Das Museum für moderne und zeitgenössische Kunst, auch Mamac genannt, ist ein Museum für moderne und zeitgenössische Kunst, das seit dem 21. Juni 1990 in Nizza geöffnet ist. Das MAMAC befindet sich im Herzen der Stadt, neben dem Place Garibaldi und in der Erweiterung der „Coulée Verte“ und bietet einen Tauchgang in die internationale Nachkriegskunst von 1950 bis heute. Mit einer Sammlung von fast 1 400 Werken von mehr als 350 Künstlern (mit durchschnittlich 200 ausgestellten) bietet das Museum unter anderem einen originellen Dialog zwischen dem europäischen neuen Realismus und der amerikanischen Pop-Art. Das Museum zeigt auch Schlüsselwerke minimaler Kunst und Arte Povera. Zwei bedeutende Künstler der Kunst des 20. Jahrhunderts bilden das Herzstück der Sammlungen: Yves Klein mit einem weltweit einzigartigen Dauerraum, der dank der langfristigen Leihgaben des Yves Klein-Archivs ermöglicht wurde, und Niki de Saint Phalle.

Das Museum beleuchtet auch die Einzigartigkeit und Bedeutung der lokalen Kunstszene von den späten 1950er bis zu den frühen 1970er Jahren. Nizza und die Côte d’Azur waren damals ein wichtiger Ort zum Experimentieren und Erfinden neuer künstlerischer Gesten mit bekannten Künstlern wie Yves Klein, Martial Raysse, Arman, Ben und Gruppen wie Supports / Surface. Trotz der Einzigartigkeit von Persönlichkeiten und Praktiken ergeben sich drei Hauptprobleme: der Akt der Aneignung des Alltags (insbesondere mit den Neuen Realisten), eine Kunst der Geste und Haltung (mit Fluxus) und eine analytische Erforschung des Gemäldes (mit Unterstützung /) Oberfläche und Gruppe 70). Diese Forschung wird mit dem europäischen und amerikanischen künstlerischen Schaffen der letzten sechzig Jahre relativiert.

Das Museum befindet sich neben dem Place Garibaldi und wurde von den Architekten Yves Bayard und Henri Vidal entworfen. Es hat die Form eines Tetrapodenbogens, der sich über den Cours du Paillon erstreckt. Die Monumentalität des auf dem Cover des Paillon entwickelten Projekts ermöglicht es, das Museum über eine Terrasse, die Promenade des Arts, mit einem Theater zu verbinden. Mit seinem quadratischen Grundriss ist seine Architektur von den Regeln des Neoklassizismus inspiriert. Die verfügbare Fläche beträgt rund 4.000 m 2, verteilt auf neun Ausstellungsräume auf drei Ebenen. Die glatten Fassaden sind mit weißem Carrara-Marmor bedeckt. Der Eingang und das Geschäft befinden sich auf der Ebene der Esplanade Niki de Saint Phalle mit Blick auf den Place Yves Klein, wo sich auch das Auditorium und die zeitgenössische Galerie des Museums befinden. Die Museumsräume im ersten Stock sind temporären Ausstellungen gewidmet,

Die Räume erstrecken sich über fünf Ebenen, darunter zwei 1.200 m2 große Sets, die den Sammlungen des Museums gewidmet sind. Eine Etage und ein Projektraum sind internationalen temporären Ausstellungen gewidmet, die thematische Ausstellungen und Monographien bedeutender Künstler der letzten 60 Jahre abwechseln. Eine öffentlich zugängliche Dachterrasse bietet einen atemberaubenden Panoramablick auf Nizza.

Geschichte
Das Museum für moderne und zeitgenössische Kunst von Nizza wurde am 21. Juni 1990 eingeweiht. In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts erschienen in Nizza mehrere zusammenhängende Projekte zur Schaffung eines solchen Museums. Die erste war mit der Umstrukturierung der Galerie des Ponchettes verbunden, einem Projekt, das von Henri Matisse und Pierre Bonnard unterstützt wurde und von Doktor Thomas und dann von Jean Cassarini entwickelt wurde, der ersten Präfiguration des Museums für moderne Kunst in Nizza. Die zweite Hypothese war, einen modernen Flügel im Garten des Masséna-Museums zu bauen. Dieses Projekt wurde aufgegeben, um einen Parkplatz zu bauen.

Die Idee wurde Mitte der 70er Jahre mit der Ernennung von Claude Fournet zum Direktor der Museen von Nizza wiederbelebt. Die Eröffnung der Galerie für zeitgenössische Kunst (GAC) und ein zeitgenössisches Programm in der Galerie des Ponchettes boten der Öffentlichkeit von Nizza ein bedeutendes Kunstschaufenster.

