Römische Skulptur – HiSoUR Kunst Kultur Ausstellung

Die römische Skulptur entwickelte sich im Einflussbereich des Römischen Reiches mit seinem Zentrum in der Stadt zwischen dem 6. Jahrhundert v. Chr. Und dem 5. Jahrhundert n. Chr. Ursprünglich abgeleitet von der griechischen Skulptur, hauptsächlich durch die Vermittlung etruskischer und dann direkt durch Kontakt mit den Kolonien von Magna Graecia und mit Griechenland selbst in der hellenistischen Zeit. Rom hat jedoch eine eigene indigene und unabhängige Kunst und Schule, auch wenn es Teil der ständigen Beziehungen und des Verkehrs im gesamten Mittelmeerraum und darüber hinaus ist.

Das Studium der römischen Skulptur wird durch ihre Beziehung zur griechischen Skulptur erschwert. Viele Beispiele selbst der berühmtesten griechischen Skulpturen wie Apollo Belvedere und Barberini Faun sind nur aus römisch-kaiserlichen oder hellenistischen „Kopien“ bekannt. Zu einer Zeit wurde diese Nachahmung von Kunsthistorikern als Hinweis auf eine Enge der römischen künstlerischen Vorstellungskraft angesehen, aber im späten 20. Jahrhundert begann die römische Kunst nach ihren eigenen Maßstäben neu bewertet zu werden: Einige Eindrücke von der Natur der griechischen Skulptur könnten in Tatsache basiert auf römischer Kunst.

Die griechische Tradition war während des gesamten Verlaufs der bildhauerischen Kunst in Rom weiterhin ein ständiger Bezugspunkt. Entgegen der alten und weit verbreiteten Meinung, dass die Römer nur Kopisten waren, wird nun anerkannt, dass sie nicht nur in der Lage waren, ihre Quellen mit Geschick zu assimilieren und zu entwickeln , aber auch, um einen originellen und wichtigen Beitrag zu dieser Tradition zu leisten, der insbesondere im Porträt sichtbar wird, einem Genre, das ein einzigartiges Prestige genoss und Beispiele für großes technisches Können und hohe Ausdruckskraft hinterließ, sowie in der dekorativen Skulptur der großen öffentlichen Denkmäler, wo Es entwickelte sich ein Erzählstil von großer Stärke und typisch römischem Charakter.

Die Stärken der römischen Skulptur liegen in der Porträtmalerei, wo sie sich weniger mit dem Ideal beschäftigten als die Griechen oder alten Ägypter, und sehr charakteristische Werke hervorbrachten, sowie in narrativen Reliefszenen. Beispiele römischer Skulpturen sind im Gegensatz zur römischen Malerei, die weit verbreitet war, aber fast alle verloren gegangen ist, reichlich erhalten. Lateinische und einige griechische Autoren, insbesondere Plinius der Ältere in Buch 34 seiner Naturgeschichte, beschreiben Statuen, und einige dieser Beschreibungen stimmen mit erhaltenen Werken überein. Während ein Großteil der römischen Skulptur, insbesondere aus Stein, mehr oder weniger intakt erhalten bleibt, ist sie häufig beschädigt oder fragmentarisch. lebensgroße Bronzestatuen sind viel seltener, da die meisten für ihr Metall recycelt wurden.

Die meisten Statuen waren tatsächlich viel naturgetreuer und oft hell gefärbt, als sie ursprünglich geschaffen wurden. Die heute gefundenen Rohsteinoberflächen sind darauf zurückzuführen, dass das Pigment im Laufe der Jahrhunderte verloren gegangen ist.

Nach der Konsolidierung des Römischen Reiches führten andere ausländische Einflüsse, insbesondere östliche, zu einer fortschreitenden Trennung vom griechischen Kanon hin zu einer formalen Vereinfachung der abstrakten Tendenz, die die Grundlagen der byzantinischen, frühchristlichen und mittelalterlichen Kunst begründete. Dieser Prozess war jedoch mit verschiedenen Perioden der Erholung des Klassizismus durchsetzt, die neben der Stärkung der symbolischen Verbindung mit der Vergangenheit nützlich waren, um den kulturellen und politischen Zusammenhalt des riesigen Territoriums aufrechtzuerhalten. Nicht einmal die Christianisierung des Reiches konnte den Ausschluss klassisch-heidnischer Referenzen aus der römischen Skulptur bestimmen, und bis zum fünften Jahrhundert, als die politische Einheit endgültig brach, wurden klassische Modelle weiterhin nachgeahmt, aber an die Themen des neuen sozialen angepasst.

So sehr diese Synthese versucht, sich in einer mehr oder weniger geordneten Chronologie zu halten und die Spezifität jeder Phase festzustellen, hat sich das Studium der römischen Skulptur als Herausforderung für die Forscher erwiesen, da ihre Entwicklung alles andere als logisch und linear ist. Versuche, der Geschichte der römischen Skulptur ein formales Entwicklungsmodell als organisches System aufzuzwingen, sind ungenau und unrealistisch. Trotz der Unterschiede zwischen Wissenschaftlern in vielen Punkten haben wir jetzt eine mehr oder weniger klare Vorstellung von den allgemeinen Merkmalen jeder Evolutionsstufe, aber die Art und Weise, wie sich diese Eigenschaften von einer Stufe zur anderen entwickelten und transformierten, hat sich als sehr komplexer Prozess erwiesen das ist noch lange nicht gut verstanden. Der Elektrizismus, noch ausgeprägter als der, der während des Hellenismus beobachtet wurde,

Neben dem großen Verdienst der römischen Skulpturenproduktion hielten die allgemeine Gewohnheit, ältere griechische Werke zu kopieren, und das Fortbestehen von Anspielungen auf den griechischen Klassizismus während seiner gesamten Geschichte, selbst durch das primitive Christentum, eine Tradition und eine Ikonographie am Leben, die sie sonst hätten haben können verloren gegangen. So verdanken wir Rom einen großen Teil unseres Wissens über die Kultur und Kunst des antiken Griechenlands, und außerdem war die römische Skulptur – zusammen mit der griechischen Skulptur – von grundlegender Bedeutung für die Formulierung der Ästhetik der Renaissance und des Neoklassizismus, die dies bestätigt Vitalität und Bedeutung in der Neuzeit sowie heute als einer der wichtigsten künstlerischen Körper der westlichen Kultur angesehen,

Überblick
Die frührömische Kunst wurde von der Kunst Griechenlands und der benachbarten Etrusker beeinflusst, die selbst stark von ihren griechischen Handelspartnern beeinflusst wurden. Eine etruskische Spezialität waren fast lebensgroße Grabbilder aus Terrakotta, die normalerweise auf einem Sarkophagdeckel lagen, der in dieser Zeit in der Haltung eines Restaurants auf einem Ellbogen gestützt war. Als die expandierende Römische Republik begann, das griechische Territorium zu erobern, zuerst in Süditalien und dann in der gesamten hellenistischen Welt mit Ausnahme des parthischen Fernen Ostens, wurde die offizielle und patrizische Skulptur weitgehend zu einer Erweiterung des hellenistischen Stils, von dem spezifisch römische Elemente schwer zu bekommen sind entwirren, zumal so viel griechische Skulptur nur in Kopien der Römerzeit erhalten bleibt. Bis zum 2. Jahrhundert v. Chr. Waren „die meisten in Rom arbeitenden Bildhauer“ Griechen, oft versklavt in Eroberungen wie der von Korinth (146 v. Chr.), und Bildhauer waren weiterhin hauptsächlich Griechen, oft Sklaven, deren Namen sehr selten aufgezeichnet werden. Eine große Anzahl griechischer Statuen wurde nach Rom importiert, sei es als Beute oder als Ergebnis von Erpressung oder Handel, und Tempel wurden oft mit wiederverwendeten griechischen Werken geschmückt.

Der berühmte Bronzekopf, der angeblich von Lucius Junius Brutus stammt, ist sehr unterschiedlich datiert, wird jedoch als sehr seltenes Überleben des kursiven Stils unter der Republik im bevorzugten Medium Bronze angesehen. Ähnlich strenge und kraftvolle Köpfe sind in den Münzen der Konsuln zu sehen, und in der Kaiserzeit waren Münzen sowie Büsten, die um das Imperium geschickt wurden, um in den Basiliken der Provinzstädte platziert zu werden, die wichtigste visuelle Form der imperialen Propaganda. Sogar Londinium hatte eine fast kolossale Statue von Nero, obwohl weit kleiner als der 30 Meter hohe Koloss von Nero in Rom, der jetzt verloren ist. Das Grab von Eurysaces the Baker, ein erfolgreicher Freigelassener (ca. 50-20 v. Chr.), Hat einen Fries, der ein ungewöhnlich großes Beispiel für den „plebejischen“ Stil darstellt. Die kaiserliche Porträtmalerei war ursprünglich hellenisiert und stark idealisiert, wie im Blacas Cameo und anderen Porträts des Augustus.

Die Römer versuchten im Allgemeinen nicht, mit freistehenden griechischen Werken heldenhafter Heldentaten aus der Geschichte oder Mythologie zu konkurrieren, sondern produzierten von Anfang an historische Reliefwerke, die in den großen römischen Triumphsäulen gipfelten, um die sich fortlaufende narrative Reliefs schlängelten Das Gedenken an Trajan (113 n. Chr.) und Marcus Aurelius (193) überlebt in Rom, wo der Ara Pacis („Altar des Friedens“, 13 v. Chr.) den offiziellen griechisch-römischen Stil in seiner klassischsten und raffiniertesten Form darstellt und die Sperlonga-Skulpturen ihn darstellen in seiner barocksten Form. Einige spätrömische öffentliche Skulpturen entwickelten einen massiven, vereinfachten Stil, der manchmal den sozialistischen Realismus der Sowjetunion vorwegnimmt. Weitere wichtige Beispiele sind die früher wiederverwendeten Reliefs auf dem Konstantinsbogen und der Basis der Säule des Antoninus Pius (161).

Alle Formen der kleinen Luxus-Skulptur wurden weiterhin unterstützt, und die Qualität konnte extrem hoch sein, wie im silbernen Warren Cup, im Glas-Lycurgus-Cup und in großen Kameen wie der Gemma Augustea, Gonzaga Cameo und der „Great Cameo of France“. Für einen viel größeren Teil der Bevölkerung wurden Reliefdekorationen aus Keramikgefäßen und kleinen Figuren in großer Menge und oft in beträchtlicher Qualität hergestellt.

