Die Sammlung wurde 1974 von der Familie Mondadori gestiftet und ist seit 1983 permanent im Palazzo Te zu sehen. Sie umfasst 19 Werke von Federico Zandomeneghi und 13 von Armando Spadini.

Ausschlaggebend für die Entscheidung der Familie Mondadori war der Wunsch der Öffentlichkeit, Zugang zu den von Arnoldo Mondadori mit Begeisterung gesammelten Gemälden zu erhalten, sowie der informative Zweck des Museums.

Federico Zandomeneghi (1841-1917) war eine wichtige Figur unter den italienischen Künstlern des späten 19. Jahrhunderts, und in den letzten Jahren fanden mehrere monografische Ausstellungen seiner Werke statt.

Der gebürtige Venezianer zog nach einer prägenden Erfahrung mit den Macchiaioli in Florenz 1874 nach Paris. Hier entwickelte er seinen ganz persönlichen Stil des Impressionismus. Er war besonders von der Malerei von Degas beeinflusst, wie Werke wie Al caffè und La grande danseuse deutlich zeigen.

Die im Palazzo Te ausgestellten originellen Pastellfarben (La lezione, Il risveglio, Il compito, um nur einige zu nennen) demonstrieren Zandomeneghis gekonnten Umgang mit Licht und leuchtenden Farben. Bemerkenswert sind auch seine Szenen des täglichen Lebens, oft mit weiblichen Motiven, in denen seine Aufmerksamkeit auf Gesten und die Gefühle gerichtet ist, die diese hervorrufen.

Seine letzten Lebensjahre waren Stillleben gewidmet, die auch in der Sammlung des Palazzo Te vertreten sind.

Die Gemälde von Armando Spadini (1883-1925) im Palazzo Te verraten viel über Arnoldo Mondadoris Vorlieben als Sammler: seine Liebe zu Ölen und Studien über Licht im Freien und intime, vertraute Szenen. Beispiele hierfür sind Maternità, Bambini all’aria aperta, Bambina (Anna) tra i fiori und Il mattino.

Intimität enthüllt
Die Ausstellung zeigt auch Werke von Zandomeneghi und Spadini, zwei sehr wichtigen Malern aus Mantua. Beide Künstler formten Formen mit Licht: Zandomeneghi malt stark strukturierte Figuren, während Spadini helle Farben verwendet, um Charaktere in ihrer täglichen Intimität darzustellen.

Ein venezianischer Impressionist
Der Kern der Sammlung moderner Kunst des Palazzo Te besteht aus der Schenkung Arnoldo Mondadori (2. November 1889, Poggio Rusco-8. Juni 1971, Mailand). Der in der Provinz Mantua geborene bekannte Verleger beschloss, die Werke von Federico Zandomeneghi und Armando Spadini einer öffentlichen Einrichtung zu spenden. Sein Wunsch war es, eine Kunstgalerie in Segrate zu eröffnen, wo sein Unternehmen seinen Sitz hat. Nach seinem Tod beschlossen seine Frau Mimma Berardi und seine Brüder, die Sammlung dem Museum von Mantua zu schenken, der Stadt, in der 1907 der bedeutendste italienische Verlag des 20. Jahrhunderts gegründet wurde. Ein Teil der Schenkung wurde erstmals im Palazzo Te ausgestellt 1974, dann 1983, wurde die gesamte Sammlung ausgestellt. Diese Gemälde stammen zumeist von zeitgenössischen Künstlern, viele davon aus Mantua. Die Sammlung spiegelt den Geschmack von Arnoldo Mondadori wider: Diese Gemälde haben etwas Intimes, fast häusliches; Die Verwendung von Licht spielt eine wichtige Rolle und erinnert an den französischen Impressionismus. Federico Zandomeneghi aus Venedig gibt uns einige der besten Beispiele für diesen Einsatz von Licht: Hier stellt er Szenen aus dem täglichen Leben dar, die der Atmosphäre eines Märchens ähneln. Er zog 1884 nach Paris, wo er sich mit Renoir und Degas anfreundete, und nahm ab 1879 an vier der achten impressionistischen Ausstellungen teil. Dieses Gemälde zeigt eine Köchin, die einen Teller in der Hand hält bemerkenswerter Kontrast zwischen den verschiedenen Farbtönen. Die Arbeiten wurden 1881 abgeschlossen.

