Moderne indische Malerei

Die Moderne indische Kunstbewegung in der indischen Malerei gilt als in begonnen Kalkutta im späten neunzehnten Jahrhundert. Die alten Traditionen der Malerei sind mehr oder weniger ausgestorben Bengalen und neue Kunstschulen wurden von den Briten gegründet. Anfänglich griffen Protagonisten der indischen Kunst wie Raja Ravi Varma auf westliche Traditionen und Techniken zurück, einschließlich Ölfarbe und Staffeleimalerei. Eine Reaktion auf den westlichen Einfluss führte zu einer Wiederbelebung des Primitivismus, der als bengalische Kunstschule bezeichnet wird, die auf das reiche kulturelle Erbe von Bengalen zurückgreift Indien . Es wurde von der Santiniketan-Schule abgelöst, die von Rabindranath Tagore geleitet wurde, der auf das idyllische Landleben und das ländliche Leben zurückgriff. Trotz ihres landesweiten Einflusses in den ersten Jahren, sank die Bedeutung der Schule in den vierziger Jahren und jetzt ist sie so gut wie tot.

Britische Kunstschulen
Öl und Staffelei In Indien begann Anfang des achtzehnten Jahrhunderts, wo viele europäische Künstler wie Zoffany, Kettle, Hodges, Thomas und William Daniell, Joshua Reynolds, Emily Eden und George Chinnery kamen Indien auf der Suche nach Ruhm und Reichtum. Die Höfe der fürstlichen Bundesstaaten Indiens waren aufgrund ihrer Förderung der bildenden und darstellenden Künste und ihres Bedürfnisses nach europäischem Porträts ein wichtiges Zeichen für europäische Künstler

Die Händler der East India Company stellten auch einen großen Markt für einheimische Kunst zur Verfügung. Aus der Aquarellmalerei auf Papier und Glimmer entwickelte sich in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts ein eigenständiges Genre, das Alltagsszenen, Insignien fürstlicher Höfe und einheimische Festlichkeiten und Rituale darstellte. Bezeichnet als „Company Style“ oder “ Patna Stil „, blühte es zuerst in Murshidabad auf und breitete sich auf andere Städte der britischen Oberhoheit aus. Der Stil wird von Behörden als“ von hybridem Stil und unvorteilhafter Qualität „betrachtet.

Nach 1857 kamen John Griffiths und John Lockwood Kipling (Vater von Rudyard Kipling) zusammen nach Indien; Griffith leitete die Sir JJ School of Art und galt als einer der besten viktorianischen Maler, die nach Indien kamen, und Kipling leitete 1878 sowohl die JJ School of Art als auch die Mayo School of Arts in Lahore.

Die aufgeklärte Haltung des achtzehnten Jahrhunderts, die eine frühere Generation von Briten gegenüber der indischen Geschichte, den Denkmälern, der Literatur, der Kultur und der Kunst gezeigt hatte, nahm in der Mitte des neunzehnten Jahrhunderts eine Abkehr. Frühere Manifestationen der indischen Kunst wurden als „tot“ und als Zeug der Museen weggebürstet; „Aus der offiziellen britischen Perspektive, Indien Englisch: www.db-artmag.de/2003/14/e/2/140.php Kunst hatte keine lebendige Kunst. „Um die westlichen Werte in der Kunstausbildung und der kolonialen Agenda zu propagieren, gründeten die Briten Kunstschulen in Kalkutta und Madras 1854 und in Bombay 1857.