Nachdem die römische Kunst im 3. Jahrhundert eine „Barock“ -Phase des späten 2. Jahrhunderts durchlaufen hatte, gab sie die Skulptur in der klassischen Tradition weitgehend auf oder wurde einfach nicht mehr in der Lage, Skulpturen zu produzieren, eine Veränderung, deren Ursachen noch viel diskutiert werden. Sogar die wichtigsten kaiserlichen Denkmäler zeigten jetzt stumpfe, großäugige Figuren in einem harten Frontalstil in einfachen Kompositionen, die die Macht auf Kosten der Gnade betonen. Der Kontrast ist berühmt im Konstantinsbogen von 315 in Rom, der Abschnitte im neuen Stil mit Rondellen im früheren vollständig griechisch-römischen Stil aus anderen Ländern und den vier Tetrarchen (ca. 305) aus der neuen Hauptstadt von Rom kombiniert Konstantinopel, jetzt in Venedig. Ernst Kitzinger fand in beiden Denkmälern die gleichen „stumpfen Proportionen, Winkelbewegungen,

Diese Stilrevolution ging kurz der Zeit voraus, in der das Christentum vom römischen Staat und der großen Mehrheit des Volkes angenommen wurde, was zum Ende der großen religiösen Skulptur führte. Große Statuen wurden nur noch für Kaiser verwendet, wie in den berühmten Fragmenten eines kolossale akrolithische Statue von Konstantin und der Koloss von Barletta aus dem 4. oder 5. Jahrhundert. Reiche Christen gaben jedoch weiterhin Reliefs für Sarkophage in Auftrag, wie im Sarkophag von Junius Bassus, und sehr kleine Skulpturen, insbesondere in Elfenbein, wurden von Christen fortgesetzt, die auf dem Stil des konsularischen Diptychons aufbauten.

Materialien
Aufgrund des etruskischen Einflusses sind Terrakotta und Bronze die ersten Materialien, die in Rom von der Skulptur verwendet werden. Die Künstler nutzten jedoch schnell ein in der Region sehr leicht zugängliches Material, Kalkstein oder Travertin-Tuff. Ab dem 2. Jahrhundert vor Christus. Vor Christus begannen römische Bildhauer, Steine aus Griechenland zu verwenden, hauptsächlich Marmor aus dem Pentelic und den aus Paros. Zur Zeit von Julius Cäsar stört die Eröffnung der Luna-Marmorsteinbrüche (derzeit Carrara) die Gewohnheiten der Künstler: Von nun an wird der Großteil der Statuen und Denkmäler der Stadt Rom aus diesem Material, Carrara-Marmor, hergestellt. Die bescheideneren Werke in den Provinzen nutzen in der Regel lokale Ressourcen. Der Geschmack für farbige Steine wie Granitgrau oder Porphyr entwickelt sich unter den Flavianern (Ende des 1. Jahrhunderts).

Die meisten bis in die Neuzeit erhaltenen Skulpturen bestehen aus Stein. Infolgedessen ist es schwierig, den ursprünglichen Anteil von Skulpturen in Bronze oder Edelmetallen (Gold, Silber) zu bewerten, von denen die meisten zur Gewinnung des Ausgangsmaterials umgeschmolzen wurden.

Technologie
Szenen, die auf Reliefs wie der von Trajans Säule und auf Sarkophogi gezeigt werden, zeigen Bilder der römischen Technologie, die längst verloren gegangen sind, wie Ballisten und die Verwendung von wasserradgetriebenen Sägen zum Schneiden von Steinen. Letzteres wurde erst kürzlich in Hieropolis entdeckt und erinnert an den Müller, der die Maschine benutzte. Andere Reliefs zeigen Erntemaschinen, so wie sie von Plinius dem Älteren in seiner Naturalis Historia beschrieben wurden.

Römische Skulptur und Gesellschaft
Rom war eine Gesellschaft mit großer visueller Sensibilität. Die bildende Kunst fungierte als eine Art Literatur, die den großen Massen zugänglich war, da eine große Mehrheit ihrer Bevölkerung Analphabeten war und nicht in der Lage war, das in der Elite zirkulierende gelehrte Latein zu sprechen. durch diese wurde die vorherrschende Ideologie bekräftigt und war ein Mittel, um das Bild großer Persönlichkeiten zu verbreiten. In diesem Zusammenhang hatte die Skulptur eine privilegierte Stellung, die alle öffentlichen und privaten Räume einnahm und die Städte mit einer Vielzahl von Werken verschiedener künstlerischer Techniken füllte.

Ein Großteil der in Rom hergestellten Skulpturen gehört zum religiösen Thema oder ist in irgendeiner Weise verwandt. Und oft wurden auch Porträts mit heiligen Themen in Verbindung gebracht. Wie in jeder anderen Kultur produzierte Rom Bilder für den religiösen Gottesdienst und sie waren überall präsent, von großen öffentlichen Tempeln bis zu den bescheidensten Wohnungen. Ihre Anwesenheit trat häufig in großen Skulpturen aus Bronze und Marmor auf – Statuen, große Sarkophage, architektonische Reliefs, in Edelsteine eingravierte Kameen – in kleinen Terrakotta-Statuen, einfache Grabtafeln, Wachs-Leichenmasken, deren Kosten in Reichweite lagen die bescheidensten Klassen; sogar in Münzen, die als Miniaturrelief verstanden werden können und die der großen Volksmesse zugänglich waren. Jaś Elsner erklärt:

«Solche Bilder auf der Suche nach imperialen Subjekten aller Formen des sozialen, wirtschaftlichen und religiösen Lebens trugen dazu bei, eine symbolische Einheit zwischen den verschiedenen Völkern der römischen Welt aufzubauen und ihren Sinn für Hierarchie auf eine höchste Person zu konzentrieren. Wenn ein Kaiser starb, konnten seine Erben seine Skulpturen als Gott preisen – indem sie nacheinander Kontinuität proklamierten und ihm zu Ehren Tempel errichteten. Als ein Kaiser gestürzt wurde, wurden seine Bilder in damnatio memoriae, der Unterdrückung der Erinnerung, die die Bevölkerung visuell über Veränderungen innerhalb der politischen Autorität informierte, gewaltsam unterdrückt (…). Der Polytheismus war keine Religion der Schriften und Lehren, die Struktur einer hierarchischen, zentralisierten Kirche. Es war eher eine Reihe von Kultstätten, Ritualen und Mythen, die von Gemeinschaften und oft von Erbpriestern betrieben wurden. Er war vielseitig und vielfältig, breit, pluralistisch und tolerant. Bilder und Mythen versorgen die Antike mit den Hauptformen der „Theologie“. »

Als das Christentum zur offiziellen Religion wurde, änderte sich die Rolle der Kunst radikal, obwohl sie ihre zentrale Bedeutung nicht verlor. Der christliche Gott war nicht durch Bilder bekannt, sondern durch die heiligen Schriften, seine Propheten und Kommentatoren. Die Skulptur und ihr Repertoire an konventionellen naturalistischen Darstellungen wurden jedoch von der neuen Kirche übernommen, für die Komposition von Allegorien verwendet und weiterhin als Dekoration im säkularen, öffentlichen und privaten Bereich verwendet. Bis zum Ende des Reiches diente es als historische Aufzeichnung, für die Praxis der Porträtmalerei oder als Mittel zur Hervorhebung des klassischen Erbes, das von allen geteilt wurde, um die kulturelle Einheit zu einer Zeit herzustellen, als die Peripherien begannen, ihre zu entwickeln eigene Kultur mit einem hohen Maß an Unabhängigkeit, und es wurde immer schwieriger, das Territorium zu vereinheitlichen.

Entwicklung
Die frührömische Kunst wurde von der Kunst Griechenlands und der benachbarten Etrusker beeinflusst, die selbst stark von ihren griechischen Handelspartnern beeinflusst wurden. Eine etruskische Spezialität waren fast lebensgroße Grabbilder aus Terrakotta, die normalerweise auf einem Sarkophagdeckel lagen, der in dieser Zeit in der Haltung eines Restaurants auf einem Ellbogen gestützt war. Als die expandierende Römische Republik begann, das griechische Territorium zu erobern, zuerst in Süditalien und dann in der gesamten hellenistischen Welt mit Ausnahme des parthischen Fernen Ostens, wurde die offizielle und patrizische Skulptur weitgehend zu einer Erweiterung des hellenistischen Stils, von dem spezifisch römische Elemente schwer zu bekommen sind entwirren, zumal so viel griechische Skulptur nur in Kopien der Römerzeit erhalten bleibt. Bis zum 2. Jahrhundert v. Chr. Waren „die meisten in Rom arbeitenden Bildhauer“ Griechen, oft versklavt in Eroberungen wie der von Korinth (146 v. Chr.), und Bildhauer waren weiterhin hauptsächlich Griechen, oft Sklaven, deren Namen sehr selten aufgezeichnet werden. Eine große Anzahl griechischer Statuen wurde nach Rom importiert, sei es als Beute oder als Ergebnis von Erpressung oder Handel, und Tempel wurden oft mit wiederverwendeten griechischen Werken geschmückt.

Ein italienischer Stil ist in den Grabdenkmälern der wohlhabenden Römer der Mittelklasse zu sehen, in denen sehr oft Porträtbüsten zu sehen waren, und die Porträtmalerei ist wohl die Hauptstärke der römischen Skulptur. Es gibt keine Überlebenden aus der Tradition der Masken von Vorfahren, die bei Prozessionen bei den Beerdigungen der großen Familien getragen und ansonsten im Haus ausgestellt wurden, aber viele der überlebenden Büsten müssen Ahnenfiguren darstellen, vielleicht aus den großen Familiengräbern wie dem Grab der Scipios oder der späteren Mausoleen außerhalb der Stadt. Der berühmte „Capitoline Brutus“, ein Bronzekopf, der angeblich von Lucius Junius Brutus stammt, ist sehr unterschiedlich datiert, wird jedoch als sehr seltenes Überleben des kursiven Stils unter der Republik im bevorzugten Medium Bronze angesehen. Ähnlich strenge und kraftvolle Köpfe sind in den Münzen der Konsuln zu sehen, und in der Kaiserzeit waren Münzen sowie Büsten, die um das Imperium geschickt wurden, um in den Basiliken der Provinzstädte platziert zu werden, die wichtigste visuelle Form der imperialen Propaganda; Sogar Londinium hatte eine fast kolossale Statue von Nero, obwohl weit kleiner als der 30 Meter hohe Koloss von Nero in Rom, der jetzt verloren ist. Das Grab von Eurysaces the Baker, ein erfolgreicher Freigelassener (ca. 50–20 v. Chr.), Hat einen Fries, der ein ungewöhnlich großes Beispiel für den „plebejischen“ Stil darstellt.

