Rückblick auf vergangene Ausstellungen 2018-2019, Museum für moderne und zeitgenössische Kunst in Nizza, Frankreich

MAMAC engagiert sich seit Jahren für aktive neue Lesarten der Kunstgeschichte, die in zeitgenössischen gesellschaftlichen Fragen verankert sind. das Hervorheben von Einzelfiguren und die Produktion neuer Geschichten. Unser Verhältnis zur Natur und der Umgang der Künstler mit den ökologischen Herausforderungen ist eines der Hauptthemen des Programms.

Führungen, Workshops, Treffen mit Künstlern oder Forschern, Geschichtenerzählungen, Vorträge oder Projektionen, Tanzbesuche, Konzerte, Performances und Veranstaltungen fördern die Zugänglichkeit zeitgenössischer Kunst für ein breiteres Publikum und verwandeln das Museum in einen Spielplatz für Künstler aus verschiedenen Bereichen. Das Museumsteam baut das ganze Jahr über eine Konstellation von Netzwerken mit Unternehmen, Verbänden, Studenten und Sozialarbeitern auf, um spezifische Programme und Möglichkeiten zur Neuerfindung des Museums zu erfinden.

Ausstellungen im Jahr 2018
Auguste-Dormeuil, wenn ich alles noch einmal machen müsste
Renaud Auguste-Dormeuil wurde 1968 geboren und hinterfragt seit Mitte der 90er Jahre, wie Bilder entstehen, die in ihrer öffentlichen und politischen Arena ins Auge gefasst werden. Sichtbarkeit / Unsichtbarkeit, Licht / Dunkelheit, Erinnern / Vergessen, was wir wissen / was wir zu wissen glauben, evozieren ohne zu zeigen, sagen ohne zu sprechen … sind alles Marker für das Verständnis seiner Werke, die die Codes formen, die den Bildfluss strukturieren. Obwohl sich die ersten Beschäftigungen des Künstlers im Wesentlichen auf neue Kartografien konzentrierten, hat seine Arbeit seit einigen Jahren eine metaphorischere und performativere Wendung genommen. Seine Ausstellung in der zeitgenössischen Galerie wurde als Konstellation von Erfahrungen innerhalb des MAMAC und im öffentlichen Bereich konzipiert und bestand aus einer Reihe von Infra-Thin- und Performances, die während des Zeitrahmens der Ausstellung eingerichtet wurden.

Kosmogonien, Au Gré des Éléments
Die Elemente beschwören, die unsichtbaren Bindungen einfangen, die die Komponenten des Universums verbinden, die Prozesse der Erosion verstehen, prägen, kristallisieren, den Sonnenbrand enthüllen … Seit den frühen 1960er Jahren, ob man davon träumt, die Elemente zu dominieren oder mit der kreativen Demut zu spielen Mehrere Generationen von Künstlern haben sich der Natur und ihren Erscheinungsformen zugewandt, um Dinge geschehen zu lassen oder irgendwo dazwischen. Der Ansatz dieser Künstler-Sammler, die Wind, Licht oder Pollen “sammeln” wollten, beruht auf Experimenten, die sich darauf konzentrieren, Naturphänomene einzufangen, die verschiedenen Zustände von Materialien zu untersuchen oder scheinbar schwer fassbare Elemente akribisch zu beobachten.

Yves Kleins Experimente zur Erfassung der “momentanen Naturzustände”, der Land Art und der Arte povera, die von den “Kräften bei der Arbeit” fasziniert sind, scheinen Schlüsselmomente für diese Komplizenschaft zwischen der künstlerischen Welt und dem natürlichen Bereich zu sein. Bringen Sie diese Experimente auf den neuesten Stand Die für die Ausstellung ausgewählten Werke skizzieren eine Ode an die Unbeständigkeit und die Entstehung von Formen, die von der Natur durch verschiedene Künstlergenerationen “unterstützt” werden. Sie unterstreichen ihre anhaltende Anziehungskraft auf natürliche Prozesse und deren Erfassung und spiegeln gleichzeitig die Vielfalt der gegenwärtigen Debatte über Umweltfragen wider. Angetrieben von einem scharfen Bewusstsein für die Fragilität der natürlichen Ordnung, umreißen die Praktiken implizit ein Plädoyer für die Umwelt und einen Appell, das geheime Leben des Universums zu hören und zu spüren.

Michel Blazy, Zeitleiste
Michel Blazy wurde am 24. April 1966 unter der Riviera-Landschaft geboren und ist heute eine der originellsten französischen Figuren seiner Generation. Durch Low-Tech-Effekte und Experimente beobachtet und arbeitet der Künstler mit den Lebenden und verwendet dabei Elemente vom Garten zu Hause bis zum Supermarkt. Diese kleinen evolutionären und kurzlebigen Aktivitäten zeigen empfindliche Erkundungen von Mikroorganismen im ständigen Wandel.

In der Galerie des Ponchettes stellte er sich eine eindringliche Umweltinstallation wie einen Garten voller Genüsse vor, in der Fresken, Ruinen und spontane Vegetation buchstäblich die Erfahrung des Zeitablaufs bieten. Die Bögen der Galerie, die mit pompejanischem Rot wie Tomatenpüree bedeckt waren, kontrastierten den blauen Himmel mit Agar-Agar und erinnerten an Giottos Gemälde. In der Mitte dieses Wandgemäldes befand sich ein Kreis aus Holzkohle, aus dem die Vegetation spontan zum Leben erwachte. Das matte Schwarz des kalzinierten Holzes kontrastierte mit der Brillanz und Frische des Grüns und betonte die Idee der Regeneration. Eine mit Aluminiumfolien bedeckte Anrique-Skulptur, ein Ziegelstein und eine mit spontaner Vegetation bewachsene Festplatte sowie mit Moos bedeckte Kleidung vervollständigen diese chromatische, olfaktorische und sensorische Landschaft, die im Maßstab der Architektur gezeichnet ist.