1985 sollte die Ausstellung „Autour de Nice“ („Rund um Nizza“) auf der Akropolis, die eine erste Gruppe von Werken der New Realists, insbesondere der School of Nice und Support / Surfaces, zeigt, die Notwendigkeit eines Museums von Moderne und zeitgenössische Kunst in Nizza. Im selben Jahr sieht eine mit dem Staat unterzeichnete Vereinbarung die Umsetzung eines ehrgeizigen Programms zum Kauf von Kunstwerken über einen Zeitraum von fünf Jahren vor. Die finanzielle Unterstützung des Staates, die der Stadt im Rahmen ihrer Akquisitionsoffensive gewährt wird, wird den Prozess der Klassifizierung der künftigen Einrichtung unter dem Label „musée contrôlé par l’état“ in Gang setzen. Bereits 1987 wurde zwischen der Stadt Nizza und dem Staat eine Vereinbarung zur Finanzierung des Architekturprojekts unterzeichnet.

Das Gebäude
Die Architekten Yves Bayard und Henri Vidal machten einen ursprünglichen Vorschlag für eine Art Tetrapodenbogen zu Pferd, einerseits am Fluss Paillon und andererseits auf der Achse der alten Autobahn N7, die das Hafenviertel und die Altstadt verbindet zu den Bezirken, die sich im 19. und 20. Jahrhundert entwickelten. Die Architektur des Museums musste zwei Elemente harmonisieren, die das städtische Gefüge von Nizza ausmachen: die sardische Stadtplanung und die exotische Utopie der Belle Epoque.

Eine von den Prinzipien des Klassizismus inspirierte Monumentalität (quadratischer Grundriss, Bogen) reagiert auf die Gestaltung der Piazza Garibaldi. Die rot-ockerfarbenen Töne der Basis sind mit den glatten Carrara-Marmoroberflächen der Türme verwoben, auf denen die Olivenbäume geschnitzt sind, um ein optisches Zusammenspiel zu schaffen, das die Register der Ordnung und des Friedens der mediterranen Natur ins Herz der Stadt überträgt. Die Berichterstattung über das Paillon bietet eine seltene Gelegenheit, Land in der Innenstadt zu haben, und ermöglicht die umfassende Entwicklung eines Geräts namens „Promenade des Arts“, das aus einem Museum und einem Theater besteht und heute von der „Coulée Verte“ erweitert wird.

Diese entscheidende Lage im Herzen der Stadt erforderte eine Hochhausentwicklung aus vier quadratischen Türmen auf einer Basis von 20 Metern auf jeder Seite für eine Höhe von 30 Metern. Von außen sind sie blind, aber durch Glasstege verbunden. Die Ausstellungsräume verteilen sich auf vier Ebenen sowie eine Ebene für die Lobby und eine für die öffentlich zugänglichen Terrassen. Die zweite Ebene beherbergt die Wechselausstellungen, während die 3. und 4. Ebene den Sammlungen gewidmet sind. Im ersten Stock befindet sich die zeitgenössische Galerie des Museums. Die Ausstellungsräume verteilen sich auf 10 Ausstellungsräume.

Die Terrassen werden als Belvederes behandelt, von denen aus die Aussicht die Stadt weitgehend einschließt. Auf einem von ihnen wird Yves Kleins Le Mur de Feu (Die Mauer des Feuers) präsentiert, das mit Hilfe der „Direction des Musées de France“ geschaffen wurde. Es ist eine Ausgabe eines der Projekte, die der Künstler 1961 für seine Krefeld-Ausstellung entwickelt hat.

Die Piazza, die das Museum einerseits mit dem Theater und andererseits mit dem Palais des Congrès verbindet, ermöglicht die Installation monumentaler Skulpturen wie Alexander Calders Stabile Mobile oder Niki de Saint Phalles Loch Ness Monster.

Die Sammlungen
Sie umfassen 1331 Werke von 346 Künstlern am 13. Oktober 2014, darunter 436 Gemälde und 292 Skulpturen und Installationen, die ein avantgardistisches Panorama des künstlerischen Schaffens von Ende der 1950er Jahre bis heute bieten und sich auf verschiedene Bewegungen beziehen.

Neuer Realismus – Pop Art
Raum 4
Die MAMAC-Sammlung zeugt von der Entstehung von Bewegungen, die sich an der Realität orientieren, und von der Neuinterpretation der entstehenden Massenkultur, die sowohl in Frankreich als auch in Paris und in der Nähe eines Künstlerzentrums entstand in Nizza – und in den Vereinigten Staaten.

Diese neue künstlerische Bewegung erlebte ebenso viel wie eine neue visuelle Sprache. Diese „Pop“ -Bewegung, die wie eine Onomatopöe klingt, verkörpert ein kollektives Streben nach „Modernem“, Sanitärem, Spektakulärem, Glamour, Freizeit, Hedonismus und der Projektion auf eine Lebensweise der Zukunft.

Von der Straße kommen, von ihren Plakaten, von der Wirksamkeit von Werbung, von Magazinen, die mit Porträts von in Mode befindlichen Ikonen emailliert sind; Angeregt durch die Möglichkeiten, die neue Materialien bieten – runde, geschmeidige, plastische, brillante Farben – bringt diese Ästhetik Kunst und Leben näher zusammen, schöpft die Kreation in populären Sorten neu und schillert und umfasst die aufkommende Massenkultur.