Raja Ravi Varma
Raja Ravi Varma (1848-1906) war ein bemerkenswerter Autodidakt aus dem fürstlichen Bundesstaat Travancore. Seine Exposition im Westen kam, als er 1873 den ersten Preis in der Wiener Kunstausstellung gewann. Varmas Gemälde wurden auch an die World’s Columbian Exposition in London geschickt Chicago im Jahr 1893 und seine Arbeit wurde mit zwei Goldmedaillen ausgezeichnet. Er gilt als der erste der Modernisten, und zusammen mit Amrita Sher-gil (1913-1941), die Hauptvertreter der westlichen Techniken, um eine neue Ästhetik in der subjektiven Interpretation der indischen Kultur mit dem Versprechen der Materialität im Medium zu entwickeln von Ölen und das Realitäts-Paradigma des Spiegel- / Fensterformats der Staffelei „. Einige andere prominente indische Maler, die im 19. Jahrhundert geboren sind, sind Mahadev Vishwanath Dhurandhar (1867-1944), Antonio Xavier Trindade (1870-1935), Manchershaw Fakirjee Pithawalla (1872-1937), Sawlaram Lakshman Haldankar (1882-1968) und Hemen Majumdar ( 1894-1948).

Die Arbeit von Varma wurde als eines der besten Beispiele für die Verschmelzung indischer Traditionen mit den Techniken der europäischen akademischen Kunst im kolonial-nationalistischen Rahmen des 19. Jahrhunderts angesehen. Er ist vor allem für seine Gemälde von schönen Sari-bekleideten Frauen bekannt, die als formschön und anmutig dargestellt wurden. Varma wurde in seiner Darstellung von Szenen aus den Epen des Mahabharata und Ramayana zum bekanntesten Allegorien indischer Themen.

Raja Ravi Varma betrachtete seine Arbeit als „die Schaffung einer neuen zivilisatorischen Identität im Sinne des Indien des 19. Jahrhunderts“. Er zielte darauf ab, einen indischen Kanton der Kunst in der Art der klassischen griechischen und römischen Zivilisationen zu bilden. Varmas Kunst spielte eine wichtige Rolle in der Entwicklung des indischen Nationalbewusstseins. Varma kaufte eine Druckerpresse, die Ölkopien seiner Gemälde hervorbrachte, die die bürgerlichen Häuser von Indien , viele Jahrzehnte nach seinem Tod. Als ein Genie in seiner heydey, innerhalb von ein paar Jahren seines Todes, Varma Gemälden unter strengen Beschränkungen für die Nachahmung der westlichen Kunst.

Raja Ravi Varma starb 1906 im Alter von 58 Jahren. Er gilt als einer der größten Maler in der Geschichte der indischen Kunst.

Herr Vaibhav S. Adhav

Picasso von Indien ist in Jugendgesicht von Herrn Vaibhav S. Adhav gekommen. Der Vaibhav S. Adhav ist indischer moderner Künstler. Und er hat eine neue Kunstform gemacht, deren Name Indo-Euro Modern ist. Dies ist eine einzigartige Kunst, die es in der Welt gibt. Er basiert auf Indien . Er hat dort Kunst in Modern, Zeitgenössisch, Indisch, Europäisch, Warli, Landschaft etc. entwickelt. Jetzt ist er die Zukunft der indischen Kunst, die sich der globalen Plattform verschrieben hat.

Das Bengalen Schule
Während der Kolonialzeit hatten westliche Einflüsse begonnen, sich auf die indische Kunst auszuwirken. Einige Künstler entwickelten einen Stil, der westliche Ideen von Komposition, Perspektive und Realismus benutzte, um indische Themen zu illustrieren, wobei Raja Ravi Varma eine prominente Rolle spielte. Die bengalische Schule entstand als eine avantgardistische und nationalistische Bewegung, die gegen die akademischen Kunststile, die zuvor in Indien sowohl von indischen Künstlern wie Varma als auch von britischen Kunsthochschulen.

Nach dem weit verbreiteten Einfluss indischer spiritueller Ideen im Westen versuchte der britische Kunstlehrer Ernest Bilfield Havel, die Lehrmethoden an der Kalkutta School of Art zu reformieren, indem er Studenten ermutigte, Mughal-Miniaturen nachzuahmen. Dies führte zu einer immensen Kontroverse, die zu einem Streik von Studenten und Beschwerden der lokalen Presse führte, einschließlich von Nationalisten, die dies als rückschrittlich betrachteten. Havel wurde von dem Künstler Abanindranath Tagore, einem Neffen des Dichters Rabindranath Tagore, unterstützt.