Im Café (Femme au Bar)
Dies ist vielleicht das berühmteste Werk des Autors. Die Szene spielt in Paris, der Hauptstadt des frivolen Lebensstils in den achtziger Jahren des neunzehnten Jahrhunderts.

Zandomeneghi war ein ausgezeichneter Porträtmaler, hier sitzt eine Frau mit Schleier auf verführerische und anspielende Weise. Ein Mann trinkt, von einem anderen sehen wir nur die Hand. Ihre roten Lippen, die große Blume auf ihrem dunklen Kleid und ihre gelben Handschuhe fallen auf, sie scheint sich dem Betrachter anzubieten und ist von einer sinnlichen Gruppe von Männern umgeben.

Ein Blumenstrauß
Der Stil dieses Gemäldes aus dem Jahr 1894 erinnert besonders an das Werk von Pierre-Auguste Renoir (1841 – 1919). Insbesondere sein Einfluss zeigt sich im rosafarbenen Farbton der Wangen und Kleider des Kindes; Sie scheint unter dem Gewicht eines sehr großen Blumenstraußes fast zerquetscht zu sein, obwohl das kompositorische Gleichgewicht perfekt ist: Der große Abschnitt, der den Seitengang darstellt, ist fast leer, während der obere Teil des Gemäldes eine Explosion von farbigen Blütenblättern zeigt.

Im Arbeitszimmer des Malers
Ein grundlegendes Merkmal von Zandomeneghis Werk ist, dass er den Eindruck erweckt, mit Pastellfarben zu malen.

Tatsächlich sind die konstitutiven Elemente seines Gemäldes lange und kurze farbige Linien, die nebeneinander stehen und sich manchmal überlappen.

Er fängt die Figuren in einer Art heiterer Ekstase ein und ist völlig in das vertieft, was sie tun. Auf diesem Gemälde aus dem Jahr 1896 beobachtet eine Dame mit einem Blumenhut selig das Werk des Malers und stützt sich anmutig auf ihren Regenschirm.

Der Teppich im Vordergrund ist großartig, wir haben den Eindruck, wir könnten ihn erreichen und anfassen. Wie immer gibt es in dem hier abgebildeten Atelier überall verstreute Gemälde, die sehr ausdrucksstark sind, obwohl sie nur skizziert sind.

Fantasticheria
Das versunkene junge Mädchen zeigt ihr weiß-pinkes Kleid vor einem Holz, die dominierenden Farben sind hier grün und pink. Das Rot des Bandes, das sie im Haar trägt, zieht die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich. Der Impressionismus brachte Zandomeneghi die Kunst bei, die Farben zu trennen und Schwarz zu eliminieren, um einen viel helleren Effekt zu erzielen.

Miette
Dieses in den ersten Jahren des 20. Jahrhunderts gemalte Werk repräsentiert etwas sehr Italienisches. Es ist nicht nur die Wahl der Farben, die an die italienische Flagge erinnert, sondern auch die Merkmale des Mädchens, das den in den Werken der Macchiaiuoli und insbesondere von Giovanni Fattori (1825 – 1908) dargestellten Figuren ähnelt. Als er älter wurde, schien der Künstler zur klassischen Kunst seiner Heimat zurückzukehren, ohne jedoch das, was er während seiner französischen Erfahrung über den Umgang mit Licht gelernt hatte, beiseite zu legen.

Mädchen mit Blumen
Das kleine Mädchen scheint sich in einem abstrakten Raum zu bewegen, in dem die dominierenden Farben Blau und Grau sind. Ihr Kleid scheint aus der Unterseite dieses blauen Fleckens herauszutreten und leuchtet auf. Auch die Schleife in ihren roten Haaren ist blau. Sie hält Blumen mit einem langen Stiel, ihre Haltung ist von frommer Intensität. Ein kleines Meisterwerk, um 1915 gemalt, von täglicher Anmut und chromatischem Charme.