Wie die kinetische Kunst zur gleichen Zeit trägt Pop – ohne politisch zu sein – ein demokratisches Ideal, die Herausforderung der Unmittelbarkeit der Wahrnehmung, die Begeisterung eines Jugendlichen, der seine neue Welt erfinden will. Der Name dieser Bewegung wird Pop in ihrer britisch-amerikanischen Flugbahn und dann in ihrer internationalen Umlaufbahn sein; „Neuer Realismus“ in seiner französisch-europäischen Vormachtstellung und seiner Neuerfindung einer Dada-Haltung „..

Niki de Saint Phalle
Raum 5
„In der Kunstgeschichte ist Niki de Saint Phalle (1930-2002) eine Ausnahme. Nur wenige Künstlerinnen genießen in der breiten Öffentlichkeit das gleiche Maß an Anerkennung wie sie. Sie hat sich durch die freie Meinungsäußerung einen Namen und ihr Schicksal gemacht , der Bildersturm ihrer Gesten und die Exzessivität ihrer Projekte. Sie war jedoch lange Zeit Gegenstand von Missverständnissen, beschränkt auf ihre ikonischen „Nanas“, ihre leidenschaftlichen Aussagen und ihr wildes Gefühl der Verzierung. Sie wurde von einem Rand von Männern gemieden Kritiker für ihre „weibliche“ Arbeit und ihre Kommentare zum Matriarchat sowie von feministischen Kunsthistorikern unter dem Vorwand einer möglichen Komplizenschaft mit sexistischen Stereotypen. Ihre Arbeit wird heute schließlich durch all ihren Reichtum und ihre Komplexität überdacht, die für ihren unbestreitbaren und einzigartigen Beitrag zu eine Geschichte von Formen und Gesten;gemessen an ihrem Engagement und ihrer Aufmerksamkeit für die Probleme und Kämpfe ihrer Zeit.

MAMAC besitzt eine der drei Referenzsammlungen in der Welt der französisch-amerikanischen Künstlerin, von ihren ersten Gemälden und Assemblagen der späten 1950er Jahre, den allerersten Schussgemälden der frühen 1960er Jahre, den legendären „Nanas“ und Bräuten bis zu ihr produktive Drucke „.
Hélène Guenin

Catherine Marie-Agnès Fal de Saint Phalle wurde am 29. Oktober 1930 in Neuilly-sur-Seine geboren. Sie war das zweite von fünf Kindern von Jeanne Jacqueline (geb. Harper) und André Marie Fal de Saint Phalle, die ursprünglich aus einer Familie französischer Bankiers stammten. Der Wall Street Crash hatte eine Reihe von Konsequenzen für das Familienunternehmen und führte dazu, dass sie in die USA zogen. Niki wurde dann an amerikanischen Schulen unterrichtet und verbrachte ihre Sommerferien regelmäßig in Frankreich.

Dieses doppelte Zugehörigkeitsgefühl ist ein Symbol für die künstlerischen Verbindungen zwischen Frankreich und den Vereinigten Staaten seit den frühen 1960er Jahren. Dies wurde durch die Präsenz von international bekannten Künstlern wie Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Willem de Kooning und Jackson Pollock in Paris veranschaulicht, die eingeladen wurden, in bekannten Pariser Galerien wie Ileana Sonnaben und Museen wie dem Museum für moderne Kunst der Stadt Paris.

Ohne eine andere formale künstlerische Ausbildung als ihren eigenen Instinkt und die Gewissheit, dass es ihr Schicksal war, schuf Niki de Saint Phalle, die begann, ihr geistiges Universum mit dem Fantastischen zu füllen, das von Matisse, Ensor, de Dubuffet und Pollock geerbt wurde, Assemblagen Sammeln aller Arten von kleinen Gegenständen und Trümmern. Sie perfektionierte diese Ideen in ihren monumentalen Reliefs und in ihren Action-Reifen, die den Kritiker Pierre Restany von Natur aus von der absoluten Notwendigkeit überzeugten, sie in die Gruppe der „Nouveaux Réalistes“ aufzunehmen.

Niki de Saint Phalle entwickelte einen Ansatz, der eine Art Veröffentlichung beinhaltete und ihre Notwendigkeit widerspiegelte, eine bestimmte Gewalt auszudehnen. 1963 begann sie mit der Arbeit an Skulpturen. Von Basrelief-Assemblagen wechselte sie 1964 mit ihren ersten Nanas zu 3D-Kreationen. Diese Skulpturen , in kräftigen Farben und mit großzügigen Kurven, symbolisierte die moderne Frau, befreit von Traditionen. Die Nanas sind schwarz, gelb und pink, sie sind gemischtrassig, um die Welt zu reflektieren.

