Museum für Angewandte Kunst, Wien, Österreich

Das Museum für angewandte Kunst (MAK) ist ein Kunstgewerbemuseum am Stubenring 5 im 1. Wiener Gemeindebezirk Innere Stadt. Neben seiner traditionellen Ausrichtung auf Kunsthandwerk und Design konzentriert sich das Museum vor allem auf Architektur und zeitgenössische Kunst.

Das MAK ist Museum und Experimentierraum für angewandte Kunst an der Schnittstelle von Design, Architektur und Gegenwartskunst. Ihre Kernkompetenz liegt in der zeitgemäßen Erforschung dieser Bereiche, um neue Perspektiven zu erschließen und den Diskurs am Rande der Traditionen der Institution aufzuklären.

Das MAK setzt sich für eine angemessene Anerkennung und Positionierung der angewandten Künste ein. Es verfolgt neue Ansätze für seine umfangreiche Sammlung, die verschiedene Epochen, Materialien und künstlerische Disziplinen umfasst, und entwickelt diese Ansätze für überzeugende Ansichten.

Gebäude
Ab 1869 wurde auf dem Stubenring 5 nach Plänen von Heinrich von Ferstel ein neuer Museumskomplex für das kk Österreichisches Kunst- und Industriemuseum im Stil der Neorenaissance errichtet. Der Maler Ferdinand Laufberger fertigte einen Fries im Sgraffito und die Fresken im Spiegelgewölbe des Treppenhauses an. Am 15. November 1871 wurde das Museum im Rahmen einer feierlichen Eröffnung der Öffentlichkeit zugänglich gemacht und als erstes Museumsgebäude am Ring eingeweiht. Laufbergers Cartoons gingen verloren und so wurde um 1893 die Wandmalerei der Figuren an der Außenfassade von Karl Kargers Schülern der Kunstgewerbeschule durchgeführt. Ab 1875 wurde neben dem Österreichischen Museum ein angrenzender Neubau für die Kunstgewerbeschule am Stubenring 3 errichtet, dessen Pläne auch von Heinrich von Ferstel stammen. Es wurde 1877 eröffnet.

1906 wurde von Ludwig Baumann ein Anbau für das Museum in der Weiskirchnerstraße 3 geplant und 1908 fertiggestellt. Nach dem Zweiten Weltkrieg wurden die Kriegsschäden am Museumsgebäude bis 1949 behoben.

1989 wurde mit der Generalsanierung des bestehenden Gebäudekomplexes und dem Bau eines zweigeschossigen Untergrundlagers begonnen, wodurch zusätzliche Depots für die Sammlung und zusätzliche Ausstellungsflächen entstanden.

Nach dieser Renovierung wurde das Museum 1993 eröffnet. Die Ausstellungsräume wurden von Künstlern wie Barbara Bloom, Eichinger oder Knechtl, Günther Förg, Gangart, Franz Graf, Jenny Holzer, Donald Judd, Manfred Wakolbinger und Heimo Zobernig gestaltet. Im Jahr 2014 gab es eine Neuorganisation der Teppichausstellungskollektion mit einer künstlerischen Intervention von Füsun Onur und der Ausstellungskollektion Asien, mit der Tadashi Kawamata in den Jahren 2014 und 2016 mit der künstlerischen Gestaltung betraut wurde.

Das Gebäude in der Weiskirchnerstraße ist für Wechselausstellungen reserviert, während in den Räumen am Stubenring die Dauerausstellungssammlung und das MAK DESIGN LAB untergebracht sind.

Die MAKlite-Lichtinstallation des amerikanischen Künstlers James Turrell wird an der Außenfassade des MAK installiert (Erstinstallation 2004, Restaurierung 2018). Die historische Fassade wird mit Lichttechnik beleuchtet, die mit dem Florentiner Kunstlichtexperten Targetti unter Verwendung der neuesten LED-Technologie in zehn verschiedenen Farben entwickelt wurde. Die Installation ist von Sonnenuntergang bis Mitternacht und morgens von 5:00 Uhr bis Sonnenaufgang zu sehen. James Turrell ist auch in der MAK-Sammlung mit dem Skyspace The other Horizon in der MAK-Filiale Geymüllerschlössel im 18. Wiener Gemeindebezirk vertreten.

Sammlungsgeschichte
Das MAK beherbergt eine beispiellose Sammlung von angewandter Kunst, Design, Architektur und zeitgenössischer Kunst, die sich im Laufe von 150 Jahren entwickelt hat.