Die Römer versuchten im Allgemeinen nicht, mit freistehenden griechischen Werken heldenhafter Heldentaten aus der Geschichte oder Mythologie zu konkurrieren, sondern produzierten von Anfang an historische Reliefwerke, die in den großen römischen Triumphsäulen gipfelten, um die sich fortlaufende narrative Reliefs schlängelten Das Gedenken an Trajan (CE 113) und Marcus Aurelius (193) überlebt in Rom, wo der Ara Pacis („Altar des Friedens“, 13 v. Chr.) den offiziellen griechisch-römischen Stil in seiner klassischsten und raffiniertesten Form darstellt. Unter anderen wichtigen Beispielen sind die früher wiederverwendeten Reliefs auf dem Konstantinsbogen und der Basis der Säule des Antoninus Pius (161), Campana-Reliefs waren billigere Keramikversionen von Marmorreliefs und der Reliefgeschmack wurde aus der Kaiserzeit auf erweitert der Sarkophag.

Nachdem die römische Kunst im 3. Jahrhundert eine „Barock“ -Phase des späten 2. Jahrhunderts durchlaufen hatte, gab sie die Skulptur in der klassischen Tradition weitgehend auf oder wurde einfach nicht mehr in der Lage, sie zu produzieren. Sogar die wichtigsten kaiserlichen Denkmäler zeigten jetzt stumpfe, großäugige Figuren in einem harten Frontalstil in einfachen Kompositionen, die die Macht auf Kosten der Gnade betonen. Der Kontrast ist berühmt im Konstantinsbogen von 315 in Rom, der Abschnitte im neuen Stil mit Rondellen im früheren vollständig griechisch-römischen Stil aus anderen Ländern und den vier Tetrarchen (ca. 305) aus der neuen Hauptstadt von Rom kombiniert Konstantinopel, jetzt in Venedig. Ernst Kitzinger fand in beiden Denkmälern die gleichen „stumpfen Proportionen, Winkelbewegungen,

Etruskisch-römische Tradition
Zwischen dem 7. und 6. Jahrhundert v. Chr. Dominierten die Etrusker den zentral-nördlichen Teil der italienischen Halbinsel, und zumindest einige der halblegendären Könige Roms waren Etrusker. Ihre Kunst, die bereits weitgehend eine Interpretation des archaischen griechischen Stils war, wurde zur Kunst der Römer. Wie später bei der griechischen Kunst kopierten die Römer nicht nur die formalen etruskischen Modelle, sondern nahmen sich in ihren Kriegen gegen sie ihre Kunstwerke an und nahmen sie für die Dekoration ihrer Hauptstadt mit. Die ersten in Rom hergestellten Skulpturen stammen aus dem 6. Jahrhundert vor Christus und haben einen völlig etruskischen Stil. Der berühmte Apollo von Veii aus dieser Zeit gibt uns einen guten Überblick über die damals geltenden ästhetischen Trends.

Die Etrusker waren Experten in verschiedenen skulpturalen Genres, von Bestattungsstatuen und Sarkophagen bis hin zu monumentalen Gruppen, und nahmen in vielerlei Hinsicht die Ästhetik des Prosaischen vorweg, das die Römer später entwickeln würden. Sie waren Meister in den „Genreszenen“, die das gemeinsame Leben repräsentierten, Menschen der Menschen in charakteristischen Aktivitäten, und auch im Porträt zeigten sie sich als erstklassige Architekten. Aber vielleicht waren sie in der Grabkunst am originellsten. Sie entwickelten eine spezielle Typologie für Urnen, die aus einer mit Reliefs verzierten Truhe bestand, die von einem Deckel verschlossen war, in dem sich ein zurückgelegtes Porträt des verstorbenen Ganzkörpers befand, manchmal begleitet von seinem Ehepartner, ein Modell, das die Römer annahmen in vielen ihrer Sarkophage. Nationales Etruskisches Museum und das Hypogäum der Volumni, Eine Krypta in Perugia mit verschiedenen Sarkophagen sind bekannte Beispiele. Trotz der fortschreitenden Aufgabe der etruskischen Tradition während der hellenistischen Phase, die später kommen würde, werden Spuren davon bis zur Zeit des Augustus gefunden werden.

Hellenismus und Neoattizismus
In der Zwischenzeit entwickelte sich Griechenland zu seinem Klassizismus, dessen Höhepunkt im vierten Jahrhundert vor Christus lag. Zu dieser Zeit begann Rom seine Expansion nach Süden, bereits unabhängig von den Etruskern, nach fast einem Jahrhundert der Kämpfe um die regionale Vormachtstellung, und kam durch die Kolonien von Magna Grecia, deren hoch entwickelte Kultur die Römer beeindruckte, enger mit der griechischen Kunst in Kontakt. Dann begannen die Adligen von Rom, griechische Werke in ihren Palästen zu begehren, und beauftragten griechische Künstler, Kopien der berühmtesten Kompositionen anzufertigen, wobei sie manchmal fabelhafte Preise dafür bezahlten.

Wenig später eroberte Alexander der Große Griechenland und brachte seine Kunst über Persien und auch nach Ägypten nach Indien. Die Auswirkungen dieser Expansion hatten zwei Bedeutungen, eine für eroberte Völker, die neue Orientierungen für ihre Kultur und ihre Kunst definierten, und eine umgekehrte für die griechische Kultur selbst, die eine Vielzahl orientalischer Elemente aufnahm. Mit der Zersplitterung des alexandrinischen Reiches nach dem Tod des Eroberers bildeten sich verschiedene Bereiche lokaler Wurzeln – Bithynien, Galatien, Paflagonien, Pontus, Kappadokien, Ägypten der ptolemäischen Dynastie -, die neue griechische Bräuche aufnahmen und sich dann auf ihre eigene Weise entwickelten. Der Name Hellenismus ist auf diese Verschmelzung orientalischer und griechischer Einflüsse zurückzuführen. Das Interesse an der Vergangenheit war ein charakteristisches Merkmal dieser Zeit. Die ersten Museen und Bibliotheken wurden gegründet, wie in Pergamon und Alexandria.

Der Historismus dieser Zeit bedeutete, dass frühere Stile in einer eklektischen Synthese nachgeahmt wurden, jedoch mit einer fortschreitenden Säkularisierung des Themas und einer Vorliebe für dramatische und lebendige Werke, deren Ausdrucksintensität von einigen mit dem Barockstil verglichen wurde. Die Kindheit, der Tod und das Alter und sogar der Humor, Themen, die im klassischen Griechisch fast beispiellos waren, wurden eingeführt und weit verbreitet. Darüber hinaus entwickelte sich unter den Eliten verschiedener Länder ein fieberhafter Geschmack für das Sammeln von Kunst, wo sich die Römer als die enthusiastischsten herausstellten.

212 v. Chr. Eroberten die Römer Syrakus, eine reiche und wichtige griechische Kolonie in Sizilien, geschmückt mit einer Fülle hellenistischer Kunstwerke. Alles wurde entlassen und nach Rom gebracht, wo es die Linie der etruskischen Skulptur ersetzte, die noch kultiviert wurde. Die Entlassung von Syrakus war der letzte Impuls für die endgültige Etablierung der griechischen Norm im Herzen der Republik, fand aber auch Widerstand.

Marco Porcio Catone prangerte die Entlassung und Dekoration Roms mit hellenischen Werken an, da dies ein gefährlicher Einfluss für die einheimische Kultur war, und bedauerte, dass die Römer die Statuen von Korinth und Athen applaudierten und die dekorative Terrakottatradition der antiken römischen Tempel verspotteten. Aber alles war vergebens. Die griechische Kunst hatte die etruskisch-römische Kunst im allgemeinen Geschmack unterdrückt, so dass griechische Statuen zu den begehrtesten Kriegsbeuten gehörten und in den Siegesprozessionen aller erobernden Generäle demonstrativ ausgestellt wurden.

Beim Triumph von Lucius Emilio Paolo Macedonico nach der Eroberung Mazedoniens im Jahr 168 v. Chr. Wurden 250 Wagen voller Statuen und Gemälde vorgeführt, und bei der Eroberung von Achaia im Jahr 146 v. Chr., Die das Ende der Unabhängigkeit Griechenlands und die Unterwerfung unter die USA verordnete Römisches Reich, sagt Plinius, dass Lucio Mummius Achaicus Rom Skulpturen buchstäblich füllte. Kurz danach, 133 v. Chr., Erbte das Reich das Königreich Pergamon, wo es eine blühende und ursprüngliche hellenistische Skulpturenschule gab.

In dieser Zeit war die Nachfrage nach Statuen jetzt enorm und in Athen arbeiteten die Skulpturenwerkstätten praktisch nur für die römischen Kenner, die ihren raffinierten Geschmack durch anspruchsvolle Werke demonstrierten, die die klassizistische Produktion des fünften und vierten Jahrhunderts v. Chr. Imitierten, um ausdrucksstarke Exzesse später zu vermeiden Hellenismus, der eine wiederbelebende Schule bildete, die den Namen Neoattizismus annahm und in Rom selbst bis zum zweiten Jahrhundert vor Christus weiter gedieh. Die Schule des Neoattizismus ist das erste Auftreten einer Bewegung in der Geschichte, die zu Recht als Neoklassizismus bezeichnet werden kann.

Wenn es aus irgendeinem Grund unmöglich war, Originale zu erhalten, insbesondere bei bereits gefeierten Werken, wurden Marmor- oder Bronzekopien angefertigt, aber anscheinend machten die Römer keine wichtige Bewertung oder ästhetische Unterscheidung zwischen einem Original und einer Kopie, wie es ist heute üblich. Unter den Hunderten von Modellen, die in der griechischen Produktion existieren, bevorzugten die Römer nur etwa hundert, die in großem Maßstab kopiert wurden, um eine Standardisierung der Vorstellungskraft zu erreichen. Heute klingt diese Wiederholung eintönig, aber für die damalige Kultur hat sie positive Verbindungen zu angesehenen symbolischen und ideologischen Traditionen hergestellt.

In anderen Fällen waren die Anpassungen freier und hatten einen Pastiche-Charakter in dem Sinne, dass sie Elemente verschiedener Teile für die Schaffung eines neuen Werks verwendeten oder Statuen von Göttern in römische Porträts mit einer exakten Kopie des Körpers eines Körpers verwandelten berühmte Schöpfung, aber den Kopf durch den einer römischen Persönlichkeit zu ersetzen. Ein Beispiel für diesen Brauch ist die schöne Statue von Marco Claudio Marcello, die im Louvre aufbewahrt wurde und von Cleomene im ersten Jahrhundert vor Christus nach einem griechischen Original hergestellt wurde, das Hermes Logios (Merkur-Sprecher) 400 Jahre zuvor darstellt, wahrscheinlich von Phidias. Zum Glück für uns Zeitgenossen war die Praxis der sklavischen Kopie vieler griechischer Meisterwerke für die Römer für die Erhaltung einer riesigen klassischen und hellenistischen Ikonographie verantwortlich, deren Originale im Mittelalter verloren gingen.