Sie widmete sich über viele Jahre unermüdlich der Verteidigung kultureller Minderheiten und der Integration der schwarzen Bevölkerung in die amerikanische Gesellschaft.

Yves Klein
Raum 6
Yves Klein wurde 1928 in Nizza geboren und war der erste Judoka. 1954 wandte er sich definitiv der Kunst zu und begann sein «monochromes Abenteuer». Er nahm das Ultramarinblau an, dem er seinen Namen «IKB» (International Klein Blue) gab. Dann machte er sich auf die Suche nach dem Immateriellen und realisierte Performances mit seinen «lebenden Pinseln». Klein geht über jede künstlerische Repräsentation hinaus und akzeptiert, dass Schönheit im unsichtbaren Zustand vorhanden ist und dass seine Mission als Künstler darin besteht, sie zu ergreifen, wo immer sie auch sein mag. Seine Arbeit geht durch die Grenzen der konzeptuellen, körperlichen Kunst und des Geschehens und zeigt eine Vielfalt von Praktiken und Formen, die Yves Klein unbestreitbar zu einem der innovativsten Künstler seiner Zeit machen.

Die zweite Hälfte des 20. Jahrhunderts war tief geprägt von Yves Kleins Kreativität durch seine Monochrome, das zentrale Ereignis der Leere, die Verwendung des Goldes und des Rosas in einer Trilogie von Farben. Er prägte seine Zeit auch dank der Verwendung von rein farbgetränkten Schwämmen sowie der Verwendung des Feuers als Pinsel. Noch heute beeinflusst seine Kreativität die neuen Generationen von Künstlern und Forschern. Yves Klein starb 1962 im Alter von 34 Jahren und hinterließ eine intensive, aber auch kühne und unendliche Arbeit.

Dieser weltweit einzigartige Raum wurde von den Archiven Klein und privaten Sammlern unterstützt, die ihre Werke großzügig bei MAMAC deponierten.

An der Wand eines Kellers, der Armans Familie gehört, malte Klein zwischen 1947 und 1948 seine ersten blauen Monochrome. 1955 lernte er Tinguely, César, Raysse und Restany in Paris kennen und zeigte im Salon des Réalités Nouvelles ein neues Gemälde aus einer einzigen Farbe, das abgelehnt wurde und eine Kontroverse auslöste. Ab 1956 folgten die Ausstellungen von Monochromen aufeinander.

Er begann seine «Blaue Periode» im Jahr 1956 mit der Wahl eines bereits vorhandenen Ultramarinblau, das extrem gesättigt ist und laut Klein «der perfekteste Ausdruck der blauen Farbe» ist. Klein ist zu dieser Zeit fasziniert von dem ultramarinreinen Pigment von unvergleichlicher Intensität. Er zeigt zum ersten Mal die Installation «reine Pigmente» bei Colette Allendy im Mai 1957 und versucht, «Farbe an sich» zu zeigen:

Reine Pigmente – Reines Pigment, das auf dem Boden ausgestellt wurde, wurde selbst zum Gemälde und nicht zu einem hängenden Bild. Das Fixiermedium ist das immateriellste, das heißt, es ist eine Anziehungskraft, die nur auf sich selbst gerichtet ist. Es hat die Pigmentkörner nicht verändert, ebenso wie Öl, Kleber oder sogar mein spezielles Fixiermittel. Das einzige Problem dabei: Man steht natürlich aufrecht und schaut zum Horizont. »

Bewegungen und Künstler
Die neuen europäischen Realisten mit den netten Künstlern Arman, Yves Klein und Martial Raysse neben César, Christo, Niki de Saint Phalle, Mimmo Rotella, François Dufrêne, Jean Tinguely, Gérard Deschamps, Daniel Spoerri, Raymond Hains, Jacques Villeglé und Alain Jacquet
Die amerikanische Version mit Pop-Art wird durch eine Sammlung von Werken von Roy Lichtenstein, Robert Indiana, Andy Warhol, James Rosenquist, Claes Oldenburg, Tom Wesselmann, John Chamberlain, Jim Dine, George Segal und dem Neodadaisten Robert Rauschenberg vertreten.
Die Schule von Nizza mit Ben ist mit mehreren repräsentativen Werken von Fluxus verbunden, wie auch mit Robert Filliou
Die Arte Povera bringt mehrere Künstler zusammen, darunter Pier Paolo Calzolari, Michelangelo Pistoletto oder Enrica Borghi
Supports / Surfaces ist mit Noël Dolla, Marcel Alocco, André-Pierre Arnal, Louis Cane, Daniel Dezeuze, Vincent Bioulès, Marcel Devade, Christian Jaccard, Bernard Pagès, Jean-Pierre Pincemin und Claude Viallat vertreten.
Der amerikanische Minimalismus und das amerikanische Farbfeld werden von Morris Louis, Paul Jenkins, Kenneth Noland, Jules Olitski, Ellsworth Kelly, Sol Lewitt, Larry Poons (en), Frank Stella und Joseph Kosuth illustriert
Europäischer Minimalismus mit François Morellet, Olivier Mosset, Jean-Pierre Raynaud, John Armleder, Bernar Venet und Jan Voss
Die Figuration der 60er und 80er Jahre von Hervé Télémaque, Bernard Rancillac, Antonio Recalcati, Ernest Pignon-Ernest, Keith Haring, Sandro Chia, Robert Combas, Hervé di Rosa, Rémi Blanchard, François Boisrond, Robert Longo, Jean-Charles Blais
Es gibt auch Werke von Serge Charchoune, Alexander Calder, Joseph Cornell, Hans Hartung, Lucio Fontana, Nicolas de Staël, Simon Hantai, Pierre Soulages, Olivier Debré, Victor Vasarely, Karel Appel, Paul Mansouroff, Annette Messager, Jan Fabre und Ai Weiwei , etc.