Tänzer
Der offensichtliche Bezugspunkt dieser Arbeit aus dem ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts ist das Gemälde von Edgar Degas (1834-1917). Die Lieblingsthemen des großen französischen Impressionisten waren in der Tat die Tänzer, die in allen möglichen Posen dargestellt wurden, oft von der Bühne aufgefangen wurden, sich fertig machten oder sich aufwärmten. Dies ist der Fall des Mädchens von Zandomenghi, das ganz in ihr eigenes Spiegelbild eingetaucht ist. Wir finden nicht die Anmut und Bewegung, die die Bilder von Degas charakterisieren, und der Kontrast zwischen dem Rosa der Socken und dem Blau ihres Tutus macht diese Arbeit sehr kraftvoll. Zwei Details sind besonders hervorzuheben: Auf der einen Seite befindet sich ein Spiegel mit mechanischer Qualität, auf der anderen Seite ein weicher und leichter Vorhang. Die beiden Elemente scheinen eine Bühne für den Tänzer zu begrenzen, der in der Mitte steht.

Blumenkohl
In diesem Werk aus dem Jahr 1917 wird die Aufmerksamkeit deutlich, die sowohl den impressionistischen Malern als auch Zandomeneghi dem Stillleben geschenkt hat. Obwohl dies nicht eines der Hauptthemen in den Gemälden dieser Zeit ist, ist es ein Thema, das es, wie in Manets Werken zu sehen ist, ermöglicht, sich auf die Erscheinung von Objekten zu konzentrieren. Die Dinge scheinen ungeschehen zu werden, hier ist das Gemüse fast eine Ausrede, um mit Strichen und Farben zu experimentieren, und solch ein vertrautes Objekt scheint geadelt zu sein.

Äpfel
Diese Arbeit widmet den formalen Aspekten der Malerei viel mehr Aufmerksamkeit. Hier wird die Frucht verwendet, wie es zum Beispiel in Cezanne der Fall ist, um Volumen und Kontrast zwischen verschiedenen Bereichen des Gemäldes zu erzeugen, in denen verschiedene Farben verwendet werden. Zandomeneghi wird oft für eine gewisse Steifheit kritisiert. Seine Kunst besteht jedoch auch darin, einige Aspekte des Lebens zu immobilisieren und sie in einen endlosen Spiegel zu setzen. Wenn man sich die Leinwand genau ansieht, ist es auch möglich, schnelle Striche zu erkennen, die die Farbe ständig neu zusammensetzen und mit Licht spielen, einem Licht, das venezianischer als Pariser ist.

Mutterschaft
Der Florentiner Armando Spadini gilt als Begründer der römischen Schule. In seinem kurzen Leben nahm er an einer wichtigen Reihe von Ausstellungen in Italien teil; Außerdem veranstaltete er 1924 eine Einzelausstellung auf der Internationalen Kunstausstellung in Venedig. Mutter und Kind sind ein wiederkehrendes Thema in Spadinis Werk: Er porträtiert sie mit einem postimpressionistischen Touch und kreiert Figuren aus fast nichts, angereichert mit einer großartigen Chromatik Qualität. In diesem 1911 vollendeten Werk stützt sich ein schlafendes Kind auf den Busen einer glücklichen Mutter in einer bürgerlichen Umgebung, die die Darstellung von Intimität zu seiner Stärke macht.

Familiengruppe
Selbst Spadini ist sich trotz des geringen Austauschs mit ausländischen Künstlern der Bedeutung der impressionistischen Malerei bewusst. In dieser Gruppe von Mutter, Sohn, Tochter und Magd scheinen sich Körper und Kleider in einem Wirbel von Empfindungen zu lösen, der an die Gemälde von Renoir erinnert. Wir sind jedoch bereits in der zweiten Dekade des zwanzigsten Jahrhunderts. Die Künstlerin kreiert für den Postimpressionismus typische Striche und Bewegungen in den langen Armen der Mutter und im Muster der floralen Verzierungen des Wandteppichs, die sich auf unnatürliche Weise drehen, um die Figuren zu umarmen.

