Orphismus oder orphischer Kubismus, ein Begriff, der 1912 vom französischen Dichter Guillaume Apollinaire geprägt wurde, war ein Ableger des Kubismus, der sich auf reine Abstraktion und leuchtende Farben konzentrierte, beeinflusst vom Fauvismus, den theoretischen Schriften von Paul Signac, Charles Henry und dem Farbstoffchemiker Eugène Chevreul . Diese Bewegung, die als Schlüssel zum Übergang vom Kubismus zur abstrakten Kunst gilt, wurde von František Kupka, Robert Delaunay und Sonia Delaunay entwickelt, die den Einsatz von Farbe während der monochromen Phase des Kubismus neu lancierten. Die Bedeutung des Begriffs Orphismus war schwer fassbar, als er zuerst auftauchte und bis zu einem gewissen Grad vage bleibt.

Geschichte
Die Orphisten waren im Kubismus verwurzelt, bewegten sich jedoch zu einer reinen lyrischen Abstraktion und sahen die Malerei als das Zusammenbringen einer Empfindung reiner Farben. Diese Bewegung, die sich mehr mit dem Ausdruck und der Bedeutung der Empfindung befasste, begann mit erkennbaren Themen, wurde jedoch von immer abstrakteren Strukturen schnell absorbiert. Orphismus zielte darauf ab, auf erkennbare Themen zu verzichten und sich auf Form und Farbe zu verlassen, um Bedeutung zu vermitteln. Die Bewegung zielte auch darauf ab, die Ideale des Simultanismus auszudrücken: die Existenz einer Unendlichkeit von miteinander verbundenen Seinszuständen.

Die Zersetzung des Spektrallichts, das in der neoimpressionistischen Farbtheorie von Paul Signac und Charles Henry zum Ausdruck kommt, spielte eine wichtige Rolle bei der Formulierung des Orphismus. Robert Delaunay, Albert Gleizes und Gino Severini kannten Henry persönlich. Charles Henry, ein Mathematiker, Erfinder, Ästhetiker und Vertrauter der symbolistischen Schriftsteller Félix Fénéon und Gustave Kahn, traf Seurat, Signac und Pissarro während der letzten impressionistischen Ausstellung im Jahr 1886. Henry würde den letzten Schritt tun, um emotionale Assoziationstheorie in die Welt zu bringen Welt der künstlerischen Sensation: etwas, das die Neoimpressionisten stark beeinflussen würde. Henry und Seurat waren sich einig, dass die Grundelemente der Kunst – die Linie, das Farbteilchen, wie Wörter – autonom behandelt werden könnten, wobei jeder einen abstrakten, voneinander unabhängigen Wert hätte, wenn er den Künstler auswählte. „Seurat kennt sich gut aus“ schrieb Fénéton 1889, „dass die Linie, unabhängig von ihrer topographischen Rolle, einen bewertbaren abstrakten Wert besitzt“, aber natürlich auch zu den Farbteilchen und der Beziehung beider zu den Emotionen des Betrachters. Die zugrunde liegende Theorie hinter Neo-Impressionsim würde die Werke, die Robert Delaunay in den kommenden Jahren produziert, nachhaltig beeinflussen. Tatsächlich war es den Neoimpressionisten gelungen, eine objektive wissenschaftliche Grundlage für ihre Malerei im Bereich der Farbe zu schaffen. Die Kubisten sollten dies sowohl im Bereich der Form als auch der Dynamik tun, und die Orphisten würden dies auch mit Farbe tun.

Die Symbolisten hatten das Wort orphique in Bezug auf den griechischen Orpheus-Mythos verwendet, den sie als idealen Künstler wahrnahmen. Apollinaire hatte 1907 eine Sammlung von Vierzeilern mit dem Titel Bestiaire ou cortège d’Orphée (Paris, 1911) geschrieben, in der Orpheus als Dichter und Künstler symbolisiert wurde. Sowohl für Apollinaire als auch für die Symbolisten, die ihm vorausgingen, wurde Orpheus mit Mystik assoziiert, etwas, das künstlerische Bemühungen inspirieren würde. Die Stimme des Lichts, die Apollinaire in seinen Gedichten erwähnte, war eine Metapher für innere Erfahrungen. Obwohl in seinen Gedichten nicht vollständig artikuliert, wird die Stimme des Lichts als eine Linie identifiziert, die gefärbt und zu einem Gemälde werden könnte. Die orphische Metapher repräsentiert somit die Kraft des Künstlers, neue Strukturen und Farbharmonien zu schaffen, in einem innovativen kreativen Prozess, der sich zu einem sinnlichen Erlebnis verbindet.

