980er Jahre, geboren aus der Dringlichkeit des Wandels, diktiert durch den Kolonialkrieg und erneuert mit der 1974er Revolution, in der Künstler bereits die bildenden Künste mit der Szenografie, dem Film oder dem Text, auch einem Film, kreuzten Ergebnis seiner Saisonerfahrung in Paris, London und Berlin mit Unterstützung von Gulbenkian-Stipendien.

Künstler wie Paula Rego, Lourdes Castro, João Vieira, Ana Hatherly, José Escada Eduardo Nery, Antonio Sena, Jorge Pinheiro und Jorge Martins sind einige der repräsentativen Künstler dieser Bewegungen.

Postmodernismus
Postmodernisten öffnen den Weg für verschiedene Konzepte, darunter Selbstreflexivität und Identität, Dystopie der modernistischen Architektur oder Landschaftskritik, wobei die Fotografie experimentell eingesetzt wurde, die Landschaft nicht fiktiviert, sondern dokumentarisch und moderne Architekturarbeiten kritisiert werden.

Julião Sarmento, Fernando Calhau, Victor Pomar, Nuno Cera, Paulo Catrica und Francisco Tropa sind einige der Künstler, die in diesem letzten Kern der Ausstellung vertreten sind.

Charakteristisch für die portugiesische Kunst
Die Zeitgenossenschaft der portugiesischen Kunst zeigt ab den 60er Jahren bedeutende Momente des Zerfalls durch die Arbeit grundlegender Autoren der Neo-Avantgarde, die mit den modernistischen Werten brechen, die aus der Kulturpolitik des Estado Novo hervorgegangen sind. Die demokratische Revolution von 1974 markiert den Beginn eines neuen politischen, sozialen und kulturellen Kontexts, der den experimentellen und heterogenen Charakter der portugiesischen Kunst in den folgenden Jahrzehnten bestimmen wird. Das künstlerische Panorama der folgenden Jahrzehnte bis zum Ende des 20. Jahrhunderts wird von der Autonomie der künstlerischen Praktiken und der Einweihung neuer Sprachen durch einige der etabliertesten nationalen Künstler geprägt sein, die die portugiesische Kunst in die internationale Szene integrieren.

Die Sammlung des Nationalen Museums für zeitgenössische Kunst präsentierte einige der Transformationen, die in der portugiesischen Kunst seit den 1960er Jahren stattgefunden haben.

Veranstaltungen und Reisen

Kultur (1962)
Kultur ist die erste Annäherung an die umfangreichste und vielleicht charakteristischste Produktion von Joaquim Rodrigo. Rodrigo mischte die vier Hauptfarben seiner bereits definierten Theorie (rot, gelb, weiß und schwarz) auf einen ockerfarbenen Hintergrund, indem er einige Zeichen mit den gleichen Farben beschriftete, Bereiche ausfüllte oder ihre Umrisse entwarf.

Diese Arbeit spielt auf eine Episode aus dem nationalen politischen Leben an, die erst jetzt erkannt wurde und von einem Gemälde registriert wurde, das auf diese Weise seinen Bereich der Welt und die natürliche Vielfalt der Ereignisse, die eine Zeit ausmachen, vergrößerte.

Die Figuration ist schematisch und synthetisch und bedient sich topografischer Umrisse, wobei die bereits aus Rodrigo bekannten zweidimensionalen Elemente strikt eingehalten werden. Erzählung ist auch vorhanden und leitet eine Artikulation der visuellen Zeichen ab, die isoliert in der Ebene angeordnet sind. Die Affinitäten zur Kartographie sind klar und bilden unser Verständnis von Joaquim Rodrigo aus dieser Phase, die eine Anordnung kleiner Wahrnehmungen zeigt, die mit einer Bewegung, einer Reise oder allgemeiner einem Teil einer Reise verbunden sind.

Die Landschaft, die sich unweigerlich auf ein Ganzes bezieht, verschwindet in einem Feld multipler Kräfte, die die Wahrnehmung ausmachen, die der Maler als Ereignisse aufzeichnet, die in ihrer Singularität isoliert, aber scheinbar von der ständig abgeleiteten Bewegung mitgerissen werden. Die Zeichen suggerieren verschiedene Farben, die in engem Zusammenhang mit ihrer Verteilung innerhalb des senkrechten Grundrisses angeordnet sind und ein Hier und Jetzt definieren, aus dem sich die durch das Bild geschaffenen Dimensionen von Raum und Zeit entfalten.

Santa Maria
Die Initialen im Titel dieses Stücks enthalten den Namen Santa Maria, ein Schiff, das von Henrique Galvão überfallen wurde, um die internationale Gemeinschaft auf die politische Situation in Portugal aufmerksam zu machen. Dieses Gemälde leitet einen neuen Moment in der portugiesischen Kunst ein.