Junge mit einem Teller mit Früchten
Bei Spadini ist es schwierig, zwischen Skizzen und fertigen Arbeiten zu unterscheiden. Was hier jedoch deutlich wird, ist die Fähigkeit, die Kindheit so darzustellen, wie sie ist, eine kontinuierliche Mischung aus aufrichtigen Emotionen, einschließlich Glück und Verwirrung. Hier scheint das Kind die umgebende Realität mit lebhaften Augen zu erkunden, während es seinen Körper versteift und neben einem schönen Teller voller Früchte sitzt, der das Gemälde mit seinen leuchtenden Farben beleuchtet. Das Werk ist 1913 datiert.

Mädchen unter Blumen
Hier ist eines der Meisterwerke des Malers, wahrscheinlich aus den Jahren um 1915. Auf der Rückseite der Leinwand befindet sich eine Skizze einer Henne. Renoir ist wieder der Name, der mir in den Sinn kommt. Wir könnten hier über Panikimpressionismus sprechen, weil das Bild des kleinen Mädchens auf wunderbare Weise mit den Blumen verschmilzt, die es zu greifen beginnt, und sie scheinen ihre Jugend zu streicheln. Im Triumph der Farben bemerken wir das prächtige Ohrschmuck, das zu blühen scheint, während es unter ihren Haaren hervorkommt. Augen und Lippen sind als Risse auf ein sanft lächelndes Gesicht gemalt, verloren in einem Ausdruck, der fast nur aus Licht besteht.

Jungs unter freiem Himmel
Was sich hier ausdrückt, ist die Liebe des Malers zur Kindheit, die ohne Rhetorik dargestellt wird. Spadini bleibt in engem Kontakt mit der Realität. Dies zeigt die Arbeit aus dem Jahr 1915, in der zwei Kinder porträtiert sind, eines kleiner und eines ein paar Jahre älter, während sie sich nachdenklich durch einen Park wundern. Die Bäume dahinter bieten die perfekte Kulisse, ein grünes Licht und lila Schatten, um dieses schwierige Zeitalter genau darzustellen. Das Kind auf der linken Seite legt seine kleine Hand auf das Kinn, während es mit der anderen Hand einen Ball hält und wegschaut, als wolle es erraten, was die Zukunft für ihn bereithält.

Junge mit grün
Das Kind scheint mit den Händen die verschiedenen Gemüsesorten zu erkunden, die jemand auf dem Tisch liegen gelassen hat. Hier werden die Farben kräftig, das Rot ist in vielen Bereichen der Leinwand sichtbar, auch auf den Wangen des Babys, im Kontrast zu den blauen Augen und dem dichten dunklen Haar, das auch einige blaue Reflexe zeigt. Man kann dieses Gemälde zu Recht als expressionistisch bezeichnen, denn in der oberen linken Ecke gibt es einen Bereich, in dem die Farbe überhand nimmt: Es ist vielleicht ein Schrank, aber es ist schwierig zu erkennen, was das Objekt ist, da es keinen figurativen Bezug mehr gibt typisch für den Impressionismus.

Der Morgen
Ein weiteres Meisterwerk aus dem Jahr 1918. Der Künstler fertigte eine vorläufige Skizze des gleichnamigen Gemäldes an. Darin fehlen die Blumen, die zum Teil die Mutter bedecken. Das Gemälde ist ziemlich groß und beeindruckend: Ein gut gebautes Kind wendet sich einem Publikum zu, das es bewundert. Die Frau sitzt auf einem wunderschön dekorierten Bett mit blumigen Vorhängen, die dunkle Decke scheint sich zu kräuseln; Sie umarmt und streichelt ihren Sohn. Das Gemälde zeigt die Kraft einer unbestreitbaren und intakten Bindung. Die Kritiker der damaligen Zeit sprachen vom Einfluss von Rubens und Renoir, weil die Züge von Spadinis Figuren manchmal an die Überfülle des flämischen Malers erinnern. Die Süße der Szene wird jedoch direkt und aufrichtig vermittelt.