Apollinaire
Der Begriff Orphismus wurde 1912 vom Dichter und Kunstkritiker Guillaume Apollinaire im Salon de la Section d’Or geprägt und bezog sich auf die Werke von František Kupka. Während seines Vortrags in der Sektion d’Or stellte Apollinaire drei von Kupkas abstrakten Werken als perfekte Beispiele reiner Malerei dar, als gegenfigurenhaft wie Musik.

In Les Peintres Cubistes, Méditations Esthétiques (1913) beschrieb Apollinaire den Orphismus als „die Kunst, neue Totalitäten mit Elementen zu malen, die der Künstler nicht aus der visuellen Realität entnimmt, sondern ganz von ihm selbst schafft. […] Die Werke eines Orphikers sollten vermitteln ein ungetrübtes ästhetisches Vergnügen, aber zugleich eine bedeutungsvolle Struktur und erhabene Bedeutung: Nach Apollinaire stellte der Orphismus eine Bewegung zu einer völlig neuen Kunstform dar, ähnlich wie die Musik der Literatur: Orphische Maler nannten in ihren Titeln Analogien zur Musik; B. Kupkas Amorpha: Fuge in Two Colors (1912) und Francis Picabias abstrakte Komposition Dance at the Source (1912) und Wassily Kandinskys Über das Geistliche in der Kunst (1912). Kandinskys detaillierte theoretische Aufsätze beschrieben die Wechselbeziehungen zwischen Farbe und Klang Delaunay, auch beschäftigt mit den Beziehungen zwischen Farbe und Musik, hob die Reinheit und Unabhängigkeit der Farbe hervor, und stellte erfolgreich mit der B aus Laue Reiter auf Einladung von Kandinsky. Fernand Léger und Marcel Duchamp, als sie zur Abstraktion neigten, wurden auch als Orphisten in die Schriften von Apollinaire aufgenommen.

Apollinaire wohnte im Winter 1912 bei den Delaunays, wo er enge Freunde wurde und viele Ideen ausarbeitete. Apollinaire schrieb mehrere Texte über ihre Arbeit, um das Konzept des Orphismus zu fördern. Im März 1913 wurde der Orphismus im Salon des Indépendants der Öffentlichkeit vorgestellt. In seiner Rezension des Salons, der in L’Intransigeant (25. März 1913) veröffentlicht wurde, schrieb Apollinaire, dass „es Maler von völlig verschiedenen Charakteren verbindet, die dennoch eine stärker verinnerlichte, populärere und poetischere Vision des Universums und des Leben‘. Und in Montjoie (29. März 1913) argumentierte Apollinaire für die Abschaffung des Kubismus zugunsten des Orphismus: „Wenn der Kubismus tot ist, lebe der Kubismus. Das Königreich Orpheus ist nahe!

Der von Herwarth Walden von Der Sturm organisierte Herbstsalon (1913) zeigt zahlreiche Werke von Robert und Sonia Delaunay, Jean Metzingers L’Oiseau bleu (1913, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris) , Albert Gleizes „Les Joueurs de Football“ (1912-13, National Gallery of Art), Gemälde von Picabia und Léger, zusammen mit einigen futuristischen Gemälden. Diese Ausstellung markierte einen Wendepunkt in Apollinaires Beziehung zu R. Delaunay (der sich deutlich abkühlen würde), nachdem er einige Bemerkungen in einem Streit mit Umberto Boccioni über die Mehrdeutigkeit des Begriffs „Gleichzeitigkeit“ gemacht hatte. Dies wäre das letzte Mal, dass Apollinaire in seinen kritischen Analysen der Kunst den Begriff Orphismus benutzte; als er seine Aufmerksamkeit zunehmend auf Picabia und Alexander Archipenko lenkte, vor allem aber auf die Futuristen.

Die Delaunays
Sonia Terk Delaunay und Robert Delaunay, ein Mann-Frau-Duo, sollten die Hauptprotagonisten der orphischen Bewegung werden. Robert Delaunay studierte auch verschiedene Malstile, wie die abstrakte Kunst. In ihren früheren Arbeiten konzentrierten sich ihre Stile auf fauvistische Farben mit verschiedenen Abstraktionsgraden; besonders deutlich in Sonias Finnisches Mädchen (1907) und Roberts Paysage au disque (1906). Das erstgenannte Gemälde ist stark auf helle Farben und fließende Übergänge zwischen den Formen angewiesen, während das letztere auf Farben und mosaikartige Pinselstriche angewiesen ist, die unter dem Einfluss von Jean Metzinger gemalt wurden, der auch ein Neoimpressionist (mit hochgradigen Teilen der Division und der Fauve) war.