Von den in dieser Zeit tätigen Künstlern sind nur wenige Namen bekannt, und da es noch keine einheimische (dh römische) Schule gab, sind sie alle Griechen. Neben den bereits erwähnten Cleomenes zeichneten sich Aristea und Papia von Aphrodisia, Autoren prächtiger Zentauren heute in den Kapitolinischen Museen, und Pasitele, der ursprünglich aus Magna Grecia stammte, aber römischer Staatsbürger wurde, unter dieser Neoschule in Rom aus. Berühmt war seine Zusammenstellung eines Katalogs der berühmtesten Skulpturen der Welt. Als Bildhauer wird ihm ein Jupiter in Gold und Elfenbein sowie zahlreiche Werke in Bronze zugeschrieben.

Römisches Reich
Eine Änderung des früheren rein griechischen Trends zur Bildung einer nationalen Bildhauerschule in Rom fand zwischen dem Ende des zweiten Jahrhunderts v. Chr. Und dem Beginn des ersten Jahrhunderts v. Chr. Statt. Ein gutes Beispiel ist der Altar von Enobarbus, der als Vorläufer der großen kaiserlichen Kunst des Augustus gilt. Es wurde als Angebot von Cneo Domizio Enobarbo für das Ende des Feldzugs in Brindisi erstellt und vor dem Tempel des Neptun installiert, den er bei derselben Gelegenheit bauen ließ. Der Altar war mit verschiedenen Friesen geschmückt, einige mit mehr oder weniger konventionellen und verbreiteten mythologischen Szenen in der griechischen Tradition, aber eine davon ist eine Kult-Szene, die einen Priester darstellt, der ein Opfer vorbereitet, flankiert von dem Anbieter, Soldaten und anderen Assistenten.

Mit Augustus wurde Rom die einflussreichste und reichste Stadt des Reiches, prächtig mit Marmor und auch das neue Zentrum der hellenistischen Kultur, wie es Pergamon und Alexandria zuvor gewesen waren, und zog eine große Anzahl griechischer Handwerker an. Und so wie Alexanders Nachfolger zum Überleben der griechischen Kunst beigetragen und sie mit neuen Themen bereichert hatten, hätte sie jetzt, wenn es um das Augustäer-Zeitalter geht, einen eigenen und originellen Beitrag zur Kontinuität und Erneuerung einer Tradition geleistet, die bereits an Ansehen gewonnen hatte im Laufe der Jahrhunderte und diktierte den Charakter aller dort produzierten Kunst. Aber mehr als die bloße Übertragung kultureller Aufmerksamkeit auf Rom, was zu einer Veränderung der bisher rein griechischen Kunst und dem Erscheinen einer wirklich römischen Schule führte, war die Bildung einer einzigen.

Bei der Festigung des Reiches war die Prägung von Münzen, die eigentlich Miniaturflachreliefs sind, von großer Bedeutung. Julius Cäsarlegalisierte in Rom eine hellenistische und östliche Praxis, das Bildnis des Herrschers in aktuellen Währungen zu prägen, als bis dahin nur Bilder von Gottheiten oder historischen Figuren verschwanden, und Augustus leitete diese Praxis mit noch größerem Gewissen und politischem Pragmatismus seine visuelle Präsenz und die Botschaft der Regierung im täglichen Leben aller Bürger an den Grenzen des Reiches und ein Beispiel dafür, wie Kunst und politische Agenda die Bemühungen um ein umfassendes soziales Kontrollsystem kombinieren könnten. Diese Verwendung hätte Druck auf die Gesellschaft ausgeübt, der heute schwer abzuschätzen ist:

Das erste große Denkmal der kaiserlichen Skulptur war das Ara Pacis (32 v. Chr.), Das auch ein Meisterwerk der römischen Architektur war. Der Göttin Pax gewidmet, feierte sie die erfolgreiche Rückkehr des Kaisers von einem doppelten Feldzug in Gallien und Spanien. Das Denkmal war mit Friesen und Reliefs geschmückt, die Prozessionen, allegorische Szenen aus der Mythologie und Opfer zeigten. In einer der Szenen ist Tellus, Mutter Erde, dargestellt, was eine ganz andere Interpretation ist als ihre griechische Amtskollegin Gea. Hier verkörpert es keine gewalttätige und irrationale Naturgewalt, wie sie in griechischen Vasen und Friesen zu sehen ist, aber es ist ein zartes und wahrhaft mütterliches Bild von Schutz und Ernährung. Andere Szenen erwähnen nachdrücklich die Vorteile der Pax Augustea, und geben Sie einen klaren Überblick über die Werte, die den Römern zu dieser Zeit als wahr erschienen – dass nur der materielle Wohlstand eines starken und friedlichen Staates eine konsequente Entwicklung in Kultur und Kunst hätte fördern können – eine Idee, die in der Laudatio von wiederholt wiederholt wurde die Zeit. Darüber hinaus stellt Eugénie Strong fest, dass in diesem riesigen Altar erstmals Gruppen in der Kunst auftreten, an denen sowohl Zuschauer als auch Protagonisten an derselben Szene teilnehmen, fügt jedoch hinzu:

«Eine sorgfältige Untersuchung der Reliefs des Ara Pacis zeigt, dass wir uns in Gegenwart einer embryonalen Kunst befinden, die noch weit von der Reife entfernt ist. Der Bildhauer ist Erbe der großen Erfahrung der hellenistischen Kunst, hat aber noch nicht gelernt, sie auszuwählen oder zu verdichten. Er scheint von der Neuheit und Pracht seines Themas überwältigt zu sein und versucht in der Unentschlossenheit, wie es dargestellt werden soll, ein bisschen von allem. Aber es ist ein gültiger Versuch, und ausgehend von mehr als einem Jahrhundert der Praxis werden wir die Triumphe der flavianischen Kunst sehen. Die Künstler der Augustäerzeit sind weder akademisch noch dekadent, geschweige denn unterwürfige Nachahmer. Sie sind Pioniere, die neue Wege beschreiten, deren vollständige Nutzung mehr als hundert Jahre dauern wird. „“

Wenn die Reife in rein künstlerischer Hinsicht einige Zeit warten musste, um sich zu entwickeln, war die Arbeit in ideologischer Hinsicht ziemlich weit fortgeschritten. Augustus erwies sich als fähiger Herrscher und rechnete mit der Unterstützung des Volkes. Von seinem ersten Konsulat an sammelte er Anklage gegen ihn, bis ihm vom Senat das Reich und der Status des Augustus angeboten wurden – in Wahrheit ursprünglich ein Titel und kein Name, was „göttlich“ bedeutet – auf Wunsch des Volkes. Seine Regierungszeit war eine Zeit relativen Friedens und Wohlstands. Er organisierte sein Land und bevorzugte die Künste, nicht ohne sie zu nutzen, um sein persönliches Image zu fördern, wie es allgemein unter den Mächtigen verwendet wurde. Viele der Statuen des Kaisers sind in Museen auf der ganzen Welt erhalten und zeigen ihm eine Vielzahl von militärischen, zivilen und göttlichen Eigenschaften.

Einer der bekanntesten ist der Augusto di Prima Porta, eine Ausarbeitung des Doriforo di Policleto, die zeigt, dass die griechische Tradition trotz der sensiblen Veränderungen in der Kultur seiner Zeit weiterhin verehrt und die alten Modelle kopiert wurden. sowohl wegen ihrer inneren Eigenschaften als auch weil sie eine Vaterschaft für die römische Kultur darstellten, die dem neuen Zustand des kaiserlichen Roms mehr Würde verlieh, wobei die Figur des Kaisers der größte aller Gönner und Helden war.

Andere Historiker betrachten die Julio-Claudian-Dynastie als eine Zeit der Größe in der römischen Kunst. Die Aspekte, die Strong als Hinweis auf eine Phase der Unsicherheit in Bezug auf die Ästhetik ansieht – der gleiche Untersuchungsgeist an verschiedenen Fronten, die Suche nach neuen Lichteffekten und Oberflächenbehandlungen, neue Formen zur Schaffung eines effektiven narrativen Sinns, das Studium der Natur und der Versuch, die Probleme zu lösen Gruppenrepräsentation in Perspektive – sie werden auch als Zeichen der Konsolidierung einer authentischen nationalen Bildhauerschule angezeigt, ein Eindruck, der durch die Beobachtung der Errungenschaften auf dem Gebiet der Porträts, denen die Republik folgte, verstärkt wird. Es ist jedoch sicher, dass der Einfluss des Neoklassizismus der attischen Schule stark blieb und die idealisierten griechischen Modelle weiterhin für die Verbreitung der kaiserlichen Majestät bevorzugt wurden.

Arten von Skulpturen

Porträt
Die Porträtmalerei ist ein dominierendes Genre der römischen Skulptur, das möglicherweise aus der traditionellen römischen Betonung von Familie und Vorfahren hervorgeht. In der Eingangshalle (Atrium) eines römischen Elitehauses waren Porträtbüsten der Vorfahren zu sehen. Während der Römischen Republik galt es als Zeichen des Charakters, körperliche Unvollkommenheiten nicht zu beschönigen und insbesondere Männer als schroff und ohne Rücksicht auf Eitelkeit darzustellen: Das Porträt war eine Karte der Erfahrung. Während der Kaiserzeit waren idealisierte Statuen römischer Kaiser allgegenwärtig, insbesondere im Zusammenhang mit der Staatsreligion Roms. Grabsteine selbst der bescheidenen reichen Mittelschicht zeigen manchmal Porträts des ansonsten unbekannten Verstorbenen, die in Relief geschnitzt sind.

Auf dem Porträt leistet Rom seinen charakteristischsten Beitrag zur von den Griechen begründeten Tradition, ein Beitrag, der viel früher reifte als in anderen skulpturalen Genres und der dazu führte, dass die Entwicklung der Skulptur in Rom in zwei Bereiche mit unterschiedlichen evolutionären Aspekten unterteilt wurde Rhythmen, das Porträt und andere Genres. Seit der Zeit der Republik wurde das Porträt zunehmend geschätzt und pendelte mit der Zeit zyklisch zwischen einem idealisierenden klassizistischen Trend und einem anderen von großem Realismus, der teilweise von der typischen Ausdruckskraft der hellenistischen Kunst abgeleitet war. Und unter den Porträts waren die Büste und der isolierte Kopf die häufigsten Formen. Ganzkörperporträts waren seltener, wenn auch nicht ungewöhnlich. Die Vorliebe für Büste und Kopf war ein typisches römisches Kulturmerkmal, das einen riesigen Markt im gesamten Mittelmeerraum schuf, und wird vor allem aus wirtschaftlichen Gründen erklärt, da diese Stücke viel billiger sind als eine ganze Statue, aber auch aus der Überzeugung heraus, dass sie besser sind mit ihnen konnte eine individuelle Identifikation erzielt werden. Für die Römer war es tatsächlich der Kopf und nicht der Körper, noch die Kleidung oder das Accessoire, die das Zentrum des Interesses am Porträt darstellen.