Das 1864 eröffnete kaiserlich-königlich-österreichische Kunst- und Industriemuseum war ein Ausnahmefall inmitten der aufkeimenden Wiener Museumslandschaft.

Das Museum, das 1863 offiziell gegründet wurde, um Innovationen voranzutreiben, war eine kulturelle Institution, die nicht auf einer kaiserlichen oder edlen Sammlung beruhte, sondern von Grund auf neu zusammengestellt wurde und dabei einem völlig neuen Konzept folgte, das dem bürgerlichen und liberalen Konzept näher kam das Handwerk voranzutreiben, als es zu irgendwelchen aristokratischen Repräsentationswünschen war. Es war ein modernes Museum, das sich sowohl an den Bedürfnissen der Bevölkerung als auch der Produzenten von Waren orientierte.

Die Kritik an der Praxis der Kunstmuseen, ihre Räume ausschließlich für „reine“ Kunstwerke zu reservieren, die ohne Rücksicht auf ihre Herkunftskontexte präsentiert werden, war im 19. Jahrhundert ebenso verbreitet wie die Forderung, dass die Museen auch den Prozessen, mit denen sich die Kunstmuseen auseinandersetzen, die gebührende Aufmerksamkeit widmen Ausstellungsgegenstände wurden hergestellt. Die Vernachlässigung der technologischen Aspekte durch die Kunstmuseen wurde in der Tat als mitverantwortlich für die relativ langsame Fortschrittsrate der Künste angesehen.

Als Reaktion auf diese Mängel entwickelte Gottfried Semper 1852 seinen „Idealplan“ für ein fiktives „metalltechnisches“ Museum. Nach diesem detaillierten, aber kaum praktikablen Konzept sollte das Museum eine Sammlung von Modellen zusammenfassen, darunter bis zu -aktuelle Proben aus der metallverarbeitenden Industrie mit einem „Musée Imaginaire“ der Metallkunst. Was Semper skizzierte, war nicht weniger als ein Universalmuseum, dessen “historisch, ethnografisch und technologisch” organisierte Sammlung das gesamte Feld der Kulturwissenschaften in der Art einer “Chronologie, eines Querschnitts und eines Grundrisses” überblicken würde Damit ist sein Konzept mit dem der heutigen Wissenschaftsmuseen vergleichbar.

Zu Sempers Zeiten galten die Begriffe Kunst, Handwerk und Industrie noch nicht als widersprüchlich, wie es ihre heutigen Definitionen vermuten ließen. Industrie wurde im Sinne des lateinischen Wortes industria als Fleiß verstanden und ging Hand in Hand mit Produktion und Innovation von Handwerkern und Künstlern. In Deutschland und Österreich, wo die Zünfte ihren Einfluss länger behielten als in Ländern wie Frankreich und England, kam es erst relativ spät zu einer Unterscheidung zwischen Kunst und Handwerk. Erst im Laufe des 19. Jahrhunderts gingen die beiden Vorstellungen auseinander, als man zuvor von Kunstmanufakturen, Manufakturen und mechanischen Künsten gesprochen hatte.

In Österreich begannen die Bemühungen zur Förderung der mechanischen Künste mit der Gründung des Polytechnischen Instituts (1815) und des niederösterreichischen Handwerksverbandes (1839). Es gab auch innovative Sammler, Denker und Dozenten der Akademie der bildenden Künste, wie Johann Daniel Böhm (1794–1865), Leiter der Gravurschule der Akademie, und Rudolf von Eitelberger (1817–1885), ein Kunstpublizist und Pädagoge, der den Preis anerkannte Problem minderwertiger handwerklicher Produkte und gesammelter Modelle zur Verwendung als Anleitungsbeispiele im Hinblick auf eine Verbesserung.

Als Gottfried Semper sein „ideales Museum“ entwarf, hatte er zwei reale Institutionen im Sinn: das South Kensington Museum, das nach der großen Ausstellung von 1851 in London eingerichtet worden war, und die Schools of Design, die es bereits in London gab der gleiche Ort. Diese beiden Institutionen waren gegründet worden, um den „beispielhaften Gebrauch von Kunst in der Handwerkskunst“ als Sammlung und als Lehrmittel zu präsentieren.