Ihre Arbeiten wurden zunehmend durch die „gleichzeitige“ Gegenüberstellung von Farben und die Tendenz zur Nicht-Repräsentation erkennbar. In Roberts Eiffelturm-Serie wird das Thema so dargestellt, als wäre es von mehreren Blickwinkeln aus gesehen; mit dem Konzept der „mobilen Perspektive“, entwickelt von seinem engen Freund Metzinger. Bald, anstatt gedämpfte Töne als Kubisten zu verwenden, würde er mit kühnen, hellen Farben neben einander malen (ein Konzept, das von der neo-impressionistischen Farbtheorie abgeleitet ist). Er porträtierte den Turm oft mit Rot- und Rosatönen mit kühleren Farben. Je mehr Robert den Turm malte, desto abstrakter, fragmentierter und bunter wurde er.

Im Jahr 1913 zeigten die Delaunays ihre Arbeiten im Salon des Indépendants und im Herbst Salon, der als erster Orphist Salon auch Werke von Picabia, Metzinger, Gleizes, Léger und Futuristen beherbergte. Anders als andere, die mit Orphismus verbunden sind, würden die Delaunays ihr Leben lang zu diesem Stil zurückkehren.

Eugène Chevreul
Einer von Roberts größten Einflüssen, neben seiner Frau, war der Chemiker Eugène Chevreul. Berühmt für die Entdeckung von Margarine, hat Chevreul sowohl die Farbstoffchemie als auch die Ästhetik des simultanen Farbkontrasts untersucht. Er hatte drei Hauptideen zu seinen Farbtheorien: „Wenn Komplementärfarben einander gegenübergestellt werden, scheint jedes intensiver zu sein als wenn es isoliert betrachtet wird“ und „wenn es einen wahrnehmbaren Unterschied im Dunkellichtwert zwischen den zwei Farben gibt, dann ist es dunkler wird „noch“ dunkler erscheinen „und“ gleichzeitig „verändern sich alle im Sichtfeld vorhandenen Farben gegenseitig auf spezifische Weise“. Chevreul beeinflusste viele Künstler, weil er wissenschaftlich verstand, was viele Künstler instinktiv ausdrückten.

Nach 1913
Selbst nachdem Apollinaire sich von den Delaunays getrennt hatte und der Orphismus seine Neuheit als neue Kunstform verloren hatte, malten die Delaunays weiter in ihrem persönlichen gemeinsamen Stil. Sie haben ihre Arbeit nicht immer Orphic genannt, aber die Ästhetik und die Theorien waren die gleichen. Robert fuhr fort zu malen, während Sonia sich mit anderen Medien beschäftigte, einschließlich Mode, Innenarchitektur und Textildesign, alles im Bereich des Orphismus.

Erbe
Orphismus als eine Bewegung war kurzlebig, im Wesentlichen vor dem Ersten Weltkrieg zu Ende. Trotz der Verwendung des Begriffs die Werke als Orphism kategorisiert waren so unterschiedlich, dass sie Versuche, sie in eine einzige Kategorie zu stellen trotzen. Künstler, die zeitweilig von Apollinaire als Orphisten bezeichnet wurden, wie Léger, Picabia, Duchamp und Picasso, schufen unabhängig voneinander neue Kategorien, die kaum als orphisch klassifiziert werden konnten. Der Ausdruck Orphismus umfasste am offensichtlichsten Gemälde von František Kupka, Robert Delaunay und Sonia Delaunay, wenn er auf Implikationen beschränkt ist, die durch Farbe, Licht und den Ausdruck nicht gegenständlicher Kompositionen auferlegt werden. Selbst Robert Delaunay dachte, dass diese Beschreibung seine Absichten falsch darstellte, obwohl seine vorläufige Klassifikation als Orphic sich als erfolgreich erwiesen hatte. Die amerikanischen Maler Patrick Henry Bruce und Arthur Burdett Frost, zwei von Delaunays Schülern, bemühten sich um eine ähnliche Kunstform um 1912. Die Synchromisten Morgan Russell und Stanton Macdonald-Wright schrieben ihre eigenen Manifeste, um sich vom Orphismus zu distanzieren Robert Delaunay, aber ihre Kunst erschien zeitweise zwangsläufig Orphic. Im Wesentlichen eine stilistische Unterkategorie der von Apollinaire geschaffenen abstrakten Kunst, war der Orphismus ein schwer fassbarer Begriff, von dem aus Künstler, die in seinen Umfang einbezogen waren, beharrlich versuchten, sich zu lösen.