Diese Episode wird von Zeichen erzählt, die in einem strengen orthogonalen Raster angeordnet sind und auf einem bewegten, wässrig-grünen Hintergrund orchestriert wurden, bei dem das optische Zentrum dem Zentrum des Gemäldes entspricht. Rodrigo verwendet drei Primärfarben über dem Hintergrund in Formen, die in Ansicht, Plan oder Querschnitt gezeichnet wurden, um eine effiziente Informationssynthese zu erzielen.

Das Bild nimmt einen bezeichnenden Wert an, der es dem Gemälde ermöglicht, wie das Schreiben oder Erzählen von Episoden zu funktionieren, und markiert das Gemälde als ein Register, das für die Welt und ihre Eventualitäten offen ist. Grafische Zeichen werden mit anderen visuellen Zeichen in Verbindung mit der schriftlichen Bilddimension von Joaquim Rodrigo durcheinander gebracht.

Ironie und Illusion

Die Liebenden (1965)
Os amorosos von Rolando Sá Nogueira ist eine ironische und zerstreute Evokation. Dieses Gemälde enthüllt die Widersprüche, die in der portugiesischen Kultur und Gesellschaft zwischen den neuen Wegen, die die Entwicklung und der Konsum von Kunst vorgeben, und dem Fortbestehen traditioneller moralischer und ideologischer Werte entstehen. Accessoires, Reste aus dem zeitgenössischen Leben und Postkarten mit einem Hauch von Kleinigkeit verurteilen den scheinheiligen Ansatz der damaligen Sexualität.

Idyllische Liebesbeziehungen werden verspottet durch die Verunglimpfung, Assoziation und Übertragung des fotografischen Bildes und die Beziehung von nebeneinander und kumulativ auftretenden Störungen verschiedener Fragmente aus verschiedenen Quellen und Bildelementen. Diese gestische und ausdrucksstarke Ordnung kommt der der Künstler Rauschenberg und Kitaj nahe.

Festzelt (1993 – 2006)
Dieses Stück ist das Ergebnis fotografischer Forschungen, die in den folgenden Stadtteilen von Porto durchgeführt wurden: Contumil, Pasteleira, Ilhas da Boavista und Lapa, wo unrechtmäßiges Bauen üblich ist. Die weitverbreitete Verwendung von illegitimen Zelten als physische Ergänzung zu Stadt- und Vorstadthäusern spricht für eine soziologische Denkweise.

Die Künstlerin Ângela Ferreira greift in diesem Stück auf diese minderwertigen Industriebaustoffe zurück und verleiht ihnen eine konzeptuelle und skulpturale Bedeutung. Dabei unterstreicht der Künstler die Ironie eines gemeinsamen nationalen architektonischen Merkmals, das die Bürger des Alltags an den Tag legen.

Die Reflexion von Aspekten der Natur der Zeit und ihre Angleichung an das Bild der Wirklichkeit sowie die amüsante oder illusorische Verzauberung liegen anderen Mechanismen zugrunde, die der Künstler René Bertholo entwickelt hat. Über den unmittelbaren filmischen Einfluss von Tinguely hinaus ist Bertholos Produktion technologischer und szenografischer und möglicherweise näher an den amüsanten Mechanismen der Realität von Calder.

Diese Arbeit entwickelt die Mechanismen, die unsere Handlungswahrnehmung aktivieren, indem sie unsere Akzeptanz des Virtuellen als Realität konditionieren. Diese Erfindung setzt milde Referenzen in die Tat um, indem sie die Illusion einer animierten Landschaft erzeugt. Indem die Bewegung eines konkreten und unmittelbaren Subjekts – des Bootes – in die nicht wahrnehmbare Dimension der Wolken versetzt wird, wird eine mechanische und idyllische Poetik installiert. Die Zeit stellt sich selbst dar, ohne sich zu entwickeln, da sie ständig gespiegelt wird.

Zeichen und Gesten

Ohne Titel (1972)
Der Brief, anstatt zu schreiben, bekräftigt sich als Zeichen auf der weißen Seite. Aber die Geste ist das, was uns zum Lesen gegeben wurde. Die Handlung des Körpers während des Produktionsprozesses verleiht João Vieiras Malerei eine performative Dimension. Die Geste konzentriert sich auf den Fleck, keine Spur mehr in der breiten und festen Spur des Spatels. Eine akzentuierte Materialkonsistenz verleiht der Geste ein monumentales Erscheinungsbild und errichtet sie als formale Präsenz.