Abanindranath malte eine Reihe von Werken, die von der Mughal-Kunst beeinflusst waren, ein Stil, den er und Havel für ausdrucksvoll hielten Indien im Gegensatz zu dem „Materialismus“ des Westens. Sein bekanntestes Gemälde, Bharat Mata (Mutter Indien), stellte eine junge Frau dar, die in der Art hinduistischer Gottheiten mit vier Armen dargestellt ist und Objekte symbolisiert Indien nationale Bestrebungen. Die anderen prominenten Figuren der Bengalischen Kunstschule waren Gaganendranath Tagore, Abanindranaths älterer Bruder, Jamini Roy, Mukul Dey, Manishi Dey und Ram Kinker Baij, der als Pionier der modernen indischen Skulptur berühmt ist. Eine andere wichtige Persönlichkeit dieser Epoche war Chittaprosad Bhattacharya, der den Klassizismus der Bengalen Schule und seine spirituellen Sorgen. Sein Buch Hungry Bengal: Eine Tour durch Midnapur District enthielt viele Skizzen der bengalischen Hungersnot aus dem Leben, sowie eine Dokumentation der abgebildeten Personen. Das Buch wurde sofort von den Briten verboten und 5000 Exemplare wurden beschlagnahmt und zerstört. Nur eine Kopie wurde von Chittaprossads Familie versteckt und befindet sich nun im Besitz des Delhi Kunst Galerie .

In den ersten Jahren des 20. Jahrhunderts entwickelte Abanindranath Verbindungen zu japanischen Kulturschaffenden wie dem Kunsthistoriker Okakura Kakuzō und dem Maler Yokoyama Taikan im Rahmen einer globalisierten modernistischen Initiative mit panasiatischen Tendenzen.

Diejenigen, die mit diesem indo-fernöstlichen Modell in Verbindung standen, waren Nandalal Bose, Benode Behari Mukherjee, Vinayak Shivaram Masoji, BC Sanyal, Beohar Rammanohar Sinha und später ihre Schüler A. Ramachandran, Tan Yuan Chameli und einige andere. Das Bengalen Der Einfluss der Schule auf die indische Kunstszene begann allmählich mit der Verbreitung der modernistischen Ideen nach der Unabhängigkeit zu lindern.

Santiniketan
Der Mantel des Bengalen Schule wurde aufgegriffen, als Rabindranath Tagore den Visionär gründete Universität von Santiniketan Eine Universität konzentrierte sich auf die Bewahrung und Förderung der indischen Kultur, Werte und des Erbes. Es umfasste eine Kunstschule „Kala Bhavan“, die 1920-21 gegründet wurde. Obwohl Rabindranath selbst in seinem langen, produktiven Leben zu spät zur Malerei kam, beeinflussten seine Ideen die indische Moderne stark. Im privaten Bereich fertigte Tagore kleine, mit Tinten bemalte Zeichnungen an, für die er aus seinem Unterbewusstsein Inspiration für seinen Primitivismus schöpfte. Im öffentlichen Leben kann Rabindranaths Primitivismus direkt einem antikolonialen Widerstand zugeschrieben werden, ähnlich dem von Mahatma Gandhi.