Robert Brilliant sagt:
«… die spezifische Identität des Subjekts, die durch die besonderen Merkmale des Kopfes festgestellt wurde, war als symbolischer Anhang konzipiert worden, der die Integrität des Körpers nicht berücksichtigte. Es scheint, dass die Bildhauer den Kopf als Hauptschlüssel für die Identifizierung geschaffen und ihn in eine gut orchestrierte Umgebung gebracht haben, die im Konzept, wenn nicht in der Absicht, den vorgefertigten Sets ähnelt, mit einer Öffnung für das Gesicht, wie sie von Fotografen aus verwendet wird der Beginn des 20. Jahrhunderts. Tatsächlich sind die unzähligen kopflosen Torstatuen, die aus der Antike stammen, analog zu Szenografien ohne Schauspieler, umso mehr, als der Körper im Voraus von Adjutanten hergestellt wurde und auf den vom Bildhauermeister geformten Kopf wartete. »

Mit dem Aufstieg von Vespasiano, dem Gründer der Flavia-Dynastie, änderte sich der gemischte Stil von Idealismus und Realismus, den die Künstler der Julio-Claudian-Dynastie praktizierten, mit der Wiederaufnahme hellenistischer Formen und einer großen Betonung der realistischen Beschreibung des Themas , auch wenn es um den Kaiser ging. Die Technik wurde auch durch einen innovativen Einsatz von Perforationen erweitert, und die weiblichen Porträts dieser Phase sind im Allgemeinen mit sehr komplizierten Frisuren geschmückt.

Bei Traiano ändert sich der Zyklus jedoch wieder und tendiert zur Idealisierung, was bei Adriano, dessen hellenistische Präferenzen gut ausgeprägt waren, noch stärker zum Tragen kommt. Sogar die Porträts von Marcus Aurelius stellen die realistische Charakterisierung dar und zeigen einen weiteren Fortschritt in Richtung der psychologischen und emotionalen Beschreibung, die in den Porträts von Caracalla ein hohes Maß an Ausdruckskraft erreicht und einen großen Einfluss auf die Kunst des gesamten Reiches ausübt. Von da an führen orientalischer Einfluss und Interesse an geometrischen Elementen dazu, dass Porträts ein zunehmend stilisierteres und abstrakteres Erscheinungsbild erhalten. Mit Costantinothis erreicht der Trend seinen Höhepunkt, zusammen mit einem Gefühl der Monumentalität, das an den Klassizismus der Augustus-Ära erinnert.

Während Kaiser Porträts hauptsächlich zur Bestätigung ihrer Macht und ihrer politischen Agenda verwendeten, wurden sie im privaten Kontext im Bestattungskontext verwendet. Büsten, begleitet von Inschriften, in denen Familienmitglieder und Freunde des Verstorbenen aufgeführt sind, schmückten Altäre, Gräber und Urnen. Diese Tradition war verbunden mit einer langen Geschichte der Ausstellung von Leichenmasken aus Wachs oder Terrakotta berühmter Vorfahren in den Trauerprozessionen der Eliten, um ihre Patrizierlinie zu feiern und zu demonstrieren. Diese Masken wurden stolz zusammen mit Büsten aus Bronze, Terrakotta oder Marmor im Familienschrein, dem Lararium, aufbewahrt. Es wird vermutet, dass der Brauch, Leichenmasken herzustellen, die die Gesichtszüge der Toten originalgetreu nachbilden, einer der Gründe für die Entwicklung des Geschmacks für Realismus in der römischen Porträtmalerei war.

Statuen
Im Fall der Statue stellt sich für moderne Forscher ein interessantes Problem, wenn diese Statuen die Porträts des Kaisers in seinem vergötterten Zustand darstellten, insbesondere in den Perioden, in denen die realistische Beschreibung mit größerer Kraft in Kraft war, da eine Inkonsistenz zwischen der Darstellungsform bestand von Körper und Kopf. Während sich der Kopf oft mit allen Zeichen des Alterns zeigte, wurden die Körper in Übereinstimmung mit den alten Kanonen der klassischen griechischen Skulptur dargestellt, idealisiert in einem Zustand ewiger Stärke und Jugend. Diese seltsamen Werke sind, wenn sie für moderne Augen nicht verspielt sind und es gewohnt sind, eine Statue als homogenes Ganzes zu schätzen, verständlich, wenn wir uns an die Konventionen erinnern, die die Kunst des Porträts beherrschten.

Es wurde daher vermutet, dass es sich in Wirklichkeit um eine Vereinbarung zwischen zwei verschiedenen Teilen handelt, einem für die symbolische Darstellung des Körpers und einem für die beschreibende Darstellung des Kopfes mit dem Ziel, den Charakter mit a klar identifizieren zu können Ablehnung der wörtlichen Auslegung des Ganzen. Dieselben Konventionen schienen private Statuen zu haben, wenn es darum ging, das Genie des Subjekts darzustellen, und gehörten in diesem Fall zur Gruppe der Bestattungsdenkmäler. Aus dem gleichen Grund wurde der Kopf einer berühmten Statue eines Gottes oft einfach durch den eines römischen Patriziers oder Kaisers ersetzt, aber es scheint für die Römer keine Schwierigkeit gewesen zu sein, klar zwischen Kult- und Symbolstatuen zu unterscheiden, zwischen a Statue eines Gottes und eine Statue einer Person als Gott. Sie zögerten auch nicht, einfach den Kopf einer Statue einer Person zu entfernen und ihn durch den einer anderen zu ersetzen, als eine damnatio memoriae durchgeführt wurde. Diese Praxis wurde natürlich in der damaligen Literatur kommentiert, was die Unabhängigkeit zwischen Kopf und Körper in der römischen Vorstellung bestätigt.

Andere Arten von Statuen, dekorativ und kultisch, in der römischen Kunst fügten nichts wesentlich Neues hinzu, und ihre Exemplare, obwohl viele von großer Qualität, zeigen nichts, was die klassischen Griechen und Hellenisten zuvor nicht gründlich erlebt hatten, und römische Kopien dieser wegweisenden Produktion weiterhin bis zum fünften Jahrhundert produziert. Ab dem zweiten Jahrhundert und mit größerer Kraft ab Konstantin I. führte die zunehmende Durchdringung des östlichen Einflusses jedoch zu einer fortschreitenden Beseitigung des griechischen Kanons mit einigen Erholungsphasen, was zur Bildung eines synthetischen und abstrakten Stils führte, der dies tun würde waren die Brücke für die Bestätigung der byzantinischen Kunst und des frühen Mittelalters.

Religiöse und Grabkunst
Religiöse Kunst war auch eine wichtige Form der römischen Skulptur. Ein zentrales Merkmal eines römischen Tempels war die Kultstatue der Gottheit, die dort als „untergebracht“ galt (siehe aedes). Obwohl Bilder von Gottheiten auch in privaten Gärten und Parks ausgestellt wurden, scheinen die prächtigsten der erhaltenen Statuen Kultbilder gewesen zu sein. Römische Altäre waren normalerweise eher bescheiden und schlicht, aber einige kaiserliche Beispiele sind der griechischen Praxis mit aufwändigen Reliefs nachempfunden, vor allem der Ara Pacis, der als „das repräsentativste Werk der augustanischen Kunst“ bezeichnet wurde. Kleine Bronzestatuetten und Keramikfiguren, die mit unterschiedlichem künstlerischem Können ausgeführt wurden, sind in den archäologischen Aufzeichnungen, insbesondere in den Provinzen, reichlich vorhanden und weisen darauf hin, dass diese im Leben der Römer ständig präsent waren. ob für Votive oder für private Andachtsveranstaltungen zu Hause oder in Schreinen in der Nachbarschaft. Diese zeigen in der Regel mehr regionale Stilunterschiede als große und offiziellere Werke sowie stilistische Vorlieben zwischen verschiedenen Klassen.

Römische Marmorsarkophage stammen größtenteils aus dem 2. bis 4. Jahrhundert n. Chr., Nach einer Änderung der römischen Bestattungsbräuche von Einäscherung zu Inhumation, und wurden meist in einigen großen Städten hergestellt, darunter Rom und Athen, die sie in andere Städte exportierten. An anderer Stelle blieb der Grabstein der Stele häufiger. Sie waren immer eine sehr teure Form, die der Elite vorbehalten war, insbesondere in den relativ wenigen sehr kunstvoll geschnitzten Beispielen; Die meisten waren immer relativ schlicht, mit Inschriften oder Symbolen wie Girlanden. Sarkophage teilen sich nach Produktionsgebieten in eine Reihe von Stilen auf. „Römische“ wurden an eine Wand gelehnt, und eine Seite wurde ungeschnitzt gelassen, während „Dachboden“ und andere Typen auf allen vier Seiten geschnitzt wurden; aber die kurzen Seiten waren in beiden Typen im Allgemeinen weniger aufwendig dekoriert.

Die Zeit, die benötigt wurde, um sie herzustellen, ermutigte die Verwendung von Standardthemen, zu denen Inschriften hinzugefügt werden könnten, um sie zu personalisieren, und Porträts der Verstorbenen erschienen nur langsam. Die Sarkophage bieten Beispiele für komplizierte Reliefs, die Szenen darstellen, die häufig auf der griechischen und römischen Mythologie basieren, oder Mysterienreligionen, die persönliche Erlösung boten, sowie allegorische Darstellungen. Die römische Grabkunst bietet auch eine Vielzahl von Szenen aus dem Alltag, wie z. B. Spielen, Jagen und militärische Aktivitäten.

Die frühchristliche Kunst übernahm schnell den Sarkophag und ist die häufigste Form der frühchristlichen Skulptur. Sie reicht von einfachen Beispielen mit Symbolen bis hin zu kunstvollen Fronten, oft mit kleinen Szenen des Lebens Christi in zwei Reihen innerhalb eines architektonischen Rahmens. Der Sarkophag des Junius Bassus (ca. 359) ist von diesem Typ und der frühere dogmatische Sarkophag eher einfacher. Die riesigen Porphyr-Sarkophage von Helena und Constantina sind großartige kaiserliche Beispiele.