Irene Kopelman Wachsende, verflochtene, verknotete, gewundene Landschaften
Irene Kopelman wurde 1974 in Cordoba, Argentinien, geboren und lebt zwischen Argentinien und Amsterdam. Sie erforscht außergewöhnliche Ökosysteme auf der ganzen Welt auf der Suche nach einem Verständnis der Mechanismen der lebenden Welt. Jedes neue Biotop stellt ein spezifisches Immersionsabenteuer dar, das sowohl empfindlich ist (die Landschaft, ihre Größe, ihre Bewegungen fühlen); visuell (die Verflechtung und gegenseitige Abhängigkeit von Elementen) und intellektuell (mit den wissenschaftlichen Teams vor Ort die Werkzeuge zur Aufzeichnung und Messung entdecken, das Leben selbst dieser Ökosysteme und ihre Rolle in großem Maßstab verstehen).

Aus seinen Beobachtungsphasen entstehen dann Reihen schlanker Zeichnungen oder Gouachen am Rande der Abstraktion, deren fragmentierte Motive so viele Muster einer Landschaft hervorrufen. Diese Arbeit “über das Motiv” und diese Praxis von “Post-Nature” -Umfragen beziehen sich auf die Erkundungen von Naturforschern im 18. und 19. Jahrhundert. Fasziniert von den Schränken der Neugier und den vielfältigen Planken von Mineralien und botanischen Arten, die aus dieser Entdeckungsperiode hervorgegangen sind, hinterfragt der Künstler diese Ära der Erforschung und Konstruktion von Wissen, der Identifizierung natürlicher Phänomene und des methodischen Versuchs und Irrtums, während er sie konfrontiert zeitgenössische ökologische Fragen.

Oft konzentrierte sie sich bewusst auf extreme Landschaften aufgrund ihrer Weite, ihrer umhüllenden Natur und der relativen Unfähigkeit, ihre Globalität zu erfassen: Wüsten, Dschungel, Gletscher usw. Aus dieser Unermesslichkeit hat sie jedes Mal Elemente isoliert, die a priori bescheiden sind (Flechten) , Blätter, einfache Linien während der Bootsfahrt in der Antarktis usw.), als ob das Universum besser in seine Bestandteile und Bewegungen zurückversetzt und die Verwundbarkeit von Ökosystemen hervorgehoben werden soll. Auf der MAMAC präsentierte sie zum ersten Mal in Frankreich eine 2014 im Tropenwald von Panama entstandene Serie, Project Vertical Landscape, Lianas; eine Reihe von Zeichnungen über Mangroven, die in Bocas del Toro entstanden sind, und zwei große Gemälde, die auf der Reihe von “Banian Tree” -Zeichnungen basieren, die speziell für die Ausstellung angefertigt wurden.

Achtzehn Zeichnungen aus der Crab Pellets-Reihe werden ebenfalls in der Ausstellung “Cosmogonies, au gré des éléments” gezeigt und direkt mit der zeitgenössischen Galerie wiederholt. Ihr nächstes Untersuchungsgebiet wird sich auf Meeresorganismen konzentrieren,… die Gelegenheit, eine neue Konstellation mit wissenschaftlichen Gemeinschaften auf der ganzen Welt zu zeichnen, vor allem die des Observatoire Océanologique de Villefranche-sur-Mer und der Université Côte d’Azur, mit denen MAMAC wird den Künstler bei dieser neuen Erkundung begleiten.

Tanz erfinden: In und um Judson, New York 1959 – 1970
In den 1960er Jahren wurde die Judson Memorial Church (am Washington Square in New York) zu einem Hauptzentrum für künstlerische Experimente und zu einem wichtigen Aufführungsort für viele Künstler in der Innenstadt von New York. Die Aufführungen würden visuelle Kunst, Musik, Poesie, Theater und Tanz miteinander verweben und in der Tat die Vorstellung davon erweitern, was als Tanz angesehen werden könnte. Nach der Arbeit von wegweisenden Figuren dieser Zeit wie den Choreografen Anna Halprin und Merce Cunningham, den Künstlern Claes Oldenburg und Allan Kaprow sowie den Komponisten John Cage und La Monte Young kamen viele der Judson-Tänzer zunächst in einem experimentellen Choreografiekurs zusammen vom Komponisten Robert Dunn.

Die Ausstellung bot einen Einblick in das “Judson”, das auch heute noch einen großen Einfluss auf den zeitgenössischen Tanz und die visuelle Kunst hat. Durch Filme, Archivfotos und Ephemera wird versucht, die verschiedenen Bewegungen von Körpern im Judson zu dokumentieren. Die Frage bleibt: Wie kann man sechs Jahrzehnte später Arbeiten ausstellen, von denen viele improvisiert und spezifisch für ihre ursprüngliche Aufführung sind? Als Jon Hendricks, Aktivist und Mitbegründer der Guerilla Art Action Group, 1966 die Judson Gallery wiedereröffnete, entstand sie erneut als Ort für Radikalismus und interdisziplinäre Zusammenarbeit. 1970 wurde es zu einem Brennpunkt der Verteidigung der Redefreiheit durch Künstler während der Opposition gegen den Vietnamkrieg und der Weiterentwicklung des antirassistischen, antikolonialen, feministischen und queeren Aktivismus im kulturellen Bereich.