Spenden und Einzahlungen
Seit der Eröffnung hat Yves Klein von einem Raum profitiert, in dem zwanzig seiner Werke gesammelt sind, von denen einige zur ständigen Sammlung des Museums gehören.

Im Oktober 2001 vermacht Niki de Saint Phalle der Stadt Nizza einen großen Teil ihrer Sammlung für das Museum: Der Körper der Spende besteht aus 170 Werken, darunter 63 Gemälde und Skulpturen, 18 Stiche, 40 Lithographien, 54 Serigrafien und viele Originaldokumente. Zu den monumentalen Skulpturen gehört The Lochness Monster.

Die Verpackungen von Christo sind Teil der Einzahlung der Lilja Art Fund Foundation.

2004 bot der Schweizer Künstler Albert Chubac dem Musée Niçois rund hundert Werke an.

Im Jahr 2010 spendete der Sammler Khalil Nahoul 94 Werke (Gemälde, Zeichnungen, Drucke), darunter Stücke von Pierre Soulages, Francis Bacon und Hans Hartung.

Das Berggreen-Vermächtnis umfasst 2014 Werke von John Armleder, Jean-Charles Blais, François Morellet, Claude Viallat oder Jean Michel Alberola.

Temporäre Ausstellungen
Im Laufe der Jahre hat MAMAC große internationale Gruppenausstellungen vorgeschlagen: Klein Byars Kapoor (2012), Intra-Muros (2004), De Klein à Warhol (1997); Chimériques polymères, die Kunst der Kunst des XXème Siècle (1996); monografische Ausstellungen prominenter Künstler Liz Magor (2017), Ernest Pignon-Ernest (2016), Wim Delvoye (2010), Robert Longo (2009), Richard Long (2008), Robert Rauschenberg (2005), Niki de Saint-Phalle (2002) ), Arman (2001), Yves Klein (2000), Tom Wesselmann (1996); Mit Einzelausstellungen von Giovanni Anselmo (1996), Gilberto Zorio (1992), Pier Paolo Calzolari (2003) oder Michelangelo Pistoletto (2007) wird die besondere Beziehung zur Nachbarregion Norditaliens hervorgehoben.

Über Nizza. 1947-1977
Die hier zusammengestellten Elemente sind Teil der Hauptausstellung „Bezüglich Nizza. 1947-1977“, die 2017 im Rahmen der Biennale „Nizza 2017“ organisiert wurde. Ecole (s) de Nice „und anlässlich des mutmaßlichen Jahrestages der Geburt von dieses künstlerische Aufbrausen.

Die Schule von Nizza gegeben oder die Liste ihrer Schlüsselfiguren, gab es ab den späten 1950er Jahren eine Welle von starken, dynamischen und künstlerischen Kräften in Nizza. Das Museum und seine Sammlungen zeugen vom Reichtum dieser Geschichte, die in einem internationalen Kontext zu einer Zeit relativiert wurde, als diese Gesten auftauchten. In der Region zeigte sich eine Konstellation von Aktionen und Einstellungen, als charismatische Persönlichkeiten ihre Spuren hinterließen, um Verbindungen zwischen Nizza und den internationalen Hauptstädten der Kunstwelt herzustellen.

In Paris feierte das Centre Pompidou 1977 diese Vitalität mit der Ausstellung „A Propos de Nice“ (Über Nizza), die von Ben – einem der Hauptakteure dieser epischen Bewegung – orchestriert wurde. Eine berühmte Episode leitete die legendäre Geburt der Bewegung ein, die der symbolischen Teilung der Welt, die 1947 drei junge Männer am Strand von Nizza teilten: Yves Klein, der sich das unendliche Blau des Himmels aneignete; der Dichter Claude Pascal ergriff die Luft und Arman eroberte das Land und seinen Reichtum zurück. Diese Eröffnungsaktion, eine Suche nach dem Absoluten, dem Geist der Herausforderung und Gleichgültigkeit, ebnete den Weg für eine aktive Szene im Herzen und als Reaktion auf die Ruhe der Küstenstadt.