Sarg
Die Verwendung von Sarkophagen war unter den Etruskern und Griechen üblich, aber in Rom wurde sie erst ab dem zweiten Jahrhundert ausgiebig verwendet, als die Gewohnheit der Einäscherung der Toten durch Bestattung ersetzt und im ganzen Reich ausgeweitet wurde. Ihre Produktion wurde in drei Hauptzentren – Rom, Attika und Asien – gegründet und in verschiedene Modelle unterteilt. Am häufigsten war ein Fall, der mit figürlichen Reliefs und einem mehr oder weniger glatten Deckel verziert war. Ein anderer Typ zeigte einen anderen, gleichermaßen dekorierten Deckel, auf dem die skulpturalen Ganzkörperporträts des Verstorbenen erscheinen konnten, als würden sie auf einem Bankett sitzen, einem Modell, das aus der etruskischen Kunst stammt. Beide haben Exemplare hervorgebracht, die mit Reliefs von außergewöhnlicher Raffinesse und Komplexität verziert sind. Ein dritter Typ, der auf Rom beschränkt war, hatte eine abstrakte oder florale Dekoration und Tierköpfe, hauptsächlich Löwen,

Das asiatische Produktionszentrum zeichnete sich durch eine Vorliebe für große Kisten und architektonische Formen mit Säulen, dazwischen liegenden Statuen und einer Nachahmung der Tür auf beiden Seiten, Ziertafeln und einem prismenförmigen Dach mit Akroteri aus, das ein echtes Zuhause oder einen Tempel simulierte. und sie könnten auch eine Plattform haben, um sie oben zu platzieren. Dieser Typ wurde im Gegensatz zu den anderen oft an allen vier Seiten dekoriert und konnte ein eigenständiges Denkmal sein, das in einigen Nekropolen im Freien aufgestellt wurde, während die anderen normalerweise in Nischen in den Gräbern auftauchten und ihre Dekoration auf Teile beschränkt war, die sichtbar blieben. Die römische Praxis der Bestattung in Sarkophagen setzte sich in der christlichen Ära fort und war eines der Hauptmittel für die Entwicklung der religiösen Ikonographie.

Architekturvermessungen
In der Tradition monumentaler Altäre, Gedenksäulen und Triumphbögen waren die in diesen Architekturen verwendeten dekorativen Reliefs ein fruchtbares Feld für die Entwicklung eines für die Römer typischen Erzählstils. Klassizistische Vorläufer waren der Anobarbus-Altar und der Ara Pacis. Eine andere, die eine Erwähnung verdient, ist der Fries der Basilika Emilia (ca. 54 – 34 v. Chr.) Im Forum Romanum, in einem kräftigen hellenisierenden Stil, lebhaft, mit drastischen Einblicken und ergänzt durch Szenen von Landschaften. Von der Julio-Claudianischen Dynastie ist fast nichts erhalten geblieben, aber ein Zeugnis, das uns eine Vorstellung vom Stil dieser Zeit geben kann, ist ein in Rom gefundener Fries, der eine Prozession von Richtern und Priestern zeigt, die Votivstatuetten zusammen mit Helfern, Musikern und anderen tragen Zahlen.

Die Dekoration des Titusbogens (ca. 81 – 82) galt als höchster Punkt des flavianischen Stils. Die Tafeln, die es schmücken und den Triumph des Titus zeigen, haben ausgezeichnete ästhetische Eigenschaften und zeigen eine große Fähigkeit, den Blick für die Darstellung der Quadriga des Kaisers zu nutzen, bei der der Streitwagen von vorne in Richtung des Betrachters, aber des Betrachters gesehen erscheint Der Künstler schafft den Eindruck, eine Rechtskurve zu machen. Das andere Panel stellt die Entlassung Jerusalems dar, nutzt diese Ressource in einem anderen Kontext mit demselben Erfolg und beide haben ihre illusorische Wirkung durch den rationalen Einsatz von Licht und Schatten verstärkt. In Wahrheit ist es jedoch schwierig, von einem „flavianischen Stil“ zu sprechen, da es an anderen Stellen statischere Reliefs gibt, die eher klassizistisch und bildschonend sind.

Zur Regierungszeit von Trajan gehört die berühmte Trajansäule, die an den Feldzug in Dacia zwischen 101 und 106 erinnert. Es handelt sich um eine große Säule, die vollständig von einem durchgehenden Fries bedeckt ist, der eine Spirale nach oben bildet, und ein perfektes Beispiel für den Erzählstil von Römische historische Reliefs. Die Episoden verschmelzen ohne Unterbrechung miteinander, außer gelegentlich einem Baum, der als Trennung fungiert. Trajan erscheint mehrmals in verschiedenen Situationen. Insgesamt werden fast 2.500 Figuren geschnitzt und das technische Niveau im gesamten Komplex beibehalten. Ein innovatives Merkmal ist die Aufgabe der Perspektive und die Verwendung von Figuren, die in keinem Verhältnis zu ihrer umgebenden Landschaft stehen, was den orientalischen Einfluss, der zu dieser Zeit eingedrungen ist, erweitert. Heute sehen wir nur Marmorformen, aber seine Wirkung, als es fertiggestellt wurde, muss überraschend gewesen sein, denn gemäß der damaligen Praxis wurden alle Szenen gemalt und mit Metalldetails geschmückt. Es ist möglich, dass sein Autor Pollodorus von Damaskus war.

Kurz darauf kehrte sich der Trend zum Klassizismus um. Der Arco di Traiano in Benevento sticht in einem außergewöhnlichen Erhaltungszustand hervor – nur die Skulpturen wurden unter Adriano fertiggestellt – und die elf Tafeln eines ähnlichen Stils, aber noch besser ausgeführt, die den Kaiser Marcus Aurelius in verschiedenen Szenen darstellen. Vier von ihnen befinden sich heute in den Kapitolinischen Museen, die anderen wurden in der Kaiserzeit für die Dekoration des Konstantinsbogens wiederverwendet. Die Kolumne von Marcus Aureliusit ist ein weiteres gutes Beispiel für die klassizistische Verbreitung in dieser Phase. Obwohl sich in der durchgehenden Spirale des Frieses, der das Denkmal umgibt, eine Vielzahl von Figuren stapeln, bleibt ein Sinn für Ordnung, Eleganz, Rhythmus und Disziplin erhalten, der in Trajans Kolumne fehlt.

Dieses Zwischenspiel des Klassizismus hätte jedoch mit Septimius Severus geendet, dessen Bogen sich in seinem Proportionssystem und in der Verkürzung der Organisation unabhängiger Szenen, in denen vier große Tafeln die Kampagnen in Mesopotamien erzählen, wieder der östlichen Kunst nähert. Ab dem dritten Jahrhundert ist praktisch nichts mehr erhalten, und wir haben als Überreste kleine Friese mit rauen und skizzierten Figuren. Der gleiche Stil setzt sich auch im vierten Jahrhundert fort, wie in den oberen Friesen im Norden und Süden des Konstantinsbogens zu sehen ist, die einen deutlichen Kontrast zu den anderen älteren Tafeln aus der Zeit von Marcus Aurelius aufweisen. Die letzten bedeutenden Beispiele der römischen Architekturskulptur befinden sich auf der Basis des Obelisken von Theodosius I. im Hippodrom von Konstantinopel.

Gärten und Bäder
Eine Reihe bekannter großer Steinvasen, die als Relief aus der Kaiserzeit geformt wurden, wurden offenbar hauptsächlich als Gartenschmuck verwendet. In der Tat wurden viele Statuen auch in öffentlichen und privaten Gärten aufgestellt. Zu den Skulpturen, die auf dem Gelände der von Tiberius für die Öffentlichkeit zugänglichen Gärten von Sallust geborgen wurden, gehören:

der Obelisco Sallustiano, eine römische Kopie eines ägyptischen Obelisken, der heute vor der Trinità dei Monti-Kirche über der Piazza di Spagna auf der Spanischen Treppe steht
die dort im 16. Jahrhundert entdeckte Borghese-Vase.
Die Skulpturen, bekannt als das sterbende Gallien und das Gallier, das sich selbst und seine Frau tötet, sind Marmorkopien von Teilen einer berühmten hellenistischen Gruppe in Bronze, die um 228 v. Chr. für Pergamon in Auftrag gegeben wurden.
der Ludovisi-Thron (wahrscheinlich ein authentisches griechisches Stück im schweren Stil), gefunden 1887, und der Boston-Thron, gefunden 1894.
der hockende Amazonas, 1888 in der Nähe der Via Boncompagni gefunden, etwa fünfundzwanzig Meter von der Via Quintino Sella (Museo Conservatori) entfernt.

Römische Bäder waren ein weiterer Ort für Skulpturen; Zu den bekannten Stücken, die aus den Caracalla-Bädern geborgen wurden, gehören der Farnese Bull und der Farnese Hercules sowie über lebensgroße patriotische Figuren des frühen 3. Jahrhunderts, die etwas an sowjetische sozialrealistische Werke erinnern (jetzt im Museo di Capodimonte, Neapel).

Andere Verwendungen
Zu den kleineren Anwendungen der Skulptur zählen Statuetten der häuslichen Verehrung, Figuren und Masken des Theaters, Kameen, Dekorationsgegenstände, Amulette und Kinderspielzeug. Weniger gefeiert als die großen Genres, sind sie jedoch nicht weniger wichtig als diese und geben oft eine genauere, intimere und aufrichtigere Vorstellung von der römischen Mentalität, hauptsächlich des Volkes, jenseits der imposanten offiziellen Darstellungen.

Cameos
In diesen kleinen Gattungen sind Kameen die luxuriösesten, auf die Oberschicht beschränkt und werden allgemein als Schmuck verwendet. In Halbedelsteinen wie Achat, Chalzedon, Jaspis, Amethyst und Onyx geschnitzt, gelten sie nach der Wertschätzung, die John Ruskin aus ihnen gemacht hat, als Miniaturskulpturen, als sie bis dahin als eine Form der Gravur galten. Diese Form des Schnitzens wurde von den hellenistischen Griechen in Rom eingeführt, die als erste einen hohen Grad an Verfeinerung in diesem Genre erreichten. Seine geringe Größe darf uns nicht in die Irre führen, welche Fachkenntnisse für diese Art von Arbeit erforderlich sind, da eine intensive Konzentration und eine enorme Empfindlichkeit erforderlich sind, um die Körnung des Steins und seine verschiedenen Schichten zu bearbeiten, um subtile Farbtöne und Licht- und Transparenzeffekte zu erzielen. Die Datierung ist sehr problematisch, und viele Stücke weisen darauf hin, dass sie zu unterschiedlichen Zeiten überarbeitet wurden. Die besten Exemplare sind zu eifrig umstrittenen Sammlerstücken geworden, und unter ihnen können wir den fantastischen Augustan Gem erwähnen, ein großes Stück zweifarbigen Onyx, das mit zwei Szenen aus verschiedenen Charakteren geschnitzt ist.