Bernar Venet. Die konzeptuellen Jahre 1966-1976
1966 verließ der junge Künstler Bernar Venet Nizza und zog nach New York, wo er eine künstlerische Revolution begann, die Mathematik, Astrophysik und später viele andere Bereiche der Wissenschaft und anderer Disziplinen in den Kunstbereich einführte. 1970 machte er sich einen Namen als einer der führenden Köpfe der Konzeptkunst, einer aufstrebenden Bewegung, die sich über Europa und international erstreckte. Die Zeit von 1966 bis 1976 war eine schillernde und produktive Zeit, in der Venets Intuition und methodische Vision ihn auf einen unaufhaltsamen Weg zu einer neuen Generation brachten, die gleichzeitig ikonoklastisch war – Kunst über die Grenzen ihrer eigenen Definition und ihres Entstehungsprozesses hinaus – und seitdem zutiefst zeitgemäß es befasste sich mehr als jede andere Kunstform mit der Frage der Entmaterialisierung von Kunst- und Informationsströmen. Diese Zeit kennzeichnete auch die Anfänge von Bernar Venet ‘

Die Ausstellung erstreckt sich bis in die oberste Etage des MAMAC und bietet einen Raum für bedeutende Werke minimaler und konzeptueller Kunst, die aus der Sammlung von Bernar Venet ausgewählt wurden und die intellektuelle und künstlerische Landschaft dieses Jahrzehnts und seine damaligen Freundschaften widerspiegeln. Zum ersten Mal seit 1971 ist diese Periode, von der noch wenig über dieses Werk bekannt ist, Gegenstand einer großen Retrospektive. Es sammelt über 150 Kunstwerke und Dokumente, von denen die meisten zum ersten Mal gezeigt werden. Parallel zu dieser zehnjährigen Ausstellung und Recherche bietet die MAC Lyon Major Show eine Retrospektive des gesamten Werkes des Künstlers: Bernar Venet: 2019 – 1959.

Ausstellungen im Jahr 2019
Adrien vescovi. Mnemosyne
Vescovi wurde von MAMAC eingeladen, die Galerie des Ponchettes zu übernehmen, und hat durch seine bildhaften Experimente einen fast sinnlichen Sinneswandel geschaffen. Als Reaktion auf das eckige Design der Galerie unterstreichen Gemälde, die in unterschiedlichen Höhen aufgehängt sind, die Räume und spielen auf Parallelen und Senkrechten, damit die Besucher herumlaufen können. Die Farben, die der Künstler aus warmen Roussillon-Ocker und marokkanischen Böden und Gewürzen extrahierte, füllten Leinwände, die er dann einige Monate lang in einem Park in Holland kühlem Licht und schlechtem Wetter aussetzte. Für die Ponchettes baute er schließlich diese freistehende Leinwand in neuen Kompositionen zusammen und spielte mit den Nord-Süd-Bewegungen, die ihre Spuren in der Geschichte der Malerei hinterlassen haben.

Adrien Vescovi produziert seine eigenen Farben aus pflanzlichen oder mineralischen Abkochungen und kreiert “Landschaftsessenzen”, die die verschiedenen geografischen Standorte widerspiegeln, an denen er arbeitet. Indem er seine Leinwände dem Wind, Mondschein, Sonnenschein und Oxidationsphänomenen aussetzt, entstehen primitive Formen oder Schatten, die von bewohnt werden die Erinnerung an ihre verschiedenen Existenzzustände. In der Galerie zeichneten vom Künstler geflochtene und gefärbte Seile wilde Kurven zwischen Gemälden, die sich wie Weinreben, die sich über den Boden schlängelten, zwischen den Bögen verflochten und erhoben. Sie unterwanderten die Linien und Ebenen der Gemälde In Töpfen mit seltsamen Abkochungen wurden sie nach und nach mit dem von Vescovi kreierten Material / den Farben durchsetzt. Als Reaktion auf diesen Indoor-Spaziergang reagierten die Gemälde auf den großen Bögen draußen. Mit Blick auf das Meer und Sonne, Wind und Regen ausgesetzt.Für die Dauer der Ausstellung wurden die Leinwände mit der Erinnerung an Meteore aufgeladen.

Teufel im Fleisch, wenn Op Art das Kino elektrisiert
Im Rahmen der Nizza Biennale der Künste 2019: “The Cinema Odyssey. La Victorine ist 100 Jahre alt”. In den frühen 1960er Jahren hat sich die kinetische Kunst in Europa mit einem doppelten Credo einen Namen gemacht: Wahrnehmung destabilisieren und Kunst populär machen. Trick-of-the-Light-Gemälde, motorisierte Reliefs und schwindelerregende Umgebungen veränderten die Wahrnehmung. Diese avantgardistische Kunst, die 1964 den Spitznamen «Op Art» erhielt, hatte einen bedeutenden Erfolg in der Bevölkerung, um ein außergewöhnliches Phänomen der Entführung zu erkennen. Während Werbeagenturen, Designer, große Marken und die Modewelt ihre berauschenden Formen nutzten, gab das Kino Op Art einen unerwarteten Blickwinkel. Als Kunst der Bewegung und des Lichts war es sowohl ein Vorgänger, der seine visuellen Spiele sublimieren konnte, als auch ein Anhänger, der sich bemühte, es durch seinen Wunsch nach Modernität zu verschlingen. Von Dramen zu Thrillern,