Über die Erzählungen hinaus, die traditionell die Schule von Nizza in einer Reihe von Bewegungen definieren: Neuer Realismus, Fluxus, Unterstützungen / Oberflächen usw., bringen ursprüngliche Einstellungen und Gesten diese Künstlergenerationen mit heterogenen Praktiken zusammen: eine Revolution der Formen, eine Unverschämtheit von Einstellungen, Appetit auf Respektlosigkeit und Faszination für Erzählungen. Über eine ästhetische Geschichte hinaus zeugt „The School of Nice“ von der Entstehung von Persönlichkeiten in einem kosmopolitischen Kontext und in einer Stadt, die sich in voller Mutation befindet.

Französische Riviera
Im Film A Propos de Nice von 1930 wirft der Filmemacher Jean Vigo einen satirischen Blick auf die Freizeitstadt, in der wohlhabende, untätige Touristen mit Anwohnern zusammenleben, die mit den Aktivitäten der Saison beschäftigt sind. Eine Generation später bietet Nizza einen bemerkenswerten Kontrast zwischen einer bestimmten Moderne mit seiner „Herde transatlantischer Liner in leuchtenden, grellen Farben, einem Schaufenster billiger Plastikutensilien“ * und seinen Sommer-Weltenbummlern und der kulturellen Isolation junger Künstler, die von der Welt besessen sind Schöpfungsakt, – diese Kontraste dienen zweifellos als Nährboden für ihre Energie und ihr Verhalten als Dissident.

Obwohl die Entstehung einer Kunstszene nicht allein durch ihren lokalen Kontext erklärt werden kann, wäre es ebenso unproduktiv, die Besonderheit von Nizza als Stadt und das, was sie zu Beginn der 1960er Jahre produzierte und verbot, zu ignorieren. Am Strand von Nizza träumte Yves Klein davon, sich die Unendlichkeit des Himmels anzueignen, und auf dem Spaziergang am Meer träumten Ben und seine Kollegen Aktionen, die Kunst und Leben verbanden. Unter den blauen Stühlen und der Sommermenge trafen sich Künstler und gestalteten die Welt neu, um die Stereotypen herauszufordern, die den Glamour der Côte d’Azur im Ausland repräsentierten. Arman sammelte Casino-Token, Martial Raysse schuf schillernde Pop-Evokationen der Küstenwelt und Claude Gilli erinnerte an die azurblauen Landschaften in bunten Schnitttafeln. Diese Verweise auf Vergnügungssuchende,

Moderne Wunder?
Zu Beginn der 1960er Jahre, beeinflusst von der Entwicklung des internationalen Tourismus und der Amerikanisierung der französischen Gesellschaft, wurde Nizza mit Jugend, Hedonismus und blühendem Massenkonsum identifiziert. Diese ständige Suche nach Neuem und Massenproduktion würde den Grundstein für das Verhältnis der Künstler zur Aneignung und Subversion der Realität legen. „Ja, Nizza ist unser friedliches und pasteurisiertes Paradies. Von hier aus könnte Kunst geschaffen werden, die an dieser erfundenen Realität festhält“, schrieb der Kritiker Jean-Jacques Lévêque 1967.

Angesichts dieser schwindelerregenden Besessenheit vom Neuen, der Herstellung billiger Objekte und der Illusion erfanden Künstler neue Formen. Sie verzerrten diese Welt mit ihrem lächerlichen Streben nach Besitz auf satirische oder gegen das Establishment gerichtete Weise und hoben durch die Faszination des Aseptikers ihre tödliche Suche nach ewiger Jugend hervor. Aus diesem Spektakel des täglichen Lebens schufen Künstler eine neue Schönheit, die Exzess und schlechten Geschmack vereint. Sie schlugen eine Soziologie der „modernen Wunder“ vor, die von den Überresten einer von Akkumulation getriebenen Gesellschaft inspiriert war, die Wiederholung bis zum Bruch und die Proliferation zur Verderbnis und Verschlechterung von Objekten verwendeten und die Ikonen der modernen Welt freudig zerstörten. Dabei komponierten sie eine ungezügelte Ode an die Exzesse des Besitzkultes und der programmierten Veralterung.

Die Suche nach dem Absoluten – Die Erfindung von Handlungen
1947 teilten drei junge Männer zu Beginn ihrer künstlerischen Praxis die Welt, „vor diesem dummen Meer, in dem alte Männer Frankreich und Kunst konsumieren“. * Diese originelle und mythische Geschichte präsentierte den Horizont des Ehrgeizes, ein Beweis für die Suche nach dem Absolut, das war der Eroberung gleichgültig und besessen. In einer Stadt, die immer noch zwischen Konservatismus und Moderne hin- und hergerissen ist, weit weg von Pariser Kreisen, löste sie eine Reihe zukünftiger radikaler Aktionen und künstlerischer Praktiken aus, die auf performativen Gesten und dem Streben nach Exzess beruhten. Yves Klein schuf seinen Saut dans le Vide (Sprung in die Leere) in den Pariser Vororten, Bernar Venet komponierte während seines Militärdienstes in Tarascon seinen eigenen „Sturz“ in einen Haufen Schutt und Ben warf Gott aus dem Hafen von ins Meer Nett.