Die Gründung des „Kaiserlich Königlichen Österreichischen Museums für Kunst und Industrie“ erfolgte ebenfalls im Zuge einer Weltausstellung. Rudolf von Eitelberger war 1862 als österreichischer Korrespondent für die zweite Weltausstellung nach London geschickt worden, und der Bericht, den er für das kaiserliche Gericht verfasste, betonte die unzureichende Wettbewerbsfähigkeit der österreichischen Kunstindustrie im Licht der ausländischen Konkurrenz. Dies betraf vor allem französische und englische Produkte, wie bereits auf der Pariser Weltausstellung 1855 deutlich wurde. Er gab Empfehlungen für Reformen und für den Aufbau von Institutionen zur Förderung des Handwerks in Österreich. Jacob von Falke, Mitbegründer des 1863 vom Kaiser initiierten und von Rudolf von Eitelberger geleiteten Museums,

Das Museum, das anfangs keine eigene Sammlung besaß, verabschiedete Statuten, die seinen grundlegend innovativen Ansatz dokumentierten und Ziele formulierten, die nach wie vor wichtige Ausgangspunkte für eine heutige Identität darstellen. Das Museum war von Anfang an international ausgerichtet: Die Korrespondenten informierten darüber, wie Handel und Gewerbe von London über Shanghai bis nach Tokio gefördert und gepflegt wurden. Sie ermöglichten auch den Erwerb herausragender Sammlungsgegenstände und Dokumente.

Das Museum definierte seinen Auftrag in zweierlei Hinsicht: Wissen und Industrie zu fördern und den Geschmack zu pflegen. Die Mission, Innovationen sowohl in der Designproduktion als auch im Stil zu fördern und zu präsentieren, gilt bis heute. Die Bezugnahme auf Modelle wurde als Lehr- und Lernkonzept für die breitere Kunstbranche angepasst, wie es bereits an den Kunstakademien praktiziert wurde. Ein in dieser Hinsicht nachahmbares System war in England zu finden: Dort hatte die Errichtung eines neuen Bildungssystems in den 1830er Jahren einen Dualismus zwischen universitärer humanistischer Ausbildung und kaufmännisch ausgerichteter Berufsausbildung mit Zeichnungsunterricht ausgelöst Ornamente, eine Fähigkeit, die in der industriellen Produktion zunehmend an Bedeutung gewann und von den Akademien an technisch orientierte Institutionen ausgelagert wurde.

Die Sammlung des kaiserlich-königlichen Österreichischen Kunst- und Industriemuseums, die in der Absicht errichtet wurde, Meisterwerke der angewandten Kunst aus allen Epochen und Materialien zusammenzustellen, wurde interkulturell konzipiert und bot eine einzigartige Gelegenheit, die Entwicklung solcher Aspekte nachzuvollziehen als Form in verschiedenen Materialien, in verschiedenen Kulturen und über viele Jahrhunderte.

Die Geschichte der verschiedenen Bereiche der Museumssammlungen spiegelt auch die Veränderung sowohl des Geschmacks als auch der Anforderungen an Museumsobjekte wider. Am Anfang handelte es sich vor allem um Gegenstände, die aufgrund ihrer Verarbeitungsqualität und Ästhetik als Geschenke, Einkäufe und zum Zwecke des Lernens und des Unterrichts erworben wurden – mit anderen Worten, sie betonten den Modellcharakter der Sammlung für die künstlerische und industrielle Produktion des Reiches in diese Zeit. Dieser Ansatz erfuhr später mit dem Zusammenbruch der ästhetischen Dominanz des Historismus eine grundlegende Transformation. Die Musealisierung der Objekte ging einher mit der Entdeckung von Aspekten ihres Modellcharakters. Ein Beispiel war die Ergänzung des Museums um die ostasiatischen Bestände des Imperial Royal Museum of Trade, den Arthur von Scala bis 1907 in die Sammlung des Museums einbaute; solche Objekte stellen bis heute einen wichtigen Sammelschwerpunkt dar.

Während sich das Museum als Verfechter neuer ästhetischer Konzepte präsentierte, etwa in Bezug auf englische Vorbilder um 1900 (mit entsprechenden Auswirkungen auf die in dieser Zeit getätigten Akquisitionen), wurden andere Neuerungen vorgenommen, beispielsweise die Entwicklung der Wiener Werkstätte nur teilweise gerechtigkeit als die sammlung erweitert. Dies trotz der Tatsache, dass die bis 1909 dem Museum angegliederte Kunstgewerbeschule Josef Hoffmann und Koloman Moser als Professoren beschäftigte, die beide auch als Designer für die Wiener Werkstätte tätig waren. Die dadurch entstandenen Lücken konnten erst nachträglich durch den Erwerb des Archivs der Wiener Werkstätte im Jahr 1955 sowie durch gezielte Anschaffungen und / oder die Gewinnung von Geschenken und Dauerleihgaben in den Folgejahren geschlossen werden .