Diese Ausstellung taucht die Besucher in diese leidenschaftliche Geschichte zwischen zwei Künsten ein, unterbrochen von Spott und Missverständnissen, gegenseitiger Sublimation, Pop- oder Barocklieferungen sowie Kollaborationen und Nachahmern. Mit der Unterstützung von fast 30 Filmen, 150 Werken und Dokumenten untersucht es den Ursprung und die unausgesprochenen Aspekte dieser räuberischen Faszination und betrachtet, was das Kino der Op Art von seiner eigenen Natur offenbart. Es zeigt also den Geist eines Jahrzehnts, das von der Moderne zerzaust ist, nach Emanzipation dürstet und von den Geistern des Krieges heimgesucht wird. Diese Ära voller Widersprüche schuf eine völlig neue Ästhetik, die in der fruchtbaren Reibung zwischen bildender Kunst und Kino gipfelte.

Hippolyte Hentgen, Der unsichtbare Bikini
Der unsichtbare Bikini… Der Titel könnte den Beginn einer unwahrscheinlichen Suche einläuten, die Erinnerungen an klassische Thriller und Comics zu wecken scheint, die wir beide als Kinder konsumiert haben. Überall in der Galerie sind die Kreationen von Hippolyte Hentgen wie so viele Hinweise oder Ausschnitte aus Erzählungen aufgetaucht, die das Rätsel befeuern. Übergroße Hände, Beine und Füße, die von jeder Figur entkörpert sind, scheinen direkt aus einem Cartoon gehoben worden zu sein, als wären sie vor Charakteren geflohen, die von Tex Avery fröhlich abgeflacht, gedehnt und pulverisiert wurden. Schlauchgeschmolzene Formen, emanzipiert von dem zweidimensionalen Schicksal, das ihnen durch Animation und Comics vorbehalten ist, erinnern ebenfalls an die Popkultur. Es’ Es ist fast unmöglich, nicht an die weichen Skulpturen von Claes Oldenburg oder die Vinylfiguren seiner Zeitgenossen Teresa Burga und Kiki Kogelnik zu denken, wenn man diese Parade formloser Körper und trivialer Gegenstände wie Zigaretten und Zeitungen beobachtet. Diese Pop-Referenz wird durch die Aufnahme von Behängen verstärkt, die dralle Pin-Ups und Onomatopoeia kombinieren.

Hippolyte Hentgen spielt mit dieser Mischung von Universen, die niemals in Kontakt kommen sollten. In diesem Museum der Phantasie vermischen sich avantgardistische Kreationen, Comics, Animationen, populäre Illustrationen und redaktionelle Cartoons und bilden ein fantastisches und jubelndes Universum, das völlig unabhängig von den Hierarchien der Genres ist. Dieser unsichtbare Bikini ist natürlich eine leicht scharfe und hemmungslose Anspielung auf die französische Riviera und ihre schmachtenden Körper und Stereotypen; ein Auftakt zu einer Fiktion, dass der Besucher frei ist, sich selbst zu komponieren. Es ist aber auch eine respektlose, schreiende und absichtlich schelmische Interpretation der Werke so vieler großer Namen, die die Sammlungen des MAMAC bevölkern.

Lars Fredrikson
Der in Schweden geborene Lars Fredrikson ließ sich 1960 in Südfrankreich nieder. Als unermüdlicher, neugieriger und geschickt erfinderischer Künstler schuf er ein einzigartiges und sensibles Universum, das durch Poesie, plastisches Experimentieren, fernöstliche Philosophie und moderne Technologie entwickelt wurde. Seine Forschung wurzelte im Zeitgeist: Wie Nam June Paik erkundete Fredrikson sehr früh das plastische Potenzial des Fernsehens – und der Elektronik im Allgemeinen -, während seine Forschung zu unsichtbaren Strukturen und Zufälligkeiten der Arbeit von John Cage auffallend nahe zu kommen scheint. Diese Praktiken waren durch ein einziges Streben verbunden: Flüsse, die normalerweise unsichtbar sind – sei es Energie, Tellur, Stern oder Inneres – wahrnehmbar zu machen.

Diese Retrospektive des Künstlers Lars Fredrikson entstand in Zusammenarbeit mit dem NMNM, dem New National Museum of Monaco. Hier wurden erstmals bedeutende bisher ungesehene Werke des Künstlers und Stücke aus wichtigen öffentlichen und privaten Sammlungen gemeinsam gezeigt. Die Ausstellung begann mit der kosmischen Dimension “kinetischer” Werke und Inox-Skulpturen, bevor sie per Fax in Collagen und Zeichnungen überging, bis hin zu Klanginstallationen, von denen Fredrikson einer der Pioniere war. Die Show beleuchtete seine Affinität zur Maeght-Stiftung, seine vielfältigen Kooperationen mit Dichtern und nicht zuletzt sein Engagement für die Villa Arson, in der er das erste Tonstudio an einer Kunstschule in Frankreich errichtete und damit mehrere Generationen beeinflusste Klangkünstler bis heute. Auf diese Weise,