Einer der frühen Schüler von Abanindranath Tagore war Nandalal Bose, der später Lehrer wurde und später Direktor für Kunst. Nandalal führte die Schule zu einer Position der Vorrangstellung in der nationalistischen Ideologie, die jetzt in der indischen Kultur auftaucht. Die Shantiniketanische Denkschule betonte, dass „eine Ästhetik auch ein Ethos ist, dass die Rolle der Kunst mehr ist als das Leben, sie hat die Welt geprägt“. Sie begründete eine indische Version des Naturalismus, die sich von den orientalischen und westlichen Schulen unterscheidet. Ein Beispiel dafür ist der Verzicht auf Öl- und Staffelmalerei für Papierarbeiten, gezeichnet / gefärbt mit Aquarellfarben, Waschungen, Tempera und Tinte. Der Traum von Rabindranath Tagore, alte Werte zu verehren, die durch Motive wie Landbewohner, insbesondere Santhal-Stämme, verkörpert werden, kam in den kunstbezogenen Schulen der Viswa-Bharati-Universität in Santiniketan zur Geltung. Einige der prominenten Künstler der Schule Santiniketan sind Benjamin Behari Mukherjee, Ramkinkar Baij, Shanko Chowdhury, Dinkar Kowshik, KG Subramanyan, Beohar Rammanohar Sinha, Krishna Reddy, A Ramachandran, Shobha Brhma, Ramananda Bandhapadhyay, Dharma Narayan Dasgupta, Sushen Ghose, Janak Jhankar Narzary.

Kontextuelle Moderne
Die Idee der kontextuellen Moderne entstand 1997 aus R. Siva Kumars Santiniketan: Die Herstellung einer kontextuellen Moderne als postkoloniales kritisches Werkzeug zum Verständnis einer alternativen Moderne in den bildenden Künsten der ehemaligen Kolonien Indien , speziell der der Santiniketanischen Künstler.

Einige Begriffe, darunter Paul Gilroys Gegenkultur der Moderne und Tani Barlows koloniale Modernität, wurden verwendet, um die Art alternativer Modernität zu beschreiben, die in außereuropäischen Kontexten auftauchte. Professor Gall argumentiert, dass „Contextual Modernism“ besser geeignet ist, weil „Kolonialismus in der kolonialen Moderne nicht die Verweigerung vieler Menschen in kolonisierten Situationen berücksichtigt, die Minderwertigkeit zu internalisieren.“ Santiniketans Verweigerung der Unterordnung der Künstler lehrte eine Gegenvision der Moderne um den rassischen und kulturellen Essentialismus zu korrigieren, der die imperiale westliche Moderne und Modernismus auszeichnete und charakterisierte. Diese europäischen Modernitäten, projiziert durch eine triumphierende britische Kolonialmacht, provozierten nationalistische Reaktionen, die ebenso problematisch waren, wenn sie ähnliche Essentialismen einschlossen.

Laut R. Siva Kumar „waren die Künstler aus Santiniketan eine der ersten, die diese Idee der Moderne bewusst in Frage stellten, indem sie sich sowohl aus der internationalistischen Moderne als auch aus der historisierenden Indigenität entschieden und versuchten, eine kontextsensitive Moderne zu schaffen.“ Er beschäftigte sich seit den frühen 80er Jahren mit der Arbeit der santiniketanischen Meister und dachte über ihre Annäherung an die Kunst nach. Die Praxis, Nandalal Bose, Rabindranath Tagore, Ram Kinker Baij und Benode Behari Mukherjee unter der Bengal School of Art zusammenzufassen, war laut Siva Kumar irreführend. Dies geschah, weil frühe Autoren eher durch Genealogien der Lehre als durch ihre Stile, Weltanschauungen und Perspektiven auf die Kunstpraxis geleitet wurden.

Kontextuelle Moderne in der jüngsten Vergangenheit hat ihre Verwendung in anderen verwandten Bereichen der Studien, insbesondere in der Architektur gefunden.

Nach der Unabhängigkeit
Zur Zeit von Unabhängigkeit im Jahr 1947, mehrere Kunstschulen in Indien Zugang zu modernen Techniken und Ideen. Galerien wurden eingerichtet, um diese Künstler zu präsentieren. Moderne indische Kunst zeigt typischerweise den Einfluss westlicher Stile, wird aber oft von indischen Themen und Bildern inspiriert. Große Künstler gewinnen zunehmend internationale Anerkennung, zunächst in der indischen Diaspora, aber auch bei nicht-indischen Zuhörern.