Während der Kaiserzeit genossen Kameen großes Ansehen, was die Römer dazu inspirierte, eine Glasableitung zu erfinden, die den Vorteil einer besseren Kontrolle über Farbe und Transparenz bot, aber noch schwieriger, langwieriger und teurer zu bearbeiten war. des Steins mit erheblichen technischen Herausforderungen, die von zeitgenössischen Glasmachern noch nicht vollständig erforscht wurden. Es gibt jedoch ganze Kameen aus Glas mit geschnitzten Verzierungen, wie die berühmte Portland Vase und die Vase der Jahreszeiten.

Spielzeuge
Spielzeug kommt in allen Kulturen vor, und die Römer waren keine Ausnahme. Aus der hellenistischen Zeit gibt es zahlreiche literarische Referenzen, und alles deutet darauf hin, dass es eine enorme Vielfalt an Gegenständen für die Unterhaltung von Kindern gab, von traditionellen Puppen über Karren mit Rädern, Möbeln, Figuren von Kriegern und Tieren bis hin zu Miniaturhäusern aus Metall, Holz oder Terrakotta . Spielzeug ist ein hervorragendes Objekt, um die wirtschaftlichen und sozialen Bedingungen der Zeit zu untersuchen.

Private Anbetungsstatuetten
Im religiösen Bereich stechen die Statuetten der privaten Verehrung vieler Gottheiten des römischen Pantheons sowie der Familien- und Regionalgottheiten hervor. Die Gewohnheit des Anthropomorphismus der Götter wurde von den Etruskern und Griechen geerbt, und daher nahmen praktisch alle natürlichen Kräfte und abstrakten Kräfte einen menschlichen Aspekt für die Römer an und erhielten einen Kult, obwohl ihre Religion nicht streng organisiert und privat verehrt war (mehr als öffentlich). hatte eine wichtige Rolle. Museen sind mit Statuetten der häuslichen Verehrung gefüllt, die ihre weite Verbreitung im ganzen Reich demonstrieren. Ihre künstlerische Qualität ist sehr unterschiedlich, und es ist anzunehmen, dass diejenigen, die von gewöhnlichen Menschen verwendet werden, gewöhnlich und unattraktiv sind, aber es gibt Beispiele für große Verfeinerung. Auf diesem Gebiet war es nicht der ästhetische Aspekt der Statuetten, der Wert hatte,

Die Amulettstatuetten haben eine ähnliche Funktion. In der komplexen und facettenreichen römischen Religion spielte Magie eine nicht unerhebliche Rolle, und Amulette fanden ihren Platz darin. Die Griechen und Etrusker verwendeten sie, und mehrere klassische Autoren wie Plinius und Galen sprechen positiv über sie. Sogar die Römer machten es zu einem allgemeinen Brauch, besonders während der späten Kaiserzeit. Obwohl Amulette im Allgemeinen kleine und tragbare Gegenstände waren, nicht unbedingt Figuren, überleben eine Reihe von Statuetten, die dieselbe Funktion erfüllen und die Schutzgeister der Häuser darstellen, die mit den Vorfahren, den Lares, die tief in häuslichen Schreinen verehrt werden, oder Priapus, dem Phallus, verbunden sind Gott, dessen Bild als wirksames Mittel gegen den bösen Blick, die Sterilität und die Impotenz angesehen wurde und der im äußeren Teil des Eingangs der Häuser platziert wurde.

Dekorierte Utensilien
Schließlich bleiben eine kurze Erwähnung der Vasen, Tischservice, Lampen, Türgriffe und vieler anderer Arten von Utensilien mit einer Dekoration, die sich der eigentlichen Skulptur nähert, einer sehr vielfältigen Kategorie von Stücken, die die breite Anwendung der Skulptur im alten Rom bezeugt. Die Lampen und Kohlenbecken könnten mit Reliefbildern verziert sein, die religiöse, mythologische und erotische Szenen zeigen, je nach dem Ort, an dem sie bestimmt waren, und einen oder mehrere sehr reich verzierte Füße haben. Sogar Teller, Töpfe, Schalen und Vasen könnten Reliefs oder Griffe und Hälse extravaganter Formen haben. In der Keramik können wir die Art der versiegelten Erde unterscheiden, eine Art Vase, die mit Gravuren und Reliefs verziert ist, die eine breite Diffusion aufweisen, und die dekorativen Antefixes, die an den Rändern der Dächer angebracht sind und in abstrakter oder figurativer Form hergestellt werden können.

Spätkaiserliche Skulptur
Wie oben erwähnt, wurde in den letzten Jahrhunderten des Reiches (vom dritten bis zum fünften Jahrhundert) ein völlig neuer kultureller Kontext geboren. Manchmal wurde diese Transformationsphase als künstlerische Dekadenz angesehen, aber man kann sich gut daran erinnern, dass der griechische Kanon das Ergebnis einer genau definierten Ära und eines genau definierten Kontextes war und obwohl er die künstlerischen Ursprünge Roms und einen Großteil seines Weges geprägt hat Zeiten und Territorien hatten sich verändert, und der Klassizismus begann der Vergangenheit anzugehören und eher eine symbolische oder historische Referenz als eine lebendige Realität zu werden. Jetzt hatte Rom seine eigene Geschichte und trat in eine Zeit intensiven Austauschs mit großen alten Kulturen des Nahen Ostens ein, deren Ideen, Religionen, Kunst und Bestrebungen ein wesentlicher Bestandteil der römischen Kultur wurden. Ebenso die zahlreichen kaiserlichen Provinzen, die sich von Spanien aus erstreckten,

In einer Zeit des kulturellen Aufbrausens und der großen Vielfalt ästhetischer Prinzipien, der Beständigkeit der klassischen Elemente in allen Teilen, die modifiziert wurden, ist es sicher, dass in unterschiedlichem Maße Kommunikationskanäle offen bleiben und als eine Art Verkehrssprache fungieren künstlerisch. Der Synkretismus war immer ein Merkmal der römischen Kunst, nahm jedoch in der späten Kaiserzeit eine Rolle von entscheidender Bedeutung ein. Nach der Christianisierung des Reiches wurden die Normen der heidnischen Kunst von christlichen Kaisern ohne zu zögern übernommen, obwohl sie an neue Themen angepasst wurden. Als Konstantinopel die neue Hauptstadt wurde, war es voller architektonischer und künstlerischer Anspielungen auf das „alte Rom“, ein erklärter Wunsch, die Kontinuität der alten Traditionen aufrechtzuerhalten, auch wenn sie reformiert werden mussten, um den Bedürfnissen eines neuen Kontextes gerecht zu werden.

Dieser Prozess war bewusst und freiwillig, wie die damalige Literatur bestätigt. Einige formale Prototypen wurden beibehalten, während ein großes Repertoire anderer Modelle einfach in Vergessenheit geriet. Die Maskierung der raschen sozialen und politischen Veränderungen, die unter den aus dem klassischen Erbe abgeleiteten gewählten Formen stattfanden, bot einen wichtigen kulturellen Zusammenhalt zu einer Zeit, als die Bausteine des Reiches zur Vielfalt neigten und die Fragmentierung des Staates bereits begann eine echte Bedrohung. In Wirklichkeit gab es keine buchstäbliche Beständigkeit des Klassizismus, was unmöglich gewesen wäre: Was geschah, war eine „selektive“ Kontinuität. Dieser Prozess war bewusst und freiwillig, wie die damalige Literatur bestätigt. Einige formale Prototypen wurden beibehalten, während ein großes Repertoire anderer Modelle einfach in Vergessenheit geriet. Die Maskierung der raschen sozialen und politischen Veränderungen, die unter den aus dem klassischen Erbe abgeleiteten gewählten Formen stattfanden, bot einen wichtigen kulturellen Zusammenhalt zu einer Zeit, als die Bausteine des Reiches zur Vielfalt neigten und die Fragmentierung des Staates bereits begann eine echte Bedrohung. In Wirklichkeit gab es keine buchstäbliche Beständigkeit des Klassizismus, was unmöglich gewesen wäre: Was geschah, war eine „selektive“ Kontinuität. Dieser Prozess war bewusst und freiwillig, wie die damalige Literatur bestätigt. Einige formale Prototypen wurden beibehalten, während ein großes Repertoire anderer Modelle einfach in Vergessenheit geriet. Kontinuität. Dieser Prozess war bewusst und freiwillig, wie die damalige Literatur bestätigt. Einige formale Prototypen wurden beibehalten, während ein großes Repertoire anderer Modelle einfach in Vergessenheit geriet. Kontinuität. Dieser Prozess war bewusst und freiwillig, wie die damalige Literatur bestätigt. Einige formale Prototypen wurden beibehalten, während ein großes Repertoire anderer Modelle einfach in Vergessenheit geriet.

Die Maskierung der raschen sozialen und politischen Veränderungen, die unter den aus dem klassischen Erbe abgeleiteten gewählten Formen stattfanden, bot einen wichtigen kulturellen Zusammenhalt zu einer Zeit, als die Bausteine des Reiches zur Vielfalt neigten und die Fragmentierung des Staates bereits begann eine echte Bedrohung. wie durch die Literatur der Zeit bestätigt. Einige formale Prototypen wurden beibehalten, während ein großes Repertoire anderer Modelle einfach in Vergessenheit geriet. Die Maskierung der raschen sozialen und politischen Veränderungen, die unter den aus dem klassischen Erbe abgeleiteten gewählten Formen stattfanden, bot einen wichtigen kulturellen Zusammenhalt zu einer Zeit, als die Bausteine des Reiches zur Vielfalt neigten und die Fragmentierung des Staates bereits begann eine echte Bedrohung. wie durch die Literatur der Zeit bestätigt. Einige formale Prototypen wurden beibehalten, während ein großes Repertoire anderer Modelle einfach zum Vergessen verurteilt war. Die Maskierung der raschen sozialen und politischen Veränderungen, die unter den aus dem klassischen Erbe abgeleiteten gewählten Formen stattfanden, bot einen wichtigen kulturellen Zusammenhalt zu einer Zeit, als die Bausteine des Reiches zur Vielfalt neigten und die Fragmentierung des Staates bereits begann eine echte Bedrohung.

Die Elite erhielt weiterhin klassische Bildung und blieb konservativ. Seine Mitglieder lasen geweihte Autoren und lernten durch sie die Tradition der Vorfahren kennen und entwickelten einen Geschmack dafür. Die Städte, aristokratischen Villen und Theater waren mit heidnischen Standbildern geschmückt. Die Bekehrung Konstantins zum Christentum im Jahr 312 führte zu einem Bruch mit dieser Tradition, wenn auch nicht sofort oder in vollständiger Form.