Charlotte Pringuey-Cessac. Urklang
Primal Sound ist eine Einladung zu einer Zeitreise, von den ersten Zeugnissen des menschlichen Lebens in Nizza vor 400 000 Jahren und vom Zeugnis geschnittener Steine, die diese Gruppe zurückgelassen hat, bis zu den Erfahrungen, die die Künstlerin Charlotte Pringuey heute gemacht hat. Cessac, um die lebendige Erinnerung an vergangene Leben zu beschwören. Diese Reise durch Jahrhunderte basiert auf der Idee eines Urklangs, einem Ausdruck, der dem Dichter Rainer Maria Rilke entlehnt wurde. Nachdem er mit Staunen das Potenzial der ersten Phonographen entdeckt hatte, träumte er von einer «erstaunlichen Sache»: «die unzähligen Signaturen der Schöpfung, die im Skelett, im Stein, (…), im Riss im Holz, in Klänge zu setzen , der Weg eines Insekts “. Die Reminiszenz an eine vergangene Welt, der intime Dialog mit den Zeugen der Vergangenheit und der magische Gedanke, den sie in das investiert, was träge erscheint,

Vorgeschichte, Methodik und Werkzeuge der Archäologie bilden eine Grundlage für ihre Arbeit, aus der sie Erfahrungen und Geschichten entwickelt und sich zwischen Wissenschaft und poetischer Lizenz, dem Druck der Geschichte und ihrer zeitgenössischen Neuerfindung bewegen kann. Als Reise gedacht, entfaltet sich ihre Ausstellung in Nizza vom prähistorischen Museum von Terra Amata, dem Epizentrum der Aktivitäten dieser ersten Menschen, bis zum MAMAC, einschließlich der “Colline du Château”, wo eine Beerdigung aus dem XII. Und XIII. Jahrhundert mit Bestattungen gefüllt ist Überreste wurde 2013 entdeckt.

Museum für moderne und zeitgenössische Kunst in Nizza
Das Museum für moderne und zeitgenössische Kunst, auch Mamac genannt, ist ein Museum für moderne und zeitgenössische Kunst, das seit dem 21. Juni 1990 in Nizza geöffnet ist. Das MAMAC befindet sich im Herzen der Stadt, neben dem Place Garibaldi und in der Erweiterung der “Coulée Verte” und bietet einen Tauchgang in die internationale Nachkriegskunst von 1950 bis heute. Mit einer Sammlung von fast 1 400 Werken von mehr als 350 Künstlern (mit durchschnittlich 200 ausgestellten) bietet das Museum unter anderem einen originellen Dialog zwischen dem europäischen neuen Realismus und der amerikanischen Pop-Art. Das Museum zeigt auch Schlüsselwerke minimaler Kunst und Arte Povera. Zwei bedeutende Künstler der Kunst des 20. Jahrhunderts bilden das Herzstück der Sammlungen: Yves Klein mit einem weltweit einzigartigen permanenten Raum, der dank der langfristigen Leihgaben des Yves Klein-Archivs möglich wurde. und Niki de Saint Phalle. Die bekannte Künstlerin der Nachkriegszeit, Niki de Saint Phalle, spendete dem Museum 2001 eine große Spende. MAMAC besitzt damit heute einen der größten Fonds der Künstlerin der Welt.

Das Museum beleuchtet auch die Einzigartigkeit und Bedeutung der lokalen Kunstszene von den späten 1950er bis zu den frühen 1970er Jahren. Nizza und die Côte d’Azur waren damals ein wichtiger Ort zum Experimentieren und Erfinden neuer künstlerischer Gesten mit bekannten Künstlern wie Yves Klein, Martial Raysse, Arman, Ben und Gruppen wie Supports / Surface. Trotz der Einzigartigkeit von Persönlichkeiten und Praktiken ergeben sich drei Hauptprobleme: der Akt der Aneignung des Alltags (insbesondere mit den Neuen Realisten), eine Kunst der Geste und Haltung (mit Fluxus) und eine analytische Erforschung des Gemäldes (mit Unterstützung /) Oberfläche und Gruppe 70). Diese Forschung wird mit dem europäischen und amerikanischen künstlerischen Schaffen der letzten sechzig Jahre relativiert.

Das Museum befindet sich neben dem Place Garibaldi und wurde von den Architekten Yves Bayard und Henri Vidal entworfen. Es hat die Form eines Tetrapodenbogens, der sich über den Cours du Paillon erstreckt. Die Monumentalität des auf dem Cover des Paillon entwickelten Projekts ermöglicht es, das Museum über eine Terrasse, die Promenade des Arts, mit einem Theater zu verbinden. Mit seinem quadratischen Grundriss ist seine Architektur von den Regeln des Neoklassizismus inspiriert. Die verfügbare Fläche beträgt rund 4.000 m 2, verteilt auf neun Ausstellungsräume auf drei Ebenen. Die glatten Fassaden sind mit weißem Carrara-Marmor bedeckt. Der Eingang und das Geschäft befinden sich auf der Ebene der Esplanade Niki de Saint Phalle mit Blick auf den Place Yves Klein, wo sich auch das Auditorium und die zeitgenössische Galerie des Museums befinden. Die Museumsräume im ersten Stock sind temporären Ausstellungen gewidmet,

Die Räume erstrecken sich über fünf Ebenen, darunter zwei 1.200 m2 große Sets, die den Sammlungen des Museums gewidmet sind. Eine Etage und ein Projektraum sind internationalen temporären Ausstellungen gewidmet, die thematische Ausstellungen und Monographien bedeutender Künstler der letzten 60 Jahre abwechseln. Eine öffentlich zugängliche Dachterrasse bietet einen atemberaubenden Panoramablick auf Nizza.