Die Progressive Artists ‚Group, gegründet kurz nach Indien wurde 1947 unabhängig, sollte neue Formen des Ausdrucks zu etablieren Indien in der postkolonialen Ära. Sein Gründer war Francis Newton Souza und SH Raza, MF Husain und Manishi Dey waren frühe Mitglieder. Es beeinflusste nachhaltig das Idiom der indischen Kunst. Fast alle großen Künstler von Indien in den 1950er Jahren wurden mit der Gruppe verbunden. Unter ihnen waren Akbar Padamsee, Sadan und Bakre, Ram Kumar, Tyeb Mehta, KH Ara, HA Gade und Bal Chabda. 1950 traten VS Gaitonde, Krishen Khanna und Mohan Samant der Gruppe bei. Die Gruppe löste sich 1956 auf.

Andere berühmte Maler wie Narayan Shridhar Bendre, KKHebbar, KCS Paniker, Sankho Chaudhuri, Antonio Piedade da Cruz, KG Subramanyan, Beohar Rammanohar Sinha, Satish Gujral, Bikash Bhattacharjee, Jehangir Sabavala, Sakti Burman, A. Ramachandran, Ganesh Pyne, Nirode Mazumdar, Ghulam Mohammed Sheikh, Jahar Dasgupta, Prokash Karmakar, John Wilkins, Vivan Sundaram, Jogen Chowdhury, Jagdish Swaminathan, Jyoti Bhatt, Bhupen Khakhar, Jeram Patel, Narayanan Ramachandran, Paramjit Singh, Pranab Barua, Dom Martin (der surrealistische Maler aus Goa) und Bijon Choudhuri bereicherte die Kunstkultur Indiens und sie wurden zu Ikonen der modernen indischen Kunst. Künstlerinnen wie B. Prabha, Shanu Lahiri, Arpita Singh, Anjolie Ela Menon und Lalita Lajmi haben immense Beiträge zur modernen indischen Kunst und Malerei geleistet. Kunsthistoriker wie Prof. Rai Anand Krishna haben auch auf Werke moderner Künstler Bezug genommen, die das indische Ethos widerspiegeln. Einige der gefeierten zeitgenössischen indischen Künstler sind Nagasamy Ramachandran, Jitish Kallat, Atul Dodiya und Geeta Vadhera, die bei der Übersetzung komplexer, indischer spiritueller Themen wie Sufi-Gedanken, Upanishaden und Bhagwad Geeta große Anerkennung gefunden haben.

Die indische Kunst wurde durch die wirtschaftliche Liberalisierung des Landes seit den frühen 1990er Jahren angekurbelt. Künstler aus verschiedenen Bereichen brachten nun unterschiedliche Arbeitsstile ein. Nach der Liberalisierung arbeitet die indische Kunst nicht nur innerhalb der akademischen Traditionen, sondern auch außerhalb. Künstler haben neue Konzepte eingeführt, die bisher in der indischen Kunst nicht zu finden waren. Devajyoti Ray hat ein neues Genre der Kunst namens Pseudorealism eingeführt. Pseudorealistische Kunst ist ein origineller Kunststil, der vollständig auf indischem Boden entwickelt wurde. Der Pseudorealismus berücksichtigt das indische Konzept der Abstraktion und verwandelt damit regelmäßige Szenen des indischen Lebens in fantastische Bilder.

In der Post-Liberalisierung Indien Auf dem internationalen Kunstmarkt haben sich viele Künstler etabliert, wie der abstrakte Maler Natvar Bhavsar, der abstrakte Kunstmaler Nabakishore Chanda und der Bildhauer Anish Kapoor, deren postminimalistische Mammutwerke wegen ihrer Größe Aufmerksamkeit erregt haben. Viele Kunsthäuser und Galerien haben auch in eröffnet USA und Europa indische Kunstwerke zu präsentieren.

Kunstwissenschaftler wie Vaibhav S. Adhav, C. Sivaramamurti, Anand Krishna, R. Siva Kumar und Geeta Kapur haben Indian Art zu einer globalen Plattform gemacht.