Diese Handlungen zeigen das Porträt dieses suchenden Geistes zwischen Trivialität, Respektlosigkeit und dem Wunsch nach Allmacht, einschließlich einer Vorliebe für kindlichen Humor und Konkurrenz. Einige Handlungen können als Parodie auf die damals noch dominierende lyrische Abstraktion angesehen werden, eine Handlung, die die Gesellschaft kritisiert; andere verwendeten einen analytischen und materiellen Ansatz oder versuchten, die „momentanen Zustände“ des Seins und der Welt zu erfassen. Könnten diese Handlungen aus dem Zeichen alltäglicher Gegenstände oder Elemente der Natur in einer Feuertaufe eine Möglichkeit bieten, die Vergänglichkeit des Seins mit dem Wunsch der Kunst nach Ewigkeit zu verbinden?

Fragen und Einstellungen hinterfragen – Théâtre Total
Mitte der 1960er Jahre wurden einige junge Künstler von Bens Magazin und der Nice School of Decorative Arts mit Charvolen, Maccaferri, Miguel, Dolla und ihrem Professor Viallat zusammengebracht, die 1966-67 wegen politischer Unruhen entlassen wurden . Chacallis, Maccaferri, Miguel, Charvolen und Isnard beschäftigten sich mit der analytischen und materiellen Erforschung der Malerei und versammelten sich im Januar 1971 im Rahmen einer Ausstellung in Chacallis ‚Haus in Vieux-Nizza. Diese Veranstaltung war die erste offizielle Ausstellung der Gruppe 70 später gefolgt von einer Einladung ins Theater von Nizza.

Die kollektive Erfahrung endete 1973 nach ihrer Teilnahme an der 8. Pariser Biennale. Zwischen 1968 und 1973 schufen der Kunstkritiker und Dichter Raphaël Monticelli und der Künstler Marcel Alocco „INterVENTION“, bei dem die Mitglieder der Gruppe 70 und verschiedene Mitglieder von Supports / Surface zu theoretischen Debatten zusammenkamen und Ausstellungen organisierten. Zu diesem Zeitpunkt begann Marcel Alocco mit der Arbeit an Figuren, indem er zunächst stilisierte Muster auf Bettlaken anbrachte, bevor er sie in seinen berühmten Patchworks schnitt und dekonstruierte. Schließlich enthüllte Jacques Martinez, der in diesem Bereich tätig war, am Rande dieser akademischen Forschung seine eigene Bildsprache, die auf den Konzepten von Oberflächen, Materialien und Handlungen basiert.

La Cédille qui Sourit
Der amerikanische Künstler George Brecht, ein Pionier der Konzeptkunst, und der französische Künstler Robert Filliou, der die Kunst des Gewöhnlichen beherrschte, beschlossen, sich in Villefranche-sur-Mer bei Nizza niederzulassen, um eine Buchhandlung zu eröffnen. “ Ein internationales Zentrum permanenter Schöpfung „unter dem Symbol des Humors, La Cédille qui Sourit (die Cedilla, die lächelt).

Von Oktober 1965 bis März 1968 wurden Schmuck, Faksimile-Editionen, Drucke und Originalkunstwerke ohne Hierarchie ausgestellt. Die Aktivitäten von La Cédille qui Sourit fanden manchmal an einem Ort in der Rue de May 12 statt, der „immer geschlossen, nur auf Anfrage geöffnet“ war, meistens jedoch in den Straßen und Bars der Altstadt. Robert Filliou beschrieb es wie folgt: „Wir spielten Spiele, erfanden und erfanden Objekte neu, verbanden uns mit den Demütigen und Mächtigen und tranken und sprachen mit den Nachbarn.“ * Vorahnung der kritischen Formen, die den Sinn unserer Existenz und ihrer Welt widerspiegeln La Cedille qui Sourit entstand im Mai 1968 in westlichen Kulturbewegungen und war ein Versuch, Kunst und Leben in einem kleinen Dorf an der Côte d’Azur näher zusammenzubringen, dessen Geschichte das moderne internationale künstlerische Schaffen verfolgt.

Stützen / Oberflächen
Supports / Surfaces galt als das letzte künstlerische Abenteuer der Avantgarde-Bewegung in Frankreich und war ein kurzlebiger, aber starker Einfluss (1970-1972) auf Nizza, der es zum Ort wichtiger Experimente machte. Angesichts der Herausforderungen, die sich aus der Kunst der Aneignung und der Kunst der Einstellungen ergeben, behaupteten die Künstler der Bewegung, dass Malerei noch möglich sei, und begannen, die Grundlagen der Kunst neu zu erfinden. Traditionelle Werkzeuge wurden durch Rohstoffe ersetzt. Über Rahmen gespannte Leinwände wurden durch freie Leinwände und gewöhnliche Stoffe ersetzt. Der Schwerpunkt lag auf dem künstlerischen Prozess und der Interaktion zwischen Aktionen und Unterstützungen. Parallel zu diesen kritischen Handlungen wurde auch die Präsentation von Kunstwerken durch den Einsatz unkonventioneller Darstellungsmethoden in Frage gestellt.