Das MAMAC (Museum für moderne und zeitgenössische Kunst) im Herzen von Nizza wurde von den Architekten Yves Bayard und Henri Vidal entworfen und 1990 eröffnet. Eine öffentlich zugängliche Dachterrasse bietet einen atemberaubenden Panoramablick auf Nizza. Die Sammlung mit mehr als 1300 Werken von 300 Künstlern verbindet regionale und internationale Kunstgeschichte.

Die vom Kunstkritiker Pierre Restany verfasste konstitutive Erklärung des neuen Realismus wurde am 27. Oktober 1960 bei Yves Klein in Paris unterzeichnet. Doch erst im letzten Jahrzehnt haben die Künstler den Grundstein gelegt: Hains und Villeglé bereits 1949 “lösen” zusammen ihre ersten “zerrissenen Plakate”; Klein macht seine ersten Monochrome und Tinguely seine ersten animierten Skulpturen …

1960 ist ein lebendiges Jahr: Tinguely schafft seine erste selbstzerstörende Maschine in New York; Klein macht seine “Anthropometrien” und dann die “Kosmogonien”; In Paris zeigt César drei komprimierte Autos im Salon de Mai und Arman füllt die Iris Clert Gallery während der Show mit dem Titel “The Full” usw. mit Müll.

Die gemeinsamen Merkmale der Neuen Realisten sind die Ablehnung der Abstraktion, das Bewusstsein für eine “moderne Natur”: die der Fabrik und der Stadt, der Werbung und der Massenmedien, der Wissenschaft und der Technik. In dieser Realität verankert, spiegelt ihr Prozess die brillante Analyse der Konsumgesellschaft und ihrer Idole wider, die Roland Barthes 1956 in seinem Buch Mythologies vorgeschlagen hatte. Die Gruppe versetzt das Objekt in ein neues Abenteuer und nutzt dabei den poetischen Aspekt des Objekts: Detritus, Ablösen von Postern, Assemblagen, Kompressionen oder Ansammlungen von Elementen aus einer Industrietechnologie.

1961 weiht die Ausstellung mit dem Titel The Art of Assemblage im Museum of Modern Art in New York die Nähe der New Realists zu den Pop-Art-Künstlern.

Die amerikanische Pop-Art wurde auf dem Erbe der britischen Pop-Art aufgebaut, das aus der Independent Group hervorging, deren führendes Mitglied Lawrence Alloway war. 1956 organisierte er die emblematische Ausstellung Dies ist morgen in London. Auf amerikanischer Seite entstand die Bewegung weitgehend durch die Neo-Dada-Künstler Robert Rauschenberg und Jasper Johns. Der Kern liegt in New York, wo Künstler wie Andy Warhol, Roy Lichtenstein und Tom Wesselmann ihre Kunst ausstellten. Popkünstler verweisen direkt auf die Konsumgesellschaft und die schädlichen Auswirkungen der modernen Konsumgesellschaft. Sie befürworteten eine Rückkehr zur Realität und wandten sich der Welt der Waren und neuen Formen der Populärkultur zu: Stars des Kinos, der Werbung und der Comics, die ihnen eine ikonische und distanzierte Dimension verliehen, mit den Werten der amerikanischen Gesellschaft als Hintergrund.

MAMAC besitzt eine der weltweit größten Sammlungen von Werken von Niki de Saint Phalle: über 200 Werke, mit denen sie die ausgestellten Werke regelmäßig ändern können. Niki de Saint Phalle (Neuillysur-Seine, Frankreich, 1930 – La Jolla, USA, 2002) machte aus ihrem Leben ein Kunstwerk. Ohne eine besondere künstlerische Ausbildung außer ihrem Instinkt und der Gewissheit, dass dies ihr Schicksal ist, widmet sie sich ganz ihrer Arbeit. Kunst war für sie Therapie und ihr künstlerischer Appetit half ihr, Schwierigkeiten zu überwinden, ihre Leiden hervorzuheben und mit Krankheiten umzugehen. “Champagne, Glacier et Fleurs”, der Titel eines Briefes von 1979, den Niki de Saint Phalle an ihre Künstlerfreundin Marina Karella schrieb, fasst ihre Persönlichkeit zusammen, die sowohl stark als auch sensibel und charismatisch war. Sie war eine Rebellin und entschied sich für Waffen.

Die erste davon entstand 1961. “Tirs” [Shootings] war die Werkreihe, mit der sie als Künstlerin Anerkennung fand und trotz heftiger Kritik in Frankreich und schnell international bekannt wurde. Sie schuf auch Originalarbeiten, indem sie mit Farbe gefüllte Taschen auf mit Gips bedeckte Leinwände legte und dann mit einem Gewehr auf die Leinwände schoss. Die Arbeit ist angeschossen und das Ergebnis ist ein neues kreatives Stück. Die Künstlerin drückte die Wut und Gewalt in ihr in einer äußeren Geste aus; Sie schoss auf ihren Vater, von dem sie im Alter von 11 Jahren misshandelt wurde, auf ihre Mutter und auch auf die Kirchengesellschaft und all ihre Ungerechtigkeiten.