Laut Rachel Kousser:
«Die Aristokratie des vierten Jahrhunderts musste sich also einen Platz in dieser widersprüchlichen Welt verhandeln, ohne einen offenen Konflikt zu verursachen. Die Denkmäler, die gebaut wurden, behielten die Spuren dieser Verhandlungen bei: Traditionell in der Form, schräg im Inhalt, dokumentieren sie die Schaffung eines neuen Konsenses. Die erfolgreichsten Kunstwerke, die sich daraus ergaben, waren vorsehungsunspezifisch; Ihr Ziel war es nicht, eine definierte und einzigartige Identität ihrer Kunden zu proklamieren, sondern eine große Anzahl gemeinsamer Werte vorzuschlagen, die für eine Vielzahl von Interpretationen offen blieben.

Anstatt die Bindungen dieser Werke mit bestimmten religiösen Ideologien, politischen Zugehörigkeiten usw. zu betonen, würde dies letztendlich auf einen separatistischen Charakter hinweisenSchauspieler – (…) sie sind resonant und vereinigend. Für Aristokraten des 4. Jahrhunderts waren diese Bilder, die auf Modellen klassischer Statuen basierten, nützliche Mittel für eine ausgewogene und effiziente Selbstdarstellung; Es war die Rede von einer von allen geteilten Vergangenheit und einer geteilten Gegenwart. Auf diese Weise trugen sie dazu bei, das Überleben klassischer Formen in der mittelalterlichen Kunst zu sichern. (…) Die daraus resultierenden Kunstwerke kamen mir bekannt vor. Obwohl sie heute vielen modernen Gelehrten eintönig konventionell erscheinen, hatten sie in der Spätantike einen Wert. Diese Arbeiten identifizierten die neue christliche Ordnung mit der ehrwürdigen Tradition, eine Tradition, die die naturalistische Darstellung der menschlichen Form als die größte Errungenschaft der Skulptur betrachtete. In diesem Sinne, “

Das Ansehen heidnischer Statuen blieb bis zum 4. Jahrhundert n. Chr. Hoch; Nicht einmal der Aufstieg des Christentums und das Verbot des alten Kultes durch Theodosius I. im Jahr 391 führten zu einer sofortigen Zerstörung religiöser und dekorativer Bilder. Prudentius empfahl am Ende des vierten Jahrhunderts unserer Ära immer noch, die Statuen heidnischer Idole als „Beispiele für das Können der großen Künstler und als prächtiges Schmuckstück unserer Städte“ zu erhalten, und Cassiodorustells, wie die Bemühungen noch waren im 4. Jahrhundert gemacht, um die alten heidnischen Skulpturen als Beweis der kaiserlichen Größe für die Nachwelt zu bewahren. Trotzdem änderte sich später die Politik des Papsttums und des Reiches, und die Denkmäler der Antike wurden geplündert, um das Material für andere Werke wiederzugewinnen.

Verwendung von Farbe als mimetische und ausdrucksstarke Ressource
Als Ergänzung zu den Arbeiten des Steinschneidens oder Bronzegießens wurde die endgültige Wirkung des geschnitzten Stücks durch Hinzufügen von Polychromie auf der Oberfläche modifiziert, eine Praxis, die von den Griechen geerbt und üblicherweise durchgeführt wurde, wie historische Berichte zeigen, und die ergab Skulpturen einen ganz anderen Aspekt als heute in Museen, nur aus Stein oder Bronze. Obwohl diese historische Tatsache seit mindestens zwei Jahrhunderten bekannt ist, sorgt sie auch heute noch für Überraschung und führte zu einem fehlerhaften Konzept, selbst unter Archäologen und Museumskonservatorien, die glaubten, dass die Originalarbeiten so hergestellt wurden, dass das Erscheinungsbild des verwendeten Materials offensichtlich blieb Fehler, der bis vor kurzem fortbestanden hat. Diese dekorative Verwendung von Pigmenten war tatsächlich eine grundlegende Tatsache in der alten Kunst, und es gab keine Statuen,

Zusätzlich zum Malen wurden Stücke anderer farbiger Materialien wie Silber und Gold, Emaille, Perlmutt und Glas eingefügt, um bestimmte Merkmale oder anatomische Teile hervorzuheben, sowie bestimmte Arten von farbigem Marmor und Edelsteinen wie Onyx. Alabaster und Sardonie, reich an bunten Adern und Transparentfolien, könnten in einigen Teilen der Kleidungsstücke der Statuen verwendet werden, um luxuriösere Effekte zu erzielen. Neuere Forschungen, die zusammen mit thematischen Ausstellungen großartiger Werke mit der Wiederherstellung ihrer ursprünglichen Farben veröffentlicht wurden, haben eine völlig neue Vision der klassischen Kunst geboten.

Erbe
Die Römer waren die ersten, die stolz darauf waren, im Schatten einer fremden Kultur zu gedeihen. Virgil hatte in seiner Aeneid den Geist von Anchise nach Rom geschickt, das noch nicht geboren war, um zu erklären, dass sie in den Künsten und Wissenschaften den Griechen immer unterlegen sein würde, sie aber im Krieg und in der öffentlichen Verwaltung überwinden würde. In einem anderen Teil prahlte der Dichter, dass seine Muse die erste gewesen sei, die in Versen nach Art des Theokrit gesungen habe, und andere ähnliche Fälle gibt es in der zeitgenössischen Literatur der Zeit zuhauf. Wie gezeigt wurde, war jede römische Skulpturenproduktion ein immenser Schuldner des griechischen Beispiels, und dasselbe geschah mit anderen Künsten wie Poesie, Musik und Architektur. Dies ist eine Tatsache, aber sie wurde von einflussreichen Autoren wie Arnold Toynbee und Roger Fry als Fehler der Römer interpretiert und sie als ein im Wesentlichen nachahmendes Volk angesehen.

Diese Meinung spiegelte die Position der Kritik im späten 19. Jahrhundert wider, die im Wesentlichen die Römer beschuldigte, nicht griechisch zu sein, aber ironischerweise von den Römern selbst herrührt, die in Bezug auf ihre Rolle als Epigonen eine Haltung beibehielten, die gleichzeitig war stolz und bescheiden. Aber wie wir gesehen haben, hinderte dies ihre Bildhauer nicht daran, bestimmte Merkmale offensichtlicher Originalität zu entwickeln, die von anderen Kritikern anerkannt wurden, und machte diese Anschuldigung, obwohl sie auf klaren Beweisen beruhte, nicht ganz richtig.

Auf der anderen Seite ist es immer ein rücksichtsloses Manöver, eine alte Kultur aus moderner Sicht zu beurteilen. Die Römer zeichneten sich dadurch aus, dass sie im Allgemeinen einen hohen öffentlichen Geist und eine starke Abneigung gegen Individualismus und Exzentrizität besaßen, was die Griechen immer erschreckte, und die Traditionen der Vorfahren, Öffentlichkeit und Familie, waren immer Gegenstand extremer Verehrung. Virgil erzählt in ‚Aeneid die Geschichte von Aeneas, der auf der Flucht seines Vaters aus Troja seine Schulter trägt und ein Modell der Frömmigkeit wurde. Roman, ehrenhafte Pflicht gegenüber den Vätern und sogar in Zeiten, die von politischen Streitigkeiten und unmoralischen und dekadenten Eliten zerstört wurden, auch wenn Verhaltensweisen, die wir heute als grausam und bizarr ansehen, gehören zu den am meisten geschätzten Eigenschaften eines Römers und waren in der gesamten Gesellschaft verbreitet. Sie waren Sparsamkeit, Severitas, Frugalitas und Simplicitas – Sparsamkeit, Sparmaßnahmen und Würde, Genügsamkeit und Einfachheit – in der zeitgenössischen Literatur immer wieder gelobt. Unter Berücksichtigung dieser Faktoren wird der offensichtliche Mangel an Originalität relativ und zu einem kulturellen Identitätsmerkmal. Die Skulptur bietet uns in jeder Hinsicht viel Material, um das gesamte römische Erbe zu studieren und seine besondere Haltung im kulturellen Bereich zu verstehen.

Die römische Skulptur fiel in die Dunkelheit des Mittelalters, sowohl wegen der vorherigen Zerstörung der meisten Beispiele als auch wegen der Veränderung der Konzeption von Kunst und kulturellen Werten, und hatte in der Renaissance die Gelegenheit, ein neues Erscheinungsbild in der Kunstszene zu erhalten. Und es war mehr als eine Erscheinung, es war tatsächlich ein grundlegendes Element für die Entwicklung einer neuen Ästhetik dieser Ära. Raffaello, der sich der Weite des Verlusts antiker Werke in früheren Zeiten bewusst war, bedauerte die Gewohnheit, Marmor und Bronze für andere Objekte wiederzuverwenden, und die Entdeckung verschiedener hochwertiger Exemplare römischer Skulpturen in dieser Zeit sorgte in der Gesellschaft der Renaissance für Aufsehen und stimulierte Kopien und neue Interpretationen, die ängstliche Suche nach anderen Überresten in unzähligen archäologischen Ausgrabungen und das Erscheinen eines Stroms gravierter Reproduktionen.

Während des Barock ließ das Interesse an antiken Statuen nicht nach. Meister wie Bernini waren bekannte Liebhaber der griechischen und römischen Kunst, und ihre Produktion verdankt viel alten Beispielen und klassischen Themen. In den folgenden Zeiträumen ging sie auch nicht zurück. Im achtzehnten Jahrhundert wurde das Kostüm der „European Grand Tour“ unter den Eliten gebildet, Rom war der obligatorische Besuch, und der Wunsch nach Wissen und der Erwerb der Kunst der klassischen Antike verwandelte sich in eine Manie, die das Erscheinungsbild der Neoklassizismus. Zwischen dem 18. und 19. Jahrhundert wurden in verschiedenen Ländern mehrere wichtige Privatsammlungen gegründet, die insbesondere in England dazu dienten, den guten sozialen Ruf der Eigentümer zu gewährleisten und ihnen den Zugang zu öffentlichen Ämtern zu erleichtern.

Obwohl neoklassische Künstler die griechische Produktion bewunderten, beruhte ihre Neuinterpretation des klassischen Stils hauptsächlich auf römischen Prinzipien, weil die damals bekannten Werke fast ausschließlich römisch und nicht griechisch waren. Mitte des neunzehnten Jahrhunderts, mit der Wiedereröffnung Griechenlands nach Westen nach einer langen türkischen Herrschaft, mit der Realisierung verschiedener archäologischer Forschungen, die eine große Menge originaler griechischer Werke ans Licht brachten, und unter dem Einfluss der romantischen Strömung, der Der Geschmack der Öffentlichkeit tendierte zum Hellenismus, aber selbst dann geriet die römische Kunst in Ungnade. Neue wohlhabende Nordamerikaner hielten diese Tradition hoch. Im zwanzigsten Jahrhundert führte die modernistische Revolution jedoch zu einem drastischen Rückgang der Fähigkeit der römischen Kunst, die neuen Künstlergenerationen zu inspirieren.