Mit dem Ende der Monarchie im Jahr 1918 wurde das kaiserlich-königliche Österreichische Kunst- und Industriemuseum auch zu einem der Museen, in denen kaiserliche Sammlungen wie die staatlichen Teppiche, die sich früher im Besitz des Kaiserhauses befanden, aufbewahrt wurden. Die einzigen Teile der Sammlung, die sogar auf eine Ausrichtung auf die Moderne hindeuteten, bestanden aus Gegenständen, die auf Weltmessen und bei regelmäßig stattfindenden Ausstellungen wie den Winterausstellungen gekauft und durch gezieltes Sammeln einzelner Sammlungskuratoren oder durch Annahme von Geschenken erworben wurden (zB von modernen Glasarbeiten des Glasherstellers J. & L. Lobmeyr). So wurde beispielsweise erst 1930 eine große Sammlung von Entwürfen Josef Hoffmanns für das Museum erworben.

Eine Neuorientierung der angewandten Kunst hin zur bildenden Kunst und der Aufbau des Sammelns zeitgenössischer Kunst und Architektur erfolgte unter der Leitung von Peter Noever, die 1986 begann. Das Ausstellen und Sammeln zeitgenössischer Kunst wurde zu einer wichtigen Inspirationsquelle für das Gebiet der angewandten Kunst . Werke aus Einzelausstellungen namhafter zeitgenössischer Künstler und Architekten des MAK sowie von Teilnehmern des MAK-Programms Artists and Architects-in-Residence in Los Angeles bildeten die Grundlage der neuen Sammlung, die durch gezielte Anstrengungen wie die Artists Die 2006 initiierte Ausstellungsreihe in Focus hat begonnen, die Sammlung durch spezifische Arbeiten weiter auszubauen.

Die innovativen Ansätze zur Förderung des Handwerks aus der Gründungszeit des Museums haben in vielen Bereichen weiterhin Gültigkeit. Hinzu kommt eine museumspädagogische Mission, die sich durch ein neues Geschichtsverständnis und eine veränderte Geschmackskultur auszeichnet. Das heutige Österreichische Museum für Angewandte Kunst / Zeitgenössische Kunst soll nach der Museumsdefinition von Boris Groys als „intelligentes Lagerhaus“ fungieren. Es sollte ein Ort sein, der Wissenschaftler, Pädagogen und ein interessiertes Publikum dank der Entwicklung von Präsentationen, Bildungsangeboten und Dokumentationen sowohl in neuen Medien als auch in Veröffentlichungen anzieht. Diese sollten in der Lage sein, die Sammlung in immer neuen Kontexten zu präsentieren und letztendlich den Erwartungen der Gesellschaft an die Institution des Lehrens, Lernens und Genießens des Museums zu entsprechen.

Dauerausstellung
Die großzügigen Säle der Permanenten Sammlung wurden von zeitgenössischen Künstlern neu gestaltet, um ausgewählte Highlights aus der MAK-Sammlung zu präsentieren. In einem einzigartigen Zusammenspiel von künstlerischem Erbe und zeitgenössischen Interventionen wurden die historischen Bestände so inszeniert, dass die einzelnen Exponate genau unter die Lupe genommen werden können.

Die Renovierung des MAK im Jahr 1986 ging mit der Entwicklung neuer Strategien für die Präsentation der umfangreichen Sammlung des Museums einher. Das Projekt, die ständige Sammlung zu überarbeiten, ermöglichte es, konservierungswürdige Gegenstände in einem unvergleichlichen und beispielhaften Zusammenspiel zwischen künstlerischem Erbe und zeitgenössischen Interventionen von Künstlern und Designern wie Barbara Bloom, Michael Embacher, Franz Graf, Jenny Holzer, Donald Judd und Tadashi Kawamata zu präsentieren und Füsun Onur.

Die verschiedenen Räume der ständigen Sammlung waren chronologisch geordnet, wobei die einzelnen Sammlungsgegenstände so angeordnet waren, dass sie statt einer dichten seriellen Präsentation ein stimmiges Ensemble herausragender Werke bildeten. Die teilnehmenden Künstler, deren Interventionen in intensiver Zusammenarbeit mit den jeweiligen Sammlungsleitern des MAK entwickelt wurden, kamen zu unterschiedlichsten Ansätzen und Lösungen.