Nach ihren ersten Tirs-Ausstellungen luden die New Realists sie ein, sich ihrer Gruppe anzuschließen, wobei sie das einzige weibliche Mitglied war. Als Niki de Saint Phalle 1963 den Übergang von Tirs vollzog, begann sie, Skulpturen aus weißem Gips zu schaffen, von denen einige tödlich oder verstörend waren, wie dies bei der Serie der Bräute, Herzen und sogar gebärender Frauen der Fall ist. Ihre Skulpturen bestanden aus Stoff und Wolle über Drahtrahmen, zu denen Niki de Saint Phalle oft geborgene Gegenstände hinzufügte. Die abgebildeten Frauen Niki de Saint Phalle waren immer noch von Ehe oder Mutterschaft gefesselt, und sie versuchte, sie freizulassen. Bis 1964 nahm Niki de Saint Phalle die “Nanas” -Serie auf, um erneut weibliche Figuren hervorzuheben. Diese Skulpturen in kräftigen Farben und mit großzügigen Kurven symbolisierten die moderne Frau, befreit von Traditionen. Nanas sind schwarz,

Die Künstlerin widmete diesen monumentalen Projekten einen großen Teil ihres Lebens. Ihre Skulpturen verwandelten sich in echte architektonische Stücke: die Golemrutsche 1972 in Jerusalem oder Hon, die größte der Nanas (28 m lang), 1966 von Niki in Stockholm gebaut. Sie war aktiv an Cyclope (1969-1994) von Jean Tinguely in Millyla-Forêt bei Paris beteiligt. Ohne Zweifel war der Jardin des Tarots, ein Projekt in der Toskana, das 1978 begann, ihre umfassendste Arbeit. Sie finanzierte das gesamte Projekt selbst und es dauerte mehr als 20 Jahre, bis es abgeschlossen war. Kunst mag ihr Leben gerettet haben, aber die Luft, die sie bei der Erstellung ihrer Polyesterskulpturen einatmete, war die Ursache für Lungenprobleme, unter denen sie für den Rest ihres Lebens leiden würde. Ein Jahr vor ihrem Tod im Jahr 2001 spendete sie MAMAC viele wichtige Werke.

Yves Klein
Das monochrome Abenteuer
Entdecken Sie eine weltweit einzigartige Galerie, die dem Meister des Immateriellen gewidmet ist. Yves Klein wurde im April 1928 in Nizza geboren; Seine Eltern waren beide Maler (Marie Raymond und Fred Klein). 1946 lernte er Arman und den Dichter Claude Pascal in Nizza kennen, mit denen er poetische Abenteuer an den örtlichen Stränden teilen würde

Er lernte Judo mit Claude Pascal (er würde 4. Dan werden), und die beiden schlenderten barfuß die Avenue Jean Médecin entlang, gekleidet in weiße Hemden mit Kleins Hand- und Fußabdrücken. Klein und Arman interessierten sich für Zen-Philosophie, und an der Wand eines Kellers von Armans Familie malte Klein zwischen 1947 und 1948 seine ersten blauen Monochrome. 1955 lernte er in Paris Tinguely, César, Raysse und Restany kennen und zeigte im Salon des Réalités Nouvelles ein einfarbiges Gemälde, Expression de l’univers de la couleur mine orange [Ausdruck des Universums der Color Lead Orange], (M60), 1955, signiert “Yves le Monochrome”, was abgelehnt wurde und für Aufsehen sorgte.

Ab 1956 folgten die Ausstellungen “Yves: peintures”: Propositions Monochromes, Galerie Colette Allendy in Paris, Yves Klein: Proposte monocrome epoca blu in Mailand und Pigment pur 1957 erneut in der Galerie Allendy, in der er das Praktikum vorstellte Anwendungen der “Blauen Periode” nach Etablierung eines Ultramarinblau, das als IKB (International Klein Blue) bekannt werden würde. Es war 1958, nach dem großen Medienereignis, der Vide-Ausstellung in der Iris Clert Gallery in Paris, wo Klein eine völlig leere Galerie präsentierte; Die Wände wurden vom Künstler weiß gestrichen und das Galeriefenster blau gestrichen. Unter der Leitung seines Freundes Robert Godet auf der Ile Saint-Louis orchestrierte er die erste seiner “lebenden Pinsel” -Erfahrungen.

Die ersten Anthropometrien wurden im März 1960 in der Galerie internationale d’Art contemporain in Paris öffentlich gezeigt. Dabei wurden drei weibliche Aktmodelle mit blauer Farbe über den mit Papier bedeckten Boden gekrochen und bewegt. Die Modelle prägten auch ihre Körper unter der Leitung von “Dirigent” Klein an den Wänden zum Klang der Monotone-Silence Symphony ein. Klein starb im Juni 1962 in Paris und hinterließ Werke von großer lyrischer Tiefe, nachdem er die Kraft der Leere demonstriert, Wasser und Feuer geformt, die Architektur der Luft erfunden usw. hatte. Der Beweis dafür ist in der Reihe “Cosmogonies”. Momentzustände der Natur “, die die Zeichen des atmosphärischen Verhaltens von Leinwänden aufzeichnen, die auf dem Dach seines Autos zwischen Paris und Nizza fahren,

3. Stock
Wortspiel. Spielen Sie auf Schildern.
Eine ikonische Arbeit des MAMAC, La Cambra oder «Ben’s Museum» berichtet über den Ort des Schreibens in der Arbeit dieses wesentlichen Künstlers. Seine glatte, ungehinderte, fast kindische Kalligraphie führt uns zurück zu den Winden des Wandels und der Kunst der Haltung, die Ende der 1950er Jahre in Nizza eingeleitet wurde. Um dieses monumentale Werk herum sind andere Spiele mit Wörtern, Schriften und Sprachen zu sehen. An Wänden, Gemälden und Blättern werden Glyphen und Alphabete erfunden, Anagramme, Tanzgedichte, Tags und Kreuzworträtsel gezeichnet. Diese Ausstellung kombiniert Werke aus der Sammlung sowie Leihgaben und Präsentationen von Künstlern verschiedener Generationen zur Geschichte des Museums. Die Beziehung zwischen Wand und Schrift wird hervorgehoben.