Die Buchstaben sind chromatisch isoliert, wie autonome Zeichen, die an ihre Grenzen stoßen. Sie sind die plastischen Elemente, die die Komposition organisieren und reimen, sie auf einem orthogonalen Gitter strukturieren, wo sie Rotationen und Inversionen annehmen, wodurch eine große Auswahl an Kombinationen möglich wird.

Schlagschatten von René Bertholo (1964)
Das Jahr 1964 und die folgenden Jahre markieren den Beginn von Lourdes Castros Erforschung der Silhouette und des Umrisses von isolierten und begleiteten Figuren in sofortigen und charakteristischen fotografischen Posen, die auf Leinwand gemalt sind. Lourdes Castro sagte, dass es neben dem Schatten der Silhouette eine Kontur geben muss, die dem Umriss einer Abwesenheit umschrieben ist. Durch ihre Grenzen definiert und durch ihre Titel identifiziert, bilden diese Figuren eine Galerie von Charakteren, mit denen sie ihr tägliches Leben teilte. Die Nähe von Kunst und Leben findet durch diesen Überrest eine mögliche Beziehung, wie in der Kartographie der Augenblicke.

Deep (1975)
Die Zeichen der Schrift bleiben lesbar, aber nicht interpretierbar, als Rest einer Bewegung, die uns dazu bringt, nicht das Produkt, sondern den Produktionsprozess von António Sena zu lesen. Die Abweichung der Schrift ist ein unnachahmliches Zeichen für eine Geste, für den Körper des Künstlers, der auf einer ausdrucksvoll gearbeiteten Texturoberfläche verteilt ist.

Gestreute Zeichen in der Leere neben geometrischen linearen Spuren führen zu einer Reihe von räumlichen Dichten. Die Überraschung zwischen der Undurchsichtigkeit und der Begegnung mit einem Wort Meer, das zusammen mit dem Titel Deep wie eine Köderbedeutung wirkt: Die nominalistische Kraft des Namens aktiviert die Fähigkeit der Evokation und bringt alle Referenzen mit, von denen es ein Verwahrer ist Reihe von Empfindungen ohne analoge Beziehungen, die im tiefen und tiefen Blau zusammenlaufen.

Nationalmuseum für zeitgenössische Kunst, Portugal
Das Nationale Museum für zeitgenössische Kunst – Museu do Chiado, war eines der ersten Museen für zeitgenössische Kunst, das weltweit geschaffen wurde. Das Museum befindet sich im historischen Zentrum von Lissabon und zeigt die bedeutendste Sammlung portugiesischer Kunst aus der zweiten Hälfte des neunzehnten Jahrhunderts bis heute. Es ist ein Muss, um die moderne und zeitgenössische portugiesische Kunst zu verstehen und zu genießen. Das Programm der Wechselausstellungen ist im Gesamtumfang der Museumsaktivitäten von großer Bedeutung. Die Präsentation der Sammlung wird in regelmäßigen Abständen nach ihren zeitlichen oder thematischen Abschnitten erneuert, entsprechend einer anhaltenden Arbeit der historischen und kritischen Forschung, aber das Programm ist nicht auf die portugiesische Kunst beschränkt.

Das Nationale Museum für Zeitgenössische Kunst – Museu do Chiado wurde am 26. Mai 1911 per Regierungserlass gegründet. Es entstand aus der Teilung des alten Museu Nacional de Belas-Artes in das Museu Nacional de Arte Antiga, das von dem ehemaligen All geerbt wurde Die Werke, die vor 1850 hergestellt wurden und im Palácio das Janelas Verdes verblieben sind, und das Nationale Museum für zeitgenössische Kunst, das alle nach diesem Datum fertiggestellten Werke enthielt und im Convento de S. Francisco in einem Gebiet neben der Academia de San Francisco untergebracht war Belas Artes. Die Schaffung eines Netzwerks von Museen, die sich über die gesamte Länge des Landes erstreckten, war die Erfüllung eines Projekts, das auf dem Konzept der menschlichen Aufklärung aus dem 18. Jahrhundert basierte und dem Land die notwendigen Instrumente zur Bewahrung und Präsentation der nationalen Kunst zur Verfügung stellte. Die Schaffung eines Museums für zeitgenössische Kunst war,

Die nur vorübergehende Unterbringung des Nationalen Museums für zeitgenössische Kunst im Convento de S. Francisco hat es symbolisch und zweckmäßig in dem von den Künstlern der im Museum vertretenen Epochen frequentierten Bereich platziert. Es besetzte die großen alten Säle und Nebengebäude der Klöster, in denen die Ausstellungen der Romantiker und Naturforscher stattgefunden hatten.