Mit der Direktion von Christoph Thun-Hohenstein soll die Permanente Sammlung einen Prozess des ständigen Wandels in Angriff nehmen, der auf dem etablierten Konzept der zeitgenössischen Transformation von Künstlern aufbaut, die in der Gegenwart arbeiten. In einem ersten Schritt wurden Mitte Juli 2012 die Bereiche Wiener Werkstätte, Art Nouveau Art Deco und Architektur des 20./21. Jahrhunderts geschlossen; Diese wurden am 18. September 2013 als ständige Präsentation von WIEN 1900 wiedereröffnet. Design / Kunsthandwerk 1890–1938. Nach der Neuinstallation die Permanent Collection ASIA. China – Japan – Korea wurde am 19. Februar 2014 eröffnet und die permanente Teppichkollektion am 9. April 2014.

Im Gegensatz zum bisherigen Ansatz werden diese Räume als dynamische Präsentationssammlung aufgefasst, bei der jede periodische Neugestaltung einzelner Bereiche mit einer Rotation der ausgestellten Objekte einhergehen soll.

Wien 1900, Design / Kunsthandwerk 1890–1938
Der thematische Kern dieser Präsentation ist der vielfältige Kampf um einen österreichischen, modernen, bürgerlichen und demokratischen Stil. Dieses Kapitel der Design- und Kunsthandwerksgeschichte – zusammengefasst unter den Begriffen Secessionismus und Jugendstil – dient heute wie kein anderes der Untermauerung der österreichischen Identität.

Renaissance Barock Rokoko
Die ständige Ausstellung wertvoller Gläser mit wertvoller Nadel- und Klöppelspitze in der Renaissance-Barock-Rokoko-Sammlung trägt nicht nur kunsthistorischen Aspekten Rechnung, sondern versetzt diese filigranen Materialien auch in einen visuell-sinnlichen Dialog, der sie verstärkt und akzentuiert ästhetischer Effekt mit auffallender Klarheit.

Historismus Jugendstil
Die Dauerausstellung der Sammlung Historismus und Jugendstil bietet einen Überblick über hundert Jahre Thonet-Möbelproduktion. Diese und andere zeitlose Möbelstücke aus gebogenem Holz manifestieren einen kreativen Ansatz, der die Materialeigenschaften genial ausnutzt und neue Wege für Sitzmöbel aufzeigt.

Empire Style Biedermeier
Neben herausragenden Errungenschaften in der österreichischen Kunsthandwerksproduktion des 19. Jahrhunderts zeigt die Dauerausstellung der Sammlung Empire und Biedermeier die kreative und materielle Vielseitigkeit einer Epoche, die von kulturellen, sozialen und wirtschaftlichen Umbrüchen im Zuge der industriellen Revolution geprägt war.

Barocker Rokokoklassizismus
Mit einer einzigartigen künstlerischen Intervention gelang es Donald Judd, die verschiedenen Stilwelten von Barock, Rokoko, Klassizismus und Minimalismus zu verschmelzen. Eine zentrale Position nimmt hier die Porzellankammer des Palais Dubsky in Brno ein, einer der ersten Räume, die jemals in europäischem Porzellan gestaltet wurden.

Asien-Sammlung
Die Asia Collection des MAK ist eine der bedeutendsten Sammlungen von Kunst und angewandter Kunst aus dem asiatischen Raum in Europa. Es wurde in 150-jähriger Geschichte aus öffentlichen und privaten Sammlungen zusammengetragen und bietet einen umfassenden Einblick in die Kunstgeschichte Asiens.

Teppiche-Auflistung
Die MAK Carpet Collection ist eine der bekanntesten der Welt. Diese Unikate aus dem 16. und 17. Jahrhundert zeichnen sich durch eine unvergleichliche Vielfalt an Mustern und Farben, Materialien und Techniken aus.

Arbeiten auf Papierraum
Der Raum Arbeiten auf Papier ist ausschließlich Arbeiten auf Papier gewidmet. Aufgrund der besonderen konservatorischen Anforderungen an das Material Papier wird der umfangreiche Bestand der MAK-Bibliothek und der Papiersammlung in wechselnden Ausstellungen gezeigt. Die hier behandelten Themen decken die breite Disziplin des kommerziellen Grafikdesigns ab: Plakate, Zeichnungen, japanische Holzschnitte, Künstlerstatements, Künstlerbücher und Architekturprojekte zeugen von der Vielfalt des Programms, die sich aus der Komplexität dieser Sammlung ergibt.