Bäume in der Villa Borghese
Der große Park in Rom ist hier sehr ausdrucksvoll gemalt. Das grüne Gras und die Blätter scheinen im fast herbstlichen Laub der höchsten Bäume zu schmelzen. Spadini geht es nicht um die Volumina oder um die exakte Darstellung der Dinge. Am wichtigsten ist der Ausdruck, die Lebendigkeit und die Wahrheit des Gefühls. So sind seine Bilder oft kleine Wunder der kompositorischen Ausgewogenheit.

Nackt
Dieses Werk aus dem Jahr 1918 spiegelt die große Revolution der zeitgenössischen europäischen Kunst wider. Die Beteiligung des Malers an dieser Bewegung zeigt sich in der Anmut und Einfachheit dieser nackten Frau, im Wandteppich und im in Farbwellen verteilten Bett, in der extremen Synthese der Obstschale: Hier zeigt sich, dass Spadini nicht nur gelernt hat die große Lehre von Manet, aber dass er auch mit der Arbeit von Henri Matisse in Kontakt gekommen war. In den nackten Formen zeigt sich eine sanfte Sinnlichkeit, die auch den versunkenen Ausdruck des jungen Mädchens vermittelt, das sich uns auf einfache und echte Weise zeigt.

Studienfigur
Anna, Andrea und Maria, drei von Spadinis Kindern, sind die Protagonisten dieses in den letzten Lebensjahren des Malers komponierten Werkes. Jungen, die keine Kinder mehr sind, schauen etwas oder jemanden an, den wir nicht sehen können. Sie scheinen konzentriert zu sein, als ob wir eine Geschichte oder Musik hören, wir wissen nicht genau, was. Der Maler gibt der Gruppe Bewegung und verwandelt die Unbeweglichkeit der drei Jungen in einen kleinen Wirbel von Empfindungen, der auch die Wände des Raumes zu durchdringen scheint, in dem sie sitzen. An einigen Stellen verschwinden die Details von Körpern und Roben, an anderen Orte, an denen sie kraftvoll hervorstechen, wie es bei dem dunklen Band in Annas Haar der Fall ist, das auch das Zentrum der Komposition darstellt.

Katzen
Die Katze ist vielleicht das Haustier, das besser mit den Emotionen und Gefühlen von Männern in Kontakt treten kann. Hier zeigt der Maler zwei Jahre vor seinem Tod eine katzenartige Mutter-Kind-Szene mit der gleichen Anmut, die in vielen seiner Gemälde von Müttern und Kindern verwendet wurde. Die drei Kätzchen drängen sich um die Mutterkatze, die in ihrem stillen Stolz scheinbar teilnahmslos bleibt. Sie haben verschiedene Farben und verschiedene Posen, die drei Kätzchen sind ein Meisterwerk der Lebendigkeit und des triumphalen Lebens.

Frauenkopf
Bereits krank komponierte Spadini dieses Werk mit der Darstellung seiner Frau Pasqualina. Dieses Gemälde kann als Darstellung eines heiligen Themas definiert werden, in der Tat hatte der Maler Jahre zuvor an einer Entdeckung von Moses gearbeitet, die in Bezug auf diesen Kopf gesehen werden muss. Der Stil hier ist streng und verblasst und scheint die Akzeptanz des Lebensendes anzudeuten. Ein schönes und trauriges Gesicht drückt die Fähigkeit aus, Gefühle darzustellen, das Haupttalent von Spadini, Meister der Berührung und Farbe.

Palazzo Te
Der Palazzo Te ist ein historisches und monumentales Gebäude in Mantua. Ein schönes Beispiel für den manieristischen Baustil. Erbaut zwischen 1524 und 1534 im Auftrag von Federico II. Gonzaga, ist es das berühmteste Werk des italienischen Architekten Giulio Romano. Der Komplex beherbergt heute das Stadtmuseum und seit 1990 das Internationale Zentrum für Kunst und Kultur des Palazzo Te, das Ausstellungen alter und moderner Kunst und Architektur organisiert.