Die Arbeiten beschäftigen den Körper des Betrachters, Lesers, Aussprechers oder sogar Schauspielers. Einige Werke sind sehr unauffällig und verlangen von den Besuchern Aufmerksamkeit, andere schreien sie an, bringen sie zur Aufgabe, rufen ihre Fantasie an. Die zentrale Frage, sie zu entschlüsseln, entspricht der des Verständnisses der Arbeit und der Schlüssel zu ihrer Interpretation. Während Worte die Welten der Poesie und der Kindheit anrufen, pflegen sie eine überaus politische Beziehung zur Welt, an der Stelle des Künstlers in unserer Gesellschaft

Amerikanische abstrakte Kunst
In den USA entstand Mitte der 1960er Jahre die Minimal Art
Mit dem Minimalismus wurde Kunst aus einer völlig neuen Perspektive betrachtet, die einen radikalen Übergang durchlief, der traditionelle Konventionen meidet. Der bemerkenswerteste Aspekt dieser Transformation war die neue Beziehung zwischen dem Betrachter und dem Kunstwerk, die die ästhetische Wahrnehmung eines Objekts bis hin zu seiner Substanz neu erfand. Kunstwerke monopolisierten den Raum, der zu einem existenziellen Raum und nicht länger zu einem ästhetischen Raum wurde. Zuvor besetzte ein Kunstwerk ein eigenes Gebiet, das vom Zuschauer getrennt war. Die Minimal Art eröffnete dem Künstler einen neuen Tätigkeitsbereich, in dem das Bewusstsein des eigenen Körpers in seiner Beziehung zum umgebenden Raum überwog, was zu besonders großen Leinwänden und der Veralterung des Sockels führte.

Gekauft mit Hilfe von FRAM Photo Muriel Anssens, Ville de Nice (ADAGP, Paris, Dreiecke 2019 usw.) und zu den Themen Volumen, Oberfläche und Ebenheit. Diese Künstler strebten nach maximaler Wirkung durch ein Minimum an Ressourcen und entfernten jede Spur von Subjektivität in ihrer Arbeit und verwendeten häufig industrielle Materialien und Techniken

Befürworter der Bewegung sind: Donald Judd, Ellsworth Kelly, Robert Morris, Kenneth Noland, Franck Stella und Richard Serra.

Konzeptkunst entstand in den 1960er Jahren. Es behauptete den Vorrang der Idee vor dem Objekt, insofern, als die Produktion des Werkes nicht mehr unbedingt notwendig war. Es überschritt die Grenzen des traditionellen künstlerischen Feldes, indem es die Bedeutung und den Zweck der künstlerischen Praxis in Frage stellte. 1969 erklärte Sol LeWitt: “Ideen können Kunstwerke sein. Sie befinden sich in einer Entwicklungskette, die möglicherweise irgendwann eine Form findet. Alle Ideen müssen nicht physisch gemacht werden.”

Die folgenden Konzeptkünstler sind in diesem Raum vertreten: Sol LeWitt, Joseph Kosuth, Robert Morris, James Lee Byars und Ed Ruscha.

Albert Chubac
Albert Chubac wurde 1925 in Genf geboren. Nach seinem Studium der dekorativen Künste und der bildenden Kunst in Genf wurde seine Arbeit von einigen prägenden Perioden beeinflusst: seinem Interesse an Klee, Kandinsky, Miró, Matisse und Picasso; Treffen mit Nicolas de Staël 1950; und seine Reisen in Italien, Spanien, Griechenland, Ägypten und Algerien.

Ausstellungen, die mit Werken aus der MAMAC-Sammlung und von unschätzbarer Hilfe erstellt wurden von: Yves Klein Archives, Centre National des Arts Plastiques (Paris), Jean Dupuy, Nachlass Robert Filliou, Peter Freeman, Inc. (New York / Paris), JeanBaptiste Ganne, Eric Guichard , Arnaud Labelle-Rojoux, La Succession Arman, Lilja Art Fund Foundation, Lövenbrück (Paris), Stéphanie Marin, Tania Mouraud, Niki Charitable Art Foundation, Emmanuel Régent, Sharing Art Foundation, Ben Vautier, Bernar Venet und Sammler, die anonym bleiben wollten .

Von seinen ersten Gemälden, die fast abstrakt waren, verwendete er eine Palette von Primärfarben, die in Blöcken aufgetragen wurden. Anschließend wandte er diese Technik auf “transformierbare” Holzskulpturen an. Die Idee hinter diesen Skulpturen war es, dem Betrachter das Umschalten der Elemente zu ermöglichen. In einer späteren Zeit untersuchte er die Lumineszenzeigenschaften von farbigem Plexiglas.

Im Jahr 2004 spendete Albert Chubac der Stadt Nizza rund hundert Werke für das Museum für moderne und zeitgenössische Kunst. Das MAMAC präsentierte diese Spende im Jahr 2004 und wurde so zum Bezugspunkt für die Arbeit des Künstlers in Frankreich.

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