Projekte, die im Sommer 1969 unter dem Einfluss von Jacques Lepage im Freien in den Straßen des Dorfes Coaraze und im Sommer 1970 an der Mittelmeerküste an der Mittelmeerküste durchgeführt wurden, stellten wichtige Perioden des Experimentierens und der Interaktion mit dem Publikum dar und gaben den Nomaden und den Zuschauern eine herausragende Stellung experimenteller Charakter der Kunstwerke von Supports / Surfaces.

Fragen zur Malerei
Mitte der 1960er Jahre wurden einige junge Künstler von Bens Magazin und der Nice School of Decorative Arts mit Charvolen, Maccaferri, Miguel, Dolla und ihrem Professor Viallat zusammengebracht, die 1966-67 wegen politischer Unruhen entlassen wurden . Chacallis, Maccaferri, Miguel, Charvolen und Isnard beschäftigten sich mit der analytischen und materiellen Erforschung der Malerei und versammelten sich im Januar 1971 im Rahmen einer Ausstellung in Chacallis ‚Haus in Vieux-Nizza. Diese Veranstaltung war die erste offizielle Ausstellung der Gruppe 70 später gefolgt von einer Einladung ins Theater von Nizza. Die kollektive Erfahrung endete 1973 nach ihrer Teilnahme an der 8. Pariser Biennale.

Zwischen 1968 und 1973 schufen der Kunstkritiker und Dichter Raphaël Monticelli und der Künstler Marcel Alocco „INterVENTION“, bei dem die Mitglieder der Gruppe 70 und verschiedene Mitglieder von Supports / Surface zu theoretischen Debatten zusammenkamen und Ausstellungen organisierten. Zu diesem Zeitpunkt begann Marcel Alocco mit der Arbeit an Figuren, indem er zuerst stilisierte Muster auf Bettlaken anbrachte, bevor er sie in seinen berühmten Patchworks schnitt und dekonstruierte. Schließlich enthüllte Jacques Martinez, der in diesem Bereich tätig war, am Rande dieser akademischen Forschung seine eigene Bildsprache, die auf den Konzepten von Oberflächen, Materialien und Handlungen basiert.

Projekte
Ungefähr hundert Veranstaltungen pro Jahr machen das Museum zu einem Ort zum Leben und Teilen. Führungen, Workshops, Treffen mit Künstlern oder Forschern, Geschichtenerzählungen, Vorträge oder Projektionen, Tanzbesuche, Konzerte, Performances und Veranstaltungen fördern die Zugänglichkeit zeitgenössischer Kunst für ein breiteres Publikum und verwandeln das Museum in einen Spielplatz für Künstler aus verschiedenen Bereichen. Das Museumsteam baut das ganze Jahr über eine Konstellation von Netzwerken mit Unternehmen, Verbänden, Studenten und Sozialarbeitern auf, um spezifische Programme und Möglichkeiten zur Neuerfindung des Museums zu erfinden.

Seit einigen Jahren engagiert sich MAMAC für aktive neue Lesarten der Kunstgeschichte, die in zeitgenössischen gesellschaftlichen Fragen verankert sind. das Hervorheben von Einzelfiguren und die Produktion neuer Geschichten. Unser Verhältnis zur Natur und der Umgang der Künstler mit den ökologischen Herausforderungen ist eines der Hauptthemen des Programms.

Der Projektraum oder die zeitgenössische Galerie ist den aktuellsten Experimenten oder visuellen Sprachen der lokalen und internationalen zeitgenössischen Kunst gewidmet.

Bibliothek
Das Museum verfügt über eine eigene Bibliothek, die sich auf die internationale Kunstszene der Nachkriegszeit konzentriert und Folgendes sammelt: Dokumentation zu den Museumsaktivitäten: Kataloge, Künstlerdrucke und Broschüren; Mehr als 13000 Ausstellungskataloge, Essays, Monographien, Magazine…

Ast
Unter anderem organisierte MAMAC: Gustav Metzger. Erinnere dich an die Natur (Februar 2017); Ein Vorschlag von Nizza. 1947 – 1977 (Sommer 2017); Cosmogonies, au gré des éléments, eine multidisziplinäre und historische Gruppenausstellung, die sich auf die gemeinsame Kreation mit der Natur von Yves Klein bis Thu-Van Tran und Otobong Nkanga konzentriert (Sommer 2018); Tanz erfinden: in und um Judson, New York, 1959-1970 (Winter 2018); Le diable au corps. Quand l’Op art électrise le cinéma (Sommer 2019) über die Beziehung zwischen Kunst und Kino in den 1960er Jahren.